Illusions Fate est exactement le genre de groupe pour lequel, chez Musiczine, nous éprouvons un profond respect. Comme c’est souvent le cas chez les artistes qui marquent leur génération, ce groupe américain, originaire de Chicago, se soucie peu des modes et impose son propre style sans le moindre compromis. « Ghost Of Maya », son premier album, arrive à point nommé pour rabattre le caquet de ceux qui affirment qu’en matière de métal, tout a déjà été fait et qu’il est impossible d’innover.
Attention, nous n’irons pas jusqu’à affirmer qu’Illusions Fate est un groupe révolutionnaire. Vu la structure basée sur le chant, la guitare, la basse, et la batterie nous sommes en terrain connu. C’est plutôt au niveau du mélange inédit des genres que le combo marginalise sa musique. Pas besoin pour lui d’aller explorer des styles musicaux éloignés comme le classique, le funk ou le folk. Non, son inspiration, c’est dans les nombreuses déclinaisons du métal et du rock américain moderne qu’il la trouve. Fusionner le grunge et le death, le blues et l’industriel ou le néo métal et l’alternatif avec le gothique pour développer un rock sombre et métallique qui lui est propre, c’est son crédo.
De ce fait, c’est un vrai casse tête chinois pour l’humble rédacteur de ces lignes de comparer la musique d’Illusions Fate à celle d’une autre formation. Est-ce une version organique de Marylin Manson ? Une déclinaison metalcore d’Alice In Chains ? Ou peut-être un Staind qui aurait goûté au côté obscur de la force ? Oui. Illusions Fate, c’est toutes ces considérations à la fois et bien plus encore. Du rock, sombre, métallique, alternatif et unique en son genre.
Plus besoin de vous faire un dessin, vous aurez compris que « Ghost Of Maya » est un disque riche en émotions fortes et variées –violent et subtil à la fois– au cours duquel Illusions Fate explore les facettes les plus sombres de l’humanité.
Autoproduit, l’album sera disponible dès le 14 février 2010 via la page MySpace du groupe ou sur les plateformes de téléchargement légal telles qu’iTunes. Hautement recommandé à tous ceux qui n’ont pas peur d’explorer la face cachée de leur personnalité.
Du Métal Pour Pas Un Balle !
Musiczine a décidé de vous aider à faire des économies en ces temps de crise.
‘Du métal pour pas un balle’ est une nouvelle rubrique destinée à vous faire découvrir des albums de heavy métal de qualité ainsi que des démos mis à disposition en téléchargement gratuit et tout à fait légal par les artistes eux-mêmes sur leurs sites internet.
Ce groupe originaire de Vladivostok à l’Extrême-Est de la Russie (et donc pas très loin du Japon) débute sa carrière en 2003 sous le nom de Diadema. C’est seulement vers la fin 2007 qu’il parvient à stabiliser son line-up et décide de changer son patronyme en Emerald Mind. En novembre 2009, le groupe déménage à St. Petersburg, emportant sous le bras son premier album, « Tales Of Soveena », fraîchement enregistré. Sans contrat discographique et, selon ses dires, sans intention commerciale (NDR : par pur amour de l’art donc), Emerald Mind décide d’offrir son œuvre en téléchargement gratuit sur son site internet.
Le moins que l’on puisse dire, c’est que nos amis russes savent offrir ; et que, quand ils font un cadeau, ce n’est pas n’importe quoi. En effet, « Tales Of Soveena » est un opus d’une telle qualité que nous aurions bien cassé notre tirelire pour l’acheter s’il ne nous avait pas été offert aussi gracieusement. Se réclamant du métal progressif et du power métal, le groupe cite comme influences principales Therion, Dream Theater, Pain Of Salvation et Nightwish. C’est sans aucun doute à ce dernier que l’on pense le plus en écoutant le fruit des efforts du combo russe. En effet, à l’instar des Finlandais, nos amis soviétiques comptent en leur sein un atout de charme majeur en la personne de la très jolie vocaliste Svetlana Vysotskaya qui, côté organe, n’a pas grand-chose à envier à Tarja Turunen. ‘Encore un groupe à chanteuse !’ me direz-vous. Et bien oui. Il faut s’y faire, ces demoiselles sont partout. Et pourquoi pas après tout, si, comme c’est le cas ici, la prestation est de qualité. Côté musique, contrairement à Nightwish, les guitares sont ici beaucoup plus en avant que le clavier. Ceci explique probablement pourquoi, malgré sa voix opératique, Emerald Mind se réclame plus du power métal que du métal symphonique. Les claviers ne sont cependant pas en reste. Bien présents, ils distillent atmosphères et ambiances au gré des thèmes abordés dans les chansons.
Qu’on se le dise : « Tales Of Soveena » est un must pour tous les amateurs de métal progressif et de métal ‘à chanteuse’. Il vous est possible de le télécharger gratuitement sur le blog de la page MySpace du groupe et sur son site internet où il est fourni, avec sa pochette, au format mp3/320Kbps. Les collectionneurs peuvent aussi, s’ils le désirent, acheter le Cd original via le site officiel du groupe.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Emerald Mind !
Blog MySpace : http://blogs.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.view&friendId=454665284&blogId=521961538
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Damdelium est une formation dont nous ne savons pas grand chose, si ce n’est qu’elle est espagnole et a été formé en 2006 par Erik Monsonís, son guitariste. La page MySpace du groupe est assez avare d’informations quant à sa biographie. Peu importe après tout. L’important est de savoir qu’il vient de mettre en ligne sa première démo trois titres en téléchargement gratuit et que, pour une première, elle est plutôt d’excellente facture.
Dandelium officie dans le métal gothique et marche donc sur un territoire défriché il y a quelques années par des groupes comme Tristania, Sirenia, Leave’s Eyes ou même Epica. Bella Diánez, la jeune chanteuse du groupe possède un joli brin de voix et un très bon sens de la mélodie ; en outre, elle ne cherche pas à se prendre pour une chanteuse d’opéra. Gothique oblige, elle est parfois secondée par une voix claire masculine et plus rarement par des ‘growls’ death métal. « Deceiving Time », le premier des trois titres de la démo est plutôt entraînant. Pas symphonique pour un sou, les claviers lui ajoutent un petit côté dansant guère désagréable rappelant les premiers efforts de Sirenia. « My Downfall » s’enfonce au sein de climats plus variés, où les claviers se font plus symphoniques et les guitares plus heavy. Cette tendance est confirmée sur le troisième titre intitulé « Stronger ».
Dandelium ne pourra pas postuler au titre de groupe le plus original de l’année ; cependant, les trois titres de la démo, proposés gratuitement sur la page MySpace du groupe en format mp3/192kbps (artwork compris) sont d’une qualité irréprochable et s’écoutent avec énormément de plaisir.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Dandelium !
Lien de téléchargement : http://blogs.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.view&friendId=70949989&blogId=526455548
Superlijm est un combo originaire de Malines mené tambour battant par Pieter-Jan Delesie. Ce premier Ep éponyme marque le point de départ d’une carrière qui pourrait bien faire du bruit. A condition que les prochaines productions du quatuor belge soient à la hauteur de ce disque d’excellente facture. Très inspiré par Grandaddy, sans tomber dans la caricature, les cinq morceaux de cet Ep dévoilent un potentiel énorme.
Entre ritournelles indie semi-acoustique (« Super Sunday », « Input Selector », « Summertime ») et excursions pop joliment matinées d’électronica (« Michael Jordan », l’engageant « Why Bother California »), Superlijm connaît son sujet et l’exploite avec une habileté tout à son honneur. A condition qu’ils jouissent de la promo qu’ils méritent, les quatre galapiats n’ont pas fini de faire parler d’eux.
RJ Mischo est un excellent harmoniciste. Ce n’est pas encore un vétéran, mais il compte déjà vingt bonnes années de carrière au compteur. En outre, il jouit encore et toujours d’une solide réputation sur la scène contemporaine. Il se considère même comme un monarque de l’harmo. D’ailleurs, lorsqu’il est photographié, il aime poser la tête ceinte d'une couronne. Il a opéré ses débuts à Minneapolis, sous l'œil bienveillant de Mojo Buford, autre souffleur qui avait milité au sein du band de Muddy Waters. Il monte sa première formation en compagnie du guitariste Teddy (alors Kid) Morgan et du chanteur noir Percy Strother. De ce projet naîtra un elpee : "Ready to go". Publié en 92. Au cœur des années 90, il tourne régulièrement en Europe et signe deux opus pour l’écurie allemande Crosscut : le live "Rough 'n' tough" et "Cool disposition". Respectivement en 96 et 97. En 1998, RJ émigre sur la côté Ouest des States. A San Francisco, très exactement, où il ne tarde guère à se faire une solide réputation. Il enregistre régulièrement et participe à deux volumes des "Blues Harp Meltdown", pour le label Mountain Top, et concocte un superbe album en 99, "West wind blowin'". Il participe au projet Downhome Super Trio, en compagnie de Frank ‘Paris Slim’ Goldwasser et du drummer Richard Innes, une aventure immortalisée par le long playing "Live at Lucerne Jazz Festival", un disque à nouveau publié chez Crosscut, en 2003. Il commet encore, toujours pour la même boîte, "Meet me on the coast" la même année et "He came to play" trois ans plus tard. Son dernier cd, "King of a mighty good time" date de 2008. Depuis, il s'est installé à Fayetteville dans l'Arkansas.
“Knowledge you can't get in College” constitue donc déjà son dixième album. Et pour le confectionner, il est retourné en Californie, du côté de San José, dans le studio Greaseland du guitariste Chris ‘Kid’ Andersen. Il a en outre reçu la collaboration de professionnels du style : Kid Andersen et Rusty Zinn aux guitares, Sid Morris aux claviers, June Core aux drums et Kedar Roy à la basse. Rien que du beau monde!
La ‘connaissance’ de Mischo s’ouvre par "Two hours from Tulsa", une compo évoluant sur le rythme d’une rumba. Les deux gratteurs sont à l'affût ; mais c'est le Kid qui décroche le droit de sortie. Toujours aussi inspiré, l'homme du nord ne concède que les notes qui tuent. Il est toujours au sommet de son art. Au sein du décor sonore, Zinn écrase modestement une pédale. RJ souffle judicieusement dans son instrument chromatique. Tout en jazz et swing, "Too cool for school" est un instrumental court, nerveux et rapide. La section rythmique est mise à l'épreuve. Kedar Roy assure pourtant sur sa lourde contrebasse acoustique, tout comme June Core derrière ses fûts, à l’instar de Matthew Dallonge, l'œil rivé sur la silhouette féline de son leader. Le titre maître démarre en puissance. Une compo qui avait forgé la notoriété de Slim Harpo, sur les routes humides qui reliaient la Louisiane au Texas voisin! Mischo chante "Little Joe" d'une voix soul. Une ballade légère et atmosphérique baignant au sein d’un climat empreint d’une grande sérénité. June et Rusty entretiennent de subtiles percus à l’aide de leurs mains, alors que Lisa Lou y pose son timbre féminin. Le sextet est vraiment convaincant tout au long d’"Ain't nothin' new", une plage légèrement R&B, illuminée par la guitare largement amplifiée de Rusty Zinn. Une petite perle dans le style, digne d’un certain Paul Butterfield. Sid Morris s’installe derrière son piano pour introduire "Ruthie Lee", une compo issue d’un autre pianiste légendaire, Roosevelt Sykes. Une bonne tranche de Chicago blues caractérisée par les excellents soli d'Andersen et RJ. "Big plans" et "Rich cat" évoluent dans un même registre, tout en poussant Rusty Zinn à l'avant-plan. Imprimé discrètement sur un tempo boogie, le "Please don't leave" de Big Lucky Carter est certainement un des meilleurs morceaux de l’elpee. Très en verve, Zinn y tire parfaitement son épingle du jeu. Accrocheur et hypnotique, "Don't look twice" emprunte un thème proche de Slim Harpo. Mischo souffle à la manière de Sonny Boy Williamson II, sur un autre instrumental intitulé "Teacher's pet". "Devil's love sin"/The wrong man" est un medley relevant successivement des plumes de Walter Vinson et Mojo Buford. L’immersion dans les profondeurs du Chicago Souhside est totale. Et lors de cette adaptation, Mischo est vraiment dans son élément. Les rythmes syncopés de la Nouvelle Orléans envahissent "Down in the bottom", Sid se chargeant de baliser le tout de ses ivoires. RJ se retire en toute quiétude en interprétant le "Mama don' t tear my clothes" de Snooks Eaglin. Un excellent album!
My Diet Pill ? Quel drôle d’oiseau ! Vu son emballage tape à l’œil et ses couleurs chatoyantes, on se demande rapidement si le ramage vaut bien le plumage. La galette est livrée avec un book. Assez intriguant. Du style Comics Marvel, où des super héros vont casser les antennes à des cafards géants et les super héroïnes arborent des nibards hyper fermes enserrés dans des bonnets 110 E.
“Beautiful Girls Like Science-Fiction” cumule donc compact-disc et bande dessinée. Comique comme approche ! Mais ce stratagème n’est-il pas destiné à nous en mettre plus dans la vue que dans les oreilles ? Honnêtement, un petit peu quand même. Pas que la formation française soit constituée de bras cassés ; loin de là. Mais si l’originalité procède de l’emballage, elle fait largement défaut dans son contenu.
Les accents rock teenager (« Cockroach Blues »), le rock garage (« Alice ») voire les faux airs de Maxïmo Park ou encore de Bloc Party (« Drowning Man », « ABC on The Bell ») laissent une impression de déjà entendu, plutôt marquante. Cette carence d’identité est en outre accentuée par les 10 remixes des 5 premiers morceaux du disque. De quoi s’emmerder grave ! Ou de zapper sans scrupules, en imaginant une intention de nous mettre en couleur ! C’est un Ep ? Ah, bon !
Pourtant, la formation ne manque ni de bonne volonté, ni de talent. Et elle est manifestement susceptible de construire son propre univers sonore. Sans oublier l’excellent boulot accompli lors des arrangements et de la mise en forme. Etonnant, non ? Alors pourquoi ce mimétisme ?
Si à l’instar de votre serviteur, vous avez pleuré de bonheur en écoutant « The Trials of Van Occupanther », l’annonce de la sortie du dernier opus de Midlake vous aura certainement fait frémir de plaisir. Paru en 2006, ce précédent long playing exhalait un parfum folk 70’s à la fois puissant et cristallin. Il avait presque touché au sublime et une sensation extrême de bien-être vous avait alors envahi. Conservez ces instants de grâce en mémoire avant de passer à l’écoute de « The Courage of Others ». Car il vous sera nécessaire, une nouvelle fois, d’accepter de voyager sans boussole, sur la frégate des Texans ; et ce, sans jamais douter des capacités des explorateurs qui vous guideront. Mais à l’instar du précédent elpee, ces derniers feront tout ce qui est en leur pouvoir pour vous préserver d’une quelconque violence extérieure.
Dès l’ouverture, les alchimistes de Midlake vous servent un subtil cocktail de romantisme, grâce et volupté. Tissant ensuite des mélodies cotonneuses en toute discrétion, mais en y injectant une puissance éblouissante. Simples et délicates, les envolées décrivent sans cesse les mêmes ellipses. Avec ce petit air inexplicable de Malicorne, les Américains se posent en ménestrels, en troubadour de la cour. Sur des rythmes de tambourin, ils emboîtent le pas à des souffleurs de fifre pour une balade dans des sous-bois magiques. Et c’est tout naturellement que nous suivons la troupe, sans se soucier de l’heure ni de la fraîcheur des lieux.
Partagé en onze itinéraires, « The Courage of Others » s’étale sur 40 minutes. Suffisant pour se laisser totalement envoûter par la tessiture de coton noble tramée patiemment par Midlake. Une telle œuvre ne s’écoute pas d’une oreille distraite tout en vaquant à d’autres occupations. Il exige une certaine forme d’intériorisation ; un réel détachement du monde réel qui nous entoure. Il est aussi très susceptible de modifier le fil de votre existence…
Il vient à peine de fêter ses vingt ans, et compte déjà la bagatelle de 18 albums différents à son actif. Ainsi il rejoint, voire dépasse, Conor Oberst au panthéon des jeunes folkeux prolifiques. Il est canadien et se nomme Eamon Mcgrath. Le natif d’Edmonton vient cependant de réunir sur « 13 Songs of Whiskey and Light », ses treize meilleurs morceaux publiés entre 2006 et 2009, c’est-à-dire au sein d’un répertoire de plus de 100 chansons. Excusez du peu !
Mais le plus étonnant procède de son timbre vocal, vu son jeune âge. Un timbre ravagé, nicotiné, imbibé de whiskey, comme s’il était rongé par le tabagisme et avait passé de folles soirées à siroter du bourbon. Et pourtant, ce n’est ni le fils de Tom Waits, ni le frère cadet de Ben Weaver…
Eamon pratique une forme de folk-blues évoquant tantôt Bruce Springsteen voire Neil Young ; néanmoins quand les compos s’électrifient, à l’instar de « Big River » ou encore « Cadillac Rosetown », c’est plutôt du côté de Kings Of Leon que son inspiration semble s’orienter. Enfin, « Last Man Standing » aurait parfaitement pu figurer sur la bande originale du film des frères Cohen, « O’brothers ». A cause de cette mélodie indolente, rythmée par les sonorités de chaînes qui s’entrechoquent, projetant l’image d’une colonne de prisonniers, déambulant le long d’une longue route sèche et poussiéreuse du Sud des USA…
Multi-instrumentiste, McGrath glisse allègrement du piano à l’harmonica, en passant par la guitare acoustique et électrique. Paisibles, plus enlevés ou chargés d’une grande sensibilité, ses compos ne cherchent jamais à surprendre. Mais tout simplement à flatter l’oreille. Bref, un elpee agréable à écouter ; mais surtout une bonne occasion de découvrir ce jeune Canadien, dont le futur est plus que prometteur. Mais chaque chose en son temps. En 20 années d’existence, Eamon Mcgrath a déjà montré toute l’étendue de son talent. Il ne lui reste plus qu’à confirmer. Vivement la suite !
Noyé dans les flux tourbillonnants du grand fleuve sonore 2009, le projet parallèle d’Amber Webber et Joshua Wells, membres de « Black Moutain », souffre de ne pas avoir cheminé dans le paysage médiatique de notre continent.
Un deuxième album en duo pour le groupe indé canadien qui offre pourtant un folk dépouillé d’une pureté bouleversante. Une poussière de poussière. Une poussière infinitésimale de lumière qui illumine un monde immobile et serein. Une nostalgie inerte peinte d’une ère post-Woodstock. Un tableau où se profile une cathédrale de sons architecturée par Joshua Wells et effleurée par les traits délicats d’Amber Webber. Un lieu rare et minimaliste suspendu au milieu du vide. Cette œuvre d’art est le fruit de la plume de Webber et de la musique de Wells. Quand lui désirait construire ‘un son plus doux et plus mélodique que « Black Mountain »’, elle rêvait ‘d’explorer un versant plus gothique’ : le résultat est soufflant !
Loin de l’univers électrique et propulsif de « Black Mountain », l’inertie grisante de Lightning Dust nous régale d’un album doux et rêveur où la voix de la belle Canadienne occupe tout l’espace. Une voix au bord de la crise de nerfs qui s’habille de cordes graciles (guitare acoustique, violon, violoncelle), de notes délicates de piano et d’une batterie léchée.
L’introspection s’exprime idéalement sur « Dreamer », morceau reposant sur une orchestration minimaliste aux rythmiques martelées et aux violons insistants. Ecrin idéal pour porter la voix fragile d’Amber Webber jusqu’aux cimes limpides d’un ‘drama-folk’ hautement émotif. Un chant tragique et sanglotant qui frissonne au corps et marbre de froidure les chairs de l’auditeur.
Un elpee 10 titres qui s’ouvre fragilement sur le piano disloqué d’Eno Brian et la voix chevrotante d’Amber Webber s’étirant sur de multiples mesures (« Antonia Jane ») puis s’éteint langoureusement sur un staccato de violon mélancolique qui effleure le mystique (« Take It Home »).
Un délicieux album sans comédie et sans emphase.
Dayna Kurtz a littéralement bluffé la presse spécialisée en 2006 lors de la publication de son grandiose « Another Black Feather (For The Wings Of A Sinner) », un disque d’une intensité rare. Quatre ans plus tard, l’espoir de voir ce classique jouir d’une succession digne de ce nom s’évanouit au moment où « American Standard » rejoint les bacs. La richesse des mélodies à la fois introspectives et cathartiques d’« Another Black Feather » sont délaissées au profit d’un son résolument Americana. Ce qui n’est pas un mal en soi. Mais l’inspiration de la dame semble être confrontée à ses limites.
Un fait d’autant plus avéré que les morceaux les plus réussis de ce nouveau recueil émanent de la plume d’autres artistes (« Here Comes A Regular » des Replacements, « Don’t Go Down » d’Elliott Smith et « Lou Lou Knows » de Slim Willet). Pour le reste, les arrangements sont d’une banalité ultra-décevante et l’intervention de Keren Ann au sein des chœurs ne change pas la donne. Des écrits de la singer-songwriter à la voix grave, seule l’interprétation a capella du très court « You Fine Girl » évoque la Dayna Kurtz qui a fait fondre les critiques quatre années auparavant. Dommage !
« This way » constitue le premier album solo du guitariste de Wire, Bruce Gilbert. Il date de 1984 et vient d’être réédité, après remasterisation. Un disque dont les deux premiers morceaux étaient destinés à sonoriser « Do you me ? I did », une chorégraphie imaginée par l’enfant terrible du ballet britannique, Michael Clark. Deux plages qui s’étalent respectivement sur 20’09 et 10’18. Les deux autres morceaux, « Here visit » et « U, Mu, U », quoique de durée plus brève (NDR : 5’53 et 3’12), s’inscrivent cependant parfaitement dans la philosophie sonore de cette œuvre expérimentale. Synthés, bourdonnements, boucles, chœurs et tutti quanti, sans oublier les inévitables rythmes pulsants, tissent une texture semi-ambient, semi-postindustrielle, qui aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre Stockhausen, Einsturzende Neubauten et Popol Vuh. A l’écoute de cette musique, vous êtes successivement envahis par des tas de sentiments : l’inquiétude, l’angoisse, la peur voire le cauchemar ; mais aussi la quiétude et l’évasion. Une œuvre avant-gardiste pour l’époque, devenue intemporelle, mais qui s’adresse exclusivement à un public averti…
C’est toujours avec une certaine appréhension que je vois atterrir dans ma boîte aux lettres, les Cd promos estampillés du logo de Mandaï Distribution. Bien que j’admire le courage commercial de ce distributeur d’enregistrements indépendants, j’avoue à ma grande honte que ses produits, souvent difficiles d’accès, me laissent souvent indifférent. « Communicato N°2 » des Italiens de Fuzz Orchestra pourrait bien changer un peu la donne.
Fuzz Orchestra est né en 2005. Il a été fondé par trois des quatre membres de Bron Y Aur. Objectif ? Créer un groupe différent dont la musique serait basée sur une improvisation construite autour d’une structure rock et de manipulation sonores. En clair : on s’enferme dans un studio, Luca improvise de gros riffs de guitare, Marco y colle la batterie, on s’enregistre et Fiè bidouille les bandes en y ajoutant des sons aussi divers et variés que des discours de Mussolini, des extraits de films (italiens), des sirènes, etc. Plutôt surprenant, surtout que parfois, l’improvisation débouche sur un résultat d’assez bonne facture. Comme par exemple l’excellent « Focu d’Amuri » où un énorme riff doom métal est mixé avec un sample de l’harmonica de la B.O. du ‘Il était une fois dans l’ouest’ d’Enio Morricone et à un chant féminin relativement exotique tiré d’un film italien quelconque. A d’autres moments, par contre, les improvisations et les bidouillages digitaux sont beaucoup moins heureux et débouchent sur une bouillie sonore plutôt imbuvable. Au rayon ‘horripilant’ on notera aussi l’abus d’utilisation d’un saxophone dissonant qui, s’il donne un côté jazz rock à la musique, agresse quand même un peu l’oreille de l’amateur de rock pur et simple. Sur « Luglio 01 », le titre le plus accessible de l’album, le chant (en italien) vient apporter une couleur Black Sabbath ‘vintage’ bienvenue.
Bien loin d’être un disque de mauvaise facture, « Communicato N°2 » nécessite cependant une certaine acclimatation pour être apprécié. La guitare lourde et les rythmes lents pourraient probablement plaire aux amateurs de doom métal les plus ouverts ou aux inconditionnels du rock expérimental.
Pour qu’un album soit édité en Europe plus de deux ans après sa sortie australienne initiale, c’est qu’il dispose de solides références ! Et en effet, une seule écoute d’« In The Midst Of This », suffit pour affirmer que des qualités, Expatriate en possède assurément. Comme l’avait laissé entrevoir leur Ep 4 titres, « Home », sorti il y a quelques mois en Europe, Expatriate (NDR : en réunissant des ‘expatriés’, le choix de ce patronyme s’imposait naturellement) évolue dans la catégorie des groupes de festival taillant des compositions épiques comme d’autres se brosseraient les dents. « Gotta Get Home », « The Spaces Between », « Get Out, Give In » ou « Crazy » devraient passer en boucle sur toutes les ondes hertziennes. Et récolter un succès fulgurant. Une aubaine, en perspective, pour les programmateurs avisés ! Le premier album des Australiens regorge donc de hits à chanter en chœur ou sous sa douche. L’ambiance est quasiment 80’s. On pense bien entendu au Killers, à U2, à Placebo (dont ils ont d’ailleurs assuré la première partie) ou à Echo & The Bunnymen. Voire à Kasabian pour ne pas remonter si loin dans le temps.
Les Expatriate en font-ils trop dans la grandiloquence ? Probablement ! Mais est-ce réellement un problème lorsqu’on sait que le groupe possède une telle force mélodique ? Il serait en tout cas dommage de passer à côté d’« In The Midst Of This » pour cause de délit hymnique! Et qu’importe si la date de consommation est expirée ou que l’ensemble manque d’originalité. Les compositions des ‘Expatriates’ s’avèrent parfaites pour mettre de bonne humeur. A écouter de préférence puissance maximale en voiture ou en vacances. « In The Midst Of This » est un petit concentré de vitamines rock à tendance new wave en provenance directe de Sidney. Vive l’import-export !
Adepte du ‘vite fait, bien fait’, Julie Doiron opère une nouvelle livraison expresse. Toute chaude, la galette privilégie les mélodies ‘upbeat’ qui manquaient cruellement au pourtant très bon « Woke Myself Up », publié en 2007. Si on néglige les collaborations opérées auprès d’Okkervil River et de Wooden Stars, « I Can Wonder What You Did With Your Day » s’installe en septième position de la discographie conséquente de la Canadienne. Entourée ici de Rick White, un autre rescapé d’Eric’s Trip ainsi que de Fred Squire, son nouvel acolyte, Julie Doiron propulse douze ritournelles redoutablement efficaces, aux mélodies plus irrésistibles les unes que les autres. La chanteuse, d’une constance impressionnante, varie cette fois les plaisirs par le biais de « Je le savais », un morceau entièrement interprété dans la langue de Molière.
« I can Wonder What You Did With Your Day » est probablement l’œuvre la plus accomplie de Julie Doiron. Cette dernière s’amuse enfin ; et cette bonne humeur est communiquée avec justesse aux travers d’extraits comme « Borrowed Minivans », « Consolation Prize », « The Life Of Dreams » ou le bien nommé « Glad To Be Alive ». Mais ceux qui préfèrent le côté obscur des compos de la belle ne seront pas en reste ; « Blue », « Spill Yer Lungs », « Heavy Snow » traduisant à merveille ses idées noires. Bref, quelques bons points de plus dans le carnet de notes de cette élève modèle.
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