Quel bel album de chanson française ! Tous les ingrédients y sont réunis : originalité, talent, imagination, musicalité et une belle voix ; ce qui ne gâche rien.
Ce Lyonnais de 30 ans jongle avec les mots et les notes depuis qu’il a seize ans. Hélas, complètement inconnu, Romain n’est diffusé que sur les radios indépendantes ; ce qui est bien regrettable. Pourtant très apprécié par ses pairs, Romain Lateltin est invité à jouer en première partie de grosses pointures telles que Raphaël, Diane Tell, Benjamin Biolay, entre autres.
C’est en octobre 2003 que sort son premier album « A l’intérieur de soi-même ». Cet elpee est conceptuel. Il raconte l'histoire d'un personnage qui est prétentieux et libertin. En janvier 2006, il embraie par « Elle veut de l'homme », le récit d'une femme trentenaire rencontrant quelques problèmes avec la gent masculine. Octobre 2007, paraît l’Ep 3 titres « Le misogyne », en attendant l’opus suivant, initialement prévu pour Octobre 2008.
Mais ce n’est qu’en février 2009 qu’il publie « Le râleur made in France » (c’est le 3ème album en 5 ans), un long playing coécrit en compagnie de Fred Gayot, toujours conceptuel qui, à l’instar d’un spectacle de rue, décrit des personnages atypiques, comme le misogyne, le râleur made in France… Ceux-ci, de par leur décalage, tentent de changer le scénario de leur vie, de ne pas être formatés.
D’excellente facture, les 11 plages sont distrayantes, drôles, émouvantes, vraies. Avec son humour décalé, une excellente guitare, des carillons, son ukulélé et ses textes parfois décapants, Romain nous emmène dans son petit théâtre de personnages bien originaux.
Dans cette œuvre, tout est bon, notamment « Chaleur c'est bonheur » à écouter en essayant de ne pas rire ou encore « Je dis oui, je dis non » musicalement très riche. Bref, original et frais, « Le râleur made in France » constitue sûrement l'un des meilleurs albums de chanson française, paru récemment.
A noter également, une pochette complètement ringarde, qui correspond tout à fait à l’humour de son auteur.
Andrew Jones a passé le cap de la soixantaine. Il est né à Dallas, au Texas, où il vit d’ailleurs toujours aujourd’hui. Particulièrement doué, ce musicien accomplit ses premiers pas dans le monde professionnel, alors qu’il n'a que seize ans. Il débute alors chez les Thunderbirds, le backing band du fameux Freddie King. Il passe ensuite chez celui du chanteur soul, Bobby Patterson, les Mustangs. En 1973, il opère son retour auprès de Freddie King. Au fil du temps il se forge une solide notoriété et est de plus en plus sollicité pour apporter sa contribution. Il enregistre en compagnie de Katie Webster. Puis Charlie Musselwhite, notamment pour les elpees parus sur le label Alligator, dans les années 90. C'est chez lui à Dallas qu'il met en boîte son premier album, "I need time". En 1996. Chez JSP. Deux ans plus tard, il signe "Watch what you say" chez Rounder. Puis "Mr Domestic". En 2001. Et en 2005, il immortalise son premier elpee en public, "Jr Boy Live".
Pour enregistrer "Getting' Real", il est soutenu par le bassiste Jamil Byrom et le claviériste John Street. Jr Boy possède une superbe voix, taillée pour chanter le ‘soul blue’, c’est-à-dire un cocktail de soul et de blues. Mais sur "Struggle", la différence est opérée par son jeu de guitare. Ses notes sont concises, harmonieuses, empreintes d’une grande sensibilité. Andrew est dans son élément, lorsque ses cordes répondent à sa voix. A l’instar de "People say I'm crazy". Il dispense subtilement de petites grappes de notes, dans un style de celui qui fut jadis son maître, Freddie King. Derrière son orgue, Street se révèle un partenaire idéal. Il a longtemps été le fidèle collaborateur d'Anson Funderburgh au sein des Rockets. Le tempo s’élève pour aborder "Negative talkin'", une compo plus classique. Urbaine, même, dans l’esprit de Chicago. Sa talentueuse concitoyenne, Miss Cheryl Arena, est venue l'épauler. Son intervention à l’harmo est superbe, alors que Street est passé au piano. Autre slow blues majestueux, "Lonely times" est balisé par une rythmique délicatement funky, une structure qui permet aux cordes de s’évader constamment. Exercice de style instrumental "Don't let the green grass fool you" est le fruit d’un savant dosage entre southern rock et jazz. Brillant ! Et manifestement, Andrew a beaucoup écouté Cornell Dupree. La tension monte encore d’un cran pour "Don't get twisted", une plage imprimée sur un mid tempo. Jr Boy démontre toute sa dextérité sur sa Gibson. Il est inépuisable. Le souffle subtil dispensé par l’harmo de Miss Arena vient rafraîchir l'excellente ballade soul "Just playin' the blues". Street y mêle piano et orgue. Une superbe compo chargée d’intensité et d’authenticité. Le tempo ralentit encore afin de favoriser une immersion totale dans le blues le plus pur. En l’occurrence lors d’un "Hell in my house" que le quatuor nous restitue en nous flanquant le frisson, d’un bout à l’autre du morceau. Et le long playing de s’achever par un exercice de style instrumental intitulé "What's goin' on", une plage issue de la plume de Marvin Gaye. Quelle belle propagande pour le blues!
Samuel James est un bluesman dont le style est exclusivement acoustique. Une démarche très proche des authentiques précurseurs qui sillonnaient les routes poussiéreuses du sud américain. Pensez aux bluesmen originels comme Skip James, Mississippi John Hurt, Son House, Bukka White et Charley Patton. Mais s’il puise son inspiration chez ces légendes, ses compos sont parfaitement adaptées à la scène contemporaine. Tant sa musique que ses lyrics. En outre, c’est un multi-instrumentiste.
Originaire de Portland, non loin de la frontière canadienne (NDR : c’est dans le Maine, face à l’Atlantique), son grand-père était guitariste. Il explorait également différents styles de blues. Ceux qui correspondaient à son époque, bien sûr. Quant à son père, il était pianiste professionnel et tromboniste. Le jeune Samuel apprend la danse à claquettes dès cinq ans, le piano à huit et devient pro à douze. Il n'a pas encore passé la barre des trente balais, lorsqu’il grave sa troisième œuvre, "Songs famed for sorrow and joy", un elpee déjà édité chez Northern Blues Music. Samuel est un solitaire. Sa musique est intimiste. Il manifeste un profond respect pour les traditions. Ainsi, s’il compose son propre répertoire, sur les planches, il adore reprendre des classiques de ces maîtres du blues, tout en cherchant chaque fois, à se réapproprier ces morceaux. Sur cet opus, il est à l’aise sur tous les modèles de guitares (resonator, flamenco, 6 et 12 cordes) ; mais aussi au banjo, au piano et à l'harmonica. Il tape des pieds et des mains ; et bien entendu il chante. Et le résultat est excellent, puisque James parvient à faire revivre la musique des années 20 et 30, en tirant parti de la technologie moderne.
Dès l’ouverture, il impressionne. Fermez les yeux, et vous aurez la sensation de vous trouver face à l'artiste. Il pince nerveusement ses cordes, tape furieusement du pied et chante en puissance, tout au long de "Bigger blacker Ben", une ouverture royale. Très dépouillé, "I'll break your promise" force le respect. "Cryin' blind" est un régal ! Sa présence, tant aux cordes qu’aux vocaux, est envoûtante. Il démontre son habileté au picking sur "A sugar smallhouse Valentine", rappelant au passage le style Piemond. Tout comme sur la jolie pièce instrumentale, "Trouble on Congress street rag". Chanson d’amour empreinte de douceur, "Rosa 's sweet lil' love song" s’adresse à Rosa Poda (dont la silhouette longiligne est reproduite sur la pochette), une danseuse du ventre locale. Il balance furieusement d'autres cris d'amour en s’armant d'un banjo aux sonorités sémillantes et métalliques à travers "Darlin' Maeve" et "Miss Noreen". En fin de parcours, il tape du pied en récitant a capella "Wooden tombstone". Et en finale, il le prend littéralement lors d’un "Path of ashes", au cours duquel, il assure l’intégralité de l’instrumentation.
D’accord, je critique volontiers les albums de chanson française ; mais là, je ne sais pas comment réagir ! Ce disque m’est parvenu plus de 18 mois après sa sortie. Quelle en est la raison ? Personne n’en voulait ? Etait-il tombé dans un carton et perdu puis soudainement retrouvé lors d’un rangement ou déménagement quelconque ?
Toujours est-il que ce cd ne m’inspire pas vraiment. On est en pleine caricature, en pleine imitation de mauvais goût (Obispo, Souchon, …) Je me demande qui, à part votre serviteur, va écouter ce ramassis de chansonnettes pour ménagères de moins de 50 ans. Bref, je n’ai pas envie de perdre plus de temps avec cette plaque à offrir (si par le plus grand des malheureux hasards vous le possédez) à votre meilleur ennemi.
Non, ce disque n’est pas la bande son du fameux jeu vidéo, pionnier du style fps (First Person Shooter) apparu dans les années 90. Il s’agit ici de la dernière galette de Daniel Dumile, alias MF DOOM, alias King Geedorah, alias Metal Fingers, alias tutti quanti... A force, on finit d’ailleurs par s’y perdre un peu. D’ailleurs, si ce rappeur est né en Angleterre, il a rapidement déménagé aux States, en compagnie de sa famille. Et cet étrange personnage appartient aujourd’hui à la scène rap américaine. Doom est exubérant, prolixe et prolifique (une dizaine d’albums, autant d’Eps et un nombre incalculable d’apparitions comme guests) ; mais surtout, complètement à la masse. Affublé en permanence d’un masque de fer, l’artiste traîne sa carcasse d’écorché vif que la vie n’a pas épargné. Après avoir perdu son frère, il devient alcoolique, pire toxicomane. Sa maison de disque de l’époque (Elektra) le vire. Doom se retrouve à la rue, sans un kopeck et finit SDF. Il aurait pu terminer sa carrière sur un banc si un élan de volonté n’était venu lui traverser l’esprit. Et plutôt de revenir en toute discrétion, Doom choisit la grande porte et commet album sur album à un rythme effréné.
« Unexpected Guests » est le dernier en date. Il s’agit cependant d’une compilation recelant quelques inédits, plutôt que d’un véritable nouvel opus. De sa voix à faire trembler un minet, ses lyrics tranchants et ses beats entraînant Doom, balance comme d’habitude la grosse artillerie. On croise aussi des guests qui méritent le respect, tels que de De La Soul, Talib Kweli, Dilla Ghost et autres pointures de la scène hiphop. Le style de l’Américain est parfaitement maitrisé, avec ses airs old school et ses basses à filer des coups dans le ventre. Doom tend à prouver une nouvelle fois que ce qui ne nous tue pas, nous rend plus fort.
Non, Dépotax n’est pas le nom du médicament conseillé avant l’écoute de « Wide Open Empty ». Plutôt le pseudonyme adopté par cette formation belge étrange, inclassable et fardée qui fusionne habilement les styles et les imageries associées aux différents genres musicaux pour mieux pénétrer nos bulbes. Déstabilisant, saisissant, ‘boulifiant’ sont les mots qui viennent à l’esprit face aux performances ubuesques de ce groupe halluciné, fétichiste de la déjante.
Sur scène, ces joyeux drilles expirent un indéniable vent de fraîcheur sur notre paysage musical sclérosé (en plaques) : à l’aide de son cousin machiniste Omar Kabil –dit le ‘Spongieux’– et de ses nièces danseuses Petrushka et Manushka (coiffeuses-astronautes à mi-temps), Depotax projette ses rituels shamaniques incantatoires, savant mélange de cantiques adressé à l’Indicible, de chorégraphies percutées et projections syncopées. De ses chants issus d’une langue en voie d’apparition émane l’injonction qui pousse les egos à l’introspection salutaire. Un trop plein de vide se dérobe sous nos pieds...
Il y a peu, 108 producteurs d’Akamusic.com se sont enflammés sous les coups de boutoir du ballet Depotax... Grâce à ces internautes trépano-conquis, le druide du temps-qu’il-reste-à-l’urgence est parvenu à produire un premier Ep 6 titres, intitulé « Wide Open Empty »...
Madame, vous rencontrez des problèmes de brushing ? Depotax & ses décoiffeuses se chargent de revoir votre structure capillaire de fond en comble...
Depotax se produira sur la ‘Cube Room’ des TransArdentes ce 23.01.2010 à Liège dans sa formule la plus complète : Depotax [Ballet i Motion]. Avec Omar Kabil, son acolyte berbère, dit-Le-Spongieux, et ses cousines Petrushka & Manushka, issues des gazoducs ukrainiens…
La discographie de Lou Barlow est impressionnante. Que ce soit à travers Dinosaur Jr récemment reconstitué), Sebadoh, Folk Implosion, Sentridoh ou ses multiples coopérations. Mais curieusement et officiellement, ce « Goodnight unknwon » ne constitue que son second elpee, paru sous son patronyme. Il fait suite à « Emoh », gravé en 2005.
La vie affective de Lou Barlow est tumultueuse. Quatre mariages, un divorce, deux fois veuf, il (suivant les infos recueillies dans les médias) a vécu des histoires d’amour en compagnie de 27 petites amies. Une mode de vie qui nourrit allègrement ses lyrics, véritables contes de déception romantique empreints de désir, de concupiscence et d’angoisse.
Pour enregistrer « Goodnight unknown », Lou a reçu le concours de quelques collaborateurs. Tout d’abord le fidèle Imaad Wasif (Yeah Yeah Yeahs, Alaska !), Lisa Germano, l’ex-bassiste de Soul Coughing, Sebastian Steinberg, le drummer des Melvins, Dale Crover, ainsi qu’Andrew Murdock à la production.
Découpé en 14 fragments en un peu plus de 37 minutes, cet opus privilégie le format acoustique. Lo-fi si vous préférez. Et bien sûr, les ballades mélancoliques. Déchirantes, douces, sinistres, méditatives, ténébreuses ou denses, elles peuvent même évoquer un certain Nick Drake. A cause de ces accords de sèche discordants ou subtilement psychédéliques. Et puis de la voix bouleversante de Barlow. Soutenu par un accordéon, « Gravitate », en est certainement la plus belle illustration. Tout comme « Faith in your heart », un morceau délicatement traversé d’un zeste d’électricité. Mais le plus intéressant procède des titres les plus percussifs. Abordés dans l’esprit des Dodos. Et je pense tout particulièrement au passionné et contagieux « The right », ainsi qu’à l’intense et tourbillonnant « One machine, one long fight ». En fait, c’est dans ces circonstances qu’on se rend compte du travail accompli par Dale. Et pas seulement parce qu’il met toute la gomme sur les deux morceaux les plus rock de l’opus ; soit le très groovy « Sharing » et le luxuriant titre maître. Les deux premières plages de l’opus, par ailleurs.
Un album fort intéressant, notamment pour son incursion dans l’univers de la percussion. Et puis, si vous appréciez l’œuvre de Lou Barlow, vous savez ce qu’il vous reste à faire…
Rien ne se perd… tout se recycle ! Depuis 2008, on assiste effectivement à une résurgence de la dream pop sur la scène musicale indépendante (Beach House, School of Seven Bells, The XX…) Genre musical où l'essence de la musique converge vers les textures et les ambiances éthérées plutôt que sur les riffs rock propulsifs. Largement diffusé par le label indépendant 4AD, ce phénomène ne demeure cependant pas exclusivement britannique.
En effet, le label Mis Ojos Discos et la formation philadelphienne A Sunny Day In Glasgow confirment la bonne santé du genre sur le continent américain. Collaboration qui a donné naissance à « Ashes Grammar ». Long playing 100% pur dream pop qui ravira sans doute les amateurs de jolis bruits. Chacun d’entre eux trouvera certainement son bonheur sur cette galette composée de –chose assez rare pour être soulignée– pas moins de 22 pistes. Près d’une heure de sonorités abstraites qui bourdonneront avec délice, à vos oreilles. Un album à l’architecture et aux enchaînements linéaires sous haute surveillance qui ondulent sur des nuages pop et des nébuleuses galactiques. Une cathédrale sonore sise sur des sables mouvants mais habitée de mélodies ellipsoïdales nimbées d’échos, de nappes électroniques et de guitares filtrées.
Une dream pop sombre et sensuelle sculptée dans la pure tradition britannique des 80’s qui contemple les horizons lointains de « Victorialand » (Cocteau Twins) et de Lush.
Hormis les séquences électro habilement orchestrées, on pourrait hâtivement cataloguer « Ashes Grammar » comme un album pop de plus qui n’apporte rien d’exceptionnellement neuf. Comme un nouveau voyage musical qui revisite joliment les années 80 et parlerait uniquement aux nostalgique du genre. Or, A Sunny Day In Glasgow ne se présente pas exclusivement comme un simple ersatz de Slowdive ou de Curve. Il trace de majestueux ‘soundscapes’ abyssaux, personnels et uniques. « Slaughter Killing Carnage – The meaning of words » givre l’instant d’une voix féminine soufflée (Robin Daniels) et immortalise des paysages sonores introspectifs et existentialistes qui vous glacent le sang. Aucune sensibilité artistique ne peut dès lors échapper au charme narcotique du collectif de Philadelphia.
59 minutes et 9 secondes qui ne laissent pas indifférent !!!
A découvrir le 12 mai 2010 aux ‘Nuits du Botanique’ à Bruxelles.
Sur la photo de la pochette, un jeune homme dévore des prises jacks. Et son appétit semble vorace. On peut alors facilement extrapoler en imaginant la musique de Richard Walters, très féroce. Et en y associant même une dérive électro-rock. Mais après avoir écouté cet album, l’impression laissée est totalement différente. Il n’y a rien d’animal dans cette solution sonore ; ou alors, on est plus proche de l’agneau que du lion.
Richard nous vient d’Oxford. Il est à peine âgé de 23 ans ; même si sur sa photo on a l’impression qu’il a quelques années de plus. « The Animal » constitue son premier album solo ; cependant, pour un premier essai, le jeune compositeur est parvenu à bien s’entourer. Et pour cause, il a reçu le concours de l’ex-Suede Bernard Butler et du producteur Guy Sigsworth (Sigur Ros, Lamb,…) A premier abord, la musique de Walters évoque Damian Rice en plus posé et moins larmoyant. Pas de mur du son redoutable à franchir sur cet opus, non plus ; mais une solution sonore baignant dans un climat folk typiquement britannique, ma foi fort classique, aux arrangements subtils et extrêmement délicats (piano, cordes, chœurs éthérés et cordes de guitare acoustique), le tout balayé par une voix dont le timbre lorgne manifestement vers Jude. Bien sûr, on ne peut pas dire que ce soit particulièrement original ; mais Richard a le bon goût d’éviter la mièvrerie. Véritable talent à l’état brut, il pose ici ses premiers pas dans le cercle fermé des songwriters respectés, outre-Manche. Il lui restera à polir ses aptitudes. Pour ne pas en rester à concocter du sous-Sufjan Stevens… Et puis également inoculer un peu de folie dans son inspiration. Au sein du tracklisting, j’épinglerai quand même la jolie reprise du « True Love Will Find You In The End » piquée à l’autrement plus détraqué Daniel Johnston et le morceau maître, réellement bouleversant.
Insolite ! D’abord, à cause de ce patronyme étrange. Et puis de sa musique à la fois hybride et imprévisible. « BiRd-BrAiNs » réunit 13 comptines folk détraquées, susceptibles de ravir les fans de CocoRosie. Rien d’aussi délicatement tordu ne nous avait été proposé depuis les méfaits perpétrés par les sœurs Cassidy. Signe qui ne trompe pas, le premier essai de cette artiste prometteuse est paru chez 4AD, boîte dont la notoriété est plus qu’établie…
De son véritable nom Merril Garbus, tUnE-yArDs nous vient de Nouvelle-Angleterre (NDR c’est au Nord-est des Etats-Unis), une région dont la chaleur estivale de l’été contraste avec le froid mordant de l’hiver (NDR : nous ne sommes pas loin du Canada).
« BiRd-BrAiNs » (NDR : amis artistes, pensez aux pauvres chroniqueurs qui doivent transcrire votre patronyme ou le fruit de vos élucubrations) réunit 13 morceaux sculptés dans une lo-fi chaleureuse ; des compos enregistrées en solitaire, probablement dans sa chambre (NDR : comme le veut la tradition), pour lesquelles elle s’est servi d’un éventail très large de samples, filtres, effets et boucles. Serions-nous en présence d’une ‘M.I.A. des bois’ ? Le New-York Times n’a pas hésité à comparer ses travaux à une rencontre réussie entre Aretha Franklin et Yoko Ono. Pourquoi pas ? Pourvu qu’elles soient décalées, toutes les définitions me semblent plausibles.
Merril joue essentiellement de l’ukulélé et de la guitare ; mais se sert également d’une belle panoplie d’instruments singuliers, sans jamais se départir de son aisance naturelle à en disposer. Et puis, il y a son timbre vocal de lutin, tantôt masculin, tantôt féminin, qui convient parfaitement à cette musique foutraque et ludique.
Constamment triturés, les rythmes et les sonorités évoluent paradoxalement au cœur d’un univers sonore folk paisible. Une toux sèche enfantine balise « Jamaican » ; et le résultat est aussi étonnant que réussi. « Hatari » s’aventure en terres africaines, et va même au-delà des incursions opérées par un Vampire Weekend. Malgré le format folk, « Lions » et « Fiya » émargent au R’n’B… Le hip hop et le funk sont même visités, sur cette plaque. Un reproche ? Le ton. Un peu trop monocorde à mon goût ; et sur la longueur, il peut même finir par agacer… Sans quoi, si la raison (NDR : ou le business) lui conseillait de canaliser davantage son inspiration, personnellement, je préfère qu’elle continue allègrement son travail d’expérimentation. Au moins, elle a l’audace de se démarquer du ‘mainstream’, en privilégiant la créativité. Et tant pis s’il subsiste quelques déchets ; suffit alors de faire le tri…
En 1993, un véritable OVNI traverse le paysage déjà fort brillant de la pop britannique. Son patronyme ? Tindersticks. Or, à l’époque, les médias belges n’ont d’yeux (NDR : et d’oreilles) que pour dEUS. Et pourtant, le combo belge n’avait pas particulièrement innové. En fait, il avait simplement pris le train en marche, un convoi tracté alors par deux locomotives venues d’outre-Manche : The Auteurs et Tindersticks…
Dix ans plus tard, la carrière du groupe de Nottingham commence cependant à s’essouffler. Et la confection d’un décevant « Waiting for the moon » en est une parfaite illustration. D’ailleurs, Stuart Staples, se lance parallèlement, dans une carrière solo. En 2008, la formation se rappelle à notre bon souvenir, en éditant « The Hungry saw ». Mais le combo a été remanié. Et le plus regrettable, c’est manifestement le départ d’un des membres fondateurs, Dickon Hinchliffe. Depuis, le line up du band a encore changé. Et des débuts, il ne reste plus que le drummer/percussionniste David Boutler ainsi que le chanteur au baryton si caractéristique, Stuart Staples.
L’opus recèle ses inévitables ballades traditionnelles. Celles qu’on écouterait volontiers un dimanche bien pluvieux, histoire de s’enfoncer encore plus dans la déprime. Réminiscente de « Night in », plage issue du premier elpee, « Factory girls » en est la plus belle illustration. Et « Keep you beautiful » n’est pas non plus de nature à révolutionner le paysage sonore des Tindersticks. A l’instar de l’interlude « Hubbards hills » (NDR : un clin d’œil adressé à Ennio Morricone ?) et du morceau final, « Piano music », les instrumentaux –quoique agréables à écouter– s’inscrivent dans la lignée des compos destinées aux B.O. de films comme ‘Nénette et Bonni’ ainsi que ‘White material’, dont la sortie officielle est prévue pour le cours de cette année. Entrons maintenant dans la quintessence de l’œuvre. Amorcée par le surprenant titre éponyme qui ouvre le long playing. Un titre audacieux de 6 minutes 34, dont les cuivres et les percus montent en crescendo pour se muer en cacophonie maîtrisée. En général, les artistes placent ce type de compo en fin de parcours. Voire même en finale. Mais Tindersticks a toujours aimé brouiller les pistes. « Harmony around my table » agrège le profil le plus allègre de Belle & Sebastian et l’instinct flower power de Devandra Banhart. Sur « Peanuts », Stuart échange un duo étonnant en compagnie de la vocaliste canadienne Mary Margaret O'Hara, une plage au cours de laquelle harmonica et cuivres entretiennent tour à tour un climat de douceur ou de surprise. A contrario de son titre, « Black smoke » trace un véritable arc-en-ciel sonore. C’est aussi le morceau-phare de l’elpee. A l’instar de l’image reproduite sur la pochette (on imagine un volcan en éruption au beau milieu des montagnes), cet album est d’ailleurs beaucoup plus coloré que tout ce que Tindersticks a pu nous réserver à ce jour. Et si l’aspect mélancolique est encore bien présent, il n’est plus omniprésent. Même que circonstanciellement, en mêlant pop, jazz et folk déjanté, certaines compos me rappellent un certain Gallon Drunk.
Et pour que votre info soit complète, sachez qu’une partie des sessions d’enregistrement a été opérée au sein des studios ixellois ICP. Enfin, le groupe se produira ce 13 mai 2010 au Cirque Royal, dans le cadre des Nuits Botanique.
Formé en 1983 à Los Angeles par Michael ‘Fat Mike’ Burkett, Eric Melvin et Erik Sandin, NOFX est l’un des parrains de la scène ‘Skate-Punk Californienne’. Contrairement aux autres ‘punks à roulettes’, NOFX à toujours pris soin de se tenir a l’écart du travail d’aseptisation de la scène californienne par la très puissante MTV. Fat Mike, chanteur et bassiste (NDR : et fondateur de Fat Wreck Chords qui est le plus grand label punk rock américain) n’a jamais mis de gants pour aborder, avec humour, les sujets sérieux qui lui tiennent à cœur comme la liberté d’expression, la politique, la religion, l’interdiction des armes a feu, la légalisation de la drogue et de la prostitution.
Les cinq titres figurant sur l’Ep « Cokie The Clown » ont été mis en boîte durant les sessions d’enregistrement de « Coaster », le dernier album en date, sorti en avril 2009. En dix minutes (la durée du Cd) NOFX fait ce qu’il a toujours fait et donc ce qu’il fait de mieux : du punk aux mélodies entraînantes, riffs de guitares rapides et lyrics acides. Seul « My Orphan Year » (un titre acoustique au cours duquel il épanche sa rancœur envers son père et manifeste l’amour porté à sa mère qui l’a élevé seule, avant de succomber à un cancer, en 2006) sort du schéma habituel proposé par NOFX.
« Cokie The Clown » est un disque sympathique, mais plutôt anecdotique. A réserver aux inconditionnels !
Faute avouée est à moitié pardonnée (NDR : enfin, j’espère !), mais je reconnais ne jamais avoir beaucoup accordé d’attention à Shudder To Think, une formation fondée en 1986 par le chanteur/guitariste Craig Wedren, le second sixcordiste Chris Matthews, le bassiste Stuart Hill et le drummer Mike Russell. Rapidement signé par le célèbre label de Washington D.C, Dischord, écurie hébergeant la formation mythique Fugazi, Shudder To Think publiera trois albums avant de se faire enrôler par les Smashing Pumpkins et… Fugazi pour assurer le supporting act de leurs tournées, en1992. Matthews et Russel seront rapidement remplacés par Adam Wade (Jawbox) et par le guitariste suisse Nathan Larson. Boostés par leur succès, ils passent chez Epic (Sony), en 1994. Leur musique mathématique, qualifiée de ‘post-moderne’ ou de ‘post-hardcore’, leur vaut rapidement un statut de ‘culte’ chez les fans de musique indie. Le groupe publie un dernier elpee en 1997 avant de se séparer en 1998, suite au départ de Larson. Les membres se lancent alors dans diverses carrières solos. Le succès commercial n’a malheureusement (ou pas…) jamais touché le groupe.
Dix ans ont passé, lorsqu’en 2007, Wedren, Larson et March se produisent ensemble au Mercury Lounge à New-York ; puis en 2008 lors de la campagne présidentielle de Barak Obama, pour soutenir sa candidature. Ils enregistrent également ce live sobrement intitulé « Live From Home », lors d’une tournée de reformation, la même année. Vu l’intégrité de ces musiciens, l’aspect lucratif a été relégué au second plan…
Pour vous donner une petite idée de leur style musical, imaginez un mélange entre celui de Filter (le chant), Don Caballera (les poussées math-rock) et Fugazi (les guitares acérées et métalliques). Les changements de rythme sont constants. Les vocaux perturbent régulièrement, n’hésitant pas à glisser vers le falsetto. Les compos ne cherchent pas à flatter l’oreille ; mais plutôt à impressionner. A l’instar de morceaux comme « Shake Your Halo » ou « Rag ».
Le groupe a suscité de nombreuses vocations dont Thursday et Incubus (NDR : qui utilise une partie du titre « X-French Tee Shirt » sur « Nowhere Fast »). Jeff Buckley était fan et Pearl Jam les a également invités à tourner avec eux ! Cette formation est incontestablement une légende. Mais personnellement, j’éprouve d’énormes difficultés à accrocher. En cause ? La voix de Craig Wedren ; trop proche de cette du chanteur de Filter, Patrick Richard… que je n’ai jamais aimée ! Après avoir écouté « Live From Home », on se demande toutefois comment un groupe à la musique aussi alternative ait pu jour pu être signée sur une ‘major’… C’est quasi inimaginable de nos jours. Les années dorées de l’industrie musicale semblent définitivement révolues…
Curiosité bien ordinaire que de venir découvrir les derniers phénomènes émergents indie-pop d’outre-Manche ce mardi 26 janvier au Botanique. C’est principalement en 2007, en assurant des premières parties de groupes tels que The Rakes, Kaiser Chiefs, Maxïmo Park ou encore Blood Red Shoes, que le quatuor londonien s’était fait connaître et nous avait présenté les contes adolescents de son premier elpee, « Think Before You Speak ». Un premier album prometteur mais trahissant un manque de maturité.
Peu avant la sortie du deuxième long playing (« No Hope, No Future »), Rhys Jones, leader de la formation, élevait cependant le discours en nous annonçant la sortie d’un elpee ‘plus complexe et plus lourd’. Encore fallait-il le démontrer sur les planches de la Rotonde, à Bruxelles.
Les Kids anars de Mordem (banlieue Sud de Londres) n’avaient pas laissé la promo de « No Hope, No Future » au hasard et avaient la ferme intention de se faire entendre, d’emblée, sur toutes les scènes d’Europe. Leur agenda d’horloger en est témoin : sortie belge de l’album le 25.01.2010, suivi d’un concert à Bruxelles le 26.01.2010 ; sortie française prévue le 26.01.2010, suivi, sans transition, d’un live au Point Ephémère à Paris le 27.01.2010…
La variation annoncée entre le premier et le deuxième album n’est cependant pas à la hauteur des ambitions affichées. Quelques minutes live suffisent pour comprendre que Good Shoes ne représente qu’un groupe indie britannique de plus (ou de trop !) Une formation qui chante, une fois de plus, la vie ordinaire et cruelle de banlieusards londoniens et souffre cruellement de personnalité : Futureheads et Artic Monkeys pour le versant punk-rock et Robert Smith pour le côté new-wave nostalgique.
Good Shoes propose une setlist expéditive aux mélodies répétitives. Un pop-rock nerveux, pas franchement mauvais, mais insipide et indolore. Pas de secousse sismique au sein de la Rotonde. 100 DBA qui ne s’envolent jamais et nous présentent une prestation globalement punk-rock et sans sueur. Un set aux enchaînements rapides et expéditifs qui nous rappellerait presque les Ramones. « Ice Age », coloré d’une voix sans émotion, se fait d’ailleurs remarquer par ses refrains ‘ramonesques’.
A vrai dire, ce concert évoque davantage la performance d’un bon groupe animant un bal de fin d’année dans un collège. Les jeunes Londoniens aux allures de teenagers désabusés accusent déjà des signes de fatigue sur scène et adoptent un comportement légèrement ‘sick of it all’.
Et, malheureusement, c’est contagieux ! Zéro rappel confirmera cette tendance.
(Organisation Botanique)
Nederlands 
Français 
