Agé de 60 ans, ce New-yorkais passe aujourd’hui l’essentiel de son temps de ce côté de l’Atlantique. Son père, Léon, s’était forgé une certaine notoriété dans l’univers du folk, comme chanteur, et son oncle était le pianiste du Modern Jazz Quartet. Le blues écrit et chanté par Eric est très personnel, un style qu’il édulcore de folk, country, soul et gospel. Il a quitté les States, il y a plus de 40 ans. Pour s’établir en Europe. A Paris d’abord, où il rencontre le guitariste Mickey Baker. A Stockholm et Helsinki ensuite. Il est enfin reconnu par ses pairs en 1994, lorsqu’il publie l’elpee “Spirit and the blues”. Depuis, il est régulièrement nominé aux Blues Awards, pour ses productions.
Depuis le début de ce XXIème siècle, il aligne album sur album. Il est avant tout un musicien privilégiant la forme acoustique. Son folk blues est naturel, intimiste. Pour concocter ce long playing, il s’est imprégné de la riche culture louisianaise. Il s’est rendu au studio Cypress Hill, à Pont Breaux, capitale mondiale de l’écrevisse, au cœur du pays Cajun. Enfin, lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours d’excellents collaborateurs.
Il ouvre la plaque par “Bayou Belle”, largement inspiré par la nature qui l’entoure. Il est soutenu par les voix et les violons de Dirk Powell et de Cedric Watson ainsi que de l’harmonica gémissant de Grant Dermody, venu spécialement de Seattle. “No further” véhicule énormément de sensibilité et de détresse à la fois. Le ton emprunté par l’harmo accentue la sensation de morosité. Faut dire que le climat de l’opus nous plonge dans le désespoir. La voix de Bibb est grave pendant que violon et harmo hantent cet univers blafard. L’arrangement dépouillé de “Boll weevil” nous ramène au blues originel d’avant la grande guerre. Un dialogue s’établit entre la voix, la mandoline et la musique à bouche. Jerry Douglas a ramené son dobro et distille ses notes métalliques tout au long d’“In my time”. Jerry est un musicien de studio. Il a participé à la confection de plus de 1 600 albums! Bibb s’applique pour adapter le “Every wind in the river” de Taj Mahal. Il est épaulé par deux invités. Des Canadiens. Michael Jerome Browne (auteur/compositeur/interprète notoire) à la mandoline et Michel Pepin, à la guitare. La bande à Bibb reprend aussi “Could be you, could be me”, un blues traditionnel issu de la plume d’Harrison Kennedy ainsi que l’incontournable “The times they are a changin’” de Bob Dylan.
J’étais un admirateur caché d’« I’ll Kill Her », le premier mini-tube de l’intrigante Française Soko. Or, l’estime que je lui ai portée, s’est écroulée après avoir lu quelques interviews accordées par l’artiste. A cause de ses points de vue, plus que contestables. En se révoltant contre le monde entier, cette ado rebelle aurait voulu nous faire croire qu’elle en serait arrivée à renier sa carrière pour défendre ses opinions. Une pilule difficile à avaler, lorsqu’on sait qu’elle a signé chez un major ! C’est donc dubitatif que je me suis lancé à l’écoute d’« I Thought I Was an Alien »…
Premier constat : impossible de résister à la voix fragile, à fleur de peau, de Stéphanie Sokolinski. Finalement, ce sont ses lyrics qui me dérangent. Soko aborde, en effet, sa vie sentimentale et ses angoisses, à l’instar d’une jeune adolescente qui s’épanche dans son journal intime. En s’exprimant avec un accent pas possible ; mais définitivement craquant ! Sa voix est saturée d’émotion. Elle rappelle même le Bright Eyes originel. Et son trémolo qui envahit le très réussi « Treat Your Woman Right » en est la plus belle illustration…
A l’image de la première dame de France, Soko murmure ses textes plus qu’elle ne les chante, sur des mélodies sculptées dans une instrumentation acoustique minimaliste. Le résultat oscillant entre le sublime (« First Love Never Die », « Don’t You Touch Me ») et le ridicule (« Soon Enough We Will die »). Si l’opus semble avoir été enregistré au sein d’une chambre, hantée par l’esprit anti-folk (« Happy Hippy Birthday »), il manque aux compos le second degré qui permet à un Jeffrey Lewis de faire la différence, même si Soko ne se débrouille pas trop mal dans le style.
La nouvelle coqueluche de Virginie Despentes ne supporte apparemment pas l’écoute de ses propres albums. Elle possède pourtant un certain talent. Qu’elle dissimule malheureusement sous une certaine attitude. Non, Soko, tu n’es pas une extra-terrestre ! Juste une artiste très douée qui aurait tout intérêt à le reconnaître…
A découvrir le 5 juillet aux Ardentes à Liège.
En 2002, lors de la sortie du premier Ep de Seluah, un critique local affirmait que ce disque était l’un des meilleurs jamais enregistré par un groupe issu de Louisville. Malheureusement après avoir commis ce coup d’éclat (NDR : qui n’a d’ailleurs pas atteint le Vieux Continent), le band a disparu de la circulation. Enfin, pas tout à fait, puisque les membres ont collaboré à différents projets chacun de leur côté (Rachel’s, Boom Bip, …) Ce n’est qu’en 2010, que ce mystérieux combo décide de revenir à la surface, comme par enchantement. Et il se remet à bosser sur un nouvel opus, intitulé « Red Parole », elpee qui a bénéficié de la collaboration de Kevin Ratterman (My Morning Jacket, Young Windows, The Broken Spurs).
« Red Parole » s’ouvre par le brûlant « We Way Never Make It Home ». L’atmosphère est lourde et le tempo lent. Et le rythme imposé par les drums en est la principale cause. Nourri au psychédélisme et au rock 70’s, ce morceau évoque un Black Mountain sous morphine. Et la suite est de la même trempe. Les mélodies sont languissantes, les riffs de guitares hypnotiques, les nappes de claviers généreuses et la voix est douce et éthérée. Et pourtant, si toutes les pistes dépassent largement les 5 minutes, elles ne suscitent jamais de lassitude. Dans le style, Seluah maîtrise parfaitement son sujet. Au fil des plages, l’expression sonore devient de plus en plus féroce. A l’instar de « Black Sand » et « Hell and Back », deux morceaux fouettés par des grattes bien crades et noisy.
Pour concocter cet opus, Seluah a reçu le concours de quelques invités, parmi les quels on épinglera la présence de Christian Frederickson et Rachel Grimes, respectivement au violon et au chant sur « We Way Never Make It Home ». Et ma foi ces participations apportent une autre dimension à ce long playing, tout bonnement parfait.
Je ne reviendrai pas sur l’avis concernant la scène musicale de Louisville. Sa notoriété n’est pas encore établie. Par contre, il est évident que dans le style psyché/rock, il y a bien longtemps que je n’avais plus eu le loisir d’écouter une œuvre aussi remarquable. La dernière fois, c’était probablement « In the Future » de Black Mountain.
On l'attendait au tournant, la Florence. Après le hype énorme suscité par son dernier opus et le succès évident de sa tournée (le concert de l'AB sold-out en quelques minutes et des tickets qui s'échangent à plus de 150 EUR sur ebay), nombreux étaient ceux qui se réjouissaient déjà de pouvoir descendre en flamme la nouvelle ‘diva’. Et bien non, qu'on aime ou pas sa musique, il faut reconnaître que Florence assure un max sur les planches…
On remarque tout d'abord le décor de la scène, 'dark' à souhait: des tentures noires, des représentations de vitraux d'église, des musiciens habillés... en noir! On sent que la grand-messe va commencer. Assurant le supporting act, Spector n’est pas parvenu à nous séduire en dispensant une powerpop simpliste inspirée par les Buzzcocks. Par contre, lorsque Florence Welch pénètre sur la scène, vêtue d'une large cape de jais, le vacarme est assourdissant et on mesure immédiatement l'étendue du succès de ce groupe.
En grande prêtresse, Florence entame alors le concert par les très majestueux "Only For A Night" et "What The Water Gave Me". Elle est assez grave et statique mais à la fin du second morceau, elle commence faire virevolter sa pèlerine et on se rend compte qu'elle en a ‘sous la pédale’. Impression qui se confirme plus tard quand "Cosmic Love" explose à la lumière des stroboscopes ou lorsque Florence tombe la cape pour courir sur la scène comme une possédée pendant "Between Two Lungs". Après le très mystique "Shake It Out" et avant d'entamer "Dogdays", elle se souvient de la première fois qu'elle s’est produite à l'AB, en première partie de MGMT. La formation avait dû dormir dans la voiture sur le parking. Et de remercier le public de lui permettre, cette fois-ci, de passer la nuit dans un hôtel! Au cours de "Dogdays", elle réussit avec une aisance déconcertante à accumuler une longue pression avant de faire exploser tout le public sur place comme des dingues, montrant une maîtrise étonnante de la dynamique d'un spectacle. Regardez ce moment étonnant en vidéo ici
Un moment pour souffler ensuite lors de belles versions acoustiques de "Heartlines", "Leave My Body" et "Lover To Lover", où on apprécie l'incroyable versatilité de la voix de cette chanteuse hors pair. Ensuite, le set repart plein pot grâce à "You've Got the Love" et surtout "Rabbit Heart (Raise It Up)", qui exhale un parfum de Björk. Sur ce dernier morceau, Florence demande aux garçons qui sont accompagnés de leur girlfriend de la hisser sur leurs épaules. Et on voit alors plusieurs dizaines de filles émerger de la foule comme des fleurs qui éclosent : funny! Florence + The Machine clôture enfin sa prestation par "Spectrum", titre au cours duquel transparaissent les influences gospel de cette ancienne choriste d'église.
Lors du rappel, le band va nous réserver deux morceaux totalement hypnotiques, "Never Let Me Go" et "No Light, No Light", deux perles tirées de "Ceremonials". Le ‘cérémonial’, justement, se clôture sur les arpèges jouées en douceur à la harpe par Tom Monger. Et n'oublions pas de présenter les autres –excellents– musiciens, Robert Ackroyd à la guitare, Christopher Lloyd Hayden à la batterie et Isabella Summers aux claviers. Regardez ici la vidéo de "No Light, No Light".
Au moment d’établir le bilan, il faut admettre que tous les ingrédients d'un grand spectacle étaient réunis ce soir: une musique captivante, un son et des lumières parfaits, et surtout une artiste exceptionnelle, habitée, d'une sensibilité à fleur de peau, capable de tenir toute une salle ‘dans la paume de sa main’ pendant tout un concert. Enfin, l'alternance entre les morceaux plus gospel, plus sombres du dernier album et les titres plus pop-rock de "Lungs" a contribué à rendre l’ensemble parfaitement équilibré.
Florence sur scène: une 'Machine' de guerre gothique et flamboyante!
Setlist
Only If For A Night
What the Water Gave Me
Cosmic Love
Between Two Lungs
Shake It Out
Dog Days Are Over
Heartlines
Leave My Body
Lover To Lover
You've Got the Love
Rabbit Heart (Raise It Up)
Spectrum
Rappel:
Never Let Me Go
No Light, No Light
Pour célébrer en beauté le premier anniversaire de leur tournée, en support à leur second LP « Decontrol », The Subs organisaient ce vendredi 30 mars la soirée ‘Bitculture’, une grande messe électro au cours de laquelle ils ont convié quelque uns de leurs potes, Arnaud Rebotini et les Liégeois de Partyharders en tête. De quoi fêter le début des vacances de Pâques en faisant le plein de BPM sous le toit de l'AB.
Un an après avoir entamé leur tournée au Het Depot et à l'Ancienne Belgique, The Subs, qui avait exécuté un passage remarqué au festival Rock Werchter l'été dernier, reviennent sous le toit de la salle bruxelloise. Cette fois, ils ont mis le paquet en rapportant dans leurs bagages quelques invités, dans le cadre de leur grande soirée ‘Bitculture’. Au programme : Villa, TAI, Mixhell, Arnaud Rebotini, Partyharders et une courte présentation de Hammerang, le nouveau projet de Papillon, moitié de The Subs, accompagné de deux membres de Drums Are For Parade. Mais la fête a démarré bien trop tôt pour un vendredi soir. Ainsi, les Gantois de Villa donnaient le départ des festivités dès 19h. Autant dire à l'aube...
Votre serviteur n'a donc débarqué que sur les coups de 22h, à la fin de la prestation d'Arnaud Rebotini, tête pensante de Blackstrobe qui avait assuré un excellent set lors des Transardentes en janvier dernier.
Pour lui succéder sur les planches, le DJ allemand TAI dont on n’attendait pas grand chose après l'écoute de son EP « Beat Down », mais qui a pourtant offert un des meilleurs moments de la soirée. Un set d'1h30 qui a bien secoué les énervés des premiers rangs, crowd surfing à la clé. Aux côtés du DJ, un étrange personnage masqué, chargé de chauffer le public qui l'était déjà, à blanc.
Pas la foule des grands soirs à l'AB mais The Subs débarquent vers 23h30 devant un parterre surexcité. Le trio balance un set d'une heure tout en énergie, accentuant l'état d'ébriété de l'assistance. Les tubes de la formation s'enchaînent à une vitesse affolante. Pas le temps de se remettre du tapage des basses de « Kiss My Trance », « Papillon », « My Punk » ou « Don't Stop », que les trois peinturlurés les acoquinent aux versions retravaillées de l'énorme « Music Is The New Religion », du putassier (mais tellement bon) « The Pope Of Dope », le sautillant « Mitsubitchi » ou pour clôturer leur parcours, du manifestement très attendu « The Face Of The Planet ». Emballé et pesé en une heure chrono, The Subs ont été à la hauteur de leur réputation, avec un Papillon survitaminé, s'offrant une traversée, à pied, au-dessus du public. Tranquille.
00h30, l'heure pour les amis de fumer leur clope tant attendue. Mais mauvaise surprise pour les amateurs de saveurs goudronnées, blondes, légères, mentholées ou provencales: toute sortie est définitive. Un dispositif inédit à l'AB, d'autant plus chiant que la soirée se poursuit jusque 3h du mat'. Un stimulant pour consommer plus de boissons ? Mauvais point pour l'AB. Mais les principaux concernés sont des petits malins. Les nettoyeurs de la salle auront, en outre, certainement amassé quelques bacs de mégots à la fin de leur shift, le lendemain.
Après quelques minutes d'attente, Mixhell prend place sur scène. Igor Cavalera, ex Sepultura, et sa femme Laima Leiton, s'amusent entre leur table de mixage et leur batterie, mixant, parfois un peu chaotiquement, digital et analogique. Alternant l'un l'autre entre les manettes et les grosses caisses, le duo fait rapidement tomber la pression, incitant une bonne partie du public, fumeurs en tête of course, à quitter les murs de la salle. Les autres, votre serviteur y compris, finiront au bar et trop bourrés pour se souvenir entièrement du DJ set des Partyharders.
Un mal pour un bien qui met fin à la soirée, dont le rideau n’est tombé à peine que vers 3h. Si l'on fait fi des dispositions de l'organisation en ce qui concerne les sorties pendant la soirée, et la prestation en demi-teinte de Mixhell, le ‘Bitculture’ administré par The Subs est une jolie réussite. Peut-être même sera-t-on de la partie pour une hypothétique seconde édition... A condition d'oublier le mal de crâne du lendemain.
(Organisation : AB)
Nous les attendions impatiemment depuis qu’ils nous avaient accueillis, de leur voix, au Mali. Amadou et Mariam nous ont surpris tout au long de leur dernier album « Welcome To Mali », sorti en 2008, par le souffle moderne et électro insufflé à leurs morceaux, laissant un peu moins de place aux rythmes traditionnels. Surpris également par la collaboration de tant d’artistes ; de Damon Albarn à M. Ils réitèrent sur ce nouvel essai, un cran plus haut. Huit artistes différents sont présents sur « Folila », un LP réunissant treize titres. Retenons Theophilus London, Jake Shears du groupe Scissor Sisters ou encore Bertrand Cantat, en featuring sur quatre chansons. Un album où l’anglais semble avoir pris le dessus sur l’originel bambara. Le groupe perdrait-il sa griffe à travers tant de collaborations ?
« Dougou Badia » amorce l’album et nous emmène d’emblée dans un ailleurs où les voix des chœurs, de Santigold et de Mariam alternent entre bambara et anglais tout en flirtant avec les guitares électriques. Un ailleurs qui perdure grâce à « Wily Kataso », pour lequel le duo malien est rejoint par TV On the Radio. L’organe de Mariam y est mis en avant et se fait métallique quand les autres voix, plus lointaines, s’expriment dans la langue de Shakespeare. Nous rencontrons Bertrand Cantat au détour de la troisième piste, « Oh Amadou ». Le chanteur français pose sa voix d’écorché et confère un côté rock à ce morceau où l’on retrouve les paroles parfois ingénues du groupe ‘y’a des jours de bonheur, y’a des jours de malheur’ ; ‘la misère, personne ne veut la vivre’. La voix d’Amadou connaît elle aussi son moment de gloire sur « Metemya », rehaussé par la présence de Jake Shears des Scissor Sisters.
La chanson « Africa Mon Afrique » s’avère être la plus engagée de l’album. Amadou et Mariam exaltent ‘le changement politique, idéologique, éthique’ tandis que Bertrand Cantat assène : ‘Africa mouvement quand le pouvoir vous ment plus question de subir le présent l’avenir, il faut saisir la chance’. Ironie de la situation alors qu’un coup d’état de la junte a renversé le gouvernement au Mali, à quelques semaines des élections présidentielles, prévues pour ce 29 avril.
« C’est pas facile pour les Aigles », bénéficiant de la participation d’Ebony Bones, révèle un titre jovial qui nous donnerait presqu’envie de sautiller pour supporter ces ‘Aigles’, autre nom de l’équipe de football malienne. Plus envoûtante est « Wari », qui se traduit par ‘argent’, composé en compagnie d’Amp Fidler. « Sans toi » se focalise sur l’amour et l’être aimé, si souvent décrits par Amadou et Mariam dans des morceaux tirés de leurs disques précédents comme « Je pense à toi », extrait de « Sou Ni Tilé » ou « Sabali », de « Welcome to Mali ». « Mogo » et « Another way », tous deux ‘featuring’ Bertrand Cantat, nous ramènent à des sonorités plus traditionnelles. Le touareg du Niger Abdallah Oumbadougou accompagne Amadou et Mariam sur « Bagnale ». Titre qui ouvre nos oreilles sur des horizons lointains et captivants. Suit l’hybride « Nebe Miri », auquel participe Theophilus London, qui introduit une touche de rap à l’aide de paroles heurtées s’entremêlant à la voix désormais familière d’Amadou. L’opus se clôt sur la gentille « Chérie », où résonnent des chœurs d’enfants ainsi que la voix maternelle de Mariam.
Aussi diverses et inattendues soient leurs les collaborations, Amadou et Mariam ont toujours le don de les orchestrer brillamment.
Autant l’avouer tout de suite, Hooverphonic part avec un petit handicap en ce qui me concerne, toujours pas remis du départ de Geike. Même si sa remplaçante est parvenue à faire ses preuves depuis. Pour cette petite parenthèse, Alex Callier s’est offert l’un de ses fantasmes : interpréter les morceaux de son projet en compagnie d’un véritable orchestre. Un rêve qui se concrétise de jolie manière puisque le trio délivre non seulement un disque en compagnie d’un ensemble symphonique dirigé par Cédric Murrath, mais ce dernier l’accompagne également pour quelques dates sur la scène de la salle Reine Elizabeth à Anvers. Une tournée déjà pratiquement sold out chez nous. Les nouveaux arrangements proposés par la formation belge et les musiciens qui l’accompagnent au sein de ce « With Orchestra » rehaussent fabuleusement les morceaux du trio, au point que le départ de Geike n’est désormais plus qu’un lointain souvenir.
Entre « The Night Before » et « With Orchestra », Noémie Wolfs s’est incontestablement transcendée. Plus sûre d’elle, la chanteuse exhibe des vocalises supérieures à celles déployées au sein de la première œuvre à laquelle elle a participé. Même les plus vieux morceaux ne souffrent d’aucune fausse note, hormis sur « 2Wicky » et « Vinegar & Salt » qui ne collent pas vraiment à la peau de la demoiselle, originaire de Scherpenheuvel. Légère incartade dissipée par les excellentes versions de « George’s Café », « Expedition Impossible » ou encore une jolie reprise du « Unfinished Sympathy » de Massive Attack ».
Le nouvel habillage d’Hooverphonic lui va à ravir. Reste à savoir si le trio sera à la hauteur en octobre prochain pour le second volet de leur odyssée acoustique « Sit Down and Listen to…» qui avait donné le jour en 2003 à un album tout simplement splendide. Approuvé, le Hooverphonic version 3.1 !
Live : Tournée « With Orchestra » à la salle Reine Elizabeth d’Anvers du 27 au 29/04 (sold-out) et le 26/10. Ensuite, « Sit Down and Listen 2 », le 11/11 à l’AB.
Grinderman n’est plus, longue vie à Grinderman. En guise de cadeau d’adieu, Nick Cave, Warren Ellis et leurs deux désormais ex-acolytes proposent une version revue et corrigée de « Grinderman 2 », le deuxième et ultime LP de ce projet, publié en septembre 2010. Un disque enflammé et 100% rock’n’roll qui se voit ravaler la façade par du beau monde. Et comme dans tout album remix qui se respecte, il y a à boire et à manger…
Et tout d’abord ceux qui s’en sortent haut la main comme Nick Zinner et Unkle. Ils revoient intelligemment « Bellringer Blues » et « Worm Tamer » (intitulé ici « Hyper Worm Tamer »). Cat’s Eyes réalise également un travail impeccable en ne se contentant pas de remixer, mais de réinterpréter intégralement « When My Baby Comes ». Du joli boulot comparé à celui de A Place To Bury Strangers dont l’adaptation de « Worm Tamer », quoique de bonne facture, s’avère également banale, car trop égale à ce que le trio a l’habitude de proposer. Vient ensuite Josh Homme qui ne se distingue pas beaucoup plus que les New-Yorkais, pour les mêmes raisons.
En tout, « Grinderman 2 RMX » recèle 11 nouvelles moutures de 7 titres issus de sa version originale, ainsi qu’une démo de « Evil » rebaptisée « First Evil ». La liste d’invités compte aussi Andrew Weatherall pour un remix moyen de « Heathen Child » et Matt Berninger (The National) qui en impose, comme d’hab’, sur le Silent Alert Remix de « Evil ». Morceau revu ultérieurement par Factory Floor également.
Comme cadeau d’adieu, c’est pas top-top malgré quelque belles réussites. Deux ou trois inédits auraient permis à l’ensemble de tenir la longueur, et à l’auditeur de reprendre son souffle. Car deux ou trois remix d’un même morceau à quelques minutes d’écart est difficilement digérable. D’autant plus que « Kitchenette » et « What I Know » ont tout simplement été ignorés dans le processus. « Grinderman 2 RMX » s’adresse principalement aux fans inconditionnels des travaux de Nick Cave. Pour les autres, un téléchargement sélectif sur iTunes, ou autre site du genre, est plus que recommandé.
Froggy !?
Non, ce n’est pas une pub pour un quelconque produit d’entretien bio !
Ne vous méprenez pas ! Froggy n’est pas seulement une marque de détergent connue pour ses vertus soi-disant ‘non polluantes’ ; c’est également le patronyme d’un groupe rock noir jaune rouge.
Le line up réunit cinq membres : Bob Eggermont à la gratte, Bart Buytaert à la basse, Jürgen Slowack aux guitares, Julian Hills (il est british lui) préposé aux fûts et enfin la charmante Lety. Celle-ci et Bob se partageant le micro. Froggy n’est pas vraiment un nouveau groupe, puisqu’il compte déjà un parcours de près d’une décennie, même si la formule actuelle date seulement de 2006…
« Destination Grooveland » ne constitue cependant que leur second elpee. Il succède à « What the funk is rocking on », paru en 2008. Comme son nom l’indique si bien, la musique du band oscille entre rock et funk, à l’instar de ce proposent les Red Hot, toutes proportions gardées bien évidemment. Ce qui ne veut pas dire non plus que leur musique est insipide ou manque d’intérêt. Ça ‘rocke’ bien, chacune des dix plages swingue et dégage une chaleur susceptible de donner envie de remuer.
Ouvrant l’elpee, « Like a Zeppelin » laisse supposer que Bob a emprunté les cordes vocales d’Alice Cooper, tant le timbre de voix se rapproche de celui du grand-père américain… Tout n’est pas parfait sur ce disque, quelques ‘faiblesses’ démontrent qu’au niveau compo, il y a encore du boulot. « Star Eyes » par exemple, est l’exemple parfait du titre lassant, si on vient de découvrir Froggy ; car on s’ennuie ferme durant cinq bonnes minutes. Long ! Autre petit bémol à soulever, les huit premières plages semblent issues du même moule. A cause de la section rythmique relativement similaire sur la plupart de ces morceaux. Un peu de modulation n’aurait pas été de refus. A contrario, on épinglera quelques excellents moments, comme les deux dernières compos « Nice to meet you » et « Words Keep Coming » qui ne doivent rien à personne, même pas aux Red Hots… A mon humble avis, c’est cette veine que le band a tout intérêt d’exploiter. Les vocaux et les guitares font merveille dans ces blues/funk authentiques. Dommage qu’il faille attendre la fin de l’album pour savourer ces deux perles ! Et on en redemande…
Electric Guest est un duo originaire de Los Angeles qui, après s’être glissé sur scène par la porte de service en publiant deux singles relativement confidentiels (« Troubleman », « This Head I Hold »), compte bien obtenir son accès à la porte principale. Pour y parvenir, les deux hommes ont fait appel à une figure incontournable de l’indie pop, l’über-prolifique Danger Mouse. De la rencontre entre les jeunes loups et le vieux sage est né un Ep, « This Head I Hold », annonciateur de « Mondo », un premier album prévu pour la fin avril.
« This Head I Hold » nous propose donc un avant-goût en 4 extraits. Deux de ceux-ci, « Jenny » et la plage-titre, se distinguent haut la main, malgré la touche très (même trop) flagrante du producteur sur toute la durée de l’Ep. Il y effectue un travail impeccable, comme à son habitude, mais qui se rapproche, sans le moindre complexe, de celui opéré sur deux autres de ses projets. Et pas des moindres : Gnarls Barkley et Broken Bells. Reste à voir si Electric Guest connaître le destin de ces derniers, ou celui de Joker's Daughter, excellente parenthèse du producteur, mais qui n'est resté rien d'autre qu'une parenthèse.
Entre les deux morceaux mentionnés plus haut interviennent « Troubleman », jolie ballade de près de neuf minutes, dont la délicate partie instrumentale plantée en son milieu justifie largement la durée, et un « American Daydream » anecdotique. « This Head I Hold » est, malgré tout, une mise en bouche relativement alléchante. A condition d’être peu regardant sur les questions d’originalité.
Live : Aux Nuits Botanique (Rotonde), le 20/05.
Django Django réunit 4 Ecossais établis à l’Est de Londres. Il s’agit d’un ‘bedroom band’, c’est-à-dire un groupe de jeunes qui jouent et répètent dans la chambre d’un de leurs membres.
Suivant la rumeur, les musicos auraient d’ailleurs travaillé pendant plusieurs années dans celle d’un de leurs camarades, en l’occurrence leur leader/batteur/producteur : David Maclean. Fréquentent donc également ce home studio, le chanteur/guitariste Vincent Neff, le bassiste Jimmy Dixon et enfin Tommy Grace préposé aux synthés.
Après de multiples recherches ‘pour dénicher un nouveau son’ et ‘s’aventurer au sein de territoires inexplorés’, comme le précise le chanteur, ils réussissent à décrocher un contrat auprès du label Because.
Cet Ep est consacré à 5 variations plus ou moins inspirées du morceau « Default » ; ce qui devrait nous permettre de se faire une idée plus ou moins précise du style proposé par le quatuor issu d’outre-Manche.
Après avoir écouté ce « Default », je dois avouer ne pas être totalement convaincu du résultat. D’abord, il ne reflète pas du tout ce à quoi on aurait été en droit d’attendre de la formation insulaire. Et on ne peut pas dire qu’il soit particulièrement passionnant. Je me demande même si les quatre potes n’auraient pas encore intérêt à retravailler leurs maquettes pour obtenir un produit un peu plus original et audacieux.
En fait, cet Ep trempe dans une forme de rock psychédélique expérimental pour le public non expérimenté. Le tempo est monotone, lancinant. Les bruitages me tapent sur le système. Pas de chant véritable et encore moins de mélodie. Bref, ce n’est pas ma tasse de thé. Tiens j’ai même lu que Django Django pourrait devenir les nouveaux Beach Boys. Ah bon ! On ne doit pas avoir écouté le même disque…
Marcel Dettmann est un artiste allemand devenu résident comme DJ au ‘Berghain’, un club notoire situé au cœur de Berlin, et consacré comme ‘Temple de l’Electro’. Selon la presse spécialisée, il s’agit d’un des meilleurs night-clubs du monde. Chaque week-end s’y réunissent des centaines de personnes avides de beats. Inutile de préciser que Dettmann est par conséquent considéré comme grosse pointure dans son domaine.
Après avoir enchaîné différents Eps en ‘underground’, il publie en 2010 un premier album sobrement éponyme, très bien reçu par la critique. Il nous propose aujourd’hui son second mix officiel, « Conducted » ; et cet opus semble suivre le même chemin que le premier, c'est-à-dire celui du succès.
Et pourtant, je dois vous avouer une confession presque honteuse : je n’ai pas apprécié le travail effectué par le Teuton sur cet elpee. Probablement parce que je ne suis pas trop branché sur la techno minimaliste. Car si je reconnais son incontestable talent pour mixer, ce Dj ne possède pas, à mon humble avis, la capacité de faire vibrer les foules à l’aide de sa musique.
En outre, les morceaux qu’il choisit souffrent d’une carence mélodique. Et en général, il les imprime sur un tempo bien trop lent pour nous imposer un rythme de croisière. Pourtant, en ‘live’, il s’est bâti une réputation plus qu’enviable. Il y manifeste tout son potentiel. A cause de mix endiablés. Je n’ai malheureusement jamais eu le loisir d’assister à un de ces sets ; mais une chose est sûre, cet elpee m’a laissé sur ma faim et ne m’a pas vraiment convaincu.
« SandWell Dictrict – Immolare », ouvre la plaque. Un titre un peu trop mollasson, à mon goût. Tout au long de sa prestation, Dettmann greffe progressivement de nouveaux éléments sonores. Et une belle impression d’harmonie est renforcée par l’absence de césure entre les titres.
En général, l’ajout successif d’instruments et de sonorités est un procédé que j’apprécie beaucoup en électro. Sauf qu’ici, la structure est très longue à se mettre en place. Trop longue même. L’accroche est souvent excellente au départ, mais cette intro s’éternise, et on se demande même quand la plage va véritablement démarrer. Et il faut attendre la sixième piste, « Bluemoon Productions – Night », pour qu’enfin apparaisse une jolie mélodie. Puis, basta ! Pourtant, les mixes sont irréprochables et en fin de parcours méritent même un prix d’excellence. Des qualités qui sont cependant insuffisantes pour me séduire complètement. Pourquoi ? Difficile de répondre à cette question. Pourquoi ne pas partager l’avis de Monsieur et Madame Toutlemonde ? C’est sans doute aussi le rôle de votre serviteur d’avoir et surtout de conserver l’esprit critique…
Issue de Cleveland, cette formation avait publié l’an dernier son premier opus éponyme. Un long playing qui faisait suite à la sortie de quelques Eps. On avait ainsi pu constater que le combo ne manquait pas de potentiel ; surtout pour concocter d’excellentes chansons indie rock instinctives, des compos issues de la plume d’un jeune songwriter de 20 ans, Dylen Baldi. Son sens mélodique avait même fait l’unanimité dans la presse.
Cloud Nothings nous propose donc son deuxième elpee, un disque qui paraît quelques mois à peine après la fin de sa tournée. Et on se demandait quand même si « Attack on memory » allait confirmer le buzz médiatique dont le band avait fait l’objet.
Pour concocter ce cd, le combo étasunien a fait appel aux services du notoire Steve Albini. De quoi imaginer facilement un résultat résolument plus énergique et davantage proche du son ‘live’. Et manifestement, l’énergie et la frénésie sont bien plus présentes.
Caractérisé par son excellent crescendo tout en puissance, « No Future/No Past » ouvre la plaque. La musique de Cloud Nothings concède clairement des relents 90’s. « Attack on memory » navigue entre grunge, punk et indie-rock. Le timbre de Dylen Baldi est nasillard. Et le chanteur insuffle toute sa jeunesse et sa fougue à travers le très ‘kurtcobainien’ « Wasted Days ». Judicieusement intitulé, « No sentiment » libère toute son agressivité. Le reste de l’opus embrasse un format plus pop, sans pour autant perdre de son intensité naturelle (« Our Plans », « Stay Useless », « Cut You »).
Fini de rigoler, Dylen Baldi montre les dents. Mais le plus paradoxal, c’est que cet « Attack on memory » regorge de tubes. Et si vous aimez ce style de musique qui déménage, mais en même temps bien torchée, vous devriez y trouver votre bonheur. Excellent !
Nonobstant leur patronyme emphatique, la musique de cette formation danoise ne baigne pas dans le néo-folk hippie, à l’instar d’Edward Shape ou I’m From Barcelona ! Formée en 2006, à Copenhague, par Jannis Noya Makrigiannis, cette chorale est une formation à taille variable qui gravite autour de son ambitieux chef d’orchestre. Et elle jouit d’un beau succès dans son pays. « Rhine Gold » constitue son second album.
La musique de ces jeunes fidèles rappelle le folk empreint de délicatesse concocté par Great Lake Swimmers. A cause de la superbe voix de Jannis. Et des plages comme « Paint New Horrors » ou encore « The Wind is Blowing Needles » en sont les plus belles démonstrations. Quant au groove lent et profond, il évoque davantage les Wild Beats voire Talk Talk (« Third Time » ou « Sedated »). L’instrumentation est fouillée et épique. Le climat lyrique et recouvert d’un voile de mystère. Faut dire que la voix ténébreuse est trempée dans la reverb, un peu comme si les sessions s’étaient déroulées dans une église. Quant aux mélodies, elles suintent de mélancolie. Et c’est en puisant au sein de cet ensemble de sources que Choir of Young Believers est parvenu à tisser ses morceaux de synthé-pop symphoniques, de longues plages qui nécessitent cependant un certain temps avant de vous pénétrer instinctivement et de vous envoûter totalement. Amen !
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