Manifestement depuis l’arrivée du nouveau guitariste Nels Cline (NDR : il a débarqué en 2004, et vient de participer au troisième elpee pour Wilco), la musique de la formation chicagolaise s’éloigne de plus en plus de l’americana. Bien sûr les racines sont toujours bien présentes et la formation a toujours autant recours à l’instrumentation acoustique et même à la slide. Mais la mise en forme a tellement été raffinée et lustrée, que les compos trahissent de plus en plus un feeling seventies. A l’instar du morceau maître qui ouvre l’album. Caractérisé par ses gémissements de guitare et sa mélodie allègre, il aurait pu figurer au répertoire de Tom Petty. Une allégresse que l’on retrouve sur le très radiophonique « You never know ». Balisé par de superbes accords de piano et balayé de chœurs, il est caressé par des accords de rickenbacker réminiscents de George Harrison. Quant à l’hymnique « Sonny feeling », il lorgne manifestement vers REO Speedwagon. Ce qui ne veut pas dire que l’opus soit de mauvaise facture. Au contraire ; simplement hormis l’hypnotique « Bull black Nova », hanté par un piano perturbant et magnifié par une embardée d’électricité sauvage, comme la formation la libère si bien en ‘live’, et dans une moindre mesure « One wing », plage dont l’envolée finale en crescendo est particulièrement réussie (NDR : pensez à l’opus « Yankee Hotel Foxtrot »), le reste de l’œuvre est manifestement taillé pour la bande FM. La plupart du temps délicatement découpées dans les cordes acoustiques élégantes, les ballades sont ainsi légion. Depuis la ritournelle « Deeper down », lustrée par une scie musicale et un theremin à l’atmosphérique « Everlasting everyhting », nimbé d’orchestrations symphoniques et d’arrangements à peine perceptibles, en passant par « You and I », au cours duquel Jeff Tweedy et Feist échangent un duo aux vocaux (NDR : les Go-Betweens rencontrent Al Stewart ?), le slow nostalgique « Country disappeared » (NDR : les inflexions de Jeff sont alors terriblement proches de Will Johnson, le leader de Centro-Matic et de South San Gabriel) ainsi que « I’ll fight », une compo mid tempo veloutée par les interventions d’orgue Hammond. A mon humble avis, le septième album de Wilco devrait être rapidement adopté par les programmateurs de ‘Classic 21’…
Découvrir un album de Fredo Viola c’est comme ouvrir un coffre secret. Le bois est noble et le verrou argenté. Cette malle a été façonnée par un maître artisan. Tapissée à l’intérieur de soie rouge sertie de fils d’or, un bijou y est déposé. Un diamant ! Posé sur un socle, ce prisme à multi-facettes irradie l’espace qui l’entoure lorsque les rayons du soleil le traversent. Dessinant même un arc-en-ciel sensoriel, dont les différents faisceaux projettent tour à tour grâce, volupté, candeur, mysticisme et romantisme…
Mais qui est Fredo Viola, pour recevoir tant d’éloges ? Un Londonien pure souche. Au cours de son enfance, il a parcouru une bonne partie de l’Europe avant d’enfin poser ses valises aux States. Là bas, durant son adolescence, il se sent déjà attiré par le son et l’image. D’abord chanteur soprano professionnel au sein de la fameuse Bob Mitchell Boy Choir de Los Angeles, il décide de rejoindre la Grande Pomme, où son besoin de maîtriser ses ambitions sur la pellicule le rattrape et le pousse à suivre des cours de réalisateur, à la NYU Tisch School of Arts. Mais il ne souhaite pas abandonner ses expériences acquises ; et construit progressivement son univers, en combinant concepts sonores et visuels.
Son premier essai, « Red States », paraît sous la forme d’un Ep. Et déjà, à l’époque, on discerne cette faculté innée à utiliser toute émotion à des fins ludiques. « The Turn » confirme d’une manière flagrante une capacité de l’auteur à marquer sa génération. Les compos nous entraînent dans un univers féérique, magique, et autorisent, au passage, une sublimation des éléments. « The Turn » agrège harmonie classique et mélodie pop parfaite. Viola y crée le chaînon manquant entre Radiohead à Sigur Ros. Comme si Kate Bush avouait être la mère de Peter Kruder et Richard Dorfmeister. Comme si Sam Bean recomposait le « White Light / White Heat » du Velvet. Baignant au sein d’une atmosphère éthérée, volatile et palpitante, « The Turn » mystifie l’environnement qui tente de percer son mystère. Les envolées lyriques permettent à Fredo Viola de nous entraîner très haut au firmament.
Après avoir écouté un semblable elpee, on met un genou à terre. Et pour nous achever, Fredo nous offre un Dvd, en bonus. Un recueil de clips graphiques susceptible d’assécher la bouche, d’exciter les sens et d’hérisser les poils de la nuque à l’avant bras. Complètement bouleversé par l’expérience, il ne reste plus qu’à refermer le réceptacle, afin de le sauver dans le seul endroit où il mérite sa place : le cœur. Attention, vous êtes prévenus, cette œuvre peut changer le cours de votre existence…
Sunn O))) est considéré comme une référence en matière de drone. Fallait donc bien qu’on en parle un jour ; d’autant plus que leur septième album a été accueilli très favorablement par la presse très spécialisée. Sunn O))) c’est avant tout le duo Stephen O’Malley et Greg Anderson ; ce qui n’empêche pas le tandem de s’entourer régulièrement d’une volée de collaborateurs. Pour la circonstance, il a notamment reçu le concours d’Attila Csihar (NDR : le vocaliste à la voix d’Outre-tombe de Mayhem), de Dylan Carlson (Earth), d’Eyvind Kang (John Zorn, Marc Ribot, Mr Bungle), de Stuart Dempster (Deep Listening Band) et surtout de Julian Priester (Sun Ra, John Coltrane’s African Brass Band, Herbie Hancock). Mais à l’instrumentation rituelle, balisée par les inévitables basses, viennent se greffer les cors, la harpe, la flûte, le piano, les cuivres et les cordes ; un cocktail instrumental qui prend alors toute son ampleur sur la dernière plage, « Alice », concocté en hommage à John Coltrane. Autre hommage, c’est celui rendu à Miles Davis sur le morceau d’entrée « Agharta » (NDR : enfin son titre). Sans oublier les chœurs grégoriens sur l’incantatoire « Big Church ». Il aura fallu quand même deux ans à toute cette équipe pour terminer l’enregistrement de cet elpee. Et au bout du compte, c’est peut-être aussi celui qui s’éloigne le plus de la brutalité primale de leurs premiers opus. Maintenant, ne vous attendez pas à faire une farandole en écoutant ce disque. Honnêtement, ce type de compos serait même idéal pour sonoriser des films d’épouvante voire même d’anticipation (NDR : surtout la finale). Pour le reste, il faut reconnaître que cette musique s’adresse à un public très averti…
Le candidat de télé-crochet élu ‘produit de l’année’ en 2006 compte bien récupérer son titre en 2009. Derrière ses lunettes sans verres et son air gauche, Christophe Willem reprend possession de son micro avec davantage d’assurance qu’à la sortie de son premier recueil. Plus posées, plus élégantes et plus ambitieuses que celles de son « Inventaire », les quatorze capsules de « Caféine » tiendront certainement éveillés les fans de l’homme au surnom ridicule. Au crédit de ce second opus, on retrouve l’éternelle Zazie dont la plume est reconnaissable, même les oreilles bouchées (« Yaourt et lavabo », « La demande »). Jennifer Ayache de Superbus s’y colle également, apparemment plus douée lorsqu’il s’agit d’écrire pour les autres (« Tu te fous de nous »). Mais la complice privilégiée de Willem sur ce « Caféine » est Skye, nouvel espoir de la scène francophone, qui partage ses mots et le micro avec le brave bonhomme (« Trash », « Entre nous et le sol », « Coffee »…)
Willem mène donc sa barque comme il se doit, à mille lieues de tous les oubliés des télé-crochets. Ce qui ne l’empêche pas de se vautrer lorsque, par exemple, il adapte le « Sensitized » de Kylie Minogue à la langue de Molière sans lui apporter une plus-value. De plus, le titre est présenté comme un duo entre les deux artistes, alors que Willem ne fait qu’apporter des chœurs au morceau déjà présent sur le « X » de la petite dame. Une erreur de parcours joliment rattrapée par le single obsédant « Berlin » ou le discoïde « Heartbox ». ‘La tortue’ n’a plus rien à apprendre de tous les lièvres de la scène francophone.
Tiga a une fâcheuse tendance à concocter des disques sur lesquels figurent des tueries destinées au dancefloor, mais aussi de belles daubes electro-pop adressées aux radios grand-public. Il nous avait déjà fait le coup sur « Sexor », son premier recueil ; et ne manque pas de réitérer l’affront tout au long d’un « Ciao ! » mi-figue mi-raisin. Le second ouvrage du Canadien recèle donc de véritables bombes euphorisantes, propices à de nombreuses chutes de tension sur les pistes de danse. Parmi les titres exemplaires, les fans du DJ peuvent se régaler de la présence des hypnotiques « Mind Dimension 2 », « What You Need », « Love Don’t Dance Here Anymore » et ses accents à la Moroder, le frémissant nouveau single « Beep Beep Beep » ou encore l’apaisante pépite « Gentle Giant », coécrite par James Murphy et à laquelle il prête des chœurs discrets en compagnie de Jake Shears des Scissor Sisters
Par contre, le pote aux frères Dewaele (qui cosignent la majorité des morceaux) aurait pu épargner à son public des futilités comme l’extra-plat « Overtime » ou les atrocement irritants « Luxury » et « Turn the Night On ». « Ciao ! » ne surprendra donc certainement pas celles et ceux qui diffusaient des morceaux choisis de « Sexor » en boucle il y a trois ans. A écouter très sélectivement…
Un regard sur la pochette et le message est clair. Gossip ne se limite pas à Beth Ditto. La formation est un trio et veut le crier haut et fort à tous les médias qui n’ont d’yeux que pour la charismatique interprète. Mise en avant, le visage androgyne d’Hannah Billie, chargée des grosses caisses, souligne le titre, « Music For Men ». En somme, de la musique pour les hommes, ‘mais pas que...’ ! Si « Standing In the Way Of Control » était incontestablement le disque de la révélation, « Music For Men », le quatrième recueil et premier chez une major, est définitivement celui de la confirmation. Recelant les irrésistibles hits « Heavy Cross » et « Love Long Distance », cette nouvelle collection de tubes porte le trio au rang de tête d’affiche.
« Music For Men » s’ouvre un « Dimestore Diamond » à la rythmique très introductive, comme si les trois compères étaient portés par la volonté de se jouer des auditeurs trop impatients. Ditto, Billie et Paine s’accordent ensuite pour balancer la sauce, bien épaisse comme il se doit. L’inévitable « Heavy Cross » est suivi de très près par un « 8th Wonder » à l’imposante puissance punk, puis par les très disco « Love Long Distance » et « Pop Goes The World ». « Music For Men » ne souffre quasiment d’aucune faiblesse. Un résultat dû essentiellement à la fusion parfaite entre le sens mélodique développé par les deux musiciens et la voix exquise de Beth Ditto. Probablement l’un des meilleurs ouvrages de 2009.
Future Of The Left nous avait déjà éblouis il y a deux ans en publiant un premier opus furieux. C’est dire : le démantèlement des inoubliables McLusky par Andrew Falkous et Jack Egglestone était presque pardonné. Or le trio gallois vient de remettre le couvert en concoctant un second ouvrage reléguant McLusky au rang d’anecdote. Ou presque. Il y a encore de la marge quand même ! « Travels With Myself And Another », c’est tout simplement un flingue, contenant douze balles, pointé sur les tympans de ses auditeurs. Et dès les premiers riffs d’« Arming Eritrea », on se plie à la volonté des trois gaillards qui se régalent en malmenant leurs victimes avec une violence toute personnelle.
« Travels With Myself And Another » enchaîne les hymnes fulminants à une vitesse effrayante. En à peine un peu plus d’une demi-heure, le trio parvient à insuffler une nouvelle vie à la scène garage et post-hardcore et prouve une nouvelle fois que Future Of The Left est une formation exemplaire. Par ailleurs, ses prestations ‘live’ ne sont à manquer sous aucun prétexte. Elles sont ainsi résumées sur le « Last Night I Saved Her From Vampires », publié en janvier dernier. Et bonne nouvelle, Future Of the Left se produira cet été sur les planches du Pukkelpop avant de faire une halte en septembre. Au Botanique. Ne dites pas qu’on ne vous a pas prévenus.
Bradford Cox ne dort jamais. Quelques mois seulement après la sortie du double recueil « Microcastle / Weird Era Cont » et une poignée de semaines avant celle du second ouvrage d’Atlas Sound, son projet solo, Cox –alias Deerhunter– s’amuse à enrichir sa discographie d’un excellent Ep. « Rainwater Cassette Exchange » réunit cinq morceaux écartés, faute de place, sur le déjà copieux « Microcastle ». Le grand gaillard parvient à nous plonger, l’espace d’un quart d’heure, au sein d’une une atmosphère envoûtante, entre pop et shoegaze.
« Rainwater Cassette Exchange » est une petite galette tout simplement inlassable et donc indispensable. Le grandiose « Circulation », parcouru d’un riff de guitare envoûtant, et l’apaisant « Game Of Diamond » valent à eux seuls le détour. « Rainwater Cassette Exchange » n’est rien d’autre qu’hautement conseillé.
Tiens, il est sympa le nouveau Justice ! Ou tout du moins ce qui aurait facilement pu être la nouvelle fournée du duo electro. Une chose est certaine, ce n’est pas l’originalité qui fera pousser des ailes au producteur français Data. Mais ce dernier compense cette carence par une bonne dose de beats bien capitonnés. A l’instar des terribles « Aerius Light » et « Nightmare ». Bien que ses influences soient on ne peut plus évidentes (Daft Punk, Giorgio Moroder, Justice,…), il parvient toujours à se faire pardonner son manque d’authenticité en dénichant la petite note salvatrice.
Mais, on ne peut décemment lui pardonner –c’est un détail qui a son importance– d’avoir embauché Sebastien Grainger (ex-Death From Above 1979) le temps de deux morceaux, sans parvenir à tirer profit des énormes vocalises du Canadien. Les déjections pop « One In A Million » et « Rapture » font carrément tache. Idem pour le titre-maître, un duo inutile échangé en compagnie de Benjamin Diamond. Mais ce dernier se réserve cependant une apparition autrement plus réussie sur l’agréablement funky « So Much In Love ». De quoi sauver les meubles. « Skywriter » de Data est donc de ces instantanés qui se dégustent tant que c’est encore chaud…
Jaromil est une formation dijonnaise dont le patronyme est tiré du roman de Milan Kundera, « La vie est ailleurs ». Le quatuor français est né en 2004 et s’est frayé progressivement un chemin à travers la scène rock hexagonale. Il a ainsi été sélectionné par le très convoité ‘Cqfd’ (ce qu’il fallait découvrir) des Inrocks puis programmé ‘groupe repérage 2009’ aux Eurockéennes de Belfort. Deux belles cartes de visite, il faut le reconnaître. En outre, le combo a eu l’opportunité d’ouvrir pour des artistes reconnus comme Syd Matters, Sébastian Schuller ou encore Troy Van Balthazar.
Mais à l’écoute de ce « Here to stay », leur premier opus autoproduit, on se demande quand même pourquoi Jarmil suscite un tel engouement outre-quiévrain. Bien sûr leurs mélodies sont soignées et leurs références aux 90’s solides. Elles oscillent d’ailleurs de Pavement (« Pumpin Iron ») à Radiohead en passant par dEUS (« We are here to stay »). Mais nonobstant l’un ou l’autre beat électro judicieux et quelques chouettes envolées, le résultat n’est guère concluant. Il y a bien la voix du chanteur, dont le timbre susceptible de monter dans les aigus à la manière de Matthew Bellamy (Muse) est irréprochable. Malheureusement à force d’en remettre couche sur couche, cet organe finit par agacer.
Bref, difficile de comprendre le tapage médiatique qui a été fait autour de ce combo bourguignon. A contrario du titre de leur album, je doute fort que Jaromil puisse un jour s’imposer sur la scène française et encore moins y rester.
John est chanteur et guitariste ; mais également compositeur, acteur, réalisateur et artiste peintre. Agé de 58 ans, ce Yankee est originaire de Seymour dans l'Indiana. Il enregistre son premier elpee sous le patronyme de John Cougar. En 1976. Titre de ce long playing : "Chestnut street incident". Franchement rock à ses débuts, sa musique évolue progressivement vers le folk et la country. Mais pour marquer cette métamorphose, il se rebaptise John Cougar Mellencamp. Et c’est sous ce nom qu’il grave "American fool", en 82. Fin des 80’s, il abandonne le Cougar pour ne plus laisser subsister que John Mellencamp. Faut dire qu’il s’est déjà forgé une solide réputation. Une bonne dizaine d’elpees vont alors se succéder dont "Life death love and freedom", un disque paru l'année dernière, sous la houlette de T Bone Burnett.
Bien que cet artiste ne jouisse pas d’une grande popularité chez nous, il a quand même vendu un peu plus de quarante millions d'albums à travers le monde. En mars 2008, il a été intronisé dans le Rock'n'roll Hall of Fame. Il reconnaît pour influences majeures Bob Dylan, Woody Guthrie et les Rolling Stones. Au cours de cet été, il participe à la tournée nationale de Willie Nelson et du Bob Dylan show! Ce qui explique pourquoi son label a décidé de sortir ce premier album live officiel de l'artiste. Le titre est basé sur un jeu de mots. Il est identique à celui de l’album studio paru l’an dernier. Mais ‘live’ a remplacé ‘love’. Il en reprend huit plages ; les six autres n'ayant pas encore interprétées sur scène. Et propose les deux facettes de l'artiste : une électrique et une acoustique. L’acquisition de cet album n’est pas indispensable ; surtout si vous vous êtes procuré le précédent. Mais comme il est vendu à un prix fort intéressant…
"If I die sudden" ouvre la plaque. Une plage explosive et largement amplifiée imprimée sur un tempo boogie. La voix de Mellencamp est puissante et ravageuse. Bref un départ chargé de promesses. La cohésion du band est remarquable. Faut dire que le guitariste, Mike Wanchic, épaule John depuis une éternité. Enfin, trente ans déjà ! Solide, la section rythmique réunit John Gunnell et Dane Clark. Ce qui n’empêche pas Miriam Sturm de se réserver quelques accès de violon en solitaire. Un riff sec et implacable sculpte "Troubled land", dans un style proche des Kinks originels. La voix de John est vraiment superbe. Elle est susceptible de se moduler suivant le rythme. Troy Kinnett balise à l'orgue Hammond, pendant que Wanchic s’autorise un dérapage contrôlé aux cordes. John empoigne une sèche et attaque "Don't need this body". Les chœurs sont assurés par le backing band. La sonorité de la guitare solo est vraiment étrange… Bien en place, la voix de John ne tremble jamais. Face aux cordes acoustiques, elle est même autoritaire sur les douloureux "Longest days" et "A ride back home". Il invite le public à reprendre en chœur le bref "Young without lovers". "Jena" marque un recours à l’amplification. Personnellement le meilleur moment de la prestation. Les échanges de cordes opérés entre Mike et le violon de Miss Sturm me rappellent ceux de Jorma Kaukonen et de Papa John Creach, dans les beaux jours du Jefferson Airplane. Ce concert de brève durée s’achève par "My sweet love", un morceau au cours duquel tous les musiciens entourent leur leader sur le devant de la scène.
Né à Lisbonne en 2006, le groupe Deolinda se réapproprie l’héritage du fado et s’applique à le présenter dans une clé plus contemporaine. Le line up est minimaliste : deux guitaristes de formation classique, une contrebassiste et une vocaliste ; en l’occurrence Ana Bacalhau dont le timbre est très théâtral, mais qui physiquement a un petit air d’Olivia Ruiz. Les différents morceaux se concentrent essentiellement sur les textes (NDR : pas pour rien qu’ils sont traduits dans le livret) et s’adressent surtout aux personnes susceptibles de comprendre les subtilités de la langue portugaise. Et si la musique est incontestablement soignée, elle est principalement destinée à mettre la voix en exergue. Un exercice de style sans doute un peu trop discret pour permettre à l’oreille non exercée au fado de se contenter d’écouter sans comprendre.
Etablie au Portugal mais originaire du Cap-Vert, la jeune Sara Tavares jouit d’une réputation flatteuse sur la scène internationale, depuis qu’elle à sorti son album « Balancé », il y a quatre ans déjà. « Xinti » reprend les mêmes ingrédients que le prédécent opus. La belle voix de Sara est à l’avant plan. Son jeu de guitare élégant est enrichi par l’excellent travail de ses musiciens ; et en particulier celui du batteur N’Du et du bassiste Gogui Embalo. Le ton de « Xinti » est tout aussi acoustique que « Balancé ». La différence procède d’une plus grande sophistication musicale (vibraphone, percussions, violon, piano) et une évidence mélodique moindre. Parfois, Sara flirte davantage avec une forme de variété un peu doucereuse (« Ponto de Luz » par exemple) et beaucoup moins convaincante. Mais les moments de qualité ne manquent pas ; à l’instar de la belle bossa paisible « Voz di Vento ». Les amateurs de belles sonorités acoustiques et de voix féminines devraient donc apprécier.
Fondée en 2000, cette formation islandaise en est déjà à son troisième album, non compris la compile « The curse, the life, the blood ». Parue l’an dernier, elle réunissait une sélection de ses trois premiers opus. Le Singapore Sling est un cocktail dilué dans l'eau à base de gin, de cherry et de jus de citron, mais c’est également le titre d’un film de série B grec, signé Nikos Nikolaidis, réalisé en 1990, dont le caractère pervers lui a valu d’être censuré en Grande-Bretagne. Leur patronyme serait inspiré de la seconde définition.
Manifestement la noisy ténébreuse de ce sextet est inspirée par Jesus & Mary Chain. Caverneuse, désabusée et monocorde, la voix du chanteur/compositeur Henrik Bjornsson accentue même cette sensation de mélancolie ambiante (NDR : qui a dit gothique ?). Tempo obsessionnel, basse cotonneuse et cordes de guitares (NDR : elles sont trois !) surf, reverb, grésillantes, gémissantes ou ‘larsenées’ complètent le tableau sonore de cet elpee, sur lequel je n’épinglerai que les plus vivifiants « Ahead » et « Girl powder » ainsi que l’énigmatique voire filmique « Martian arts ». Le reste est beaucoup trop revivaliste pour rivaliser avec le Black Rebel Motocycle Club…
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