Ce disque est paru en 2008. Une œuvre dont les lyrics se focalisent sur la politique yankee. Passée et présente. Passant notamment sous ses fourches caudines l’administration de l’ex-président des Etats-Unis, Georges Bush (NDR : contre lequel il a milité lors de la campagne électorale de 2004), mais également les problèmes et les controverses qui ont alimenté les affaires publiques des années soixante. Pas étonnant qu’il fasse également référence à des personnages mythiques et engagés comme John F. Kennedy ou Martin Luther King. Faut dire que l’artiste est né en 1948. En Allemagne. Son père y était militaire. Puis la famille est retournée aux States. A Los Angeles, très exactement.
Il a sévi chez le Nitty Gritty Dirt Band au cours des 60’s, puis écrit des chansons, notamment pour Tom Rush, The Eagles, Linda Ronstadt, et les Byrds. Il a également transité par le groupe de Tim Buckley et a collaboré à l’enregistrement de l’album « Chelsea Girl » de Nico.
Découpé en 10 titres, cet elpee (NDR : c’est son quinzième !) s’adresse cependant essentiellement aux ondes FM de l’oncle Sam. A cause de la musique. Une sorte de rock/pop/folk qui sans être de mauvaise facture manque singulièrement de relief. Un style que l’auteur/compositeur/interprète a toujours privilégié, pour mettre ses textes engagés en exergue.
Benjamin Biolay est certainement un des artistes les plus controversés du paysage musical français. On l’aime ou on le déteste. A vrai dire il s’en fout éperdument ; choque juste pour le plaisir et ne fait rien pour plaire. Il continue son bonhomme de chemin, et n’en a rien à cirer de ce que l’on pense de lui. Tant mieux pour les uns, tant pis pour les autres !
Benjamin nous propose son cinquième opus. Réunissant 22 titres, il est double. Et, avouons-le tout de suite, c’est certainement ce qu’il a fait de meilleur jusqu’à présent. Non content de proposer des compositions très soignées, couvertes de pop anglaise, mais il est parvenu à les habiller de textes à la hauteur de son immense talent.
Les comparaisons foisonnent : de Gainsboug à Sheller, en passant par Brel, Daho ou Bashung, Benjamin ferme le bec à tous ses détracteurs, y compris à quelques-uns de ses soi-disant ‘bons collègues du métier’.
Evidemment, sur ce double Cd, certains morceaux sont un peu plus réussis que d'autres ; mais franchement « Ton héritage », « Night Shop », « Tu es mon amour », « Sans viser personne », « Brandt Rhapsodie », « Tout ça me tourmente », « Raté », « Lyon Presqu'île », « Jaloux de tout », « 15 septembre » et le titre maître sont tout bonnement extraordinaires. Onze chansons qui brillent tant par leurs textes, la musique, la voix que les arrangements…
Tout y est. Les onze autres sont seulement ‘excellentes’, un demi-ton en-dessous d’extraordinaire donc… Tout a un sens ; à chaque plage, Benjamin, magicien des mots et des mélodies qu'il manie avec réel talent, nous invite, sans redites, sans raccourcis, sans facilités, à accomplir un voyage chargé de tristesse et de mélancolie ; mais aussi empreint d’une beauté susceptible de vous flanquer le frisson.
Si vous n’avez jamais trop aimé Biolay, ce n’est pas cet album qui va vous faire changer d’avis. Si vous ne le connaissez pas, je vous invite vivement à le découvrir. Quant aux autres, ils se sont déjà probablement procuré l’elpee. En un mot comme en cent : génial !
Un ‘supergroupe’ de plus ? Sauf que Sweethead ne rassemble pas vraiment des têtes d’affiches, à l’instar de Monsters Of Folk ou Them Crooked Teeth. Il s’agit ici du projet parallèle du tout aussi actif que réservé Troy Van Leeuwen, membre actuel de Queens Of The Stone Age (décidement…) et de deux membres du Mark Lanegan Band. Sweethead dévoile également les talents vocaux d’une Serrina Sims, qui serait inconnue au bataillon si ce n’était pour ses chœurs au sein du « Era Vulgaris » des Reines de l’Age de Pierre. Bref, on reste en famille.
Dès les premières écoutes, le constat est inévitable. Serait-ce là le pied-de-nez bien placé de Troy Van Leeuwen envers Brody Dale et Alain Johannes ? Car l’éponyme de Sweethead évoque indéniablement celui de Spinnerette, publié quelques mois plus tôt. Une comparaison qui peut s’étendre jusqu’à la suggestivité des pochettes respectives. Musicalement, au contraire de Brody Dale, Serrina Sims sait se faire entendre sans user d’édulcorants superflus. La collaboration entre la blonde et le brun jouit d’un punch, d’une cohérence et d’une détermination dont souffrait cruellement l’œuvre de Spinnerette. Elle compte également beaucoup moins de prétentions. « Sweethead », successeur d’un premier Ep publié en juillet 2009, démontre que Van Leeuwen est l’un de ces héros discrets qui n’ont pas besoin de spotlights braqués sur eux pour opérer un travail admirable. Score final : Sweethead : 1 – Spinnerette : 0.
Bon sang ne saurait mentir ! Pierre Souchon est évidemment le fils de l’autre. Et il a visiblement hérité du talent de son géniteur : le sens de la mélodie, les textes mi-sérieux, mi-comiques. Et parfois, une réplique de la voix. C’est ‘la totale’ !
Le rejeton Souchon n’en est pas à ses balbutiements. Heureusement, car à l’approche de la quarantaine (Pierre est né en 72), ce serait un peu ‘juste’. Sa carrière musicale, il l’a débutée… devinez auprès de qui ? Ben le fils Voulzy évidemment. Ensemble, ils ont écrit, composé et interprété deux superbes albums sous le patronyme des ‘Cherche midi’. C’était au cours des années 90. Hélas, la critique a été, injustement, sévère avec eux. Et le duo a fait long feu…
Après avoir passé quelques années dans l’anonymat, Pierre a décidé de revenir à la charge. En solitaire cette fois. Concoctant en 2004, le bien nommé « Jamais plus pareil » ! Mais qu’il est difficile dans ce métier de se réserver une place au soleil quand on est ‘fils de’. Ignoré, snobé, rejeté, il y aurait de quoi rendre son tablier et enterrer son talent (réel). Ce qu’il a fait partiellement durant 6 années pour se mettre au service des autres : papa (bien sûr), Patxi, Sandrine Kimberlain ou encore Jane Birkin…
Fin 2009, il a enfin publié un nouvel opus. Un disque réunissant 9 titres seulement. On y retrouve les ingrédients habituels des bonnes petites chansons françaises. Car cet elpee est de bonne facture, de très bonne facture même. Il recèle même de petites perles comme « Piteur’s Friend », « L’A.O.T », « Il et Elle » ou encore « Bonhomme hélium ». Des morceaux au cours desquels bonne humeur, rythmes et jeux de mots exquis font bon ménage. Il y a visiblement du talent chez Pierre Souchon. Ce serait vraiment du gâchis de passer, une fois de plus, à côté d’un tel artisan ; car c’est bel et bien de l’artisanat d’excellente facture. A l’heure où papa se fait un peu plus discret, un peu moins enthousiaste, un peu moins talentueux peut-être, ce serait bien d’aller voir du côté des enfants… (NDR : l’autre fils d’Alain, c’est Ours, vous le saviez je suppose ?)
L’ex-Queens Of the Stone Age effectue un retour par la (toute) petite porte. L’acoustique de la mort de Nick Oliveri réunit quelques nouvelles compositions mais se focalise essentiellement sur des reprises. La reine déchue s’égosille sur des morceaux de Kyuss (« Love Has Passed Me By »), Danzing (« Hybrid Moments ») ou même de sa formation originelle (« I’m Gonna Leave You »). Le résultat de ce travail de dépouillement est assez pénible à entendre. A trois exceptions près (« Follow Me », « I’m Gonna Leave You » et « Hybrid Moments »).
Oliveri apparaît sur son « Death Acoustic » comme un être en chute libre qui tente désespérément de s’accrocher aux dernières branches de l’arbre. Les vocalises du bonhomme sont parfaites lorsqu’elles sont noyées sous les distos de son Mondo Generator. Mais, ici, elles sont tout simplement insupportables. L’intitulé de cette œuvre est donc probablement le seul choix judicieux opéré par le musicien.
The Mary Onettes est un combo suédois qui excelle dans l’art de passer inaperçu. Malgré la publication d’un premier recueil éponyme de très bonne facture. Les frangins Ekström et leurs deux collègues ont bien du mérite. Ne serait-ce que pour leur ténacité. Car le moins que l’on puisse dire est que l’accouchement de ce deuxième bébé s’est effectué dans la douleur. En 2000, après un démarrage peu glorieux au sein de l’écurie Sony, qui s’est débarrassé du quatuor quelques semaines après la sortie d’un Ep intitulé « Lost », The Mary Onettes a trouvé refuge chez ses compatriotes indépendants de Labrador Records. S’ensuit la publication d’un premier ouvrage très proche d’Echo & The Bunnymen. Trop, diront certains. La comparaison colle à la peau de la formation qui remonte alors en studio pour enregistrer de nouvelles compos. C’est à ce moment que la malchance frappe le combo, victime d’un cambriolage. Envolé, le disque dur à l’intérieur duquel est conservé une bonne partie des enregistrements. Le combo avait heureusement eu l’immense sagesse d’effectuer un backup de ces bandes. Cependant, comme le veut le vieil adage ‘un malheur n’arrive jamais seul’, ce même disque va souffrir peu après d’un gros problème technique irrécupérable. De quoi déprimer un bon coup.
Mais The Mary Onettes n’est pas du style à se laisser abattre. Quelques sessions d’enregistrement sous haute surveillance plus tard, le quatuor met « Islands » en boîte une fois pour toutes. Tous ces déboires vont déboucher sur une deuxième galette plus personnelle, plus atmosphérique que la précédente. L’ombre d’Echo & The Bunnymen est manifestement moins présente, bien qu’il subsiste inéluctablement quelques miettes de cette influence. Malgré un faux départ dû au synthé introductif de « Puzzles », évoquant étrangement celui du « Running Up The Hill » de Kate Bush, « Islands » trouve sa cadence et éloigne peu à peu The Mary Onettes de ses inspirations. Le résultat de ce long et tortueux parcours est condensé de Dream Pop joliment teinté de shoegaze. "Islands" devrait être apprécié, à sa juste valeur, par les plus nostalgiques des trentenaires.
Une chose est sûre : Los Campesinos! ne risquent pas de se faire oublier. Les sales gamins en sont déjà à leur troisième LP en un peu moins de deux ans. En 2008, les Gallois dessinaient un large sourire sur le visage des critiques en publiant le sautillant « Hold On Now, Youngsters… » Neuf mois plus tard, ils accouchaient d’un « We Are Beautiful, We Are Doomed » en demi-teinte. Pour son troisième labeur, la grande famille Campesinos a pris le temps de développer ses idées avant de les coucher sur papier. Il en résulte un assortiment de morceaux un peu plus funs et réfléchis. Après une entrée en matière sous forme de cafouillage (« In Media Res »), « Romance Is Boring » renoue avec le son festif typiquement ‘Campesinosien’ (« There Are Listed Buildings », « Romance Is Boring », « This Is A Flag. There Is No Wind »,…).
Mais Los Campesinos! demeure une formation qui se cherche encore. Les brouillons « Plan A », « I Warn You : Do Not Make An Enemy Of Me » et « Who Fell Asleep In » empêchent « Romance Is Boring » de réellement décoller. Mais cette recherche constante permet également au septuor de dévoiler une facette plus posée (« The Sea Is A Good Place To Think Of The Future », « A Heat Rash… », « Coda : A Burn Scar… »), déjà introduite au sein de « We Are Beautiful, We Are Doomed », mais beaucoup plus mise en valeur sur cette galette. Et ‘les paysans!’ ne seraient évidemment pas ce qu’ils sont sans leur bonne palette de titres à rallonge. « Romance Is Boring » n’atteint pas le niveau de « Hold On Now, Youngster… », mais s’en rapproche à nouveau. C’est déjà ça.
La scène de Manchester a toujours été riche. Enfin surtout depuis 1976. Auparavant, on y a quand même recensé des artistes ou des groupes comme les Hollies, Herman Hermit’s ou encore 10cc. Mais c’est en 1978, lors de la naissance du label Factory, que le phénomène va prendre toute son ampleur. The Fall et Joy Division vont tracer la voie à des tas de formations (The Smiths, Durutti Column, A Certain Ratio, etc.), mais surtout déclencher un mouvement qui va être étiqueté ‘Madchester’ et au sein duquel des groupes comme Happy Mondays, The Inspiral Carpets, The Stone Roses, O.M.D et évidemment New Order, vont littéralement s’engouffrer. Une constante : que ce soit dansant. Raison sans doute, pour laquelle, l’électro va y jouer un rôle important. On va parler ensuite de ‘baggy’, histoire d’être alors à la mode. Et ce mouvement va même déborder largement au cours des 90’s. Depuis, on ne peut pas dire que la relève ait été assurée. Hormis Chemical Brothers, la suite des événements va surtout mettre en exergue des formations de britpop comme Oasis ou The Verve. Ce qui ne veut pas dire que l’héritage ait été laissé en friche. Simplement, on en a moins parlé ; et puis il a été néanmoins entretenu, vaille que vaille, par quelques vieilles gloires (Ian Brown, Black Grape,…) Or une nouvelle génération semble vouloir reprendre le legs à son compte… (B.D.)
Ainsi plus récemment, après Delphic, The Longcut revendique également la succession. Son premier elpee était paru, il y a trois ans : « A Call And Response ». Chez Deltasonic, une filiale anglaise de Sony. Mais le trio mancunien a décidé de changer de maison de disque en signant sur le label indépendant Melodic (Windmill, The Isles, …), afin de jouir de plus de liberté. Et la quasi-totalité de « Open Heart » a été enregistrée au domicile du guitariste de Nine Black Alps.
Dès le titre d’ouverture, on retrouve les éléments principaux qui avaient marqué de leur empreinte le premier opus. Tout d’abord le timbre vocal perçant, éclatant et reverb de Stuart Olgivie. Ensuite les tempos sautillants nés de la conjugaison entre boîte à rythmes et drums. Et enfin, les nappes profondes de synthés qui confèrent aux différents morceaux, une belle consistance. Manifestement, au cours des trois dernières années, le trio a pris de la bouteille. Ainsi, il parvient à maintenir une pression constante tout au long de ses morceaux électro-rock qui flirtent régulièrement avec les six minutes. Un peu comme si The Rapture ou encore Foals s’étaient légèrement frottés au post-rock. Et le résultat est tout simplement surprenant. Deux coups de cœur : le titre maître et « Bloody Sunshine », deux plages caractérisées par une superposition de sonorités qui s’achèvent dans une véritable déflagration sonore. Excellent !
Norah Jones est de retour. Pour le plus grand plaisir de nos mirettes et de nos oreilles. Deux ans se sont écoulés depuis la publication de « Not Too Late ». Œuvre qui annonçait en douceur un revirement folk-pop, concrétisé aujourd’hui par un quatrième ouvrage des plus respectables. « The Fall » met en lumière la capacité de la belle à s’adapter à un nouveau genre sans pour autant renier ses influences principales. La touche divinement jazzy de « I Wouldn’t Need You », « Back To Manhattan » et autres « It’s Gonna Be » est d’ailleurs présente pour en témoigner. La fillette de Ravi Shankar s’est entourée de Ryan Adams, Will Sheff (Okkervil River) et de son eternel partenaire Jesse Harris, mais continue de signer seule la majorité des compositions. Tout à son honneur. D’autant plus qu’elle excelle dans un exercice dont le résultat aurait pu s’avérer anecdotique.
Au contraire, Norah Jones signe une plaque dont une Aimee Mann, pour ne citer qu’elle, serait folle de jalousie. La New-Yorkaise se fait plaisir sans intention financière et produit une série de treize morceaux délicats (« December »), légers (« Stuck », « Young Blood », « Chasing Pirates ») et parfois même incisifs (« Man Of The Hour », « Tell Yer Mama » ou « You’ve Ruined Me », qui jouit de la participation de Marc Ribot). Aujourd’hui, Norah Jones n’est plus une excellente chanteuse de Jazz. Tout simplement une merveilleuse artiste folk-pop.
« The Ruminant Band » constitue déjà le quatrième recueil des Fruit Bats, un projet mené par un certain Eric Johnson. Le premier élément frappant, à l’écoute de cette œuvre, réside en l’indéniable ressemblance des mélodies de Fruit Bats et du phrasé de Johnson avec ceux d’un ‘petit’ combo nommé The Shins. Après avoir fouillé dans le passé de l’initiateur du projet, il s’avère que cette ressemblance est loin d’être le fruit du hasard. En effet, après la sortie de « Spelled In Bones », son troisième effort discographique, Eric Johnson s’est accordé un petit break de quatre années au cours duquel il a notamment milité au sein de la bande à James Mercer. Période qu’il a manifestement mise à profit pour emprunter quelques secrets de fabrication du quatuor d’Albuquerque.
Après avoir retrouvé ‘son’ inspiration, Johnson s’est acoquiné à quatre nouveaux musiciens, qui lui ont prêté main forte dans le processus d’élaboration de « The Ruminant Band ». En ont découlé onze petites séquences pop-rock printanières mais pas nécessairement très originales. L’ensemble résulte sur un sous-produit de The Shins. Ce qui n’est pas nécessairement fâcheux, car « The Ruminant Band » est une œuvre facilement adaptable en fond sonore, sans prise de tête. Mais le travail reste un peu léger pour un projet qui en est déjà à son quatrième essai…
Du Métal Pour Pas Un Balle !
Musiczine a décidé de vous aider à faire des économies en ces temps de crise.
‘Du métal pour pas un balle’ est une nouvelle rubrique destinée à vous faire découvrir des albums de heavy métal de qualité ainsi que des démos mis à disposition en téléchargement gratuit et tout à fait légal par les artistes eux-mêmes sur leurs sites internet.
Il est parfois réconfortant de se montrer chauvin. En présentant Valgard, par exemple, un groupe bien de chez nous.
Les plaines du Limbourg n’ont manifestement pas grand-chose à envier aux mers tumultueuses de la Scandinavie et les fiers guerriers belges de Valgard n’hésitent pas une seconde à s’aventurer sur le terrain de chasse des Vikings.
Originaires des villes de Bilzen et Molenbeersel, ces six cavaliers de l’apocalypse chevauchent allègrement entre les frontières qui séparent le folk, le black et le powermetal classique pour proposer une musique guerrière qui n’est pas sans évoquer le viking métal d’Amon Amarth, Mithotyn et Einherjer ainsi que le back métal d’Ancient Rites. Le rythme des guitares varie du speed au mid-tempo tandis que le clavier emmène les ambiances du folk au symphonique. Les vocaux sont extrêmes et renforcent le côté guerrier des compositions.
Réunissant 8 titres pour une durée totale de 27’31, « Elements » est une œuvre disponible en téléchargement gratuit, pochette comprise, au format mp3 (320kbps) sur le site officiel du groupe : http://www.valgard.be
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Valgard !
Alias Seasick Steve, Steven Gene Wold est un personnage atypique dans l’univers de la musique roots contemporaine. D’origine californienne, tatoué, la longue barbe grise, ce presque septuagénaire (NDR : il est né en 1941) affiche un look de vieil ermite. Dans la vie, il a accompli une multitude de jobs ; et puis il a bourlingué à travers de nombreux pays. Il chante et joue de la guitare. On ne sait plus trop depuis quand. Il a côtoyé Janis Joplin et Joni Mitchell. Et puis, il a également participé à de multiples sessions d’enregistrement. Tant comme ingénieur du son que producteur. Il s’est établi en Norvège. En 2001. Il y concocte son premier album, "Cheap", en compagnie de musiciens locaux, les Level Devils. Il embrasse ensuite une carrière en solitaire. Et publie son premier opus solo, en 2006, "Dog House Music". Un disque qui rencontre un succès certain, notamment en Angleterre. Ce qui lui permet de se produire au cours de très nombreux festivals. Il signe chez Warner et grave un nouveau long playing, en 2008 : "I started out with nothin' and I still got most of it left", puis un Ep intitulé "It's all good". L'an dernier, il a encore édité un elpee, "Man from another time", une œuvre parue sur Atlantic. « …Songs for Elisabeth" compile ses premières œuvres. Il a choisi ce titre sous la forme d’un présent, qu’il a adressé à son épouse, Elisabeth, lors de la Saint-Valentin.
"8 ball" et "Dr Jekyll & Mr Hyde" sont issus de son premier elpee, "Cheap". Excellent, le premier morceau est imprimé sur un tempo bien carré. La section rythmique est solide. Ce qui n’empêche pas la gratte électrique de se frayer son chemin. La série de notes dispensées par le vieil homme sont récréatives. Elles peuvent rappeler un certain Albert King. Graveleux, son chant passe au second plan. Tout au long de "Dr Jekyll & Mr Hyde", il s’inspire de John Lee Hooker. Il y dispense ses sonorités métalliques, face aux percussions bien marquées. Son chant est répétitif, hypnotique. Un style réminiscent de Howlin' Wolf, au sommet de son art. "My donny" figurait sur "Dog house music". Steve est seul, chante en s’accompagnant d’un dobro acoustique. Il semble possédé par sa musique, dont il accélère le tempo, jusque la rupture finale. "Just like a king" et "Walkin' man" sont extraits d’"I started out with nothin' and I still got most of it left". La voix du loup solitaire est douce et apaisante. Une plage sculptée dans le folk blues, caractérisée par son jeu de cordes envoûtant! "Just like a king" est un titre dont il partage l’écriture avec Nick Cave. Un morceau complexe dont la structure est en progression constante. Lors de ce titre, il est soutenu par son drummer norvégien. Terriblement expressif, son timbre est remarquable. Et ses accords filtrés par le bottleneck lancinants. "My home (blue eyes)" est issu de son dernier cd. La pureté de son jeu y est mise en exergue. Reste "Ready for love", une plage inédite, bien dans le style de l’artiste. Une question me taraude quand même l’esprit : nonobstant le talent de Seasick Steve, difficile de comprendre pourquoi son blues acoustique sans concession a acquis une telle popularité ?
Dix ans que votre serviteur est accro aux Stereophonics ! Aussi, je me faisais une joie de les revoir pour la troisième fois depuis 2000. En route donc pour Bruxelles où les Gallois nous attendent pour mettre le feu à la salle, comme chaque fois qu’ils se produisent chez nous ! Sold out depuis belle lurette, l’Ancienne Belgique accueille donc la bande à Kelly Jones pour une soirée mémorable, festive et dansante…
Pour meubler la première partie, The Silent Days crachouille quelques compos personnelles dans une ambiance un peu ‘je-m’en-foutiste’. Pas de (bonne) surprise, le public dans sa majorité boit une chope au bar ou grille une clope sur le trottoir. Comme il doit être difficile pour un petit band de faire son trou… d’autant plus qu’hélas, sa prestation ne suscitera aucun regret…
Il est 20h15 lorsque les roadies entament leur ballet. Ils sont une petite dizaine en tout. La grosse artillerie donc. 1996 (année de leurs débuts) est bien loin. D’ailleurs, c’est à la présence de ce personnel et au nombre de photographes accrédités, entre autres, que l’on remarque le nouveau statut des Stereophonics : il est devenu un gros cube de la scène pop/rock. Une petite demi-heure plus tard tout est prêt et les cinq membres (?) du groupe prennent possession des lieux. Bizarre, seuls les deux Jones (membres originels) et le batteur argentin (depuis 2004) figurent sur les affiches de promo. Le claviériste et le guitariste solo seraient-ils considérés comme des pis-aller ?
Allez hop, on y va ! Au premier accord de guitare, on est déjà tous fous dans la salle ! La fête ne durera pas ; du moins en ce qui me concerne.
Les trois premiers titres s’enchaînent sans que Kelly, le leader, ne daigne prononcer le moindre mot. Une constante durant tout le show, si la prestation mérite un tel attribut.
Alors qu’on était en droit d’attendre un concert, un show, une communion, on a eu droit –ni plus ni moins– qu’à un récital. Aucun décor, un jeu de lumières minable, une mise en scène inexistante, aucun effet, RIEN !!! Durant une heure trente, montre en main, le quintet interprète 20 titres, sans manifester la moindre émotion ni trahir une quelconque complicité entre eux ; et sans même échanger un seul mot avec les fans. Les seules paroles émanant de sa bouche se limitent à : ‘Thank you, nice to be here’ ou alors, à situer le morceau suivant. Ouais, ouais, évidemment, 20 titres, ce n’est pas de la tarte. Tous d’excellente facture, il est vrai. Tous hyper connus et repris pour la plupart en chœur par l’assistance. Mais même l’enthousiasme de la foule ne les émouvait guère. A aucun moment de la soirée le groupe n’a semblé intéressé par la ‘participation’ des pauvres andouilles qui avaient payé pour s’amuser, rigoler, chanter et danser avec eux.
Ils me faisaient penser à une bande de fonctionnaires venus prester leurs heures puis se casser après avoir reçu leur paie… Une fameuse claque dans la gueule !
Comment Stereophonics a-t-il pu en arriver à ce stade ? Où est leur joie de jouer ? Comment est-il possible qu’un artiste affichant un tel répertoire et d’une telle qualité musicale puisse mépriser à ce point une assemblée qui les adore ? Y’a là kekchose qui m’échappe…
Dans sa grande majorité, le public, conquis d’avance, n’y a vu visiblement vu que du feu. Et c’est tant mieux finalement. Ils reviendront les pauvres. Moi pas. Je me contenterai à l’avenir d’écouter leurs albums… toujours excellents heureusement…
Organisation Live Nation
(Voir aussi notre section photos)
Ne pas confondre Petula Clarck et Petula Clark, actrice et chanteuse britannique de variétés ayant rencontré un énorme succès à travers le monde, mais surtout en France et en Grande Bretagne, entre 1949 et 1970 (NDR : son plus gros tube, « Downtown », avait fait un carton en 1965 !). C’est vrai que la similitude orthographique est flagrante ; mais la différence musicale l’est tout autant. Attention, la surprise pourrait être fatale !
Petula Clarck (avec un ‘c’ donc) est un duo montois pratiquant un post punk particulièrement prisé au sein de cette mouvance. « Aye-Aye-Aye » constitue leur premier elpee. Il est découpé en 20 morceaux étalés en moins de trente minutes ; d’ailleurs, seuls cinq titres dépassent les cent-vingt secondes. La formule est rituelle : une guitare fortement électrisée s’épuise sous les coups de butoir des drums déchaînés. Pas question ici de timbre tout en finesse cher à la cantatrice british. Non, hormis quelques rares bribes de chant, les vocaux sont réduits à des onomatopées vociférées, comme chez le Singe Blanc. Rapidité et puissance sont les deux mots clés pour décrire la musique de Petula Clarck. Une exception qui confirme la règle : « Coyote ». En ralentissant quelque peu le tempo, l’auditeur a ainsi le temps de reprendre son souffle, avant de repartir à l’assaut. Idéal pour se réveiller. Imparable en live. Les deux Montois n’en demandent pas plus et nous non plus, soit dit en passant. Certes l’expression sonore du tandem ne va pas révolutionner le genre. Mais pourquoi changer une formule qui a fait ses preuves ? Les amateurs adopteront Petula Clarck, les autres passeront leur chemin. Et puis soyons franc, un sentiment de satisfaction m’envahit toujours lorsqu’un groupe belge affiche un tel potentiel.
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