Le booklet de cet elpee est pompeusement introduit en ces termes : ‘This album has been written like an author writes a book. More than an album, it is also an autobiography,… ‘Instinctivement, les disques soumis à des citations plus ou moins intellos sur l’art et la vie en général m’ont toujours inspiré une franche méfiance. Outre le texte d’intro, on a également droit à des citations de Warhol et du quatorzième Dalaï Lama. Mais rien sur le pop art ou l’impermanence dans le pop rock classique sur cette première plaque du quatuor bruxellois. Plutôt des histoires d’amour assez classiques soutenues par une musique tout aussi classique (ennuyeuse ?) évoquant souvent Mudflow voire Coldplay dans ses moments plus héroïques. Le résultat est plutôt fort bien fait et professionnel mais manque tellement d’originalité qu’on décroche assez vite. Néanmoins, les fans des groupes précités y trouveront peut-être leur compte... Pour ma part, je ne pourrai que leur conseiller de jeter leur dictionnaire de citations à la poubelle, histoire de ne pas être trop distrait au moment où il faudra concocter un autre disque !
Steve Earle est aujourd’hui âgé de 54 ans. Il est originaire de Virginie. Mais c'est en regardant vers le Texas et le Tennessee qu'il a trouvé sa voie musicale ; et notamment à l’écoute des disques de Waylon Jennings, Willie Nelson et… Townes Van Zandt. Steve souhaitait rendre un vibrant hommage à son ami et mentor : le chanteur/compositeur Van Zandt. Les deux hommes s'étaient rencontrés en 1972 à Houston, au Texas. Townes nous a quittés en 1997, il n'avait que 52 ans.
Le premier elpee d’Earle remonte à 1986. Il s’intitule "Guitar town". Steve a rencontré pas mal de succès dans sa carrière artistique mais aussi des échecs dans sa vie privée. Ainsi, ses quatre premiers mariages ont foiré. Dans la foulée, il se réfugie à Los Angeles, où il devient accroc aux drogues ; et notamment au crack! Il échoue ensuite à Nashville, mais toujours sous addiction. Ce qui va lui valoir une peine d’emprisonnement, d’une année, dans un pénitencier du Tennessee. Désintoxiqué, ce rebelle revient à la musique, et concocte toute une série de disques mêlant rock et country. Steve vit aujourd'hui à Greenwich Village. Il y a d’ailleurs enregistré son dernier opus.
Folk blues entraînant, "White freightliner blues" est soutenu par le violon enjôleur de Shad Cobb, la mandoline de Tim O'Brien et le banjo de Darrell Scott. Une solide participation qui confère une touche bluegrass à la plage. Une situation qui se reproduit encore sur "Delta Momma blues" et "Don't take it too bad". La plupart des compos de cet opus baignent dans un univers folk intimiste, privilégiant le plus souvent le chant et la guitare acoustique de Steve! Et "Colorado girl" en est la plus belle illustration. Ce qui ne l’empêche pas de se réserver l’harmonium sur "Loretta" ou de partager les vocaux avec son épouse Allison Moorer, pour "To live is to fly". Parmi les meilleures compos de l’elpee, j’épinglerai "Lungs", caractérisé par ses changements de rythmes et dynamisé par la six cordes largement déjantée de Tom Morello (NDR : le guitariste de Rage Against The Machine), le très rythmé "Where I lead me" et un blues intense d’une grande pureté intitulé "Brand new companion". Mr. Earle chante cette compo d’un timbre graveleux. Ses accords de gratte sont nonchalants. Il souffle dans un harmonica poussiéreux. La plaque recèle également un duo échangé en compagnie de son fils, Justin Townes Earle, lors de l’adaptation d’une des meilleures chansons de Van Zandt, "Mr Mudd and Mr Gold"…
En compagnie de Fela Kuti et de quelques autres musiciens, Tony Allen a façonné la mixture unique de l’afrobeat, LA musique révolutionnaire du Nigeria des années 70. Le style et la classe de Tony Allen sont désormais une référence internationale et la batterie de notre homme s’est invitée sur plusieurs projets. Le plus illustre ? The Good The Bad & The Queen au sein duquel on retrouvait à la barre Damon Albarn et Paul Simonon. Lors de ce « Secret Agent », Ayo –désormais superstar– scande ‘Afro Beat, the rythm of gold, the rythm of class, the rythm of pleasure’. Un résumé plus ou moins fidèle du contenu de cette nouvelle plaque signée par Tony. Outre un jeu de batterie toujours aussi fascinant et jazzy, des cuivres surpuissants, des riffs de guitare hypnotiques et une musique militante et belligérante, le texte est servi en ‘Broken English’, histoire de faire passer le message plus facilement. Certes, le lustre des albums légendaires d’Afrika 70 est absent de cet opus ; mais le plaisir d’écouter cette musique est intact et devrait sans aucun doute ravir les fans de Fela et Tony !
Les deux formations s’estiment. Et parfois se permettent des apparitions dans les studios de leurs amis. Ce split Cd n'est donc qu'une demi-surprise. Trio teuton, Smokestack Lightnin' réunit le chanteur/bassiste Bernd Batker, le guitariste Frieder Graef et le drummer Michael Kargel. La discographie du combo est conséquente, tant en singles qu’en albums. Et lors de la confection de cette plaque, les Allemands de Smokestack Lightnin' étaient manifestement aussi motivés que les Belges de Seatsniffers.
L’expression sonore de Smokestack Lightnin' est plus propre, moins primaire. A la limite, elle me fait penser au rock'n'roll accessible de Dave Edmunds voire de Chris Isaak. Encore que, balayé par la pedal steel de l'invité Oliver Stangl, "Carter Cain" nous plonge dans l’univers de Johnny Cash. Plus rock, "Home in my hand" est soutenu par une rythmique tenace et répétitive, pendant que Peter Hoppe tapisse discrètement la trame sonore de son orgue. Graef est passé à la mandoline pour le folk blues rythmé "Leaving Louisiana in the broad daylight". Lugubre, "Lonely moon" constitue le meilleur moment consacré à Smokestack Lightnin'. Blafarde, la lune se reflète dans les marais louisianais. Issu des profondeurs de ces swamps, l’écho réverbère le chant de Trinah… Les percus sont dignes de la formation hollandaise T99 ; et elles excellent lors de la finale "The thunder rolls". Cet ensemble particulièrement original est sur le point de sortir un nouvel opus sur le label Hazelwood. Il s’intitule(ra) "Heads of agreement".
Les Seatsniffers ont toujours la pêche. La machine est parfaitement huilée. Dès l'ouverture, le "Treat her right" de Roy Head sert un subtil cocktail de R&B et de rockabilly, secoué par le sax hurleur de Roel Jacobs et la guitare déjà bien en verve de Walter Broes. Le traitement de la cover du "I'm a long gone daddy" de Hank Williams vaut un bon vieux rock'n'roll à la Chuck Berry. On imagine même Walter exécuter les pas de canard, sur les planches ! Quatorze années que les Seatsniffers suent sur les routes du rock'n'roll. Ce qui facilite les rouages. La formation anversoise a le bon goût de nous faire revivre l’époque des vieux juke-boxes. Ceux des fifties. En épinglant une version du "Envy" de John Loudermilk, une adaptation de "Weekend on Mars", en hommage à Lux Interior (NDR : le chanteur des Cramps, décédé en février dernier) et une cover insolente du "Belle amie" d'Art Neville, profilé à la manière du "Somethin' else" d'Eddie Cochran. Un peu de douceur quand même lors d’un "She's a yum yum" tapissé par la section rythmique à la fois solide et métronomique des frères De Houwer. "Black Jack David" clôt l’elpee. Un morceau traditionnel qui célèbre la rencontre entre le R&B convulsif et le country alternatif. Dommage que les albums des Seatsniffers soient toujours aussi courts !
Nous avons eu l’occasion d’évoquer Extrema, il n’y a pas si longtemps ; puisque deux de ses membres, Gianluca Perotti (chant) et Tommy Massara (guitare), sont également impliqués au sein du combo Stoner Metal italien Allhelluja, un ensemble dont le dernier album a été chroniqué dans ces pages. Bien que relativement peu connu en nos contrées, Extrema est une légende du Métal en son Italie natale. Il compte d’ailleurs déjà plus de 20 ans de carrière. N’allez cependant pas croire que les quatre Italiens se la joue ‘pépère en fin de carrière’, se contentant de nous proposer une resucée d’Iron Maiden ou de Mötörhead. C’est plutôt du côté de Slayer ou de Sepultura qu’il faut lorgner si l’on veut avoir un aperçu de la musique de combo. Encore que cette impression soit quelque peu schématisée ; car, si Extrema est trash et extrême, comme son nom l’indique, il possède d’autres cordes à son arc.
Outre les morceaux trash ‘slayerisants’ comme « Everlasting », « Anymore » et « My misery », Extrema s’aventure vers des terrains un peu moins convenus en ajoutant circonstanciellement des voix plus claires qui n’auraient pas dépareillé sur un album de Pearl Jam (« Frowning and Haggard »). Dépaysant aussi dans le monde du trash, l’excellente reprise de « Deuce », le classique de Kiss, est vitaminée à la sauce extrême.
Saluons aussi la prestation de Mattia Bigi à la quatre cordes, qui par son incroyable dextérité nous permet de revenir quelque peu dans le monde merveilleux d’Infectious Grooves sur le superbe « You make me sick » (NDR : en compagnie de Page Hamilton du groupe Helmet aux vocaux) ou nous plonge carrément dans le trashcore de S.O.D. et Nuclear Assault, lorsqu’il imite le jeu si particulier de Danny Lilker sur « From the 80’s ».
« Pound for Pound » est un album qui nécessite plusieurs écoutes attentives avant de marquer les esprits. Une fois ce stade passé, impossible d’en décrocher. Hautement conseillé.
2009 a connu son lot de consécrations musicales, ses groupes-découvertes ou albums-révélations. Et pourtant, peu de revues sont consacrées au dernier long playing de Wild Beasts, sorti en 2009 chez Domino Records. Ce jeune quatuor nous vient tout droit d’une petite bourgade issue du nord-ouest de l’Angleterre, berceau par excellence du genre rock pop made in UK. Certes, comme tant de petits groupes partagés entre l’ennui du countryside et les décadences de la City, leurs débuts sont relativement banals : la formation se forme sur les bancs du lycée en 2002, enregistre sont premier Ep demo en 2004 et, une fois leur ‘A’ Level en poche et l’envie de percer en tête, ils vont s’installer dans la ville la plus proche… Leeds. Néanmoins, là où ils se distinguent parmi le bataclan des groupes montants, c’est dans la dimension mystique potentielle de leurs productions.
Leur premier elpee « Limbo, Panto » (2008, Domino Records), bien construit et digne de reconnaissance, avait déjà fait parlé de lui, entre autres pour son originalité et la crudité de ses textes. « Two Dances », sorti un an plus tard, a haussé les 4 petits Anglais sur la grande scène. L’album commence sagement, chauffe l’auditeur sans révéler d’emblée ses talents. Mais déjà, la voix exceptionnelle de Hayden Thorpe nous coupe le souffle –une voix opératique (contreténor) – dont le fausset irréprochable rappelle, dans un autre registre, Jimmy Somerville. Intrigués, on continue par l’envoûtant « Hooting & Howling », le premier single qui nous emmène dans son battement séduisant, avant « All The King’s Men », encore un single, où la mélodie est doublée par Tom Flemming (également à la guitare et au piano) et sa texture propre plus ténébreuse –le tout est simplement sublime. Car, et surtout, ces courbes chantées sont constamment soutenues par un groove convaincant. La région des lacs dont ils sont originaires se reflète sans doute dans leur musique : l’aspect agréablement aqueux de « Two Dancers (ii) », les effets cristallins de « When I’m Sleepy », le tout se liquéfie dans les vibratos de Thorpe. Le troisième single « We Still Got The Taste Dancin’ On Our Tongues » présente les mêmes qualités : exaltant, solide dans ses assises et haut en finesse. La batterie (Chris ‘Bert’ Talbot) se veut claire et pas excitée (« Two Dancers (i) »). Voix de feu sur rythme dansant et guitare indie (« Ben Little »), l’elpee audacieux, qu’on a du mal à référencier vu sa singularité, offre une musique aérienne.
Si le public est, à premier abord, timide lors des concerts, le groupe ne met pas longtemps à décoincer les oreilles et les esprits. La conclusion est sans réplique : oui, on aime ! On les veut au sommet très prochainement pour un succès qui, vu le début si consistant, est prêt de durer, on l’espère.
Holà Esperanzaaaaah! : dimanche, journée sportive!
Une journée sportive s’annonce, car l’affiche proposée ce jour est fertile en curiosités à voir et à écouter… De la Cour au Jardin, le sprint a commencé vers 15h et s’est arrêté à 00h30. Enchaînement d’artistes et de rythmes différents. Une richesse pour les oreilles. L’envie de faire quelques recherches supplémentaires sur des groupes comme Trio Joubran, Danakil ou Eva Ayllón.
Sous la grisaille qui coiffait le site, ce sont les frères Joubran (NDR : un trio !), épaulés par le percussionniste Youssef Hbeish, qui nous accueillent tout en douceur. Les trois musiciens jouent harmonieusement de l’oud (NDR : cette sorte de luth à manche court se rencontre surtout dans les pays arabes, mais également en Turquie, en Arménie et en Grèce). Reconnus internationalement pour la maîtrise de leur instrument et leurs talents d’improvisateurs, ils sont parvenus à nous flanquer un frisson tout au long de l’échine. Une sensibilité mêlée de poésie dans un cadre vallonné. Finalement, la petite brume qui nous enveloppait collait parfaitement à l’atmosphère du set.
Les Caricoles et les Noces de Zink ont assuré la relève. Placez dans un shaker, accordéon, cuivres et percussions ; agitez bien et vous obtiendrez instantanément un nectar revitalisant. La collaboration entre ces deux groupes est un antidote contre la morosité.
« Ethnophony » est le nom du premier album de Fredy Massamba. Sa sortie dans les bacs est prévue à l’automne de cette année. Ancien percussionniste de Zap Mama, son parcours musical se bonifie au gré des voyages et des rencontres. C’est ainsi que lors d’une escale à Dakar, le bassiste suisse Fred Hirschy lui propose de tenter un mélange entre leurs influences. Soit entre celles de l'Helvète, trempées dans le soul & jazz et du Belgo-congolais, évidemment ethniques. Portées par la voix chaude de Fredy, les paroles sont chantées en kikongo et en lingala. On est immédiatement porté par le rythme. Une bonne humeur se répand et quelques rayons de soleil percent même à travers les épais nuages.
Du reggae français ! Peu après leur entrée en scène, Danakil, nous démontre qu’il maîtrise parfaitement les tempos jamaïcains. Une identité propre. Leur reggae nu roots véhicule des textes qui dénoncent les travers d’une société en mutation. La section de cuivres vient appuyer le tandem basse/batterie pendant que le chanteur, Balik, transmet une énergie communicative. Malgré la pluie qui s’est abattue, leurs mélodies roots captivent les festivaliers. Ils sont d’ailleurs restés dans l’arène jusqu’à la fin du concert.
La reine et la légende de la musique afro-péruvienne était de passage en Europe. Peu de dates sur le Vieux Continent pour Eva Ayllón. Entourée par 7 musiciens, la reine de la musica creolla, est apparue rayonnante sur la scène Côté Jardin. La dame a fêté ses 30 ans de scène et le moins qu’on puisse dire en la voyant, c’est qu’au fil des années, elle prend toujours autant de plaisir à chanter, danser et communier avec le public. Et quand les musiciens se mettent à danser avec elle, il est impossible de rester de marbre à les regarder sans se mettre soi-même à bouger. Un honneur de pouvoir partager ce moment de musique latine en compagnie de la Tina Turner du Pérou.
Il tenait à figurer à l’édition 2009 du festival Esperanzah !; car pour lui cette participation avait ‘du sens’. Abd Al Malik joue avec les mots. Déjà comparé à Jacques Brel, ce magicien de la prose, slamme en partageant sa vision altruiste dans le but que les choses bougent. Et il y parvient ! Sa tête bien sur les épaules, sa musique séduit. Jazzyfiant, son style est parfois teinté de rock ou de hip hop. Ce généreux communicateur n’hésite pas à se poser et prendre le temps d’échanger ses idées. Si vous avez des a priori sur l’étiquette ‘rap’ qu’on lui colle, prenez le temps d’écouter son dernier single « C’est du lourd ». Votre jugement pourrait fort bien changer…
Le festival se clôture sur les couleurs verte, jaune et rouge arborées par Alborosie & Sheng Yeng Clan. Du 100% reggae chanté par un Italien pure souche qui a migré en Jamaïque, il y a quelques années. En musique, la magie naît souvent de mélanges improbables. Esperanzah ! l’a prouvé durant ce week-end. Les styles se chevauchent et les sons virevoltent. Qu’ils soient traditionnels ou modernes, la musique est sans frontière.
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Holà Esperanzaaaaah ! : samedi, la bonne humeur contagieuse.
Les groupes se succèdent. L’affiche se veut festive et populaire en proposant des groupes comme La Chiva Gantiva et Bandabarlo. L’Afrique de l’Ouest est également très présente ce samedi. Et Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba ainsi que Tiken Jah Fakoly en sont les plus belles illustrations.
Programmée en début d’après-midi, La Chiva Gantiva a mis le feu aux poudres. Son énergie s’est propagée auprès de tous les festivaliers présents dans la cour. Dès le premier morceau, le public est au taquet. Une base punk-latino. Une section cuivre en fureur. Le groupe bruxellois regorge de stratagèmes pour faire danser son auditoire. La mise en scène est soignée, les musiciens complémentaires et la complicité remarquable. A suivre de près !
Dans le même registre, la Bandabardó incite à remuer et à bouger tout son corps. Ce groupe italien est né en 1993 et sillonne les routes d’Italie et d’Europe sans relâche. La Bandabarló, c’est une bande de copains connue dans toute la botte. Ils sont la référence en matière de fête. Leur but : faire chanter (‘même si on chante faux’), inciter à danser, et surtout, jouer de la musique pour sourire. De vrais troubadours aux allures baba-cool qui n’hésitent pas à imaginer des mises en scène théâtrales pour soutenir les textes de leur répertoire.
Un autre voyage. Sur un autre continent, Bassekou Kouyaté et Ngoni Ba imposent le respect et attirent l’attention. En habits traditionnels du Mali, c’est avec une grande élégance que Bassekou, sa femme Ami Sacko et le quartette Ngoni Ba nous invitent à explorer les trésors dont la musique traditionnelle d’Afrique de l’Ouest foisonne. La singularité du groupe est la maîtrise d’une petite guitare mandingue, appelée N’Goni. Leur blues plutôt roots est caressé par la gracieuse voix d’Ami Sacko. Les rythmes maliens sont entraînants et touchent l’âme à sa source. C’est un peu comme si ces ingrédients raffinés étaient en nous depuis la nuit des temps et se réveillaient à l’écoute de ces instruments ancestraux. Un rapport à l’autre, à la nature et aux traditions qui se transmet à travers la virtuosité du groupe.
Témoin de l’évolution sociale et politique de son pays (la Côté d’Ivoire), Tiken Jah Fakoly pointe du doigt les oppressions et les injustices dont sont victime le peuple africain. Un reggae engagé dont les textes et les messages souvent incisifs sont destinés à éveiller les consciences du public. Sur les traces d’Alpha Blondie, ce rasta ivoirien dissipe ses bonnes ondes depuis plus de 15 ans. Il chante sa révolte, et samedi soir, Côté Jardin, on peut dire que le public était très réceptif. Cinq ans que le programmateur voulait le voir jouer dans le cadre du festival !
Des odeurs d’épices (du monde) flottaient dans l’air. Pour clôturer cette journée, ceux qui avaient encore de l’énergie sont allés sauter sur des airs de rap musette. Java a, paraît-il, pour devise ‘Sexe, accordéon et alcool’. Inutile d’en dire plus. La fin de soirée a dû être chaude !
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Holà Esperanzaaaaah!
Chaque premier week-end du mois d’août, à l’intérieur des hauts murs de l’enceinte de l’abbaye de Floreffe, l’espace est occupé par des citoyens du monde. Nous. Festivaliers, bénévoles et organisateurs. Eux. Musiciens, artistes et autres saltimbanques. Originaires du terroir ou de terres plus éloignées. Ensemble, on se mélange, on découvre et on partage.
Carrefour des Musiques du Monde, Esperanzah ! se définit comme un festival des musiques nomades, engagées et plurielles. Fidèle à ses valeurs, l’année 2009 s’est clôturée dimanche par un bilan très positif. Invitation à un parcours non exhaustif de l’ambiance et des groupes qui ont permis à cette édition de se traduire en un moment de convivialité et de découvertes.
Quelques têtes d’affiche, incontournables telles Charlie Winston ou Abd Al Malik pour aguicher celles et ceux qui n’oseraient pas s’aventurer sur les traces d’un festival dont la priorité vise surtout la découverte de talents. Les invités ont tous conscience des valeurs humanitaires du projet. L’esprit du festival et son identité artistique sont étroitement liés. Le résultat engendre une programmation ouverte au monde et à la solidarité.
Vendredi, sous le soleil.
Les campeurs s’installent, le public prend possession des lieux. Pour ouvrir les festivités, Domguè et son complice Doctor Pimp tentent de secouer les premiers arrivés. Sans trop y parvenir. Leur cocktail –voix gutturale, sax et ‘groove box’– ne parvient pas à réveiller l’ensemble des spectateurs. Il faut dire que des shoots d’électro à 15h, c’est surprenant et surtout trop tôt !
Hindi Zahra est une chanteuse née au Maroc. Son folk est teinté de blues, juste. Elle a déjà partagé l’affiche de Suzanne Vega et de Yaël Naïm. Sa musique est douce et aérienne ; mais elle manque peut-être encore de force. Et surtout de charisme. Une identité à développer pour faire jaillir l’étincelle. Elle est néanmoins promise à un futur certainement très prometteur.
L’après-midi était jusque là fort calme. Mais l’arrivée sur la scène Côté Cour de Firewater va enfin attiser l’ambiance. A l’origine du projet, Tod Ashley. Ulcéré à l’époque, par la réélection de Bush, ce citoyen américain a fui l’étroitesse politique de son pays, en voyageant pendant 3 années. Durant ce périple il a rencontré des musiciens du monde et opéré des collaborations pour nourrir sa musique. Son set world-punk jubilatoire est soutenu par Yuval Gabay, un percussionniste acrobate et endiablé… Leur dernier album, « The Golden Hour », (2008) est sans aucun doute un concentré vitaminé à avoir sous la main pour les barbecues animés de cet été.
Surfant sur des vagues free-jazz, funk et soul, Anthony Joseph a provoqué les déhanchements de la foule. Flanqué de son Spasm Band, ce guerrier du verbe, poète envoûtant, nous transporte tout en légèreté vers les sables chauds de Trinidad. Un groove hypnotique sur les traces de Fellah Kuti ! Anthony Joseph, sa voix caverneuse et sa bouteille de rhum (NDR : jamais très loin) est parvenu à faire grimper la température de plusieurs degrés. Le public bouillonne et s’agite. La fête ne fait que commencer !
SoCalled ou quand modernité se marie aux sons tziganes. Celle et ceux qui apprécient les mélanges incongrus entre hip hop, jazz, electro et gipsy ont aimé. Personnellement, la prestation de leur leader, Josh Dolgin, ne m’a pas convaincue.
La nuit tombe sur le somptueux décor de l’abbaye. Avant de prendre le bain de foule qui attend Charlie Winston, un passage furtif du côté de la 3e scène s’impose. Podium quelque peu négligé mais qui regorge pourtant de très bons groupes belges. Le Wild Boar & Bull Brass Band est un exemple en matière de combinaison de styles. Des musiciens jazzy s’adonnent à cœur joie sur des rythmes hip hop. Un mélange original, explosif et décapant.
Le très attendu et séduisant Charlie entre en scène à 22h tapante. Des fans féminines sont au bord de l’évanouissement et s’époumonent à la vue du charmant jeune-homme. Comparativement aux Nuits Botanique, le début du concert manque d’énergie. Les premiers morceaux s’enchaînent sans manifester beaucoup de dynamisme… L’homme au chapeau serait-il fatigué ce soir ? Il lui faudra d’ailleurs ¾ d’heure avant de parvenir à s’imprégner des lieux et enfin nous offrir une prestation digne de ce nom. Les rappels font tout oublier. L’incroyable Benjamin Edwards souffle dans son harmonica. Charlie Winston invite une petite fille du public à monter sur les planches pour exécuter quelques pas de danse. Le tout devient magique. Le sourire aux lèvres, l’audience est rassasiée.
Caravan Palace clôturait la journée. Cette formation parisienne participe à une multitude de festivals d’été. Son concept est aussi très particulier. Une rencontre entre jazz manouche des années 30 et electro moderne. Un brin dément, le sextet est rôdé et semble laisser peu de place à l’improvisation. La chanteuse, Zoé Colotis, ajoute une touche très glamour à l’ensemble. C’est surprenant et plutôt intriguant mais on finit vite par décrocher. Cette mode de poser de l’electro sur de la musique traditionnelle, c’est festif et joyeux. Par contre, on s’en lasse vite aussi.
Une première journée très éclectique, marquée par Firewater, Anthony Joseph et Charlie Winston. Le lendemain, d’autres nouvelles surprises. Vite ! Dodo !
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Le décès de Michael Jackson s’est traduit par la sortie d’innombrables ‘best of’ et autres compiles consacrées à la star défunte. La version inédite de « I’ll Be There » des Jackson Five en est un exemple concret. Sortie en version digitale, la chanson culte a spécialement été remixée en hommage au Roi de la pop. Cette version inédite devrait donc plaire aux fans de la première heure. Pour la circonstance, la batterie et les synthés ont été supprimés ; et ce sont les voix, la guitare et la basse qui ont été mis au premier plan pour une version certes ‘feu de camp’ mais qui montre surtout la profondeur étonnante du timbre de Michael, alors âgé seulement de 10 ans ! De quoi laisser sans voix. Un album complet devrait suivre…
Ces deux musiciens peuvent se targuer d’avoir vécu une carrière extraordinaire. Et pour cause, il y a 45 ans qu’ils roulent leur bosse dans l’univers de la pop, du rock et du blues.
Dès ses débuts, Clapton est déjà surnommé le ‘God’ de la guitare. Il a transité par les Yardbirds, les Bluesbreakers de John Mayall avant de fonder le trio Cream. En 66. Trois ans plus tard, il monte Blind Faith, le premier super-groupe dont l’existence sera cependant éphémère. Steve Winwood participe cependant à cette aventure. Clapton embraie ensuite par les projets Delanay & Bonnie, Derek & the Dominoes, avant de finalement se lancer dans une carrière en solitaire. Et avec succès.
Winwood a fait ses premiers pas dans l’univers de la musique, alors qu’il avait à peine 15 ans. Au sein du Spencer Davis Group. Il fonde ensuite Traffic avant de rejoindre Clapton, Ginger Baker et Rick Grech au sein de Blind Faith. A plusieurs reprises, il va tenter de relancer Traffic ; même si sa carrière personnelle peut être considérée comme fructueuse.
Lors d’une des dernières tournées d’Eric et de son band, Winwood est invité à monter sur les planches. Nous sommes alors en février 2008. Une collaboration qu’il va apporter trois soirées consécutives, au Madison Square Garden de New York. Comme les vibrations sont excellentes, les deux musiciens décident de partir ensemble pour un nouveau périple. En 2009. Une aventure qui vient de s’achever en juin dernier. Et d’être immortalisée sur un double compact-disc d’une durée de deux heures. De quoi ravir les aficionados des deux sexagénaires.
Pour la circonstance, Eric et Steve sont épaulés par le bassite Willie Weeks, le claviériste Chris Stainton et le drummer Ian Thomas. Le tracklisting réunit des titres issus du répertoire de Blind Faith, de Traffic ainsi que quelques compos signées JJ Cale et Jimi Hendrix. Les deux stars se sont bien partagé l'affiche! Si fin 69, l’histoire de Blind Faith s’est conclue par un échec, Eric et Steve n'ont pas oublié ce bref épisode. D’ailleurs, ils interprètent quatre des six plages issues du seul et unique album, dont en ouverture, une excellente version de "Had to cry today". Winwood est aux vocaux, alors que Clapton se réserve un premier envol tout en concédant au passage un duel aux cordes en compagnie de son partenaire. Le tandem chante en chœur le "Low down" de JJ Cale. Steve chante vigoureusement le solide "Them changes". Issue de la plume de Buddy Miles, cette plage figurait sur l'elpee du Band of Gypsies de Jimi Hendrix. Clapton est euphorique. Il injecte une certaine agressivité dans sa voix pour attaquer "Forever man", un morceau extrait de son opus "Behind the sun", paru en 1985. "Sleeping in the ground" est un blues concocté par le regretté Sam Myers. Ce fragment figurait au répertoire de Blind Faith. Un titre que le combo avait d’ailleurs joué lors de leur tout premier concert, accordé au London Hyde Park. C’était en juin 1969, devant plus de cent mille personnes. La paire chante le superbe "Presence of the Lord", une compo caractérisée par ses changements de rythmes. Sans doute la meilleure chanson de Blind Faith. Et on a encore droit au "Well all right" de Buddy Holly ainsi qu’à "Can't find my way home".
Winwood a retenu quelques morceaux du répertoire de Traffic, dont l'intéressant instrumental "Glad". Ses accords de piano jazzyfiants pétillent face à l'orgue de Stainton (NDR : un ex-membre du Grease Band de Joe Cocker). Le subtil "Pearly Queen", ensuite. Et enfin, le doux et lent "No face, no name, no number", une chanson qu’il interprète en injectant une fameuse dose d'émotion.
De son côté, Clapton se fend d’une reprise du célèbre slow blues "Double trouble" d'Otis Rush. Son envolée aux cordes est magique. Puis embraie par son succès acquis chez Derek and the Dominoes, "Tell the truth".
Le second cd s’ouvre et se referme par des compositions de JJ Cale : "After midnight" et "Cocaine". Clapton est à la fête! Les deux têtes d'affiche se réservent quelques instants en solitaire. Eric Clapton lors du "Rambling on my mind" de Robert Johnson, qu’il exécute en acoustique. Et Stevie Winwood pour s’attaquer à l'orgue au "Georgia on my mind" de Ray Charles. Le duo n’a pas oublié leur ami disparu, Jimi Hendrix ; et lui rendent un hommage. Tout d’abord à travers une cover très réussie de "Little wing" et puis une version de plus de 16 minutes de "Voodoo Chile". Enfin, Winwood se réserve une de ses meilleures compos, "Dear Mr Fantasy", un morceau au cours duquel il se montre fin gratteur. Ce double album est excellent ; et il démontre toute l’étendue du talent de ces deux artistes qui sont parvenus à traverser plusieurs générations, tout en suscitant le respect…
Le sous-titre de cet elpee "Live at the Fillmore Auditorium – San Francisco Nov 04-06, 1966" est sans équivoque. Oui nous sommes plongés au beau milieu des sixties. A une époque où la cité californienne de San Francisco est en pleine effervescence. La vague flower power, l'acid rock et la musique psychédélique connaissent leurs premiers soubresauts ; mais le blues n’est pas en reste. C'est ainsi que le Muddy Waters Blues Band monte sur les planches, trois soirées consécutives, du fameux Fillmore. Le vétéran chicagolais est soutenu par le remarquable harmoniciste Georges Smith, les guitaristes Luther ‘Georgia Boy’ Johnson et Sammy Lawhorn, le bassiste Mac Arnold ainsi que le drummer Francis Clay. Curieusement, le line up n’implique pas de pianiste. Et pour cause, Otis Spann n’avait pas encore était remplacé, même si la future participation de Pinetop Perkins était annoncée.
A l'époque, Waters venait de commettre un nouvel elpee : "Muddy, Brass & the Blues". Mais sur scène, il n'interprète aucun titre de ce disque, se concentrant sur son répertoire basé sur vingt années de blues au plus haut niveau. Les deux guitaristes se révélant plutôt discrets, c'est bien l'harmoniciste George Smith qui tire son épingle du jeu. Il le démontre dès le titre d’ouverture "Forty days and forty nights". Et confirme ce rôle lors de l’exécution du célèbre standard "I'm your hoochie coochie man". La prise de son est impeccable. Le timbre de Muddy est puissant et clair. Il est dans un grand jour. Excellent, Smith le talonne et se retrouve même à l'avant-plan. Autoritaire, la voix de Waters se muscle sur "Rock me". Il est très satisfait et fait quelque peu tinter son bottleneck pour annoncer un galopant "Baby please don't go", un morceau au cours duquel Smith opère une sortie féroce. Enfin, Muddy glisse son bottleneck au doigt pour y montrer toute sa dextérité. Et faire rugir à l'extrême sa slide. Il annonce ainsi un premier slow blues (NDR : la spécialité du roi du Chicago Southside !), le merveilleux "She moves me". Il est tellement dans son trip qu'il en oublie l’harmo de George. Heureusement à la seconde tentative, son souffle revient à la surface. La deuxième soirée est ponctuée par un "Got my mojo working" saignant!
La troisième date s'ouvre royalement par une de ses plus anciennes compositions : "You can't lose what you ain't never had". Pour la circonstance on entend distinctement le jeu de Lawhorn sur la première guitare et le groove libéré par la section rythmique. Trois titres ont déjà été interprétés la veille ; mais beaucoup moins réservée la guitare émerge nettement. "Thirteen highway" constitue la plus long plage, un slow blues vaporeux, évidemment, au cours duquel la slide du maître nous retourne complètement. Elle vous pénètre lentement avant de libérer ses saveurs… Quatre extraits de la première soirée figurent en fin de parcours. Tout d’abord l’inévitable "Hoochie coochie man", "Trouble no more (Someday baby)", une plage bien rythmée, ainsi que deux blues indolents certifiés conformes par Waters en personne : "Honey bee (Sail on)" et enfin "Long distance call". Une excellente tranche de blues urbain!
Dave Alvin est surtout connu pour ses Blasters, une formation qu’il avait montée dès 1979, en compagnie de son frère Phil. Originaires de Downey, en Californie, les frangins se partageaient alors chant et guitares. "American music" constitue leur tout premier elpee. Il remonte à 1980. Ce groupe mythique était devenu notoire dans les milieux des passionnés du rockabilly et de la country. Il impliquait le pianiste Gene Taylor (Fabulous Thunderbirds) et le saxophoniste Steve Berlin (Los Lobos). Au cours des dernières années, Dave avait monté un backing band répondant au patronyme de The Guilty Men. Malheureusement Chris Gaffney, leur accordéoniste, allait décéder des suites d’un cancer. (NDR : ce dernier avait également côtoyé Dave Gonzales chez les Hacienda Brothers).
Automne dernier, Alvin se produit en compagnie d’une formation féminine. A San Francisco. Les réactions sont enthousiastes. Ce qui explique le départ de cette nouvelle aventure. Concrétisée par cet opus! Elles sont sept et se produisent sous le patronyme des Guilty Women. Très douées, elles sont établies à Austin, au Texas. Et réunissent Cindy Cashdollar à la steel, la lap steel et le dobro (NDR : elle milite également chez Asleep at the Wheel), Nina Gerber aux guitares électriques, Laurie Lewis au violon et à la mandoline, Christy McWilson au chant, Sara Brown à la basse, Ama Farris au violon et Lisa Pankratz aux drums.
Le Cd s'ouvre par "Marie Marie" (NDR : l’histoire d’une femme coupable), un titre phare chez les Blasters. Bien rythmé, il nous invite à participer à une fête country cajun. Le combo chante à l'unisson (NDR : y compris Dave) alors que les accents métalliques d'une pedal steel déchirent l’univers sonore. Violon sémillant et accordéon allègre se conjuguent dans la bonne humeur. Une compo qui fleure bon la Louisiane lointaine. Caractérisé par son swing omniprésent, le bluesy "California's burning" évolue tout en rythme, une compo irradiée par la lap steel de la talentueuse Cindy. Ballade sombre, "Downney girl" est hantée par les chœurs discrets mais lumineux de la troupe féminine. Une voix hoquète. Elle est taillée pour la country. C’est celle de Miss McWilson qui se fend d’un "Weight of the world" raffiné par la guitare en picking de Miss Nina. "Boss of the blues" rend hommage à Big Joe Turner, le roi du blues de Kansas City. Du pur western swing. Le violon enchante. Invitée, Marcia Ballbrille brille aux ivoires, pendant que les cordes métalliques de Cindy découpent la mélodie. L’opus recèle d’excellentes ballades. Dont "Anyway", une compo magnifiée par les cordes de la charmante blonde Cashdollar. "Potter's field" également. Alimentée par les ravissantes voix de ces drôles de dames. Et enfin "These times we're living in". Les dames remettent le couvert sur "River under the road". Le dobro de Cindy est divin et le violon de Laurie saisissant. Dave épanche toute sa tristesse en chantant "These times we're living in", une sensation accentuée par les accords bouleversants dispensés par le dobro. Beau à pleurer! Blues voire r&b balisent l’histoire de "Nana and Jimi". Nana, la maman de Dave, avait assisté à un concert de Jimi Hendrix, dans une atmosphère swamp blues… Si la cover du "Don't make promises" de Tim Hardin ne manque pas d’allure, la finale met un point d’orgue à cet elpee. Et pour cause, le traditionnel "Que sera, sera" parvient à mélanger habilement swing, rockabilly, roadhouse et folk. Dave joue de la sèche en picking. La voix de Christy est gémissante. Violon et piano manœuvrent habilement. Epatant !
Les Blue Watusis, c'est avant tout l'association de deux musiciens chicagolais : le chanteur/harmoniciste/saxophoniste Frank Raven et le chanteur/harmoniciste/guitariste Jim Desmond. Deux partenaires qui se partagent l’écriture depuis le début des 90’s. Au sein de la Cité des Vents, Franck est considéré comme un vétéran de la scène blues. Il drive également son propre groupe : le Franck Raven Band. Frank et Jim sont très prolifiques. Ils ont commis, toujours ensemble, trois elpees sous le patronyme de Raven Desmond Songs, et quatre sous celui des Blue Watusis, des disques immortalisés en public : "Live at Lounge Ax", "Chicago the blues today" (NDR : tous deux édités en 2006) et déjà "Welcome to the House of the Blues" en 92.
Sous-titré "The best of the Blue Watusis Vol 1", ce “Chicago Real and Live” compile les long-playings "Chicago the blues today" et "Live at Lounge Ax"! Lors des sessions d’enregistrement de ces deux disques, le tandem avait reçu le concours de leur ami guitariste Lee d'Budda, du bassiste Tom Susala et du drummer John Slattery. La musique des Watusis est particulièrement énergique. Leur force de frappe est comparable à celle dispensée par les groupes punk. Mais leur solution sonore me fait surtout penser aux débuts de Nine Below Zero, un combo qui a sévi sur la scène britannique, il y a déjà trente ans. Caractéristique principale de leur line up : le front de deux harmonicistes.
Et dès l’ouverture du cd, la rencontre entre les deux souffleurs est percutante. Les deux harmonicas virevoltent tout au long de ce puissant "Chicago the blues today", face aux solides riffs rythmiques libérés par la guitare. Imprimés sur un tempo sauvage, "Toy money" et "Youth is wasted on the young blues" arrachent tout sur leur passage. L'atmosphère se calme enfin. Il est vrai que le propos est grave : "Lost my job, lost my baby & I'm workin' on my mind". Trois morceaux ont été immortalisés unplugged, en direct, pour la radio WLUP : "Slow walkin' slider", "Just want it now" et à nouveau "Chicago the Blues today". Jim chante "Ax murder Mama", un bon blues lent au cours duquel Frank lui répond à coups de sax. Tous ces enregistrements datent de la période sise entre 1992 et 1994.
Les sept derniers titres ont également été enregistrés en ‘live’. Au Lounge Ax, très exactement. Etablie dans le quartier de Lincoln Park à Chicago, cette salle a programmé des concerts entre 1987 et 2000. On reconduit pratiquement le même schéma que pour le studio. A nouveau la formation, et notamment les deux leaders, manifeste ici une énergie et un dynamisme débordants. Un seul slow blues: "Welcome to the House of the Blues".
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