A peine un an après la sortie de « Lo-Fi, Back to Tape », l’Italien Antonio Vitale –alias Jester at Work– s’est déjà remis au travail et prouve par la même occasion qu’il a opté pour le bon patronyme… « Magellano » a été composé à proximité d’un port, et les bateaux avaient probablement pour destination l’Amérique, car tout chez Jester respire les States, de sa voix goudronnée à ses divagations blues acoustiques. L’homme fait imparablement penser à un Admiral Freebee italien ou à un Johnny Cash qui serait né et aurait vécu à Pescara ! « Magellano » regorge de pépites, élaborées dans l’esprit proche de l’illustre explorateur. Les plus belles ? Le très court « Little Sad Song » et le féroce « Estacion 14 ». A découvrir absolument !
Vous n’avez jamais entendu parler de cette formation canadienne ? Pas grave, leur notoriété ne saurait tarder. Et pour cause, ce deuxième album est une véritable bouffée d’air frais qui balaie la sphère rock contemporaine. Un peu comme les Strokes avait fait, il y a quelques années. Hooded Fang remet au goût du jour le rock garage des 60’s. Les morceaux sont accrocheurs. Opérée par le groupe, la mise en forme semble bâclée. Pourtant, il n’en est rien. En fait, elle est destinée à entretenir un climat vintage. Cristallins, les riffs de guitares se glissent entre les nappes d’orgue. La ligne de basse est caoutchouteuse. Entraînante, la voix de Daniel Lee est régulièrement soutenue de chœurs.
Même s’il ne dure à peine que 23 minutes, ce disque aurait dû sortir en vinyle, un matériau qui correspond parfaitement à ce type de musique, qui doit encore susciter chez vos parents, une certaine nostalgie. Une belle excuse pour autoriser les enfants à aller fouiller dans la vinylothèque de leurs ascendants, afin d’y découvrir des trésors cachés et avant-gardistes…
Les Londoniens de Dry the River, sorte de Mumford & Sons 2012, publient leur premier LP, « Shallow Bed » et tout le monde s’emballe. Ou presque. Il y a certes de l’ambition dans cette première œuvre acclamée de toutes parts, mais il y a du bon comme du tout pourri là-dedans. Pour apprécier pleinement les capsules pop-rock du quintet, il est clairement indispensable d’adhérer aux vocalises de Peter Liddle. La voix du chanteur est de celles qu’il est assez facile de détester. Surtout lorsque celle-ci devient larmoyante ou s’essaie à des envolées lyriques appuyées, comme sur le single « No Rest » ou « New Ceremony », un morceau qui aurait aussi bien pu être gravé sur un disque de The Killers.
« Shallow Bed » n’est en fait jamais aussi bon que lorsque les cinq Londoniens proposent des compos tout en retenue. A ce titre, le trio final « Shaker Hymn », « Weights & Measures » et « Lion’s Den » font la nique à tous les morceaux précédents. Et largement. La première œuvre de Dry The River réussit à parfaitement amalgamer finesse et polissage. Si bien que la formation finira quoi qu’il en soit sur les plus grands podiums, tôt ou tard. D’autant que les petits gars peuvent se targuer d’avoir été nominés dans l’infaillible liste ‘Sound Of 2012’ de la BBC. A suivre, peut-être…
Parti de Berchem en 1998, Daan Stuyven a parcouru depuis pas mal de chemin. A la lisière des confluents de notre beau pays, et au-delà. Une route sertie de joyaux, comme un soleil perçant la brume en hiver. Car la musique de DAAN est faite d’images, autant que de sons.
Retraçant la tournée accomplie en formule trio l’an dernier (et reconduite encore depuis, notamment lors des PIAS Nites) cette double galette nous offre donc la possibilité de (re)voir et entendre les chansons de cet artiste humble mais terriblement talentueux.
Au passage, on appréciera l’esthétique soignée de la vidéo, du packaging, et on se délectera de ces versions déshabillées, mises en lumière par Isolde Lasoen et Jean François Assy.
Parmi les perles de cet opus, on épinglera « Ashtray », le sombre « Neverland » (qui pourrait être la Belgique), l’incontournable « Simple » repris en chœur par le public (un des moments forts de ses concerts), la chevauchée accomplie tout au long d’« Icon » et le conquérant « Victory ». Et au sein de cette discographie irréprochable, elles sont précieuses…
Quand la musique populaire revêt ses atours de grands soirs et s’élève au rang de beauté céleste.
La mode serait-elle aux hommages ?
Il y a quelques semaines à peine, une flopée d’artistes saluaient la mémoire de Monsieur 100 000 volts (Gilbert Bécaud pour les ignorants). Aujourd’hui, un duo réunissant Florence Coste (inconnue au bataillon, en tout cas au mien) et Julien Dassin (fils de l’autre) choisit de reprendre à son compte les plus grands succès d’Yves Montand.
A l’inverse de la compile concernant Bécaud où chacun y allait de sa petite touche personnelle pour tenter de donner une nouvelle vie ou une autre dimension au morceau interprété, sur ce CD consacré à « Monsieur Montand », on a droit à des reprises fades, insipides, incolores car bien que recherchant le style ‘Yves Montand’ on n’en n’a qu’une très pâle imitation. Le hic dans ce cas-ci, c’est qu’en voulant rester trop fidèle au modèle, soit on casse la baraque ou on se casse la gueule. Et bardaf, c’est l’embardée (ça vous rappelle rien ?)
Car n’est pas Montand qui veut !
L’esprit ‘guinguette’ cher au grand Yves est bien conservé car l’instrumentation n’a pas changé d’un iota et elle est même excellente ; mais les voix sont loin, très loin d’avoir le charme, la force, la personnalité du célèbre Interprète…
En un mot comme en cent, même si la qualité d’enregistrement d’antan est sans aucun doute certainement moins bonne que celle-ci, rien ne vaut l’original. En effet sur ce disque, l’ennui transpire de la première à la dernière mesure et on serait bien tenté de reprendre les vinyles du ‘Papet’ même s’ils crachouillent du début à la fin…
Du vent, que du vent…
Cet album était tombé dans d’obscurs limbes et voit enfin le jour.
Il s’ouvre par le génial « Half red, Half Way », de quoi permettre à All The Saints d’afficher d’emblée ses intentions. Plus de bruit, moins de confort. Pour le plus grand plaisir de nos pavillons auditifs tout acquis à la cause bruitiste.
Suite tardive de « Fire In Corridor X », cet album explore des terrains plus abrupts ; et pourtant, l’audace est payante.
Expérimental et sans concession (se référer à « 4H Trip »), ATS est une sorte de pendant lumineux d’A Place To Bury Strangers.
Ne dénigrant pas leur affection pour les mélodies, ces résidents d’Atlanta distillent leurs chansons sous un vernis craquelé.
L’opus a été enregistré au sein de différents studios ; et pourtant ces inconvénients matériels ne nuisent ni n’affectent l’homogénéité de l’ensemble…
Cet album regorge de trouvailles et des titres comme « EIO » ou le brumeux « Intro To Fraction » semblent simplement imparables, tandis qu’un O.V.N.I. tel « Dangerflowers » propulse l’auditeur dans un univers inquiétant et quelque peu malsain.
Rempli de (bonnes) surprises, cet elpee est source de grands plaisirs auxquels beaucoup risquent de succomber.
Ce qui aurait pu être un des albums de 2011, devrait figurer au sein de mon top, en 2012…
Against Me ! est considéré comme un porte drapeau du punk américain ; et ce depuis sa formation, en 1999. Un punk énergique teinté de folk irlandais dont le groupe floridien a fait sa marque de fabrique.
Sorti en 2010 aux USA, « White Crosses » vient d’être réédité par Xtra Mile, un opus enrichi d’un second cd réunissant des titres interprétés en version acoustique. Pour enregistrer ce cinquième elpee, Against Me ! avait fait appel au grand Butch Vig (Nirvana, Smashing Pumpkins, Sonic Youth, …) à la production. Vu la présence de cet homme derrière les manettes et les antécédents d’Against Me !, on pouvait s’attendre logiquement à un opus musclé. Ce n’est pas du tout le cas. A se demander si le groupe n’amorce pas un tournant dans sa carrière. Un changement de cap, d’ailleurs largement assumé par le leader Tom Gabel. Against Me ! veut remplir les stades et s’est donc tourné vers une power pop aux légers accents punk. Et « White Crosses » en est la plus parfaite démonstration.
Le plus bel exemple ? « We’re Breaking Up ». La mélodie est contagieuse et les breaks sont téléphonés. Il ne reste plus qu’à sortir les briquets ! Tout au long de cet elpee, le groupe alterne morceaux électriques et acoustiques (« Ache with Me ») de la même trempe. Attention, ce disque n’est pas de mauvaise facture. Le songwriting de Tom Gabel est toujours aussi efficace. Mais les véritables aficionados d’Against Me ! risquent fort de crier à la trahison. Quant aux autres, ils verront peut-être dans ce virage à 180°, une affirmation de leur identité musicale. Une chose est certaine, ce long playing ne laissera pas indifférent.
Actif sur la scène belge depuis 1998, le groupe mouscronnois Adolina a engrangé une expérience considérable lors des nombreux concerts accordés aux quatre coins de la Belgique et de la France. Au cours de ces dernières années, le groupe a notamment partagé la scène de Chokebore, Reiziger, Gâtechien, 31 Knots, Papier Tigre et j’en passe. Ces quatorze années de parcours ont également permis à Adolina d’évoluer, pour atteindre finalement une identité musicale caractéristique. Et leur nouvel opus, en est la plus belle démonstration.
Si on peut aisément épingler les influences (NDR : Reiziger et Shellac en sont certainement les plus évidentes), le résultat obtenu par « Caldeira » reste spécifique à la formation.
Dès les premiers accords proposés par « Antelapidem », Adolina annonce la couleur. Le climat est malsain, constamment sous tension, à l’instar de l’ensemble de l’elpee. Une tension parfaitement rendue par la production. Les riffs sont hypnotiques. Ils s’installent progressivement, mais sont traversés d’explosions soudaines. La basse entretient la puissance tandis que les guitares tissent les mélodies. Quant à la batterie, elle structure le rythme des compos, les rendant plus rigides, mais aussi plus claires. Voix ou samples (NDR : dispensés entre chant et déclamation, ils évoquent de nouveau Shellac et Reiziger) accentuent ou tempèrent la pression sonore, suivant les morceaux.
Entre tension et mélodie, Adolina vient de concocter un album de toute bonne facture. Addictif, aussi. Il réalise, en outre, une fusion quasi-parfaite entre math-rock et émocore (NDR : on y croise cependant d’autres références, mais rien de tel que d’entretenir le mystère, pour vous donner l’eau à la bouche…)
Adolina est reparti en tournée. Un périple qui passera par la Belgique et la France. Ils se produiront ainsi à Mouscron le 23/03 (au El Bar en compagnie de Markünkl et Papier Tigre), à Mons le 06/04 (au Bateau Ivre avec Royal McBee Corporation), à Ath le 12/05 et à Liège le 08/06… A vous de choisir !
Que ce soit dit, les « Sounds From Nowheresville » auraient dû demeurer à Nowheresville, là où personne n’aurait eu à les entendre. La machine à tube The Ting Tings s’est pas mal rouillée entre la sortie de « We Started Nothing » en 2008 et ce second LP à l’intérêt relativement inexistant. C’est simple, Katie White et Jules De Martino ont envoyé tout ce qu’ils avaient sous le chapeau il y a quatre ans. Ne reste aujourd’hui plus qu’un amas de pellicules tenaces sur leurs épaules. Les deux Ricains s’essaient à tout et n’importe quoi, pour offrir en bout de course un pot-pourri nauséabond.
« Sounds Of Nowheresville » est un disque sans âme qui laisse derrière lui la sensation tenace que le duo se cherche encore, désespérément. Et que, malgré les quatre ans qui séparent leurs deux productions, ce nouvel opus est sorti un peu trop prématurément. Ironique quand on sait que White et De Martino ont laissé entièrement tomber la première mouture du disque, dans lequel devait par ailleurs apparaître le single « Hands », publié en 2010, pour se concentrer sur cette version finale. Les pauvres…
En bref, « Sounds Of Nowheresville » est du genre Pourave Premium (la catégorie Premium Gold du son pourri revenant au dernier Madonna).
Live aux Nuits Botanique le 10/05 et au festival Les Ardentes le 05/07.
“Rattus At The Roundhouse” est un Dvd qui reproduit la prestation ‘live’ accordée par les Stranglers, lors de leur concert accordé au Roundhouse de Londres, le 4 novembre 2007. Le tracklisting est identique à celui proposé exactement 30 ans plus tôt, au même endroit par la formation. Le groupe y a cependant joué deux titres plus récents, lors du rappel, "Duchess" et "Spectre of Love".
Différence majeure, néanmoins, la cruelle absence de Hugh Cornwell. Baz Warne, chanteur/guitariste ne se débrouille pas trop mal à la gratte, mais même si sa voix rauque correspond mieux au profil de la formation insulaire que celle de Paul Roberts, elle manque quand même de timbre. Pire encore, lorsque Burnel tente de chanter, c’est la soupe à la grimace.
Sans quoi, instrumentalement, le set est parfait et libère une belle intensité comme à la belle époque de « Rattus Norvegicus » et « No more heroes ». Hugh, quand tu souhaites revenir au sein du line up, c’est quand tu veux !
Cet album ‘live’ a été immortalisé au Centre Culturel de Bruges, le 23 novembre 2007. Ce qui explique son titre. Et propose 19 morceaux unplugged. Encore que Dave Greenfield se serve d’un clavier, mais vintage. Pour la circonstance, le quatuor avait embarqué un percussionniste supplémentaire, répondant au nom de Neil Sparkes. Par rapport au Dvd « Rattus At The Roundhouse », la voix de Baz Warne passe beaucoup mieux la rampe. Et l’exercice de style instrumental frôle la perfection. Un grand moment que doivent avoir vécu les Brugeois, lors de ce set absolument exceptionnel…
Bruce Springsteen serait en colère. Enfin, c’est ce qui transparaît dans les lyrics des chansons de son nouvel opus. Il rejoint en quelque sorte les rangs des indignés aux States, qui en ont marre des spéculations financières, des institutions bancaires qui jouent aux apprentis-sorciers, etc. Bref, de cette dérive du néo-libéralisme. Ce sont d’ailleurs les thèmes qu’on retrouve dans les textes de ses chansons. Très bien ! Mais, Bruce ne nous apprend rien de bien neuf. Il enfonce, en quelque sorte, des portes ouvertes. M’enfin, il est populaire, et si son message peut avoir un quelconque impact sur les décideurs à travers le monde, alors on pourra le remercier. Mais honnêtement, j’en doute…
Venons-en maintenant à l’aspect musical de son 17ème album studio. Lors des sessions d’enregistrement, outre son E-Street Band, il s’est entouré d’une armée de collaborateurs. Sur trois compos, on retrouve même feu son ami saxophoniste Clarence Clemons, membre de son groupe, décédé l’an dernier. La plupart des plages de ce « Wrecking Ball », sont inondées d’arrangements. Luxuriants, ils asphyxient littéralement les mélodies. On a même droit à des chœurs gospel. Les hymnes ‘springsteeniens’ sont plutôt rares, et lorsqu’ils émergent, c’est sans grande conviction. Finalement, c’est quand le boss en revient à plus de simplicité qu’il retrouve des couleurs. Sur son rock plus carré, « We take of our own » qui ouvre la plaque, tout d’abord. Mais surtout lors de ses compos qui trempent dans le country/folk. Tout d’abord, « Easy money », un morceau digne des Pogues et puis « Death to my hometown ». Caractérisé par ses interventions de flûte celtique (penny whistle), il aurait pu figurer au répertoire des Dropkick Murphys. Et puis en fin de parcours, l’excellent « We are alive », une plage allègre, balisée par un banjo et hantée par le spectre de Johnny Cash. On épinglera encore une piste qui sort du lot par son originalité, « Rocky ground », une ballade mid tempo, légèrement soul, au milieu de laquelle un intermède de rap a été judicieusement glissé, un peu dans l’esprit de Beck. Dommage que tout l’album ne soit pas de cette trempe. Une petite déception…
Le groupe malien Amadou et Mariam présentait son dernier album « Folila » lors d’un concert, accordé ce 20 mars, dans le cadre du Festival Chorus, dans les Hauts-de-Seine. Sous le chapiteau Magic Mirror, le duo est parvenu à réchauffer le public, au beau milieu du quartier d’affaires de La Défense, à cette heure, désert et austère.
Prendre son temps semble sacré pour les Maliens, à Bamako comme à Paris. Il faut patienter jusqu’à 22 heures environ pour apercevoir les silhouettes d’Amadou puis celle de Mariam, guidée par un confrère, s’avancer tranquillement vers la scène. Le duo perce l’obscurité de la salle. Il n’a rien perdu de son goût pour le doré, des lunettes aux bijoux en passant par l’habituelle guitare électrique d’Amadou. Vêtus d’un traditionnel bazin bordeaux, les chanteurs prennent place sous un Magic Mirror déjà chauffé au son reggae de Clinton Fearon ainsi qu’aux résonances planantes du balafon et du vibraphone de Lansiné Kouyaté et David Neerman. Deux choristes et danseuses accompagnent Amadou et Mariam.
Le duo entame le concert par « Mogo » tiré de leur nouvel album « Folila » qui sort le 2 avril prochain. Un morceau qui permet au public de retrouver le groupe dont le dernier opus, le protéiforme « Welcome to Mali », date de 2008. L’attente en valait la peine, les choristes nous assurent que ‘Tout le Mali est là’.
Viennent « Magosa », qui emplit nos oreilles de la douce mélodie de la langue bambara. Puis « Batoma ». Cette chanson nous parle d’une personne désinvolte qui se fiche de tout, même quand la collectivité chante, danse, tchatche et bouge, comme nous en ce moment!
Mariam met un point d’honneur à garder la température de la salle élevée en ponctuant sa chanson de ‘yepa’ et de ‘chaud’, appelant le public à frapper des mains. De son côté, Amadou, le sourire imperturbable, demande si l’on est ‘prêt à sauter’. Les spectateurs s’exécutent avec plaisir.
De « Dobe Mangan » à « Wari », qu’Amadou nous traduit du bambara par ‘argent’, l’enchaînement des morceaux est régulièrement et naturellement entrecoupé de dialogues entre Amadou et Mariam et quelques personnes du public qui les interpellent dans leur idiome. Des échanges verbaux souvent rapides, parfois plus longs. Nous tentons de comprendre le sujet. Nous nous contenterons de deviner le contenu positif à entendre Mariam répéter ‘Ini tché’, soit merci dans sa langue.
Retour dans l’exaltation sur « Africa mon Afrique » nouveau titre au texte engagé qui inscrit le duo malien dans la tradition des chanteurs clamant un changement politique pour le continent africain. Amadou et Mariam y prônent le ‘multipartisme, la transparence et les élections libres’ ou encore ‘la démocratie et le changement’.
On se surprend à espérer voir surgir Bertrand Cantat des coulisses, qui est en featuring sur quatre morceaux de « Folila », mais en vain.
« Masiteladi » » et « Wily Kataso » maintiennent un public attaché et remuant qui se sépare petit à petit de quelques prudents qui ne veulent pas rater le dernier métro.
« Dogon » nous entraîne un peu plus haut, dans les terres ancestrales du Mali, un pays qu’Amadou nous encourage vivement à venir découvrir.
Le duo va puiser toute l’énergie du public en balançant tour à tour « La réalité », tiré de l’album « Dimanche à Bamako » (2004) qui nous rappelle l’Amadou et Mariam d’antan, celui de Manu Chao, des sonorités légères et frétillantes ; puis « C’est pas facile pour les aigles » et « Beaux dimanches », le tout, avant de se retirer de scène.
Et de laisser le public encore plus sur sa fin. Grondement de pieds.
Amadou et Mariam reviennent pour entonner « Chérie » et « Sebeke ». Les danseuses sont survoltées et s’accaparent le devant du podium en rivalisant de mouvements frénétiques et imposants alors que le public s’imagine sur un autre continent.
Il est bien plus de minuit et personne n’est sûr de pouvoir rentrer chez soi. Finalement pas certain de le vouloir non plus.
We Have Band revient, plus motivé que jamais. Venu défendre les couleurs de « Ternion », son nouvel et second LP, le trio originaire de Londres a investi le plancher de la Rotonde du Botanique pour un show tout en crescendo. Entre leur première apparition en Belgique sur cette même scène en 2009 et celle de ce 20 mars 2012, un monde de différence. Darren, Dede et Thomas ont offert une prestation quasi sans faille à un public shooté au Redbull.
En septembre 2009, We Have Band défendaient « WHB », un premier disque electro-pop fort sympathique devant une Rotonde qui se secouait timidement. Près de trois ans plus tard, le trio réinvestit la petite salle du Botanique devant un parterre bondé. Sur les planches, dès 21h, Darren Bancroft, Dede Wegg-Prosser et son mari Thomas Wegg-Prosser démarrent leur set par deux morceaux extraits de « Ternion », publié en janvier dernier. Ces nouvelles compos de la formation prennent une direction clairement new-wave. Le travail d’écriture semble plus engagé que sur « WHB », disque duquel ils extrairont ensuite « WHB » et « Love, What You Doing ? ».
Face au public, une formation transcendée par les acclamations continues du public. Dede, en tête, est une pile sur pattes. Elle exhibe fièrement sa dégaine eighties et chauffe le public sans faux-semblants. Le trio déploie un set maitrisé et donne, graduellement, tout ce qu’il a dans le ventre. En milieu de parcours, Darren se lance dans « Honeytrap ». Retravaillée sous une version électrisante, elle met le feu aux poudres. Dede reprend la main lors d’un « You Came Out » dont les ‘scream and shout’ répétés inlassablement en guise de refrain sont littéralement exécutés par un public de plus en plus déchaîné. Les trois Londoniens, certainement transcendés par l’énergie du public, font ensuite un sans-faute dont les points forts seront « Visionary », « Divisive », « Where Are Your People ? » et « Watertight ».
En guise de rappel, We Have Band propose un titre que les musicos disent ne jamais jouer en live. « What’s Mine, What’s Yours », emmené par la voix de Darren, est un pur moment d’extase pendant lequel même les plus turbulents de l’assistance retiennent leur souffle. « Oh ! » signale la reprise des festivités. Après avoir regagné les coulisses, les trois insulaires, qui n’ont pas manqué de marquer leur enthousiasme face à un public aussi chaud, sont contraints de rebrousser chemin vers les planches une troisième et dernière fois, devant la ténacité des hurlements de la foule. Pas de « Hear It in the Cans » au programme, mais WHB assène le coup de grâce en dispensant leur classique « Time After time » qui fait bondir presque tous les fans placés dans la petite fosse de la Rotonde.
Sur scène Le We Have Band cru 2012 a définitivement plus de saveur que trois ans auparavant. Et face à un accueil pareil, nul ne doute qu’on les reverra très bientôt par ici !
(Organisation : Botanique)
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