Nous sommes à l’Ouest du Texas. Bien loin des grandes cités comme Dallas et Houston. Plus exactement dans une petite bourgade sise dans l’Amérique profonde. Répondant au nom de Lubbock. L'atmosphère y est calme. Propice à la préservation du folk et de la country. Y sévissent alors trois auteurs/compositeurs impliqués dans une communauté. Qui s’exprime à travers un projet commun : les Flatlanders. Né en 1972, il a permis à l’ensemble de se produire au festival folk de Kerrville ; mais s’est rapidement disloqué. L’année suivante, pour être plus précis. Trois des piliers, Jimmie Dale Gilmore, Joe Ely et Butch Hancock se lancent alors dans des carrières individuelles. Et trouvent même la voie du succès.
Pourtant, au cours des 90’s, les trois artistes décident de se réunir à nouveau. Sous ce fameux patronyme de Flatlanders. Et finalement enregistrent un elpee en 2002 : "Now again", chez New West. Puis "Wheels of fortune" en 2004. Le label en profite alors pour exhumer des bandes ‘live’ immortalisées à leurs débuts, dans un honky tonk d'Austin, et les grave sur un cd la même année. Il s’intitule "Live 72" !
« Hills and valleys » regorge de très jolies ballades. Dans le style, elles sont impeccables. Et les vocaux limpides. L’elpee s’ouvre par "Homeland refugee", une compo dont le charme est entretenu par les guitares acoustiques et l'accordéon de Joel Guzman. Un piano à bretelles toujours au poste lors du "Wishing for a rainbow". L'ambiance est parfois allègre, transportée par cette bonhomie tex mex ; à l’instar de "Borderless love" et "No way I'll never need you". Dans un esprit plus éclectique, "Just about time" est sculpté dans un rock'n'roll léger, balisé par les accords de piano sautillants dispensés par Bukka Allen. Country/rock, "The way we are" respire la grande classe. Joe Ely chante deux de ses excellentes compositions : le doux "There's never been" et le puissant "Love's own chains". Les arrangements accrochent instantanément l’oreille. La guitare à douze cordes de Rob Gjersoe et la pedal steel de Lloyd Maines participent activement à cette opération de séduction. Maines milite, habituellement, au sein du groupe d’Ely. Pour la circonstance, il assure aussi la production. Les Flatlanders rendent hommage à Woody Guthrie en adaptant son "Sowing on the mountain". Une vision très personnelle plongée dans une ambiance allègre, entretenue par le violon de Marite Maguire, le banjo et la mandoline. Et dans le style, cet elpee est une réussite.
Keith Emerson, du haut de ses 65 ans, n’a vraiment plus rien à prouver. Et à qui que ce soit. Leader en son temps d’une des formations rock progressives les plus influentes des seventies (je ne vous ferai pas l’affront de vous la citer), il est aussi (à l’instar de Jon Lord) l’un des meilleurs claviéristes rock de sa génération. L’Anglais est capable de s’immiscer dans tous les styles : Jazz, Rock, Classique, Progressif, Blues, Classique. A l’écoute de son nouvel opus, « Keith Emerson Band Featuring Marc Bonilla », deux mots viennent immédiatement à l’esprit : ‘Ouais, Bof’.
Je le répète, Emerson peut tout jouer ; et, sur cet album, il ne s’en prive pas. Progressif, Jazz, Ballades, Pop, Rock, Musique d’église, Classique, tout y passe. Cependant, cette diversité nuit beaucoup à l’homogénéité de l’elpee. On a l’impression d’être en présence d’une démonstration de talent du style : ‘Je peux tout faire, et je le prouve’. Bien sûr, instrumentalement c’est parfait parfait. Fignolé jusqu’au dernier détail. Comme il fallait s’y attendre, les claviers se réservent l’essentiel de l’espace sonore : Grand Piano de Concert, Orgue Hammond, Synthé Moog, Harmonium, Synthé Korg. Pas un seul instrument à clavier ne passe pas sous les doigts agiles du virtuose britannique. Les guitares sont assurées par Marc Bonilla, comme pour l’album de Boys Club (Emerson, Hughes et Bonilla) sorti récemment. Il faut avouer que le bonhomme s’y entend pour délivrer des soli magiques qui collent parfaitement à la musique d’Emerson. La batterie est assurée de main de maître par Gregg Bissonette (ex- David Lee Roth, Joe Satriani, Frank Zappa) et la basse par le requin de studio Bob Birch.
Ce Cd est certainement un must pour tous les fans d’Emerson et une grande leçon pour tous les claviéristes en herbe. Cependant, il n’est probablement pas le meilleur moyen de découvrir la musique d’Emerson. Tout autre album d’ELP ferait bien mieux l’affaire.
Cet album est paru en novembre 2007, mais il vient seulement de bénéficier d’une distribution officielle chez nous. Et si « Heads on fire » ne constitue pas le premier elpee de cette formation établie à New-York, je vous promets bien du plaisir si vous cherchez à savoir combien de disques elle en a concocté depuis ses débuts. Certains ont même été pressés à un maximum de 50 exemplaires ! Julian Cope les apprécie tout particulièrement. Non seulement il les avait invités à assurer le supporting act d’une de ses tournées, mais il avait remixé les morceaux de ce « Heads on fire » sur un vinyle. En évoquant le nom du leader du mythique et défunt Teardrop Explodes, vous pensez inévitablement au psychédélisme. Et vous avez tout à fait raison. Un psychédélisme éclaboussé de space métal, de garage et de krautrock. Puisant plus que probablement ses influences chez les Warlocks, Hawkwind circa « In search of Space », les Stooges époque « Funhouse » ainsi que Can.
Découpé en 6 morceaux, Heads on fire » recèle une plage de plus de 26 minutes : « Don’t be afraid ». Véritable pièce centrale de l’opus échafaudée sur un crescendo lancinant, elle est entrecoupée d’un interlude stratosphérique, avant d’en revenir au thème initial, comme beaucoup de groupes du style opéraient au tout début des seventies. Sans quoi groove lancinant, implacable, féroce, tempo hypnotique, tentaculaire (NDR : parfois plus enlevé, comme lors de la plage finale « Eternity »), ligne de basse distordue, guitares bourdonnantes, triturées par les pédales wah wah ou cosmiques, synthés tourbillonnants et vocaux éthérés, réverbérés, ténébreux, trament la densité de cette expression sonore qui recherche constamment l’harmonie entre l’ambiance et le chaos ; mais surtout est sensée reproduire un voyage hallucinogène dans l’espace et le temps…
Bah alors ? Qu’est ce qu’il lui arrive au petit Richard Melville ? Quelqu’un lui aurait marché sur les pieds sans présenter ses excuses ? Quoi qu’il en soit, Moby est triste et le fait savoir haut et fort. « Wait For Me », le neuvième recueil du bonhomme tourne le dos au dancefloor. Celui que l’on croyait réconcilié avec les beats dansants (« Last Night », 2008) fait un petit retour en arrière et se concentre sur l’aspect ‘ambient’ de ses vieux travaux. Le New-yorkais mise à fond sur le spleen, allant jusqu’à flirter avec le « Music For Airports » de Brian Eno. Mais sans atteindre le brio de ce dernier.
« Wait For Me » contient probablement quelques unes des meilleures et des plus intenses compositions jamais écrites par son géniteur (« Pale Horses », « Shot in the Back Of The Head », « Wait For Me », …) Mais Moby est également enclin à se laisser aller à une emphase irritante, notamment lorsqu’il nappe ses morceaux d’une couche dégoulinante de cordes synthétiques aux sonorités souvent similaires. Un peu comme s’il cherchait à y poser un leitmotiv qui, au final, n’apporte pas grand-chose à l’ensemble. A condition d’oublier ces quelques titres superflus, « Wait For Me » s’écoute tranquillement allongé sur le gazon, les yeux rivés sur les étoiles. Une chose est sûre, Moby n’est jamais aussi bon que dans la sobriété et loin de la pop.
Après avoir édité un mini-album autoproduit en 2004, The Fatales nous propose son premier elpee : « Great Surround ». Le quatuor new-yorkais s’est offert les services d’Andy LeMaster (Bright Eyes, PacificUV, Azure-Ray) pour produire son premier opus à Athens, en Géorgie (USA).
Marqué par la new-wave des 80’s, The Fatales est responsable d’une solution sonore cold wave sans faille et d’une netteté surprenante. Vacillant dans un genre musical qui a tendance à se mordre la queue, The Fatales innove. Aux influences culturelles d’inspiration européenne, les quatre Etasuniens élaborent un projet entre new new-wave et peinture impressionniste. Leurs coups de pinceau sonores se voilent d’arrangements subtils de cordes et d’habillages électroniques vaporeux et oniriques. Les guitares, vertigineuses et aériennes, survolent les brumeuses falaises britanniques. Se posent imperceptiblement. A la limite de l’audible. Sur une toile primitive flamande, se cristallisent enfin.
Ces sortilèges nous fascinent et nous égarent sur des chemins de neige ou encore de brume. Comme lorsque le duo batterie-piano rencontré sur « Old Painter » nous invite à fouler, juste du bout des yeux, les paysages très dépouillés et mélancoliques du peintre impressionniste belge Valerius De Saedeleer (illustration de la pochette). Les amoureux du septième art ne seront pas en reste. Quand les Américains décident de revisiter la culture étasunienne, ils s’attaquent aux atmosphères intrigantes et hypnotiques de David Lynch. « Stadtpark », « City en Route » ou le très éthéré « Violette » s’imprègnent largement de la bande son de Twin Peaks.
Cependant, la musique de The Fatales reste avant tout un héritage new-wave mis en abîme. Ainsi, « Evergreen », en ouverture de l’album, nous plonge très vite dans un univers proche de celui d’And Also The Trees. Univers où l’on rencontre aussi le spectre de Robert Smith qui hante la perspective, le clivage des roches, la ligne d’horizon. « Darkened Country » en témoigne par sa flagrante analogie avec « A Forest » de The Cure.
Quant à la voix brumeuse de Wayne Switzer (chant/guitare/clavier), elle coïncide souvent avec celle des britanniques Tom Smith (The Editors) et Paul Banks (Interpol) et nous étonne lorsqu’elle se heurte parfois et se froisse sous le choc de celle de Morrissey sur « Vanishing Act ».
The Fatales nous propose globalement une douce mais vénéneuse cold wave qui s’éloigne des sentiers battus et se distingue tant par la diversité de ses références artistiques que par la qualité et l’originalité de ses arrangements. Les ambiances introspectives et mélancoliques raviront certainement les amoureux du genre qui se conforteront délicieusement à l’écoute de ce premier opus.
Au sein de ce trio britannique, milite le guitariste/mandoliniste/bassiste Simon Swarbrick (également préposé aux cordes), le cousin de Dave Swarbrick, ex-violoniste de Fairport Convention. Et puis un certain Richard Hammond, également six-cordiste (NDR : la sèche !), mais surtout remarquable chanteur dont le timbre campe un hybride entre Guy Garvey (Elbow) et Thom Yorke (Radiohead), mais en moins dramatique. Le line up est complété par Andy Trim aux drums. Cet opus est paru début 2007, mais vient seulement d’être distribué officiellement en Europe. Si vous êtes inconditionnel de la britpop, vous ne pouvez passer à côté de cette œuvre. Les spectres d’Elbow et de Radiohead y planent constamment ; mais également des Doves. Ainsi que d’Unbelievable Truth (NDR : le groupe d’Andy Yorke, le frère de Thom), pour les sous-courants acoustiques. Rien que le morceau d’entrée, enrichi d’arrangements symphoniques somptueux et dynamisé par une section rythmique pulsante vous en met plein la vue (NDR : et les oreilles). Des arrangements audacieux, immaculés, parfois électro, qui enveloppent les mélodies sinueuses, mélancoliques, d’une subtile brume atmosphérique. Sans oublier une production d’un raffinement et d’une précision extrêmes. Comment un album de cette trempe a-t-il pu passer complètement inaperçu ?
Tiens, Mark Olivier Everett a rejoint la confrérie des barbus. Même qu’il est occupé de faire concurrence à celles portées par les membres de ZZ Top (NDR : ils ne l’ont pas rasée ?) D’ailleurs lors du premier titre de ce septième opus d’Eels, « Prizefighter », il nous propose un blues bien enlevé, bien électrique, en insistant sur l’aspect rauque de sa voix. Et récidive sur le sauvage « Tremendous dynamite », un peu dans l’esprit des Doors. Car si le nouvel opus recèle plusieurs ballades, dont certaines sont vraiment superbes (NDR : le single « That look you give that guy », le tendre et voluptueux « In my dreams », « The longing » interprété dans l’esprit d’« Electro-Shock Blues » et le bouleversant « All the beautiful things »), il propose des compos bien nerveuses (NDR : le déchaîné « Lilac breeze » ainsi que le plus électro « Fresh blood » –l’autre single– plage ténébreuse, introspective, dont le groove rappelle le meilleur de Beck, sans oublier l’abrasif « What’s a fella gotta do », attaqué dans l’esprit d’un Sebadoh) sans pourtant jamais se départir de son sens mélodique contagieux. Tout n’est pas parfait, mais dans l’ensemble, cet album tient bien la route. Côté lyrics, Mark soulève une réflexion sur le désir, un dessein susceptible d’emprisonner les âmes et de les détruire. Décidemment, il est toujours aussi inspiré par les questions existentielles…
M.I.A., Santigold, Imani Coppola et consorts n’ont qu’à bien se tenir. La nouvelle petite teigne black de la scène ‘pop-rock-electro-et-tout-le-bazar’ s’appelle Ebony Bones! et elle va tout casser. Après avoir fait ses armes au sein du casting d’un soap britannique (« Family Affairs ») durant huit années consécutives, la jeune femme a décidé de lâcher l’affaire pour se consacrer à sa musique. Une sage décision qui lui permet, manifestement, de décrocher le rôle de sa vie au sein du label Sunday Best (Dan Le Sac vs. Scoobius Pip, Dub Pistols, etc.). Personnage haut en technicolor, Miss Bones, de son vrai nom Ebony Thomas, délivre un premier travail en bonne et due forme, alliant profondeur, légèreté, hargne et allégresse.
Ebony Bones! aime les guitares tranchantes et les cymbales frétillantes. Après une introduction ‘décoiffante’ (« W.A.R.R.I.O.R. »), la Londonienne fait un petit tour sans complexe du côté de The Rapture (« We Know All About You », « The Muzik ») pour ensuite emprunter quelques notes aux Yeah Yeah Yeahs (« Guess We’ll Always Have NY »). Mais Miss Bones sait également se montrer authentique lorsqu’elle donne tout son sens au terme ‘DIY’ (l’entêtante afro-beat de « Don’t Fart On My Heart »). Vu la succession de tubes estivaux imparables, « Bones Of My Bones » est bien placé pour devenir le carton de l’été.
Ebony Bones! sera présente au Pukkelpop cette année et, d’après les échos de ses concerts français, il s’agira probablement –pour celles et ceux qui auront la chance d’y être– de l’un des rendez-vous du festival à ne surtout pas manquer.
Ce qui frappe dès le premier morceau de cet album, c’est la virtuosité de Charlène Juarez –alias Chat– au piano. Pas étonnant quand on sait qu’elle a suivi une longue et brillante formation de pianiste classique. Alors pourquoi ne pas s’être lancée dans ce créneau ? Parce qu’en séjournant à Londres, elle y a découvert la pop. De Radiohead à Bowie, en passant par les Doors et le Velvet (NDR : toujours les classiques!) Elle écrit ses propres chansons. Mais il aura fallu attendre d’être repérée par un label portugais sur son MySpace et la rencontre avec Joseph Chédid et Henri Blanc-Francard pour que les événements se précipitent. Et cette « Folie douce » a été enregistrée dans le Labo M, celui de Mathieu Chédid, le frère de Joseph. Si les deux protagonistes ont participé aux sessions d’enregistrement, Albin de La Simone et Pierre Cohen sont également de la partie.
Découpé en 13 fragments, cet opus communique une excellente impression sur les premiers morceaux de l’album. L’inévitable « Alice », le pétillant « Harmony », le très ‘M’ « Maman », le versatile et plus électrique « Les petites choses » ainsi que le syncopé « R ». Arpèges d’ivoires virevoltants, arrangements judicieux et soignés ainsi que textes qui correspondent bien au monde contemporain vécu par une jeune fille de son âge, même si parfois ils peuvent parfois sembler puérils, alimentent sa muse. Bref, tout baigne. Et elle mérite alors bien les compliments flatteurs réservés par la presse hexagonale qui la compare à Camille ou Emilie Simon. Il y a même un titre dans la langue de Shakespeare : « It’s so cold ». Problème, c’est que passé ces premiers morceaux, une lassitude commence à s’installer. Désolé, mais j’ai toujours appelé un chat, un chat… Chat a du timbre, mais manque de registre. Et en optant pour un minimalisme mélancolique, essentiellement tramé sur son piano et sa voix, ses chansons commencent à lasser. Dommage. Un mini elpee aurait suffi.
L’ami Zakk Wylde s’endormirait-il sur ses lauriers ? Il y a déjà 3 ans que le soliste d’Ozzy Osbourne nous a servi « Shot In Hell », son médiocre dernier album concocté en compagnie de Black Label Society. Trois ans que ses fans attendent qu’il veuille bien rectifier le tir en leur offrant enfin un opus à la hauteur de son talent. Peine perdue, « Skullage » est une nouvelle désillusion.
Quatre ans à peine après avoir sorti le best of « Kings Of Damnation 98-04 », Wylde édite cette année une nouvelle compilation intitulée « Skullage ». Celle-ci ne fait cependant pas vraiment double emploi avec « Kings Of Damnation », puisque seulement 2 titres sont communs aux deux disques. Toutefois, deux compiles en si peu de temps traduisent quelque peu le manque d’inspiration.
Bien qu’il paraisse sous le nom de Black Label Society, « Skullage » reprend des morceaux de toute la carrière du bucheron six-cordiste. En plus de deux plages issues de chaque album de BLS, on retrouve « Machine Gun Man », un titre extrait de l’elpee de Pride Of Glory (NDR : la première escapade de Wylde sans Osbourne) et « Dead As Yesterday » tiré de « Book Of Shadows », son album solo. Ajoutez-y quatre live acoustiques inédits pour attirer l’attention du fan déjà détenteur de l’intégrale du groupe et vous obtenez un nouvel opus réalisé à moindre frais. Pas très jolie cette méthode, Monsieur Wylde.
Allez, ne faisons pas la fine bouche ; car, un album moyen du grand Zakk, c’est quand même de très haut niveau. Le métal graisseux, mâtiné de rock sudiste et de lead guitares suintantes de feeling fait toujours mouche. Quel plaisir, d’ailleurs, de réécouter les « Doomsday Jesus », « Stillborn » ou « Suicide Messiah ».
« Skullage » est donc une bonne carte de visite pour celles et ceux qui ne connaissent pas encore la musique de Zakk Wilde ; les autres devront décider si ces 4 morceaux acoustiques immortalisés live suffisent à justifier une nouvelle dépense en cette période de crise.
‘Go where new experiences await you’. L’invitation est signée Black Dice. Et lorsqu’on connaît les expériences opérées par ce trio originaire de Brooklyn, on est en droit de se poser la question de savoir s’il est bien judicieux de le suivre. Parce que j’invite les amateurs d’électro carré dont les beats sont toujours parfaitement en phase, de passer leur chemin. En effet, contrairement au titre de ce nouvel opus, « Repo » n’est pas de tout repos et seuls les plus téméraires oseront affronter cette galette gorgée de saturations et de contretemps. Des expérimentations sonores uniques en leur genre que ces Newyorkais mènent depuis leur formation, en 1997.
Dès leurs débuts chez DFA, Black Dice a suscité une forme de respect. Notamment en concoctant des titres tels que « Smiling Off », « Cone Toaster » ou encore « Endless Happiness ». Un respect qui s’est depuis mué en influence. Notamment pour un groupe comme Animal Collective. Black Dice est même devenu une référence en matière d’électro noise ; et cette neuvième rondelle (déjà !) en est une parfaite démonstration. Réunissant 14 titres oscillant de 30 secondes à 6 minutes, cet elpee regorge de surprises. Au menu : compos déstructurées par des samples et des boîtes à rythmes, balayées de guitares distordues, grinçantes, venimeuses et raffinées par l’électronique. Sans oublier la fanfare version techno primitive, les bruitages foudroyants et les remarquables bidouillages sonores ! Bref, après neuf albums, Black Dice ne se réveille toujours pas de son cauchemar et ça, c’est vraiment cool !
Formé en 1989 à San Francisco par l’excentrique David Freel, « Swell », pour ses 20 ans, change de nom et dégrossit la formation l’espace d’un album. C’est sous le nom de Be My Weapon que David Freel (chant/guitare) et Ron Burns (batterie) gravissent les montagnes de l’Oregon, en août 2008, pour accoucher de « March/2009 ». Album qui sort sous le label personnel du chanteur pSychosPecificMusic, en mai 2009. Amplement reconnus comme l’un des piliers du rock alternatif américain, tout comme Grandaddy et Lambchop, les Californiens suscitent de nouveau notre curiosité en produisant ou plutôt en extrayant de leurs gisements mêmes de vertige, au cœur des profondeurs, une magnifique pépite folk rock à dix éclats. Dix facettes plus brillantes les unes que les autres.
L’élégance et la sobriété de la pochette nous rappelle cependant que l’âme de Swell est bien présente tout au long de ce dernier elpee. On y retrouve, en effet, les atmosphères intimistes et minimalistes, parfois presque glaciales, du groupe. Des mélodies sombres et pures, soutenues par une batterie solide et virevoltante, mais surtout couvertes d’une voix caverneuse et déprimée, héritée de Lou Reed. C’est la nuit lumineuse, dans toute sa nudité, au cœur du givre de l’hiver. Resplendissante d’abstraction et immuable. Espace sombre sillonné de lueurs infinitésimales. Un son folk rock souillé d’une lo-fi produisant ce grain roots (« The Exits »). L’ensemble nous offre des mélodies simples mais obsédantes et oppressantes (« Bad Bad Bad »).
De cet opus subtilement dépouillé exhale une essence profonde dont tout le corps frissonne. Celle d’un songwriter d’un incontestable talent qui charge le son, mais comme une arme à feu, des munitions éminemment émotives que livrent ses paroles ironiques et décalées. Cette voix sincère, lucide, chante les éloges de la torpeur de vivre, nous jette quelques brindilles d’existence douloureuse qui s’illuminent d’étincelles d’espoir (« Love is just so overrated »). Quelques mots pour les maux !
« March/2009 » prend alors la forme d’un livre de contes qui caresse les oreilles de ses 10 récits contant la vie et la mort, la lumière et l’obscurité, le miel et le fiel…
Le talent fou d’auteur/compositeur/interprète de David Freel et ses airs fragiles et désespérés touchent l’âme et éclairent le versant sombre de nos vies. Notre face cachée de lune se révèle.
Un album chaudement recommandé pour bercer vos longues nuits d’hiver au coin du feu.
American Steel et votre serviteur n’avons vraiment pas la même conception du punk. J’ai probablement tort, puisque ce sont eux les punks et votre chroniqueur le pauvre hardeux appréciant, de temps à autre, de se prendre un glaviot anarchique en pleine face. Pourtant, il faut vraiment creuser profond pour déceler un esprit punk dans la pop rock édulcorée balancée par American Steel sur « Dear Friends and Gentle Hearts ». Et, si glaviot il y a, il est parfumé au bonbon à la fraise.
American Steel est un groupe punk rock formé en 1995. A Oakland, en Californie. Il est déjà responsable de cinq albums à ce jour. « Dear Friends And Gentle Hearts » est leur second opus paru chez le label Fat Wreck Chords (distribué chez nous par Sonic RendezVous). Le punk rock des Californiens se veut mélodique et dansant. Trop mélodique à mon goût pour pouvoir être vraiment punk. On est ici beaucoup plus proche de la pop rock que du punk. Certains titres sont accrocheurs et évoquent davantage les Beach Boys que les Dead Kennedys. Le propos de certaines chansons est sombre et contestataire ; cependant, il est déclamé d’une manière si dépourvue de violence qu’il n’a pas vraiment d’impact sur les esprits.
« Dear Friends And Gentle Hearts » est donc un album gentil et tristounet. Parfait pour d’anciens punks désirant un peu de mélodie tout en gardant l’impression de rester anarchiques ou pour de nouveaux punks qui trouvent Blink 182 trop violent et Green Day pas assez triste.
La scène rock de Brooklyn est particulièrement féconde et propose régulièrement son lot de nouveaux talents novateurs et déconcertants (NDR : les excellents Ex-Models, par exemple). Pour la circonstance, elle a accouché d’un nouveau quintet psyché/rock/pop/glam (NDR : dont le line up réunit Will Roan, Simon O'Connor, Doc Laaxo, Matt Abeysekera & Don Devore) sensible à l’idéologie hippie, mais paradoxalement et indéniablement inspiré par la vague néoromantique qui a sévi au cours des 80’s (NDR : pensez à Brian Ferry, OMD, Talk Talk et même à Spandau Ballet…) ainsi que la pop britannique des 90’s (NDR : tout particulièrement Pulp et Suede). De quoi vous faire une petite idée du style musical en présence sur leur premier opus, même s’il est nécessaire de placer toutes ces références sur un dénominateur commun : l’accessibilité.
Affublés de lunettes de soleil –même la nuit– ces potes de MGMT aiment poser pour la presse torses-nus et le corps peinturluré. Et franchement c’est le genre d’attitude qui m’agace. D’autant plus que composé de jeunes musiciens bourrés de talent, le groupe s’entête à pasticher la pop ou à formater le rock ; dans le but, je suppose, de nous en mettre plein la vue au lieu des oreilles. Bref, en privilégiant la forme sur le fond, le combo a oublié les règles essentielles pour réussir un album : la créativité et la personnalité.
Pourtant, chez Amazing Baby le sens mélodique est inné ; en outre, leurs harmonies vocales sont particulièrement soignées. Des qualités bien mises en évidence sur « Bayonets », « Kankra » ou encore « Headdress », plages qui s’inscrivent ans l’esprit du « Different Class » de la bande à Jarvis Cocker, paru en 1995. A contrario, « Pump Yr Brakes », un morceau au cours duquel les pédales fuzz sont poussées dans leurs derniers retranchements, lorgne davantage vers un rock pâteux, chaotique et indigeste.
Le célèbre district new-yorkais nous avait pourtant habitués à mieux. La pollution commence peut être à contaminer l’air de Brooklyn. Pourvu qu’elle n’asphyxie pas l’imagination si riche et créative rencontrée dans ce coin de New-York. Bref, revenons à cet Amazing Baby qui a tout intérêt à se remettre en question et surtout manifester un peu plus d’audace, s’il ne veut pas disparaître, aussi vite qu’il est apparu…
Nederlands 
Français 
