Menant deux carrières de front, Jared Leto n’a guère de temps libre. Passant d’une caméra à un micro et inversement, notre artiste polyvalent américain arrive tout juste à concilier ses deux passions. Pas facile de délaisser l’une pour l’autre. C’est sans doute la raison pour laquelle depuis 1998, date de sa fondation, le groupe au patronyme (un programme à lui seul !) plus que bizarre n’a publié que trois albums.
En 2002, leur première œuvre éponyme avait ouvert leur discographie en mode mineur. Mais le succès sera déjà au rendez-vous lors de la sortie trois ans plus tard, du très bien surexploité, « A beautiful Lie ». Puis la bande aux frères Leto (Jared au chant et aux guitares, Shannon aux drums) entre en conflit avec leur maison de disques de l’époque (Virgin Records). Ils perdent même leur procès. Si bien qu’il faudra attendre cinq longues années avant de voir paraître ce « This is War ».
La recette est toujours identique : un bon rock ‘fm’, une voix reconnaissable entre mille, des mélodies faciles, plutôt gentilles et des chœurs, des chœurs, des tonnes de chœurs… Bref pas grand-chose d’original à se mettre sous la dent. Mais pas non plus de quoi jeter le bébé avec l’eau du bain…
30 Seconds to Mars reste un bon petit groupe agréable à écouter ; quelques morceaux sont même d’excellente facture (« Kings and Queens », « This is War », « Closer to the Edge ») et les trois ou quatre tendres ballades (« 100Suns », « Hurricane », « Alibi ») feront certainement frémir les jeunes filles de moins de 18 ans (NDR : la majorité des fans du groupe), toutes folles, sans aucun doute, du beau Jared.
Jared s’offre une (très) bonne parenthèse musicale avant d’entamer la promo de son prochain long métrage ‘Mr Nobody’, réalisé par notre compatriote Jaco Van Dormael et dont la sortie est prévue pour ce début d’année.
A noter que le band est en tournée dans nos contrées le 1er mars à Bruxelles et les 4 et 5 mars chez nos voisins d’outre-Quiévrain (Lille et Paris).
Un nouveau virus débarque de la Perfide Albion pour contaminer nos contrées. Son nom : Warpath. La presse médicale a beau l’ignorer, petit à petit, il gagne du terrain. Déjà l’Angleterre et le Japon ont succombé. Votre serviteur lui-même vient d’être contaminé. Pour le quadragénaire que je suis, l’effet est dévastateur. Tel un Alzheimer précoce et fulgurant, il s’attaque aux cellules du cerveau et joue des tours à la mémoire. Les vingt-cinq dernières années de mon existence sont balayées et oubliées en quelques secondes. J’ai de nouveau 15 ans, je suis dans ma chambre. Les murs sont recouverts des posters de mes idoles : Metallica, Exodus, Overkill, Slayer et Agent Steel. Le vinyle qui tourne à la vitesse de 33 tours minutes sur ma platine déchaîne l’enfer dans les haut-parleurs de ma chaine stéréo. Ma mère tambourine à s’en rompre le poignet sur la porte de mon antre en hurlant : ‘Il va trop fort ton machin’ ! Je n’en ai rien à battre. Je secoue ma crinière au rythme effréné du thrash métal et je continue à gratouiller ma guitare invisible.
« Damnation » est l’album ‘Thrash’ le plus excitant de ces dernières années. Et je ne fais pas allusion à la succession de riffs gonflés artificiellement et dénués de soli de guitares sur laquelle un hurleur standardisé place des vocaux hardcore que l’on appelle ‘trash moderne’. Non, moi je vous parle de Thrash ‘Old School’. Celui d’Exodus, de Testament, de Nuclear Assault, d’Onslaught et d’Overkill. Celui qui, chez nous, avait enfanté Cyclone.
Warpath est un groupe anglais qui, bien que formé en 2003, a un pied bien ancré dans les années quatre-vingt. Le fait de n’être signé sur aucun label ne l’empêche aucunement de cartonner dans sa patrie. Elu deux années de suite ‘Meilleur Groupe Non-Signé’ par les lecteurs du célèbre magazine Terrorizer, le groupe a eu l’honneur récemment de faire une apparition dans le show hebdomadaire que présente Bruce Dickinson sur la BBC. Le chanteur d’Iron Maiden y a présenté « Damnation » comme : ‘une fine tranche de thrash métal classique’. Et pour cause. Tout sur ce disque évoque les classiques du thrash. Des guitares qui assènent des riffs tranchants déclinés une vitesse ultrasonique et –surtout– délivrent des soli flamboyants. Une section rythmique hallucinante, forte d’un jeu de batterie si inspiré et technique qu’il en est presque inhumain ; sans oublier de superbes lignes de basse qui, pour une fois, ne sont pas noyées dans le mix. Fait plutôt rare de nos jours dans ce style musical, le vocaliste a un timbre qui ne ressemble pas à celui des autres et confère une identité unique au thrash du combo.
Tout comme la dextérité des musiciens, le son de « Damnation » est excellent et bien au dessus de la moyenne. Enregistré aux Etats-Unis, dans les studios de Kevin Talley (Chimaira, DAATH), il a été mastérisé par James Murphy, expert ultime en matière de thrash puisqu’il a été, entre autres, le guitariste de Testament, Death et même d’Agent Steel.
Si vous êtes fan de thrash métal, il ne vous reste qu’une chose à faire : vous connecter à la page MySpace de Warpath pour contracter le virus et éventuellement y acquérir « Damnation » pour la modique somme de onze livres sterling, port compris. Un must, tout simplement.
Le ‘plan’ de Maria Timm est tout simple : surfer sur la vague electro-pop féminine sans pour autant y susciter un quelconque remous. « The Plan », le premier ouvrage solo de la Danoise, a cependant le mérite de ne pas choir dans la même facilité que certaines de ses contemporaines comme Little Boots, La Roux ou dans une moindre mesure, Annie. La jeune femme aux cheveux ébouriffés parvient à essaimer des morceaux à la structure à la fois complexe et limpide. Ces derniers peuvent aussi bien cogner là où ça fait du bien (« Deco Deco », « Here Comes The Train », « Green, Wet, White Or Blue ») mais également passer tout à fait à côté de leur ambition (les éreintants « Leave It! », « Sarajevo », « Not Enough », « Bread »,…) Ecartelé entre electro-pop et pop-rock, « The Plan » est un disque bien trop hésitant dont on ne retient pas grand-chose…
Mieux vaut tard que jamais dit l’adage. Il aura fallu presque deux ans pour qu’un label se décide enfin à éditer et à distribuer cette petite perle du métal belge. Suicide Of Demons est un groupe bien de chez nous ; côté sud. Sa courte carrière (le groupe s’est formé en 2005) est déjà jalonnée de succès. Que ce soit ses prestations scéniques remarquées au Rock Around 2007 (où il remporte le prix du public), à la Fiesta du Rock, au Francofolies de Spa et au Durbuy Rock Festival ou sa magnifique victoire en finale du Concours Circuit de 2008, tout désigne le groupe carolo comme la star montante du métal made in chez nous. Autoproduit en 2007, « Before Our Eyes » est d’une qualité impressionnante ; et il aurait été vraiment fâcheux qu’il ne soit pas distribué à une plus grande échelle. Le label Fakto Records et le Distributeur Sonic RendezVous s’en sont heureusement rendu compte et ont décidé de lui donner une seconde chance avant qu’il ne tombe dans l’oubli.
On a peine à croire, à l’écoute de la qualité sonore de « Before Our Eyes », qu’il s’agit là d’un album autoproduit. L’intensité et la variété des compositions présentées rivalisent sans conteste avec les meilleures productions européennes.
Même si l’intro très ‘Metallica des beaux jours’ d’« Enter The Suicide Of Demons » et le riff pachydermique de « Hurt To Kill » (aussi lourd que le « Sanitarium » des Four Horsemen) attestent de l’influence importante du trash métal originel sur sa musique, Suicide Of Demons évolue (comme un poisson dans l’eau) dans les sphères du Death Métal Mélodique Européen. Les guitares aussi acérées que des bistouris déclinent tous les tempi imaginables dans ce style musical. Lent, presque doom ou évoluant à la vitesse de la lumière, tout est exécuté avec une précision chirurgicale. La batterie ‘marteau pilon’ de Jo Nunez est plus rigoureuse qu’un métronome (NDR : pas pour rien si le bonhomme a été recruté depuis 2007 par les death métalleux gréco-suédois de Nightrage). Quant aux vocaux, ils alternent la violence de death métal à la mélodie du chant clair. Ajoutez-y quelques lead guitares bien placées et même une guitare hispanisante sur « Reap what you sow », et vous comprendrez qu’on frôle ici, la quasi-perfection ‘mélodico death-métallique’.
« Before Our Eyes » constitue donc une magnifique mise en bouche, en attendant le plat principal que nous réserve le prochain opus déjà annoncé le printemps 2010 et pour lequel on nous promet quelques surprises et des invités renommés ! Vivement la suite.
« Run Rabbit Run » est, à l’origine, une œuvre électro-instrumentale composée par Sufjan Stevens initialement publiée en 2001. Un recueil que ce dernier a gracieusement cédé au string quartet berlino-new-yorkais, Osso, qui n’en est pas à sa première collaboration avec le prodige. Ceux-ci étaient déjà préposés aux cordes au sein de l’excellentissime « Illinois » mais œuvrent également sur scène en compagnie du bonhomme. Osso a, par ailleurs, également participé à la confection des travaux de My Brightest Diamond, Jay-Z, Anthony & The Johnsons, The National ou encore The Polyphonic Spree ; et la liste est loin d’être exhaustive. Bref, la grande classe.
« Run Rabbit Run » marque la première besogne du quatuor en solitaire. Car même s’il faut effectivement rendre à César ce qui lui appartient, Sufjan Stevens, dont le nom apparaît sur la pochette, n’a pas participé à la confection de cette refonte. Osso s’est donc servi des mélodies extraites de l’œuvre de 2001 comme point de départ, uniquement. En lieu et place des sonorités électroniques originelles, le quartet est parvenu à métamorphoser « Run Rabbit Run » en une œuvre décomplexée de musique de chambre, dépouillée et enivrante. Les fans inconditionnels du singer-songwriter y trouveront leur compte mais ce sont, essentiellement, les amateurs de classique qui seront aux anges.
« Keep calm and carry on » constitue déjà le septième opus de la formation galloise. Et, manifestement la bande à Kelly Jones est en pleine forme.
Fondé en 1996 à Cwmaman (NDR : c’est au Pays de Galles), le line up du combo réunissait au départ le chanteur/compositeur Kelly Jones, le bassiste Richard Jones et le drummer Stuart Cable, trois amis d’enfance. Après 15 années d’existence les deux Jones sont toujours bien présents. Mais Stuart a quitté l’équipage en 2004 et a été remplacé par Javier Weyler, un batteur déniché en Argentine. Et plus récemment, Adam Zindani a rejoint le combo pour assurer la guitare solo et participer aux chœurs.
Mais la recette n’a pas changé. Elle a fait ses preuves depuis 1996 et fonctionne toujours à merveille ; aussi cet opus est à nouveau sculpté dans un pop/rock typiquement britannique à la sonorité si caractéristique. Douze petites perles balisées par une rythmique bien carrée, balayées par des guitares judicieuses, dynamisées par une batterie sobre et efficace et caressées par la voix éraillée, ‘cassée’, de Kelly.
« Keep calm and carry on » recèle une fois de plus quelques tubes susceptibles de mettre les fans dans tous leurs états, lors des futurs concerts (« She’s alright », « Innocent », « Uppercut », « 100 mph ») et des ballades du meilleur cru (« Show me how », « Could you be the one », « Stuck in a Ru »t). L’équilibre est parfait !
Et si le combo a de l’énergie à revendre, il n’a pas pour autant négligé ses textes, excellents par ailleurs. Les compos s’avèrent cependant plus pop que rock. Surtout par rapport à leur album précédent, « Pull The Pin » ; un style qui sied mieux à leur identité galloise, plus festive, moins sérieuse que de coutume chez leurs voisins anglais.
Bref, un Cd qui ne déparera pas votre compactothèque, aux côtés des six précédents elpees. Et une bonne raison pour aller les applaudir le 3 février à l’AB de Bruxelles ou le 7 du même mois à l’Atelier de Luxembourg (NDR : si vous n’avez pas de place, pas de bol, c’est sold out pour ces deux dates !). Ne reste dès lors plus que le 4 février à l’Olympia de Paris.
Après plus de 15 années d’absence, le poète Gil Scott-Heron signe son grand retour. Considéré comme l’un des pères du hip-hop voire même le Bob Dylan noir, il est devenu une figure emblématique chez lui, aux Etats-Unis. Fils du footballeur jamaïcain Gilbert St Elmo Heron, Gil pratique le spoken-word, une forme de poésie orale rencontrée notamment chez Allen Ginsberg, Saul Williams, Jello Biafra ou encore Henry Rollins ; mais un art qui ne suscite guère d’enthousiasme sur le Vieux Continent. Faut dire que pour pouvoir l’apprécier, il est indispensable de disposer d’une excellente connaissance de la langue de Shakespeare.
Les sessions d’enregistrement de cet opus ont commencé en 2007. A New York. Il réunit essentiellement d’anciennes compos jamais éditées, des réinterprétations ; mais également des extraits de son bouquin « The Last Holiday », mis en musique. Toujours pas publié à ce jour, ce livre avait été écrit en 2003.
On a ainsi droit à de l’électro dubstep primitive sur la pépite « Me And The Devil » ou encore des claquements de mains sur fond de basse blues lors de l’excellente plage expérimentale, « New York Is Killing Me ». Baignant au sein d’un univers hanté par la soul, le jazz et le hip-hop, mais également l’esprit des 70’s, Gil Scott-Heron jongle avec les mots. De son timbre charismatique, il souffle un véritable vent de fraîcheur tout au long d’une œuvre intense, profonde, pour laquelle il a pu bénéficier de la collaboration de Richard Russell, tête pensante de l’écurie XL Recordings. Et aussi producteur. Il a d’ailleurs accompli un boulot phénoménal pour mettre son nouveau poulain dans les meilleures conditions de travail. Et le résultat est tout bonnement magique. Assurément l’un des premier ‘musts’ de l’année 2010 ! Gil Scott-Heron est aujourd’hui âgé de 61 balais, mais il vient sans doute de poser les premiers jalons de sa future intemporalité…
Reigning Sound est un projet imaginé par Greg Cartwright, relative légende du punk ayant milité au sein de formations telles que The Oblivians, The Compulsive Gamblers et ’68 Comeback. Originaire de Memphis, le combo n’en est pas à son coup d’essai puisque « Love and Curses » est, en fait, son quatrième labeur. Le quatuor pratique un Rock’n’Roll au son très sixties, très clairement influencé par les Rolling Stones. Parfois teintées d’americana (« The Bells », « Polly Anne »,…) et de punk (« Dangerous Games », « Call Me », « If I Can’t Come Back »), les compositions de Reigning Sound s’adressent essentiellement aux vieux routards, leurs petites poules et tous leurs fervents admirateurs. « Love And Curses » procède d’un enchaînement de riffs énergiques amplifiés par un orgue omniprésent. Reigning Sound balance du vrai rock’n’roll, sans être trop regardant au niveau des mélodies. Réservé aux amateurs du genre.
Si l’usage de la cornemuse est devenu courant chez les groupes de folk métal, il est un peu plus rare chez nos amis les punks. Hormis les Dropkick Murphys et les Real Mc Kenzies, les keupons ne sont pas légion à se servir de l’instrument national écossais. Et, pour ajouter un nom à cette courte liste, il faut s’éloigner un peu des Highlands et aller jusqu'à Prague en République tchèque. Les Pipes and Pints sont nés en 2006, afin de réaliser le rêve de Vojta Kalina : jouer de la cornemuse au sein d’un groupe combinant le punk rock au folk rock cradingue des Pogues. Quelques changements de personnel et de nombreuses prestations live plus tard, le groupe sort début 2010, un premier album tout à fait convaincant.
Une fois dévoilé le nom du groupe et ses aspirations musicales, la nature de la musique gravée sur « Until We Die » n’a plus guère de secret. Du punk rock, un esprit festif, de la cornemuse, quelques pintes de bière et le tour est joué. « Until We Die » est la bande son parfaite pour une fiesta de fin de match entre hooligans pacifistes. Une petite intro tambours/cornemuse et hop, on entre dans le vif du sujet lors d’un « Let’s Go » festif à souhait. Et le reste de l’album est du même acabit. On pogote et on se la joue « Lord of the Dance » dans la joie et la bonne humeur. La voix de Syco Mike, le vocaliste américain du combo est aussi râpeuse que celle d’Angry Anderson (Rose Tatto).
Trente neuf minutes de bonheur musical violent et festif qui passent comme une lettre à la poste et ne laissent aucune place à l’ennui.
Non, Bosque Brown n’est pas une cantatrice dont la jolie voix domine cet album ; mais un groupe drivé par la très talentueuse chanteuse (of course !), et également compositrice Maria Lee Miller. Encore une Texane ! Mais issue de Denton. Lorsqu’on parle du Texas, inévitablement, vous pensez à son folklore (les cowboys, le rodéo, les westerns) ou alors à ses hydrocarbures. A moins que vous ne songiez à la technologie aérospatiale. Voire à J.R. Ewing (NDR : figure notoire de la saga ‘Dallas’ !) ou encore Georges W. Bush… Musicalement, c’est plutôt du côté de Midlake, de Spoon, des frères Nourallah ainsi que de Shearwater que mes idées se focalisent…
Maria a opté pour le patronyme de Bosque Brown, en référence à une rivière texane coulant dans sa ville natale de Stephenville (NDR : c’est toujours au Texas). « Baby » constitue son second opus. Il fait suite à « Plays Mara Lee » et à « Cerro Verde », deux Eps parus successivement en 2005 et 2006. Peu connue en Europe, cette formation a été découverte aux States par Damian Jurado.
La principale force de Bosque Brown procède donc de la voix de Maria Lee Miller, souvent doublée par celle de sa sœur, Gina. Un timbre que les mauvaises langues estiment trop proche de celui de Cat Power, Alela Diane ou Joanna Newsom. Un reproche qui n’engage que ces détracteurs. Et pour cause, les trois compos interprétées a capella, par Maria, sont tellement bouleversantes. Trois interludes intitulés « On and Off » au cours desquels sa voix, à la fois belle, puissante et fragile, vous retournent littéralement l’âme. Des intermèdes qui permettent en même temps de souffler entre les quatre segments que comporte cette œuvre.
Le reste de l’elpee propose dix comptines sculptées dans un folk sombre, mélancolique, mais non dénué de charme, qu’on imagine facilement issu de la bande-son d’un film réalisé conjointement par Tim Burton et John Ford. Piano, guitare, pedal steel, claviers et percus aussi discrets qu’efficaces colorent parcimonieusement l’instrumentation minimaliste. Une instrumentation qui paradoxalement nous invite à parcourir les grands espaces du Sud des Etats-Unis. Les lyrics traitent d’ailleurs de la vie quotidienne, de l’amour et de l’espoir entretenu au sein d’une petite bourgade texane… quelque part dans l’Ouest américain rural. Du tracklisting, j’épinglerai également « Oh River » et « So Loud ». Deux titres qui m’ont particulièrement fait vibrer.
Après Emily Jane White, cette jeune artiste particulièrement douée vient enrichir la scène made in Midwest. Et Tom Sawyer en serait probablement tombé amoureux…
En concert à la Maison de la Musique à Bruxelles le 10 mars prochain…
Le paysage musical belge ne serait-il pas malade ?
Pas le temps de respirer pour Absynthe Minded (NDR : pseudonyme imaginé en hommage aux poètes français du XIXème siècle). Dès son arrivée dans l’univers musique en 2004, la formation gantoise se projette rapidement sous les feux des projecteurs et croule d’emblée sous le poids des éloges. Presse dithyrambique, récompenses en cascade, reconnaissance absolue de ses pairs, flux continu sur les ondes radios, portes ouvertes des Majors… Tant les spécialistes de la presse musicale que les artistes belges saluent rondement le travail compulsif du quintette flamand (3 albums en 4 ans et plus de 300 concerts européens en 36 mois !!!) La bande de Bert Ostyn (auteur-compositeur-interprète et guitariste) se présente dès lors comme LE phénomène musical belge de cette dernière décennie !!!
Cette agitation médiatique –mini séisme de magnitude principalement flandrienne– mérite un arrêt sur image sur le combo jazz-rock belge.
En effet, dès 2004, notre Arno national décrit Absynthe Minded, dans la presse, comme l’un des futurs grands parmi les groupes européens. Année de sortie de son premier elpee qui sera hâtivement salué par cette presse. Ainsi, « Acquired Taste » est élu meilleur album 2004 belge par De Morgen et considéré comme ‘le meilleur album belge de cette décennie’ par l’hebdomadaire Knack. A peine le temps de respirer et « New Day » plonge dans les bacs le 1er janvier 2005 et inonde les stations radio de notre ‘Plat Pays’ pendant 8 mois (NDR : tempête sonore particulièrement observée dans le nord du pays). Battage médiatique qui offre son premier disque d’or au combo flandrien. Année où il reçoit également deux Zamu Awards (‘The Belgian Music Awards’). L’un pour le très joli single « My Heroics, part one » (best song of 2005) et l’autre pour la voix atypique de Bert Ostyn (best singer of 2005). Année ponctuée par une victoire au Bilborock Festival, le plus grand rassemblement rock européen qui réunit chaque année plus de 15 000 groupes venus d’horizons différents à Bilbao (Espagne). Soulignons également sa première participation au Rock Wechter 2006 (troisième plus grand festival européen).
En 2007, Tom Barman déclare dans le quotidien De Morgen qu’Absynthe Minded est coupable d’avoir composé le meilleur morceau (« My Heroics, part one ») jamais réalisé par un artiste belge. Fan absolu du groupe, le leader de dEUS invite les 5 phénomènes de scène à assurer un grand nombre de dates sur la tournée européenne du groupe anversois (Pays-Bas, Portugal et Allemagne). Le troisième album « There is Nothing », compilation sortie sous le label français Abeille Musique, se fait plus discret.
La révolution Absynthe Minded ne cesse de s’étendre et atteint réellement son apogée lors de la sortie du dernier nouveau né. L’album éponyme voit le jour en 2009 dans le Studio Ferber à Paris, sous la houlette bienveillante de Jean Lamoot (Bashung, Raphaël, Salif Keïta, E. Daho, Dominique A, Girls In Hawaii…) Soulignons également le contrat de disque en attente signé auprès du label français AZ (Universal), en octobre 2009. Pour couronner le tout, « My Heroics, part one » est élu meilleur titre de la décennie par la radio flamande Studio Brussel.
Alternant rythmiques rock et jazz, ce long playing complexe décroche 4 Music Industry Awards (MIA : ‘Victoires de la musique flamandes’) lors de sa troisième cérémonie du 8 janvier 2010, et non des moindres : Meilleur disque 2009 – Meilleur groupe 2009 – Meilleur single 2009 (« Envoi ») – Meilleur groupe rock alternatif !!! Certes, la concurrence lors de cette édition 2010 n’était pas particulièrement féroce… Seuls adversaires potentiels : une très mauvaise cuvée Daan et le ‘phénomène’ flamand Jaspers Erken (NDR : un nom qui évoque davantage l’enseigne d’un magasin de décoration que le pseudonyme d’une révélation musicale !).
On peut dès lors constater, sans la moindre difficulté, qu’une certaine presse à grand tirage s’échine à faire d’Absynthe Minded l’une des références, voire la référence musicale majeure du paysage musical belge contemporain. Assertion qui reste cependant contestable tant par la qualité artistique intrinsèque du groupe que par le spotlight médiatique régional. En effet, le quintette gantois ne brille ni par son originalité ni par sa fibre créative. Excepté une légère coloration jazzy bien orchestrée, rien de neuf sur la planète pop-rock. Un dernier elpee cruellement ordinaire.
Lorsque les différents médias belges –surtout ceux du nord du pays– exaltent la formation gantoise et les placent sur les cimes aux côtés de dEUS, Zita Swoon, Daan, Arno… un rictus nerveux déchire mon visage ! Malgré une production irréprochable et quelques morceaux remarquables, rien de transcendant sur cette galette. Cette exultation médiatique ne trahirait-elle pas plutôt une absence temporaire de créativité au sein de nos groupes belges ? N’est-elle pas révélatrice d’une cruelle carence de matière substantielle à débattre ?
En dépit d’une production lisse et formatée prédominante, on peut cependant trouver quelques morceaux de bonne facture. En ouverture, « If you don’t go, I don’t go » nous offre un délicieux moment de swing jazzy qui laisse subitement place à « Heaven Knows », un doux et généreux pop-folk qu’éclaire la jolie voix de Bert Ostyn (chant/guitare).
Les deux curiosités qui méritent l’étiquette expérimentale attribuée au groupe se concentreraient davantage sur deux morceaux : « Multiple Choice » et « Fortress Europe ». L’un propose un habile spoken word nappé d’un psychédélico-pop et l’autre un jazz manouche original hanté par les âmes de Django Reihnardt et Stephane Grapelli.
Quant au reste de la galette, elle nous réserve des surprises contestables. Des ballades qui nous baladent et soufflent le chaud (« Heaven Knows ») et le froid (« Moodswing Baby), des morceaux incroyablement ordinaires dont les compos s’empâtent de marsh(m)all(ow) aux saveurs de guimauve (« Papillon », « Dead on My Feet »).
« Absynthe Minded » : phénomène incontournable de la scène belge ? Maintenant, à vous de juger !
Pour les musiciens et les fans de musique, internet est un outil merveilleux. Tout d’abord, parce que depuis l’avènement de MySpace, plus personne n’est obligé de croire tout ce que les chroniqueurs racontent. Ni les campagnes de pub orchestrées par les cellules marketing. Il suffit de se connecter sur la page d’un groupe (NDR : de nos jours, presque tous les artistes en ont une) et d’écouter les titres mis à disposition pour se faire sa propre opinion. Ensuite, parce que, pour mieux se faire connaître du public, certains artistes n’hésitent pas à mettre des albums entiers en téléchargement gratuit à la disposition de leurs fans.
C’est le cas pour le combo suédois Netherbird qui, récemment, a mis en ligne, en téléchargement tout à fait libre, un mini elpee constitué de quatre reprises de groupes et de titres ayant influencé son orientation musicale. Netherbird pratique un mélange de heavy, de doom et de black metal mélodique. S’attaquer au répertoire d’autrui est un exercice de style bien plus difficile qu’on ne l’imagine. Se contenter d’une adaptation de moindre qualité est un peu ridicule. Identique n’a aucun intérêt. Et pourtant, elle doit demeurer identifiable. Netherbird est parvenu à éviter tous ces pièges ; car tout en demeurant fidèle à l’esprit des différents auteurs, ses covers sont tout à fait personnelles.
Enregistré originellement en 2007 par Netherbird alors que son line-up n’était pas encore figé, « Covered In Darkness » se fend d’abord d’une interprétation survitaminée du classique de Paradise Lost : « As I Die » (1992). Black métal et doom death mélodique y font bon ménage. Les claviers d’ambiance, les chœurs féminins et les hurlements typés black métal ajoutent encore un côté plus glauque au morceau original, déjà bien morbide. Composé par la formation finlandaise Sentenced, « Nepenthe » est une petite merveille de heavy métal boosté à la sauce black ; un morceau au cours duquel les soli de guitares n’ont pas à rougir face à celle de leurs concepteurs. Si les réappropriations d’« As I Die » et de « Nepenthe » ne sont pas vraiment surprenantes (NDR : et pour cause, elles ont été composées par des groupes jouant dans la même cour ‘extrême’ que Netherbird), on ne peut pas en dire autant de la troisième ; en l’occurrence un standard. Celui du « Alison Hell » des Canadiens d’Annihilator. Un classique incontournable du trash métal dépoussiéré, modernisé et transformé en pur titre black métal symphonique. Claviers grandiloquents, ambiances funèbres et vocaux lugubres sont combinés à des soli de guitares aussi alambiqués que les originaux de Jeff Waters. Un pur moment de bonheur. Le quatrième et dernier titre, « Firmament Vacation », est une cover plutôt sympathique du groupe rock suédois The Soundtrack of Our Lives. Un titre au refrain mémorisable proposé ici dans une version alliant le black et le gothique.
Si vous aimez les précisions, sachez que le combo s’est depuis stabilisé, son line up réunissant Nephente aux vocaux (Benighted, Fear The Future), Bizmark à la guitare et aux claviers, Johan Nord à la guitare et aux vocaux, Tobias Gustafsson (The End, Armageddon, Eucharist, Eternal Lies) à la basse et à la batterie, et, cerise sur le gâteau, l’ex At The Gates, The Haunted, et Cradle Of Filth : Adrian Erlandsson. (NDR : celui-ci vient d’ailleurs de sortir un excellent album orienté punk/métal en compagnie de son épouse sous le patronyme de Nemhain).
S’il est vrai qu’une compilation consacrée à des reprises ne fournit qu’une idée plutôt approximative du potentiel musical d’un groupe, il ne fait aucun doute que la qualité du travail de réécriture fourni par les musiciens de Netherbird sur « Covered In Darkness » nous a ouvert l’appétit et que nous attendons impatiemment, « Monument Black Colossal », le prochain elpee, prévu pour début 2010. En attendant, si vous le souhaitez, il vous est loisible de procéder au téléchargement gratuit et légal de « Covered in Darkness » sur ce lien : http://www.netherbird.com et ici : http://blogs.myspace.com/index.cfm?fuseaction=blog.view&friendId=81710857&blogId=522444767
Auteur, compositeur et interprète, Netsayi est née il y a une vingtaine d’années au Zimbabwe. Réfugiée en Angleterre durant les conflits menés contre l’Apartheid, elle retourne à Harare, lorsque les combats sont terminés.
Durant son exil londonien, elle parfait ses connaissances musicales dans son environnement immédiat et touche un peu à tous les courants : la pop, le folk, le reggae, sans oublier les chants traditionnels de son pays. De ce mélange des genres résulteront des compositions originales, fraîches où se mêlent tous les styles qu’elle affectionne et qu’elle maîtrise parfaitement.
Son premier opus « Chimurenga Soul » réalisé en 2006, quoique confidentiel, avait attiré quelques ‘curieux’ qui la comparaient déjà à Sade, Nina Simone voire Ella Fitzgerald. Son second Cd recèle des connotations un peu plus pop. Les 12 plages qui le composent explorent à nouveau différentes directions musicales et avec l’aide de quelques musiciens très bien côtés sur le continent noir (Baby 'Soul' N'Sola, Jeremiah Samuel, Rujeko Dumbutshena, Joe Legwabe ... ), Natsayi lui donne une coloration riche, très africaine. A retenir, quelques titres très réussis ou très surprenants, « Punch Drunk » qui ouvre l’album, le très tribal « Ishe Komborera Afrika » ou le très doux « Jaracandas » qui clôture ce bel ouvrage intimiste mais non dénué d’intérêt.
Fred Deltenre (chant, guitare) et Joffrey Goart (drums) sont bruxellois. Leur musique n’est ni contemporaine, ni revivaliste. Pas question de néo new wave, de pyché folk ou de post rock chez ce duo, mais une forme de roots music fortement inspirée du blues américain sudiste. Les Terrils établissent ainsi un dialogue entre une guitare au son bien gras et une batterie montée sur ressorts. En outre, les lyrics sont exprimés dans la langue de Voltaire. Un pari osé, il faut le souligner.
Dans ses textes, Fred Deltenre aborde les grandes questions sociétales. Sans jamais déraper dans la contestation révolutionnaire puérile. Privilégiant les exercices de style métaphoriques tout en se nourrissant d’humour noir. « La télé a tué ma femme » stigmatise la médiocrité de la surconsommation médiatique. Sur « J’m’orientalise », Les Terrils osent la différence : ‘J’connais l’histoire, tout nous sépare. Ben pour moi il est trop tard hein ! Car leur culture a fait le mur ; si j’vous l’assure’. Quant au titre maître, il s’attaque tant aux problèmes politiques, écologiques que sociaux. Bref, la prose proposée tout au long de cet elpee est une véritable mine d’or…
Musicalement, on reste cependant parfois sur sa faim. Les morceaux ont parfois tendance à tirer un peu trop en longueur. Quand ils n’adoptent pas un ton trop similaire. Le carcan minimaliste y est sans doute pour quelque chose. Néanmoins, l’originalité de l’ensemble nous préserve de la lassitude. Faut dire que dans leur style, Les Terrils ne doivent pas craindre la concurrence ; car elle n’existe pas… encore.
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