La nouvelle tournée de Bénabar qui comporte une vingtaine de dates (dont le 20 mars à Bruxelles) est passée par Lille. Sur des mélodies rythmées, enlevées, dansantes, il nous raconte les petits soucis et les émois que l’on a tous vécus ou que l’on vit encore. Le chanteur bondissant offre un spectacle joyeux et l’on ressort de la salle avec le sentiment que tous ces petits malheurs ne sont pas si graves, qu’ils font partie de la vie et qu’il vaut mieux en sourire. Vous avez dit thérapie ? Musicalement, Bénabar s’est trouvé son style et n’y déroge pas. Pas de prise de risque : l’artiste se plait dans son registre country-folk et son public le suit dans ce choix.
Archimède, heureux cas !
Les frères Nicolas et Frederic Boisnard assurent donc la première partie des concerts de Bénabar. Ce jeune groupe qui compte déjà à son actif deux albums d’une rock-pop anglaise mais à la gouaille bien française, devrait encore faire parler de lui. Nicolas a une réelle présence sur scène, il est très à l’aise, très complice avec son frère et il a aussi beaucoup regardé Liam Gallagher (Oasis) que l’on croirait reconnaître s’il ne chantait dans la langue de Molière et portait une casquette. Archimède est bridé dans son expression artistique. Parce qu’en accompagnant ses chansons uniquement d’une basse et d’une guitare acoustique pour six titres, c’est peu, trop peu pour être honnête. D’habitude ils sont cinq précise le chanteur. Malgré tout, les spectateurs les plus jeunes sont manifestement emballés ! Bruno Nicolini aurait-il peur qu’on lui fasse de l’ombre ?
Bénabar, Y a d’la joie !
Après Le Man et Rennes, Bénabar revient à Lille, où l’attend impatiemment un public fidèle et conquis d’avance dans une salle pas tout-à-fait comble. Mais un concert de Bénabar, c’est plus qu’un concert : c’est un véritable spectacle au cours duquel on a droit à des intermèdes humoristiques, mises en scène et enchaînements préparés au prompteur. Les atmosphères vont du plus intimiste au plus ‘broadwaysien’. Et c’est plus souvent le grand show : lumières criardes pour un décor très 70’s. Sans oublier les deux choristes au look très kitch : l’une verte et l’autre rouge.
Chaque chanson de Bruno Nicolini est un petit tableau expressif de la vie quotidienne, de celle du jeune trentenaire jusqu’au jeune quadra. Dans la tradition des chansonniers à la Trenet, Bénabar est un auteur de talent qu’on écoute parce qu’il nous touche à l’aide de mots simples de tous les jours. Ses petites histoires, véritables comptines pour adultes, nous racontent et on s’y reconnaît à un moment ou l’autre de la vie. A la longue, elles pourraient devenir vite banales et répétitives. Un peu plus de profondeur serait bienvenu mais nuirait sans doute au caractère festif que souhaite donner l’artiste à sa performance.
Le spectacle déborde d’enthousiasme, d’énergie. Bénabar s’agite, bondit, virevolte, court d’un côté de la scène à l’autre. Moins vite peut-être que lors de ses premiers concerts… Mais comme il le rappelle en clin d’œil : il a connu l’époque du téléphone à fil et des cassettes VHS ! Les musiciens (jusqu’à 9 à un moment du show) sont en complète harmonie avec Bruno : une section de cuivres débridée fait la fête sur l’estrade. L’humour et l’autodérision sont d’ailleurs omniprésents tout au long du set. On aura également droit à une ambiance jazz, à une valse à l’accordéon (plus franchouillard tu meurs !), au cabaret, au grand music-hall.
Mention spéciale pour l’interprétation de « Love me tender » (oui, du King himself) mais traduite et commentée avec beaucoup d’humour. Et puis celle a cappella de « L’itinéraire » qui clôture un spectacle d’une heure quarante, beaucoup trop peu pour le public qui en demande encore, mais en vain. Il restait encore tant d’histoires qu’on aurait voulu se faire raconter…
Setlist
1. Quelle histoire
2. Infréquentable
3. Où t’étais passée ?
4. L’adolescente
5. Pas du tout
6. L’agneau
7. Politiquement correct
8. Y a une fille qui habite chez nous
9. Moins vite
10. Quatre maisons et un toit
11. Majorette
12. Maritie et Gilbert Carpentier
13. Dis-lui oui
14. A poings fermés
15. La berceuse
16. A notre santé
17. Les râteaux
18. Le dîner
19. Je suis de celles
20. L’effet papillon
21. Love me tender (traduite et commentée)
22. Les épices du souk du Caire
23. L’itinéraire
(Organisation Alias Production)
Ce samedi soir au Botanique, il fallait opérer un choix. Difficile. Soit se laisser emporter par les vagues de la dream-pop éthérée de School of Seven Bells, à la Rotonde, ou se soumettre à un exercice de relaxation, en compagnie de l’Américain Cass McCombs, à l’Orangerie. C’est la seconde alternative que votre serviteur a prise. Les organisateurs ont tout prévu, puisque les sièges sont sortis. La soirée s’annonce donc paisible…
Le concert débute vers 20h00. Pas de supporting act. On ne s’en plaindra pas. Cass McCombs monte sur l’estrade flanqué de ses quatre musiciens. Mais une jeune femme suit la troupe et s’installe au centre de la scène. Les lumières se braquent sur elle. Et lorsque les premières notes retentissent, elle commence à caresser les ondes. Original, pour ne pas dire insolite. Elle quitte alors les lieux pour céder les rênes au band yankee. L’éclairage s’est enfin déplacé vers le Californien. Pas évident de coller le physique de ‘bûcheron grunge’ à McCombs à l’écoute de sa musique mélancolique. Néanmoins, il aligne quelques titres plus rock, bien différents de ce qu’il nous avait proposé lors de la sortie de « Catacomb », en 2009. Mais au fil du set, le ton et le tempo baissent d’un cran, voire de deux. Et franchement, il faut alors s’accrocher pour ne pas somnoler. Pourtant, on assiste à un ballet incessant d’allers-retours des musicos entre le podium et les coulisses. But non avoué : se désaltérer (NDR : les boissons sont interdites dans la salle). Si bien que ma concertation est constamment perturbée par cet étrange manège. Pendant ce temps, Cass McCombs joue imperturbablement son répertoire, une setlist réunissant une majorité de titres issus des trois derniers opus. Le claviériste passe des synthés aux ivoires (NDR : un superbe piano à queue) tandis que le gratteur alterne entre six cordes et lap steel. La voix de Cass est parfaite et ses musicos impeccables. Reproduisant les compos aussi fidèlement que sur disque. C’est sans doute le principal reproche que l’on peut adresser à ce concert. Trop parfait et sans le moindre grain de folie. De fougue et d’énergie, il n’en a jamais été question…
(Organisation Botanique)
Le violoniste et nyckelharpiste Didier François est un touche-à-tout hors du commun qui collabore avec les plus grands noms du monde artistique. S’intéressant aux musiques traditionnelles, jazz et classique, il participe entre autres à la composition et à l’enregistrement de B.O. de films et de documentaires. Le nyckelharpa, son instrument de prédilection, est un instrument traditionnel d’origine suédoise se rapprochant du violon. Le mot ‘nyckelharpa’ signifie ‘vièle à clavier’. Sa sonorité rappelle celle de la vielle en plus doux et chaleureux. On doit à Didier François l’élaboration d’une nouvelle tenue pour cet instrument qui améliore la vélocité du jeu et la qualité du son.
Ce disque est plaisant à l’écoute, les harmonies y fleurissent bien et nous surprennent sans cesse. Accompagnées par les cordes bourdons, les cordes sympathiques répondent aux résonnances de celles mélodiques frottées par l’archet et déploient des couleurs et des textures fort différentes de celle du violon. Nous sommes plongés dans un monde intimiste et mystérieux, un peu méditatif qui exhale les dissonances de la musique ancienne en même temps que les échos du folklore scandinave et ottoman. Le disque est ponctué d’œuvres plus connues issues du catalogue classique et jazz et les réinterprétations opérées par Didier François, de celles tirées du répertoire pour violon, sont belles et respectent le caractère d’origine de l’œuvre. Loin de déranger ou de dénaturer Bach et Ysaÿe, la sonorité du nyckelharpa rafraîchit en quelque sorte notre écoute. Les compositions originales du musicien que l’on retrouve également sur le disque sont toutes en déploiement et recherche des sonorités, célébrant au mieux les qualités de l’instrument.
Le 7 janvier 1948, vers 13h00, plusieurs dizaines de témoins signalent aux autorités locales du Kentucky la présence d'un objet rond, lumineux et de grande taille se dirigeant lentement vers le sud.
Lancé à la poursuite de cet O.V.N.I., le capitaine Mantell disparaîtra bientôt aussi bien des écrans radars que de la surface de la terre.
Soixante-trois années plus tard, il réapparaît sous le couvert d’un trio italien produisant un mélange hybride entre Pop et electro kitch disco.
Personnellement, j’estime que les extra-terrestres auraient dû le garder encore un moment.
Ex-membre des vétérans émo de Fireside, Kristofer Åström mène depuis 1998 une régulière et attachante carrière solo dont on avait perdu la trace depuis « Sinkadus » (2009). Habituellement flanqué de ses fidèles Hidden Trucks, c’est aujourd’hui seul maître à bord que le Suédois revient dans un registre folk immuable qu’il maîtrise à merveille à l’aide de sa guitare acoustique et son inséparable harmonica (« For You »). Il tisse des complaintes folk aux accents pop et mélancoliques (« Strong & Tall), rappelant parfois Elliott Smith (« Taser Gun ») voire Conor Oberst (« Can You Imagine ? »), mais qui s’avèrent malheureusement parfois soporifiques (« Full Moon »)…
Pas convaincu que cette nouvelle étape lui permette de décrocher une notoriété pourtant méritée ; et pourtant, la musique du ‘loner’ nordique est une valeur sûre sur laquelle on revient avec plaisir, certains d’y retrouver quelques pépites à écouter en solitaire…
La patience est une vertu que tout fan de Voivod doit posséder. Et il leur en a fallu de la patience. Plus de trente ans avant de pouvoir s’enfiler goulûment ce superbe témoignage live de l’époque thrash punk des Québécois qui deviendront, quelques années plus tard, les plus grands représentants de la scène techno thrash (techno dans le sens de technique, entendons nous bien !) Et pourtant de nos jours hélas, de nombreux aficionados de metal connaissent à peine leur nom. Nombreux aussi sont ceux qui respectent le côté visionnaire du combo aussi bien influencé par Killing Joke, Venom que Pink Floyd.
« Killing Technology » est un opus culte. Une tuerie de riffs déments plongés au sein d’une ambiance de vieille usine désaffectée. « To The Death 84 » nous renvoie donc aux racines de la carrière du groupe basé à Jonquières, banlieue de Québec. A cette époque, Snake, Away, Piggy et Blacky commencent à composer ferme dans l’espoir de marcher sur les pas de Motörhead et de Venom. Bien vite repéré par Brian Slagel, qui leur ouvre les portes du label Metal Blade, le groupe vomit deux albums monstrueux de puissance (« War and Pain » et « Rrroooaaarrr ») et s’embarque pour une tournée américaine chaotique en compagnie de Celtic Frost. « De War and Pain » à « Incantation », de « Slaughter in a Grave » à « Iron Gang », tout n’est ici qu’énergie et violence absolue. Un sommet pour l’époque, digne des représentations des Iroquois de Discharge. Et on se régale de cette reprise bien perso du classique « Evil » de Mercyful Fate ainsi que d’une autre cover moins inattendue, le « Bursting Out » de Venom. Aujourd’hui, la conviction de Voivod envers la cause sacrée du metal demeure intacte, même si la direction musicale empruntée est résolument différente de celle délivrée à merveille sur cet album live poisseux, authentiquement underground. Imparable !
"01-06 June" est le projet solo de David Tomat, un DJ italien issu de Turin qui s’est forgé une notoriété dans l’univers de l’électro/rock, chez N.A.M.B., un band au sein duquel militent ses comparses Luca Cognetti, Silvio Franco et Andrea Ghio.
Réunissant 11 titres, l’opus n’a nécessité que 6 jours pour être réalisé et mixé. C’était en juin 2010. De l’aveu même du musicien, il est le fruit d’improvisations consécutives à des sessions électro opérées en multipistes, des sessions alimentées notamment, par la voix du Deejay, un synthétiseur analogique et des effets spéciaux enfantés par la guitare et un ordinateur.
Le titre de l’opus est inspiré par une légende. Historiquement, du 1er au 6 juin, on a toujours assisté à une période faste en matière de découvertes. On y aurait bricolé la première radio, accompli le premier vol en ballon (NDR : un exploit attribué aux frères Montgolfier), réalisé la première photographie d’une comète, etc.
Pourtant, on ne peut pas dire que cette période ait vraiment inspiré le Transalpin. Peut-être pour le choix des titres de l’elpee…
"CE-2" ouvre la plaque. Une compo qui souffre de ses longueurs et de sa carence en rythmes. Et "Radio" qui embraie n’est pas davantage convaincant. L’amorçage est très (mais alors vraiment très lent !) et le reste guère transcendant. Au fil de l’opus, on se rend d’ailleurs compte que c’est à l’allumage que le bât blesse, ne permettant jamais aux morceaux de décoller. Pire encore, en écoutant "Soyuz", on se demande si le disque n’est pas rayé, tellement sa structure est chaotique.
"Lovelyplace" est l’exception qui confirme la règle. Une plage vraiment originale qui n’empêche pourtant pas le naufrage général. Pas de paroles, des mélodies sommaires et un mixing sans grande envergure, on se demande dès lors quel public David Tomat vise-t-il ? Je n’ai toujours pas la réponse.
Il serait peut-être judicieux que l’artiste se concentre sur ses autres projets, et en particulier N.A.M.B. et Niagara, pour lesquels il semble nettement plus inspiré…
On ne peut pas dire que la toile regorge d’infos au sujet de Tigers of the Temple. Et en tapant ce patronyme sur un moteur de recherche, on atterrit rapidement dans l’univers des tigres de Thaïlande. En fait, cette formation est suédoise. Elle nous vient même très exactement de Göteborg. Et pas la peine de le répéter 100 fois, les Suédois sont particulièrement branchés sur la musique folk. D’ailleurs le premier Ep de ce sextet scandinave en est une nouvelle démonstration.
« Death Light Fire & Darkness » est découpé en quatre plages sculptées dans un folk mélancolique et touchant, alimenté par un violon, un banjo et des chœurs. Des chœurs auxquels participe une vielle connaissance, Kristofer Åström sur les deux premiers titres, « Mental Walks » et « Lions Cape ».
Bref, dans le style, ce Tigers of the Temple se débrouille plutôt bien ; et j’ajouterai même que cet Ep m’a mis l’eau à la bouche. J’attends ainsi impatiemment la sortie de leur premier opus…
Au cas où vous ne l’auriez pas remarqué, les 80’s sont bien de retour. Interpol avait allumé la mèche en 1998. Et les Editors l’avaient soigneusement entretenue. Depuis, c’est la déferlante. Les disciples les plus récents ? Active Child, Chairlift et School of Seven Bells (alias SVIIB), même si ces derniers en sont déjà à leur troisième elpee. Symptomatique, le label Full Time Hobby, en général favorables aux artistes pop-rock ou folk, semble avoir été atteint par ce virus revivaliste.
School of Seven Bells n’est pas une formation inconnue sur la scène des States. Il s’est ainsi déjà bien illustré, en participant aux tournées de quelques pointures comme Interpol (NDR : ben tiens !), Blonde Redhead, Prefuse 73 ou encore Bat For Lashes. Depuis la publication de « Disconnect From Desire », le trio est passé à un duo, suite au départ de Claudia Deheza. Cependant, cette modification de line up ne semble pas avoir influé sur la motivation de Benjamin Curtis et Alejandra Deheza, puisque « Ghoststory » constitue déjà leur troisième elpee en trois ans. Après avoir tâté de la dream-pop mielleuse, adopté les rythmiques électroniques et goûté au shoegaze réminiscent de Cocteau Twins voire My Bloody Valentine, SVIIB a donc opté résolument pour un retour aux eighties.
Dès les premiers morceaux de ce troisième album, et en particulier sur « The Night », on est littéralement éclaboussé par ces lignes de claviers très caractéristiques. Puis progressivement, le tempo ralentit et l’expression sonore s’élève dans l’éther atmosphérique, atteignant son point culminant lors des envoûtants « Reappear » et « Show My Love ». Et en fin de parcours, le band de Brooklyn nous réserve l’un ou l’autre dernier périple dans l’univers pop-new-wave, notamment sur « Scavenger ».
En s’ouvrant à un autre courant musical, School of Seven Bells estime qu’il évolue. Mais ce choix risque peut-être de lui faire perdre certains anciens adeptes. Reste maintenant à vérifier cette métamorphose, lorsque le groupe se produira en ‘live’. Et ce sera le cas, ce 10 mars sous la Rotonde du Botanique.
Une plage décapante ouvre cet album live immortalisant la tournée française, accomplie par le duo mexicain Rodrigo y Gabriela, qui module énergiquement des rythmes flamencos aux accents rock, jazz, et métal.
Deux guitares acoustiques et quatre mains menteuses, qui font croire à l'orchestre et aux percussions. L'un s'occupe en réalité des accords pour que l'autre puisse courir sur des soli endiablés.
L'album claque comme un coup de fouet, les doigts jouent avec les résonances des cordes, cassent le rythme, frappent les corps des instruments.
Expressionnistes, Rodrigo et Gabriela semblent être un feu d'artifice permanent. Accélérations, tension, puissance maximale. On en prend plein les oreilles.
Mais toujours, la même intensité, le rythme frénétique et régulier, qui gagnerait à reprendre son souffle dans des compositions plus lentes ou en jouant davantage sur les variations de volume. Le duo ne fouille pas assez les subtilités de gammes, de dissonances, de contrastes, comme si la prouesse technique se suffisait à elle-même.
Certaines potentialités physiques de la guitare sont explorées, les sons ne sont pas désagréables, mais la composition n'offre que trop peu de surprises. Les mélodies s'enchaînent, le public exulte, et en fin de parcours, on a envie d'aller prendre l'air, de respirer un peu, après cette fête bruyante ou rien d'important n'a été dit.
R.Wan serait-elle la nouvelle orthographe d’Erwan ? Pas vraiment, plutôt une version upgradée…
A vrai dire, nous sommes tout simplement témoins d’un changement dans la continuité. Avant de l’écrire phonétiquement, c’était le prénom qui précédait Séguillon, prénom et nom du chanteur de
Java, groupe français qui depuis 1998 milite dans un registre rap-musette de la meilleure veine. Ce mélange des genres a donné naissance à une musique originale sur lesquelles viennent se greffer des textes riches en jeux de mots et en double sens.
Depuis 2006 et la mise entre parenthèses des activités du band, sa principale source d’inspiration il la puise en sillonnant seul les chemins tortueux de la chanson franchouillarde.
Et quoi de neuf (docteur) ?
Pas de gros, gros changements à l’horizon. R.Wan en est déjà à sa troisième parution depuis la semi-retraite de Java. Après « Radio Cortex » 1 et 2, ce sont 10 nouvelles plages qui garnissent son dernier disque, une excellente surprise de ce début d’année.
Suivant sa très bonne habitude, le Parigot explore différents styles musicaux. De la ballade romantique (« La marge ») au rock (« Américaine ») en passant par le rap (« Mélodie en sous-sol ») et le pop/rock/ (le superbe « Peau rouge »), R.Wan ose tout et tout lui réussit remarquablement!
« Le papier d’Arménie » remarquable texte rédigé en forme d’hommage à toute une génération perdue lors du génocide arménien est magistralement mis en musique dans un style qui lui est propre. Qui plus est, ce titre bénéficie d’une orchestration impeccable.
L’humour est omniprésent sur cet elpee, quelques titres font sourire et d’autres vraiment rire, et des artistes disparus (ou presque) comme Renaud ou Bobby Lapointe auraient très bien pu interpréter les « CRS mélomane », « Maffia » ou encore « Julie ».
Une bien belle réussite pour ce trentenaire à la plume acerbe trempée dans la bonne humeur ! Attention, c’est contagieux.
Un petit regret, 10 chansons et 35 minutes seulement…
Quel album étrange ! « Evolvotron » constitue la seconde œuvre de ces mystérieux activistes musicaux (et religieux ?) baptisés Quakers & Mormons… Tout ce qu’on sait de ce projet, c’est que ces prêcheurs inconnus militent en Italie et qu’en outre, cet elpee a été concocté dans la toute petite ville de Pontecurone (NDR : c’est dans le Piémont) ; même s’il aurait pu être réalisé au Canada, tellement l’univers de Quakers & Mormons lorgne du côté de celui de Buck 65 (« Background, Foreground », « Louder than Bombs »). Ces artistes (apparemment, ils sont deux et se prénomment Maolo et Mancho) livrent un hip-hop sombre (« Down is Up »), électronique et souvent –divinement ?– inspiré. Les instrumentaux sont originaux et n’hésitent pas à recourir aux cuivres (« Dancing in the Mud »), aux sonorités orientales (« Bog »), aux cordes (« Speechless Silence ») lorsqu’ils n’embrassent pas un certain esprit free-jazz (« Taste of Poland »).
Un bel album de hip-hop indie dans la lignée de ceux concoctés par 13&God, Subtle voire même Sage Francis ! Moralité : j’adhère sans hésiter à la secte des Quakers & Mormons…
Ce groupe irlandais, signé chez Universal, avait publié son premier opus en octobre 2010. Mieux vaut tard que jamais, l'album est aujourd'hui distribué en Europe par K&F. D'emblée, on est impressionné par la ‘maestria’ affichée par ces jeunes gens. Le « Parachutes » de Coldplay doit certainement être le disque de chevet pour concocter un tel brit-folk-rock ciselé par la voix chaude et attachante de Paul Savage.
Mais au détour des plages, on découvre un éventail plus large de références. "Don Quichotte" lorgne vers Oasis, alors que le refrain est réminiscent de Muse. Plus loin, on croise des influences empruntées à Arcarde Fire, Veils et Blur. "Sedalia" est une superbe ballade dont les harmonies vocales auraient parfaitement leur place sur "Abbey Road".
Manifestement, les musiciens sont hyper doués et savent tout jouer. Ils nous ont donc livré un éventail impressionnant de leurs très vastes capacités. Une œuvre fascinante, extrêmement riche, mais qui souffre d'une pléthore de références. A eux de prouver lors de leur prochain essai, qu'ils possèdent une véritable identité. En tout cas, ce premier jet d'O Emperor est... impérial!
Outre son projet personnel, pour lequel elle se réserve le chant, Simi Nah rejoint circonstanciellement Praga Kahn, pour se consacrer à la basse. Française, elle joue également de toute une série d’instruments. Pour enregistrer son nouvel opus en solitaire, elle a reçu le concours du coproducteur, Kenny Blomme.
La solution sonore continue de creuser dans la ‘french touch’, une forme électro très appréciée outre-Atlantique, il faut le rappeler. Le mixing est excellent. Et les mélodies inspirées. Mais la demoiselle adore les ambiances gothiques (NDR : son style vestimentaire en est également une illustration). Ce qui apporte davantage de caractère aux compos. Bien vu ! En outre, la Niçoise possède une jolie voix, ce qui n’est pas négligeable.
"Coco chaRnel" ouvre l’elpee. Un titre sympathique, même si les lyrics me semblent un peu limite. "R & B : Rubis et Bikini" est la pépite de cet opus : rythmes endiablés, interventions électro judicieuses et énergiques. Un tube en puissance que l’on écoutera en boucle. Une chanson qui déchire, rappelant étonnamment « Ca m’énerve » d’Helmut Fritz, au niveau des arrangements comme dans la frivolité des paroles. L’humour en moins toutefois.
Retour à la quiétude sur le titre maître et "Cabaret", deux plages plus ‘chantantes’. Trop fade, "Bride in Black" est totalement dispensable. "100 visages" réverbère des échos empruntés à Mylène Farmer. Pour la voix, bien sûr ! Mais au fil du disque, les bonnes compos se font de plus en plus rares, même si "Requiem pour un chiffon" tient bien la route. En fait, et c’est là que réside l’essentiel du problème, les textes des chansons rivalisent de banalités. Ils parlent de strass, de paillettes et de mode. De futilités, si vous préférez. Et même dans l’univers de l’électro, la qualité des lyrics a son importance, quoiqu’on en pense. Surtout dans la langue de Molière. Paradoxalement, "Die for Fashion" passe mieux la rampe. Les paroles sont en anglais. On y prête donc fatalement moins attention. Et à partir de "La machine", le syndrome refait son apparition. Un syndrome accentué par une perte progressive de peps, d’énergie. Comme si l’artiste était soudainement tombé en panne d’inspiration.
Bref, même s’il faut tirer un bilan en demi-teinte, rien que la présence de "R & B : Rubis et Bikini" est de nature à sauver un album qui aurait peut-être gagné à être plus court. En éliminant les titres sans grand intérêt, par exemple. Et puis surtout, il aurait certainement rencontré davantage mes faveurs, si les textes avaient été davantage soignés. A l’avenir, faudra peut-être qu’elle pense à engager un parolier…
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