Née d’un père sculpteur et d’une mère folksinger, il était difficile pour Simone de ne pas devenir artiste. Elle est née à Hawaii ; mais dès son plus jeune âge, elle a été bringuebalée aux quatre coins des Etats-Unis. Elle n’a d’ailleurs jamais réellement eu le temps de prendre racine. Elle a appris la guitare à Seattle, suivi des cours de perfectionnement de chant à New York, et vit aujourd’hui à Venice (NDR : c’est un quartier sis à l’ouest de Los Angeles, en Californie). Malgré tous ces déménagements, la jeune songwritrice en est déjà à son troisième album. Elle n’a donc pas perdu de temps. Et puis son deuxième elpee, « I am the man », avait reçu d’excellentes critiques de la part de la presse spécialisée.
Pour enregistrer « Yakiimo », elle a reçu le concours du producteur Mark Alevers, un personnage dont la carte de visite mentionne des collaborations opérées – notamment– auprès de Will Oldham, Calexico, Lambchop et Silver Jews. Enregistré à Nashville, cet opus s’ouvre sous les meilleurs auspices. On y retrouve tous les éléments qui avaient fait la richesse des précédents essais. Sa voix nasillarde empreinte de quiétude. Ce folk minimaliste dominé par la sèche. Et puis les interventions circonstancielles et judicieuses de violons. A l’instar de « Candy Bar Killer » et « Victoria Anne », deux des meilleures plages de l’elpee. Malheureusement, à mi-parcours, l’intensité commence à faiblir pour se diluer dans une certaine forme de banalité. Dommage ! Car incontestablement, Simone White a du talent ; mais sur « Yakiimo », elle n’y révèle pas tout son potentiel. Après avoir commis deux œuvres particulièrement abouties, on attendait beaucoup mieux de sa part. Question de temps ? On l’espère.
N’y voyez rien de sexiste, mais « Liquid Love », quatrième opus très attendu du duo newyorkais Shy Child, est un album destiné aux filles. Enfin, c’est ainsi que Pete Cafarella et Nate Smith définissent leur nouvel essai. Et pour être franc, je leur donne mille fois raison ; mais je ne cesse de me poser cette question. Pourquoi ? Pourquoi une transition aussi radicale ? Alors que la rythmique et l’étiquette hype ‘new rave’ de leur précédente galette, « Noise Won’t Stop », résonnent encore dans les recoins cachés de mon cortex, il est difficile de ne pas faire la moue, en écoutant ce disque ; une réaction qui traduit toutes les questions du monde. Et surtout la déception.
« Criss Cross », premier single paru il y a quelques mois, en disait long sur la métamorphose du duo de Brooklyn. Bref, il était temps de ralentir la cadence et de se tourner vers un état d’esprit résolument pop. Un style que Cafarella n’a visiblement pas de mal à transcrire. En effet, les sons purs et scintillants émanent aussi aisément de sa ‘keytar’ que les sonorités acides, présentes tout au long du précédent opus et également sur les disques de son ancien combo Supersystem, se multiplient. Malheureusement, les octaves sont à l’eau de rose et les oreilles n’ont pas toujours tendance à vouloir s’accrocher aux mélodies proposées. Si les deux compères tirent toujours leur épingle du jeu, le batteur Nate Smith, omniprésent lors des trois premiers essais, semble s’effacer progressivement derrière les razzias de séquenceurs et divers ‘drum programming’.
Et bien que certaines odyssées pop accrochent encore grâce aux beats et la voix irrésistible de Pete Cafarella (« The Beatles », « Depth Of Feel », « Strange Emotion »), ces deux anciens de la scène disco punk ne seront jamais des messies de la pop ! Quoiqu’il en soit, je leur laisse pour ma part le bénéfice du doute. Shy Child n’a rien perdu de son tranchant c’est certain, et puis après tout, la formation a tout simplement réalisé un bon disque pour les filles…
Au placard la Saint-Valentin. Ce 14 février, le Botanique fêtait Delphic et la publication de son premier album, « Acolyte ». Le trio, découvert en première partie de Bloc Party ou sur la scène du festival Polsslag l’an dernier, investissait la Rotonde, en lieu et place d’un Witloof bar dans lequel il devait originellement se produire. Succès oblige.
En mai dernier, lorsque Delphic occupait les planches d’une scène du Polsslag, l’élément le plus frappant du set se situait au niveau de la ressemblance des mélodies avec celles d’un autre combo briton répondant au doux nom de Bloc Party. Depuis, les Mancuniens ont trouvé leur marques et ont publié un premier ouvrage ayant réussi à conquérir les faveurs du public et de la presse. La BBC les a d’ailleurs gratifiés d’une place confortable dans leur ‘longlist 2010’, une liste de référence des groupes à surveiller de près et qui, chaque année, vise souvent en plein dans le mille. Celle-ci incluait entre-autres, Owl City, Two Door Cinema Club, Gold Panda, Marina & The Diamonds et The Drums, des formations qui, depuis, jouissent d’un buzz grandissant.
Rien de plus naturel donc pour Delphic que de s’extirper des caves du Botanique pour mieux investir la salle ornée d’une boule à facette. Histoire d’exciter la foule, l’ingé son diffuse un petit remix bien puissant de « Doubt ». Instinctivement, les bassins se mettent à gigoter. Ca, c’est de la promo. Chauffé comme il se doit, le public accueille ensuite le trio qui, sans cérémonie, démarre sa prestation par « Clarion Call », la plage d’ouverture de son « Acolyte ». Pas très bavarde, la formation se contentera de lancer un petit ‘bonjour’ et quelques ‘merci’ en français dans le texte au public. Les mélodies ultra-catchy de « Doubt », « Halcyon » ou « Red Lights » se talonnent.
L’assistance à l’air plutôt réceptive, plongée dans une chaleureuse ambiance animée par un jeu de lumière assez efficace. Un « Counterpoint » et « This Momentary » plus tard, James Cook (chant, basses, bidouillages), Richard Boardman (synthés) et le batteur de la tournée relégué au fond la scène quittent les planches. Le temps d’un rappel pendant lequel Matt Cocksedge (guitares, bidouillages bis) décide de rester sur une scène plongée dans l’obscurité. Quelques secondes plus tard, il entame l’intro du titre-maître de l’œuvre introductive de Delphic. Il est alors rejoint par ses trois –osons le jeu de mots– acolytes. L’ultime morceau du set, instrumental et long de près de 10 minutes, sera le clou du spectacle, transformant la Rotonde en piste de danse, d’un bout à l’autre. Discrets mais efficaces, les p’tits Britons !
Organisation : Botanique.
Deux ans et demi après avoir ‘renversé’ l’Aéronef, le quatuor de Leicester était de retour. Au même endroit. Afin d’y dispenser son britrock mélodique, contaminé par les rythmiques hip-hop et le drum 'n' bass.
Cette salle lilloise, la formation insulaire l’affectionne tout particulièrement. Et y entraîne ses plus fervents disciples. Pas pour rien que deux cars entiers de compatriotes avaient décidé de venir les supporter. D’ailleurs, au cours de la matinée de ce samedi, ces fans ce (com)pressaient déjà face aux grilles de l’entrée, afin de pouvoir, dès l’ouverture, se coller contre le podium. Ou si vous préférez, s’installer le plus près possible de leurs idoles. Le reste de l’audience est partagée entre aficionados belges (NDR : surtout néerlandophones) et régionaux. Et tout ce beau monde, à l’instar de pauvres sardines entassées dans leur boîte, attendent impatiemment l’entrée en scène du band.
Bizarre, pas de première partie ! Miles Kanes assure pourtant le supporting act un peu partout... sauf à Lille. Difficile dans ces conditions de faire patienter le public. Un public qui devra cependant attendre plus d’une heure avant que le combo n’entame les hostilités. En se demandant pourquoi les roadies montent sur les planches au gré de leur fantaisie. Tantôt pour accorder une guitare, voire une basse, alors que l’audience, déjà chauffée à blanc s’impatiente. Et manifeste ce sentiment en s’égosillant. Le début du set est prévu pour 20h30. Il ne s’ouvrira que vers 21h15. Mais en saluant son public dans la langue de Voltaire, dès son entrée en scène, le groupe déclenche l’hystérie la plus totale.
Première surprise, mais elle est de taille : le nouveau look du chanteur/leader Tom Meighan. Les cheveux coupés à la brosse, un blouson de cuir sur les épaules, une grosse paire de lunettes de soleil lui cache les yeux. Ce qui change radicalement son image de jeune rocker branché et lui confère un style plus ‘agressif’, plus provocateur. Deuxième surprise, le line up ne se limite plus à quatre musiciens, mais a été étendu à un septuor. A la formule rituelle du combo (Tom au chant, Sergio Pizzorno à la guitare, au chant et aux chœurs, Christopher Edwards à la basse et Ian Matthews aux drums), sont venus se greffer un guitariste soliste, un claviériste et un trompettiste. Des musiciens qui les accompagnent, bien évidemment, pour les besoins de la tournée.
Dès l’entame du premier titre, la foule ne tient plus en place, saute, se déplace par vagues (parfois dangereuses) et reprend ensuite en chœur les refrains de « Mothman », « Underdog » ou encore « Swafirga ». Le ton est donné. Le service d’ordre ne sait déjà plus où donner de la tête, évacuant même déjà quelques spectatrices collées aux grilles, étouffées par la pression et incapables de se libérer de leur posture inconfortable ; une situation qui va perdurer tout au long des nonante minutes (seulement) de ce fabuleux concert. Tous les ingrédients pour une excellente prestation sont présents : son parfait même si on aurait pu (dû) mieux entendre Tom, lumières efficaces, jeu de scène excitant, participation (c’est peu dire) des 2 000 fans complètement dingues. Bref, une bonne recette pour une bonne soirée !
Durant une heure et demie, Kasabian va nous dispenser l’intégralité ou presque de son dernier opus, « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » ainsi que les meilleures compos déjà ‘cultes’ des deux albums précédents : « Lost Souls Forever », « Cutt Off », « Empire », « Shoot The Runner », etc. Non content d’interpréter tous ces ‘tubes’, Tom communique avec son public, l’invitant à frapper des mains, à chanter à sa place, et même excite quelque peu le service d’ordre très (trop) sévère, voire brutal. Rien pourtant de bien répréhensible, dans le comportement des fans. Bien sûr, ils multiplient les vagues, pogos et autres ‘crowdsurfings’ ; mais apparemment, ces manifestations d’enthousiasme avaient le don de faire sortir de leurs gonds les molosses de service. Et leurs interventions ‘musclées’ me paraissaient quelque peu déplacées.
Hormis ces quelques remarques, rien que du bonheur. Et pour bois de rallonge, trois titres en rappel dont le hit actuel « Fire », afin de clôturer une soirée super festive où rock, danse, hip hop et house ont fait bon ménage pour la plus grande joie des quelques 2 000 spectateurs déchaînés.
Il est à peine 23 heures et la soirée se termine déjà. On a pourtant envie de danser encore et encore… toute la nuit… On en redemande !
(Organisation A Gauche de La Lune)
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Le raï est né au début du XXème siècle, en Algérie. Très exactement en Oranie. Mais il a surtout été popularisé début des années 90, par des imposteurs comme Khaled ou le maniaco-dépressif Faudel (NDLR : en compagnie desquels, il a quand même enregistré un elpee live, en 1999…) ; qui finalement dénaturaient la nature profonde du mouvement. Auquel des formations comme Raïna Raï et Carte de Séjour rendaient heureusement les lettres de noblesse. C’est d’ailleurs au sein de ce dernier groupe que Rachid Taha s’illustre déjà, à l’époque. Boosté par Radio campus (NDR : l’excellentissime radio universitaire du Nord de la France), cet artiste à l’attitude provocatrice voire carrément rock’n’roll, commence à recueillir un succès certain. En mars 2001, il fait un véritable Taha ( ?!?!?) à l’Ancienne Belgique, un set qui sera d’ailleurs immortalisé sur un Dvd Live. Et sa notoriété prend une même courbe ascendante. Ce qui lui permet de collaborer avec des artistes aussi notoires que Robert Plant, Brian Eno, Patti Smith, Damon Albarn et plus récemment Gaëtan Roussel, qui a participé à l’enregistrement de son tout dernier elpee, « Bonjour ».
Bref, on était en droit d’attendre monts et merveilles de ce spectacle, prévu ce vendredi soir. Et pourtant on est resté sur sa faim. Pas de première partie tout d’abord. Pas de trace de Vieux Farka Touré (NDR : c’est le fils d’Ali !), comme lors du passage de Rachid à Londres. Pas de ‘sold out’ non plus. La salle est d’ailleurs réduite à sa forme ‘AB Box’. Ce qui n’était pas annoncé au départ. Mais pas de quoi faire la fine bouche, puisque cette situation permet souvent de rendre l’atmosphère plus chaleureuse. Et en faisant preuve d’imagination, vu les rideaux rouge recouvrant les balcons, une vision de l’Orient pouvait se profiler…
Vers 20h40 (NDR : ben oui, il ne faut pas lui demander d’être ponctuel), Rachid Taha débarque sur scène. Pas de bol pour les photographes, tout au long des premiers morceaux, il reste bien caché sous son chapeau et derrière son micro. Il faudra d’ailleurs attendre une petite demi-heure avant que la prestation ne commence à s’enflammer. Et en particulier lors du titre maître de son elpee « Bonjour ». Pas de Gaëtan Roussel, pourtant omniprésent sur l’opus, mais bien Stéphane qui le remplace à la guitare. Mais les provocations et les règlements de compte vont aussi commencer à pleuvoir. L’Italie et l’Espagne en prenne ainsi pour leur grade. Morceaux choisis : ‘Ils ont fait venir les immigrés chez eux, et maintenant que c’est la crise, ils veulent tous nous mettre dehors’… ‘Et les écoles italiennes veulent limiter les quotas à 30%, comme si les étrangers les rendent plus stupides’. Ce n’est que lors des reprises de classiques comme « Ya Rayah » ou encore « Rock El Casbah », que la foule va se mettre véritablement à remuer. En fin de parcours, les musiciens quittent l’estrade. Pas le frontman. Il en profite pour clamer : ‘C’est des conneries tout ça, faire semblant de partir puis revenir’. Puis il entame une discussion à bâtons rompus, sans grande suite logique, avec le public. Un aspect complètement déstructuré de son show alimenté par une interprétation (volontairement ?) brouillonne de certains titres qui cassent trop souvent l’ambiance et empêchent ce concert de véritablement décoller. Et pourtant les musiciens qui l’accompagnent assurent un max.
Et c’est la raison pour laquelle on ne peut s’empêcher de penser à Gainsbourg ou à Daniel Darc, lorsqu’on analyse son attitude. Certes l’artiste a du talent et du charisme. Certes ses provoc’ font parfois sourire. Mais au bout du compte, sa nonchalance, ses hésitations dans la playlist et les paroles, finissent par lasser. Et côté picole, l’artiste semble aussi faire concurrence aux deux premiers cités. Bien que discrètement dissimulé dans des bouteilles d’eau, c’est bien au champagne qu’il carbure tout au long du concert !
Bref, un sentiment mitigé m’envahissait après ce spectacle. Celui d’avoir passé une soirée agréable dans un univers rock parfumé d’Orient ; mais en même temps de n’avoir pu vivre un moment exceptionnel, qui aurait pu naître, si le principal intéressé s’était imposé une ligne de conduite un peu plus rigoureuse…
Organisation : UBU
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Du métal pour pas un balle !
Musiczine a décidé de vous aider à faire des économies en ces temps de crise.
‘Du métal pour pas un balle’ st une nouvelle rubrique destinée à vous faire découvrir des albums de heavy métal de qualité ainsi que des démos mis à disposition en téléchargement gratuit et tout à fait légal par les artistes eux-mêmes sur leurs sites internet.
Dans cette rubrique, nous aimons les voyages et la musique extrême. Alors, tels des Nicolas Hulot de la musique burnée, nous portons notre quête du heavy métal gratuit dans les pays les plus exotiques et les plus éloignés. Aujourd’hui, nous nous rendons en Asie Centrale et pour être plus précis à Tashkent, la capitale de l’Ouzbékistan.
Iced Warm existe depuis 2005. Son line-up actuel, composé de cinq individus, semble jouir d’une configuration difficilement exportable en concert. Quatre membres du combo se partagent l’écriture de la musique et des paroles. Oleg ‘Neon’ Bogdanov, qui doit être doté du don d’ubiquité, se réserve, en outre, le chant, la batterie ainsi que la réalisation des différents concepts. Maria ‘Estelaje’ Bogdanova est partagée entre le clavier et les cordes. Dmitry ‘Draven’ Bedyukhov est préposé à la guitare et à la basse. Irina ‘Nebelhafte’ Negrienko se concentre exclusivement sur la plume, pour en déclamer prose et poésie. Et enfin, Galina Golubkova alimente les compos de magnifiques vocaux opératiques.
Les allergiques au power métal symphonique haussent déjà les épaules. Qu’ils se rassurent, Iced Warm n’est pas une nouvelle resucée de Nightwish et d’Epica. Et s’il possède en son sein une chanteuse d’opéra c’est pour servir un propos beaucoup plus sombre que celui de ces deux formations.
« Requielle » est un opéra métal aux ambiances doom et gothiques. Le ton est donné dès l’introduction : du vent, des croassements de corbeaux, des coups de tonnerre. A l’évidence, on n’est pas venu jusque là pour rigoler. Une chorale religieuse enchaîne tandis qu’une voix féminine, soutenue par un clavier symphonique et un piano, déclame une poésie sombre. Lente et lourde, la guitare entretient ce climat à la fois mélancolique et ténébreux Soudain, la superbe voix de Galina Golubkova pénètre dans ce décor sonore, afin d’y apporter une forme de beauté et de pureté. Répondant, à la manière de Liv Christine sur les premiers opus de Theatre Of Tragedy, aux vocaux death métal de Bogdanov, elle illumine de sa prestation, l’intégralité de l’opus.
Magnifique album, « Requielle » devrait plaire aux nostalgiques des premiers essais de Theatre Of Tragedy et de Cemetary Of Scream.
Pour une obscure ( ?!?!?!) raison, « Requielle » qui est normalement divisé en neuf titres distincts, a été converti sous la forme d’un seul fichier mp3/320kbps d’une durée de 36’44. Si ce type de conversion rend un peu difficile la navigation entre les titres, elle ne diminue en rien la qualité sonore de l’album. N’attendez pas plus longtemps pour faire plaisir à vos oreilles et téléchargez sans frais, l’album sur le site officiel du groupe, dans l’onglet ‘albums’.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Iced Warm !
Téléchargement : download : http://www.iced-warm.narod.ru/requielle.htm
Du Métal Pour Pas Un Balle !
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Les enregistrements proposés gratuitement au format mp3 sur internet ne sont pas l’apanage des groupes récents qui désirent faire découvrir leur musique. Certaines formations plus anciennes, perpétuent leur art en mettant à disposition des enregistrements (parfois devenus introuvables ailleurs) de leurs classiques. C’est le cas des Danois de Evil qui offrent gracieusement sur leur site internet, une version mp3/192kbps de leur excellent Ep « Evil’s Message », sorti originellement en 1984, sur Rave On Records.
Formé en 1982 sous le nom de Never Mind, le combo enregistre une démo promotionnelle qui lui vaut d’être remarqué par Rave On Records. Après avoir opté pour un patronyme plus approprié à sa musique, il enregistre en dix jours le mini album quatre titres qui vous est proposé aujourd’hui. Pas de chance pour ce groupe prometteur, le directeur du label déteste ses nouvelles chansons et le vire. Ce coup du sort entraînera le split du combo quelques mois plus tard.
Vingt-six ans on passé ; et on en arrive à se demander si le directeur de Rave On Records n’était pas complètement sourd ; car cet Ep est tout bonnement excellent. Evil y joue du pur heavy métal classique ; à l’Européenne. Son disque semble être le mélange de la musique des deux formations danoises les plus en vogue à l’époque : Mercyful Fate pour les riffs speedés et Pretty Maids pour la voix de Pearl Angel qui ressemble énormément à celle de Ronnie Atkins. Les titres des chansons sont évocateurs et typiques du style de l’époque : « Evil’s Message », « The Devil Wants me », « Son of A Bitch » et « Take Good Care (Of Your Balls) ».
Bien qu’il ait été enregistré il y a plus d’un quart de siècle, le son du ‘quatre titres’ n’a pas pris une ride. Et il est même bien meilleur que celui du nouvel Ep des Américains d’Eternal Voyager que nous vous avons présenté récemment, dans cette même rubrique. Ces derniers auraient tout intérêt à jeter une oreille attentive sur « Evil’s Message » pour se prendre une bonne leçon de savoir-faire métallique.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Evil !
Téléchargement : http://www.gudsvrede.dk/evil/
Du Métal Pour Pas Un Balle…
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Dieux, qu’il semble difficile de se proclamer groupe de heavy metal classique au pays de l’Oncle Sam. A en croire la bio d’Eternal Voyager, ce courant musical majeur, né en Europe à la fin des seventies n’a jamais vraiment conquis les Etats-Unis. Et c’est presque désespéré que Brian Blake, guitariste et chanteur d’Eternal Voyager parcourt le continent américain à la recherche d’un line-up qui tienne la route. L’ami Brian se balade donc depuis 1998, du Minnesota jusqu’en Iowa montant (et démontant) son groupe au fil des rencontres. Fixé depuis peu à Minneapolis, dans le Minnesota, Brian recrute finalement un batteur (James Monte) et un bassiste (Becki) pour accoucher, en octobre 2009, d’une démo intitulée « Holy Warrior ». Un Ep, pour être plus précis.
Brian a raison. Les excellents groupes heavy métal classiques américains ne sont pas légion. Manower, Iced Earth, Manilla Road, Kamelot et quelques autres tiennent la comparaison avec nos formations européennes ; mais c’est à peu près tout. Malheureusement, ce n’est pas « Holy Warrior » qui viendra inverser la tendance. Beaucoup trop ancrées dans les eighties et n’ayant pas vraiment suivi l’évolution moderne de notre musique préférée, les compositions d’Eternal Voyager semblent avoir été créées en pleine New Wave Of British Heavy Metal. Si ce mouvement avait, fin des seventies / début des eighties engendré des pointures comme Saxon, Iron Maiden, Raven, Tank, Diamond Head ou Tygers Of Pan Tang, il avait aussi donné naissance à toute une série de combos moins inspirés qui ne sont jamais vraiment parvenus à se détacher de la masse. Pas de chance pour l’ami Brian, c’est à la musique de ces ‘obscurs’ que fait immanquablement penser la sienne. Et si nous prenons quand-même plaisir à réécouter les albums devenus classiques de Sweet Savage, Sledgehammer, Blitzkrieg ou Cloven Hoof, il ne fait nul doute qu’il n’y a plus dans le monde du métal, énormément de place pour un groupe tel qu’Eternal Voyager.
Enfin, pas la peine de faire la fine bouche, « Holy Warrior » est offert gratuitement, en téléchargement légal, sur le site officiel du groupe au format mp3/320kbps artwork compris. Et à ce prix là, on aurait bien tort de s’en priver.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Eternal Voyager !
Téléchargement : http://voyagermetal.com/MAIN.html onglet ‘music’
Du metal pour pas un balle!
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Il faut avouer que nous ne connaissons pas grand-chose de la Russie. Pourtant la scène métal y est très vivace. Nous avons déjà eu l’occasion de vous présenter, l’année dernière suite à la sortie de son album « Follow Yourself », l’excellent groupe métal progressif moscovite Nova Art et plus récemment, dans cette rubrique ‘métallico-économique’, la merveilleuse Svetlana Vysotskaya et Emerald Mind, son combo métal symphonique originaire de Vladivostok. Pour cette nouvelle escale au pays des Soviets, nous nous rendrons à Vologda, au nord de la Russie pour y faire la connaissance de Dark Of Groth.
Fondé en 2006 par Dmitriy Bezrukov (chant, guitare), Ekaterina Korzunova (claviers) et Sergey Cherkashin (guitare), Dark Of Groth stabilise son line-up en 2008, suite à l’arrivée d’Artur Ivanov à la quatre-cordes et de Maxim Gladin derrière les fûts.
Sa première démo cinq titres, intitulée « Downwards To The Gates » est offerte gratuitement sur son site officiel au format mp3/192kbps ; et c’est un véritable manifeste du métal gothique symphonique extrême. Très inspirée par les premiers opus des Anglais de Cradle Of Filth, la musique du combo russe oscille entre le gothique le plus sombre et le black métal ultra violent. Comme chez Dani Filth et sa bande, les vocaux passent des growls death métal les plus graves (à limite du grindcore) aux hurlements les plus stridents. Bien que ne bénéficiant pas d’une production ‘haut de gamme’, « Downwards To The Gates » est susceptible de procurer quelques excellents frissons de frayeur et quelques moments de violence morbide à un public averti. La pochette de la démo, plutôt réussie, est elle aussi téléchargeable sur le site officiel.
Alors, elle n’est pas belle la vie en temps de crise ? Merci Dark Of Groth !
Téléchargement sur http://darkofgroth.com
Miss Lewis est originaire de Philadelphie. Au cours de sa jeunesse, elle a beaucoup chanté au sein des églises baptistes. Comme choriste. Chanteuse au caractère bien trempé, elle s’est ainsi forgé progressivement un style emprunté au blues et au jazz, mais en le teintant de nuances gospel et soul.
Gregor Hilden est guitariste. De nationalité allemande, il est aujourd’hui établi à Munster. Il fait partie intégrante de la scène blues teutonne, depuis déjà plus de vingt ans. Il compte déjà une dizaine d'albums à son actif. Mais aussi un excellent Dvd live. Intitulé "Live at the Luna Bar", il mettait en exergue un band talentueux, rehaussé par la présence de toute une série d’invités, parmi lesquels figuraient Wilson B, Jimmy Rogers, Keith Dunn et… Harriet Lewis qui chantait avec bonheur "In the heart of the city".
"Wade in the water" est un traditionnel bien familier. Harriet entame doucement les premiers couplets de cette compo, avant de puiser quelque peu dans ses réserves, par ailleurs fort bien alimentées. Pendant qu’Horst Bergmeyer (NDR : un invité) se charge de l'orgue Hammond B3, Gregor Hilden communique de l'effet au son de ses cordes en appuyant sur une pédale de distorsion. Notre chanteuse libère ses cordes vocales pour attaquer "Hard drivin' mama", un blues imprimé sur un tempo bien enlevé. Gregor prend le large lors d’un solo bien calibré, montant progressivement en puissance. Harriet est tout à fait bouleversante lorsqu’elle se fait proche, intime. Elle articule alors parfaitement, lentement, ses mots. Et "Reverend Lee" en est une belle illustration. Un morceau qu’elle interprète face à un accompagnement minimaliste. C’est-à-dire réduit à quelques notes parcimonieuses concédées par Gregor, le piano de Thomas Hufschmidt et l'orgue Hammond. De quoi nous communiquer un fameux frisson. Miss Lewis aime effleurer son micro de ses lèvres pulpeuses, largement colorées. Pas besoin de s'exciter davantage, on est presque dans la confidence. A l’instar de "Love sneaking up on you", imprimé sur un tempo délicatement R&B. Volker Winck en profite pour souffler dans son saxophone ténor tout en rivalisant avec les cordes du virtuose aux cordes, Mr Hilden. "Since I fell for you" est un blues indolent issu de la plume de Buddy Johnson, une plage notoire très appréciée en fin de soirée. Et en particulier par les couples qui s’enlacent tendrement en restant sur le même carreau. Ce que le timbre suave de l'artiste qui se sert de sa voix comme d'un instrument, entretient avec complaisance. Signée Leiber et Stoller, "On Broadway" est une autre cover ayant fait l’objet d’une multitude de versions. Celle-ci est parcourue de subtils changements de rythme et baigne au sein d’un climat subtilement jazz. Les quatre acteurs du GH Band sont au fourneau : Gregor aux cordes, Thomas au piano acoustique, Sascha Oeing à la basse et Jochen Welle aux drums. Harriet interprète ensuite remarquablement le "Dr Feelgood" d’Aretha Franklin. Un excellent blues lent qu’elle chante en y injectant toute sa passion. Gregor s’y réserve un formidable solo, en se servant d’un minimum de notes. Et les silences traduisent manifestement sa sensibilité exacerbée. Une seule plage instrumentale : "Soulful stew". Ecrite par Hilden, cette plage macère dans les sonorités d’un orgue Hammond, joué dans l’esprit de Jimmy Smith. Au sein de cet opus, blues et jazz rivalisent de raffinement ; et pourtant, en fin de parcours, il épingle un superbe blues bien rythmé : "Running and hiding". Enrichi par la présence du très bon harmoniciste allemand Thomas Felmann, ce titre est issu de la plume de Steve Booker ; cependant, il ressemble étrangement au classique de Jimmy Reed, "What you want me to do". D’excellente facture, cet album s’achève par une adaptation chantée, à la fois longue mais particulièrement originale, du traditionnel "Amazing Grace".
Deux années après avoir publié son premier album intitulé « Battle & Victory », Nancy Elizabeth Cunlife est de retour. Tout au long de cette période, l’artiste n’a cependant pas chômé. Et pour cause ; elle a notamment collaboré en compagnie de James Yorkston et du Japonais Susuma Yokota.
Agée aujourd’hui de 25 balais, la jeune Galloise a troqué sa harpe contre un piano, un instrument dont elle serait tombée sous le charme lors d’un voyage en Espagne. « Cairns » ouvre l’opus. Une plage dont l’ambiance douce et mélancolique est entretenue par les accords de piano et les chœurs ; des chœurs très souvent remarquables. Tout au long de cette œuvre, elle nous invite à accomplir un périple entre les Etats-Unis et son pays natal. « Bring on The Hurricane » escalade les Rocheuses américaines. « Canopy » flâne du côté des collines irlandaises. Quant à « Divining », il explore plutôt les tréfonds de son âme, reflétant ainsi un sentiment d’intégrité, jamais prise en défaut. Si le piano domine l’expression sonore, les cuivres, la guitare acoustique ainsi que le violon ont également droit au chapitre. Néanmoins, c’est la voix de Nancy Elizabeth qui fait la différence. Tout en préservant un parfait équilibre entre les parties vocales et instrumentales, ses compos libèrent une fameuse dose d’émotion. On pense souvent aux Américaines Alela Diane et Mariee Sioux. Mais en moins mystique. Et puis aussi parfois à Tori Amos voire à Chan Marshall. En plus minimaliste. Bref, un superbe album que je vous invite à découvrir de toute urgence…
Votre serviteur a déjà pu lire des âneries dans des chroniques de webzines concurrents ; mais je pense que pour le deuxième album de cet artiste américain, le sommet a été atteint. David Bowie aurait influencé Cleandenim. Ah bon ! La musique gothique aussi. Parfait ! Et même le blues des 60’s. Ben tiens ! Pourquoi pas Rika Zaraï tant qu’on y est. Honnêtement, je ne suis pas contre la liberté d’expression ; mais quand un collaborateur ou un journaliste en herbe ignore complètement l’histoire de la musique, pop/rock en particulier, ou qu’il ne dispose pas d’un tuteur susceptible de rectifier voire de guider sa prose, il est préférable qu’il se contente de s’épancher sur un blog pour épater ses copines et ses copains. Désolé, mais même si chez Musiczine, on peut se planter, on cherche d’abord à se documenter ; et puis surtout on écoute les disques qui nous sont envoyés… C’est dit, point à la ligne !
Mais revenons à ce Patrick Cleandenim. Dont cet « Orange moonbeam floorshow » s’ouvre par un remarquable morceau : « Hotel gansevoort ». Robotique, ‘kraftwerkien’, il s’inscrit dans l’esprit de la cover du « Model » de Snakefinger, une compo, bien sûr, signée Ralf Hütter et Florian Schneider. La suite me fait davantage penser à du Heaven 17, parfois en plus swing. Il y a même un morceau pimenté de bossa nova (« Stage fright »). Mais franchement après le plat consistant, on n’a plus droit qu’aux cacahuètes…
Danny est un jeune chanteur/guitariste. Et pour cause, il fêtera ses trente balais en juillet 2010. De nationalité britannique, il excelle dans le ‘blues rock played with passion’ comme il le décrit lui-même. Au fil des années, il s’est forgé une solide expérience ; et notamment en partageant l'affiche auprès de grosses pointures comme Carlos Santana, Walter Trout, Mick Taylor, Peter Green, Joe Cocker, Buddy Guy et bien d'autres. Il avait été très tôt remarqué par le magazine/webzine et label anglais, Blue Matters, écurie pour laquelle il avait publié successivement "Watching soul" en 2002, "Shadows passed" en 2003, "Covering their tracks" en 2005 et "Days like this" en 2006. Depuis, il signé chez Rounder ; et plus particulièrement le département Continental Blue Heaven, gravant un "Live" en 2007 et "Black & White" en 2008.
"Just as I am" constitue déjà son septième album. Danny est uniquement soutenu par une section rythmique classique. Soit son papa Ken, à la basse, et Trevor Barr, à la batterie. Une formule trio qui lui convient parfaitement. La musique de Danny est puissante. Sa voix aussi. Naturellement. Il manifeste également beaucoup de présence. Son attaque sur les cordes est assez agressive. Pas étonnant que son style soit comparé au hard rockin' blues. Nuance quand même, il existe en permanence une volonté de préserver le sens mélodique. Sur cet opus, hormis une plage, il a écrit l’intégralité du tracklising.
"Shut out of the light" nous invite à pénétrer dans l’univers sonore du Redeye Band. Danny n'a pas besoin de forcer sa voix pour se faire entendre. Elle domine largement son sujet, à la manière d'un Leslie West (ex-Mountain). Il maîtrise parfaitement ses cordes, en dispensant quelques riffs assassins, dans un style proche d'un Walter Trout, mais sous une forme bien ‘british’. Tout au long de "Blues for Buddy", il décoche des notes imparables, impétueuses, très sonores, meublant chaque espace à la manière de Buddy Guy, à qui il rend, bien entendu, un vibrant hommage. Le jeune artiste ne fait pas dans la dentelle, mais il accomplit fort bien ce qu'il entreprend. L'attitude est de toute évidence menaçante. Ses rugissements évoquent tour à tour Muddy Waters, Litghnin' Hopkins, Freddie et BB King, dont les fantômes (sauf celui de BB, bien sûr!) doivent encore en frémir. Le fils Bryant est cependant capable de varier son répertoire. Tout en y conservant l’intensité de son timbre vocal. A l’instar des ballades tendres et mélodieuses "For the last tripe" et "Every time the devil smiles". Blues lent, le titre maître embrasse un développement volontairement dramatique. Le dédoublement opéré entre les cordes, tant rythmiques que distinctes, est savamment dosé. Faut dire que la production est irréprochable. Cordes acoustiques et électriques se conjuguent sur la cover du "Master of disaster" de John Hiatt. Et sa voix colle à merveille à cette version personnelle du fameux songwriter de l'americana music. Autre plage indolente, "Day by day" libère une fameuse dose d’intensité. Pour épancher ses émotions, Danny emprunte aisément le sens dramatique. Ses accords à la gratte sont meurtriers. Le climat devient lourd et angoissant. C’est bien au sein de cette atmosphère ténébreuse, qu'il est au sommet de son art. "The hard way" campe un blues rock accablant, réminiscent de son aîné Robin Trower. L’opus s’achève dans la douceur et la quiétude d’"Alone in the dark", une plage aussi belle que mélodique, à nouveau caractérisée par ses subtils entrelacements de cordes acoustiques et électriques. Sans doute le meilleur album commis par Danny, à ce jour !
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