Il aura fallu 3 longues années à Eternal Tears of Sorrow pour donner un successeur à « Before The Bleeding Sun ». Pourtant, l’attente en valait franchement la peine, car « Children of The Dark Waters », le nouvel album, nous ramène les Finlandais au plus haut de leur forme. Ceux qui ne connaissent pas le groupe auront quand même compris que vu le patronyme, Eternal Tears of Sorrow ne fait pas dans le léger ni l’humoristique.
EToS est tiraillé entre le Death Metal mélodique et le Gothic Symphonique, mais nous offre ici le meilleur des deux mondes en synthétisant les riffs violents et lead guitares subtiles du death metal mélodique et les orchestrations symphoniques du métal gothique. Le tout est rehaussé parfois de duels guitares/claviers apportant une saveur de progressif pas du tout désagréable. Pas de chanteuses soprano comme chez la plupart des pourfendeurs de gothique, mais quelques chœurs puissants qui n’auraient pas dépareillé sur un album de Tristania ou de Trail of Tears. Les vocaux death sont contrebalancés par la magnifique voix claire de Jarmo Kylmänen. Ci et là, quelques passages symphoniques rappellent le Black Metal torturé de Dimmu Borgir. La production claire et puissante est signée Mikko Karmila (Children of Bodom, Nightwish), tandis que l’artwork a été réalisé de main de maitre par Traviss Smith (Amorphis, Anathema, Tarja Turunen, Opeth, etc).
Eternal Tears of Sorrow produit ici son album le plus abouti depuis « A Virgin and a Whore » en 2001. Un must pour tous les fans de musique sombre, violente et mélodique.
Avant de s’emballer pour un combo, on devrait attendre la sortie de leur second album. Et cette remarque vient à nouveau de se vérifier, après avoir écouté le deuxième essai du duo énervé MSTRKRFT (NDR : prononcez Master Kraft). Les deux Canadiens avaient concocté, en 2007, le superbe « The Looks », un opus qui conférait un nouveau visage à l’électro. A cause des beats racés et des influences métalliques (NDR : ne pas oublier que Jesse F.Keeler était une des moitiés du duo Death From Above 1979). Un nouveau son venait de naître et tout semblait indiquer que l’aventure des Torontois était posée sur les bons rails. « Fist Of God » devait donc être le disque de leur consécration. Bernique ! Une véritable catastrophe ! Une bande sonore destinée à la Foire du Tuning ou aux grandes réunions des bourrins. Car bourrins, c’est un peu le terme le plus adéquat pour décrire les beats et rythmes imprimés tout au long de ce disque. Evidemment, la sortie de leur single « 1000 Cigarettes » aurait dû nous mettre la puce à l’oreille. Mais bon, on pouvait quand même un peu rêver. On se demande quand même si les deux électroniciens n’ont pas fait un mauvais choix en matière de collaborateurs, car ni John Legend, Nore, E-40, Isis ou encore Ghostface Killah ne semblent vraiment coller au style du tandem. Et ne correspondent probablement pas aux aspirations premières de MSTRKRFT. D’ailleurs, on ne peut pas dire que les interventions des invités relèvent réellement le niveau des compos. Après nous avoir légué un « The Looks » à la fois énergique et particulièrement subtil, MSTRKRFT n’est donc parvenu, sur ce « Fist Of God », qu’à nous gonfler à l’aide de sa techno primaire, grossière et irritante. Rien de tel pour dégrader son image !
Moins d’un an après avoir commis l’excellent « Turning Dragon », l’Anglais Clark remet le couvert. Responsable d’une imposante discographie tant en elpees qu’en maxis, l’électronicien est devenu en quelque sorte l’une des icônes du bidouillage électronique. Il est même considéré comme un véritable tortionnaire sonore, à l’instar de ses compatriotes Autechre et Aphex Twin. Si les compos de son précédent opus étaient particulièrement tranchantes, « Totems Flare » se distingue par un sens mélodique bien plus aiguisé. Mais cet aspect plus paisible n’empêche pas l’artiste de s’aventurer dans la saturation voire dans la déstructuration. D’ailleurs, ce nouvel elpee est toujours aussi incisif que « Turning Dragon », une œuvre pour laquelle on l’imaginait déjà au sommet de son art. « Totems Flare » démontre une nouvelle fois sa facilité à jongler avec un déluge de sonorités, sans jamais s’y noyer. Et cette maîtrise absolue qu’il affiche toujours après cinq albums est une belle preuve de son talent à l’état pur. « Totems Flare » est aussi une énorme claque pour tout amateur d’électronica déjantée ! A ne pas manquer !
Pas étonnant que ce groupe originaire de Chicago reste confiné dans le milieu underground, malgré près de 25 ans d’existence et 16 albums à son actif. Et pour cause, sa musique est particulièrement hermétique. Enfin, à premier abord. Car il serait dommage de passer à côté de Cheer Accident et de son dernier méfait : « Fear Draws Misfortune ». En fait, si sa solution sonore est difficile d’accès, elle n’en est pas moins exceptionnelle.
Cheer Accident réunit un noyau dur de 3 instrumentistes : Thymme Jones (batterie, claviers, trompette, vocaux), Jeff Libersher (basse, guitare, trompette, vocaux) et Alex Perkolup (basse, guitare) auxquels viennent se greffer 15 musiciens additionnels (NDR : qui se partagent violons, violoncelles, flûtes, saxophones, clarinettes, trompettes, trombones, tubas et chœurs) pour déconstruire le rock tel qu’on le connait et créer une forme alambiquée de musique alliant le progressif, le jazz rock, l’art rock, le krautrock et le rock d’avant-garde. « Fear Draws Misfortune » est un disque virulent où forniquent Magma, Frank Zappa et King Crimson. Les sections de cuivres dissonantes se mélangent à des vocaux qui sont l’antithèse de ce que l’on a l’habitude d’entendre dans le monde du rock. Carla Kihlstedt de Sleepytime Gorilla Museum, assure les parties de violon (et certains vocaux), preuve s’il en est que les déjantés ont fait cause commune sur ce disque pour nous offrir quelque chose d’absolument unique. « Fear Draws Misfortune » est un disque moderne, mais qui aurait très bien pu paraître au cours des seventies, à l’époque où le rock n’était pas encore tout à fais soumis aux canevas actuels et où tout était encore possible. A écouter avec une très grande ouverture d’esprit. De l’art. Du vrai !
Curieux, le troisième album de The Veils semble parfois hanté par Ian McCulloch. Oui, oui le chanteur d’Echo & The Bunnymen ; même que « Larkspur » (NDR : une compo de plus de 8 minutes) me rappelle les divagations psychédéliques originelles reproduites en live par la formation de Liverpool. Un titre passionnel qui permet à Andrew Finn, le chanteur/compositeur/lyriciste d’épancher ses émotions les plus extrêmes. Ou encore lors du fougueux « Sit down by the fire », un morceau plus acoustique, au cours duquel, la voix est trempée dans la reverb. Mais la comparaison entre les timbres des deux vocalistes, s’affiche surtout sur les titres les plus calmes. Moment choisi par Andrew pour se faire crooner (NDR : qui a dit Neil Diamond ?) A l’instar de « Begin again », caractérisée par sa jolie mélodie au piano ; et puis du titre maître. Une plage dont l’indolence ambiante accentue une impression de mélancolie ténébreuse. Sans oublier « The house she lived in », une valse profilée sur un piano staccato que balaie des accès de guitare vibrato. En général, l’album est quand même sombre. Et pas seulement à cause des lyrics. Traversé de furtives éruptions de guitare, « It hits deep », par exemple, baigne au sein d’un climat lugubre, même si la mélodie me rappelle étrangement le « Don’t let me down » des Beatles. Et les deux titres les plus explosifs sont également les plus gothiques. Killed by the boom », tout d’abord. Imprimé sur un tempo convulsif il est déchiré entre refrains hantés et couplets déclamatoires voire vindicatifs. « Three sisters », ensuite. Une chanson incantatoire, survoltée, richement texturée (NDR : ces mandolines !), mais dans l’esprit de Wovenhand. Un titre plus poppy : l’hymnique « The letter ». Soutenu par des drums offensifs et bercé de guitares bringuebalantes, il aurait pu figurer au répertoire de Coldplay. Et puis un morceau de folk lo-fi contemporain : « Scarecrow ». Extrêmement dépouillé, il baigne dans une atmosphère particulièrement désenchantée. L’opus n’est pas aussi exceptionnel que « Nux Vomica », mais malgré ses références marquées et l’une ou l’autre compo plus dispensable, il tient quand même bien la route.
Saviez-vous que Kurt Cobain était un grand fan des Vaselines ? Nirvana a d’ailleurs repris plusieurs de leurs compos, dont « Son of a gun », « Molly » ou encore « Jesus wants me for a sunbeam ». Mais qui étaient les Vaselines ? Une formation écossaise née en 1986, drivée par Eugene Kelly et Frances McKee. Qui se partageaient, chant, composition et guitares. Une section rythmique complétant alors le line up. A leur actif deux Eps : « Son of a gun » et « Dying for it » ainsi qu’un seul elpee, « Dum dum », des disques enregistrés sous la houlette de Stephen Pastel. Et puis un tas de compos jamais éditées, dont des démos, des cassettes et enregistrements ‘live’. En 1992, ce combo avait déjà fait l’objet d’une réédition intitulée « The way of Vaselines – The complete History ». Et « Enter The Vaselines » reprend les mêmes ingrédients en y ajoutant quelques inédits (NDR : récupérés dans les fonds de tiroirs susvisés) ; le tout bénéficiant bien sûr d’une remasterisation. Pourquoi une nouvelle compilation, alors ? En fait, en 2008, le groupe s’était reformé pour participer au concert célébrant le 20ème anniversaire de Sub Pop. Et dans la foulée, le combo a décidé de repartir en tournée. Notamment aux States, où il a accordé six concerts.
Bref, pour en revenir à cette édition Deluxe, si le premier cd est fort intéressant, mettant en exergue une musique pop mélodieuse, rafraîchissante, charmante, sensuelle (NDR : et le mot est faible, quand on décortique les lyrics), fruit d’un mélange subtil entre acoustique et éclectique (NDR : parmi les influences majeures du groupe on peut citer le Velvet Underground, les Pastels, Modern Lovers, Nancy Sinatra et Lee Hazlewood ainsi que Jesus & Mary Chain), et illuminée par la voix ingénue de Frances et celle plus laconique d’Eugene, le second cd a essentiellement une valeur historique, la qualité du son, malgré la re(re)masterisation, s’avérant quand même insuffisante. On en épinglera quand même pour la forme, la cover aride du « I didn’t know I loved you (‘til I saw you rock’n roll) » de Gary Glitter. Er pour que votre info soit complète sachez que le tout est enrichi d’un booklet informatif mettant essentiellement en exergue deux interviews, et non des moindres. Un entretien accordé à Everett True et l’autre à Stephen Pastel.
Eclectique aux yeux vert émeraude, Annie Clark caresse du baroque et séduit en glamour tout en martelant des beats électro pas toujours orthodoxes. La douce voix et la stature fluette ne font pas long feu, car très vite la dentelle est mise en miettes sur le dancefloor. On peut aisément rester pantois devant cet alliage iconoclaste qui sonne parfois comme le sabotage d’une beauté trop pure, à l’image de la paire de ciseaux sur la chevelure de Sinead O’ Connor. On ne sait définitivement pas sur quel pied danser ; mais n’est-ce pas typiquement d’époque ? Les patrons volent en éclats, un peu à la façon Goldfrapp, où la belle est aussi instantanément la bête. Et de cet oxymore frémissant surgit la postmodernité. Ainsi dressé, le décor paraît plus digeste ; on peut alors accepter de se faire bercer par à coups, apprécier le chant de l’oiseau sur fond de synthé, la candeur d’un geste balayée, la douceur redressée, les ritournelles romantiques déconfites devant des sons saturés (« Black rainbow »). On s’accordera toutefois le droit de la préférer sans le masque grimaçant, lorsqu’à partir d’un la, elle glisse doucement sur une seule note, comme sur « The Bed » ou « The party ». Mais si Annie Clark souhaite à tout prix se nourrir du kaléidoscope postmoderne, il n’y a plus qu’à s’accrocher à son visage angélique et attendre la prophétie.
Arriéré : drôle d’idée de choisir un tel patronyme ! Pas vraiment de quoi vous donner l’envie d’écouter sa discographie. Impressionnante, pourtant. A moins d’être un grand fan de Priba 2000… Car humour et musique ne font pas toujours bon ménage. Vu les circonstances, j’ai volontairement ‘retardé’ l’écoute de cet album. Or, en me jetant à l’eau, je dois avouer avoir été agréablement surpris. Alors que je m’attendais à devoir me farcir un punk primaire et humoristique, c’est plutôt du côté de la pop hyper mélodique que l’expression sonore baigne. Mais en y injectant quelques accès de punk yankee (NDR : pensez aux Ramones) et de heavy metal inspiré d’Iron Maiden !
Jay Lee Lindsey est un artiste prolifique. Il compte une cinquantaine d’elpees et d’Eps à son actif, alors qu’il n’est âgé que de 28 ans. Mais avant de pouvoir cerner son parcours, une petite parenthèse biographique s’impose. La carrière de Jay débute alors qu’il n’a encore que 15 ans. Fan de Rocket From The Crypt, il décide de composer au retour d’un de leurs concerts auquel il vient d’assister. A tout hasard, il envoie une démo au label Goner Records. Et le boss de l’écurie, Eric Friedl, tombe immédiatement sous le charme de la maquette. Il le signe sur le champ ! Eric fonde ensuite les Reatards, puis s’investit chez The Lost Sounds en compagnie de Rich Crook et Alicja Trout. Le projet commence à l’absorber de plus en plus. Leur musique est même comparée à celle des Screamers. Mais le gang se sépare néanmoins assez rapidement. Une situation pas trop préoccupante, puisque Friedl s’est investi dans une multitude d’autres aventures. Dont The Bad Time, The Final Solution, Shattered Records ou encore Angry Angles. Il n’entame réellement sa carrière solo, sous cet alias ridicule, qu’en 2006. Il enregistre alors l’album « Blood Vision ». Ce qui lui permet d’être remarqué et surtout signé chez le célèbre label indie new-yorkais Matador. La nouvelle écurie de Sonic Youth compile ses singles. Une belle opportunité pour partir en tournée à travers le monde ; un périple qui lui permet ainsi de ciseler son imposant répertoire…
La musique de Reatard se révèle bien plus paisible sur disque. Un fameux contraste par rapport à ses shows. Il a ainsi avoué vouloir rendre ses enregistrements studio plus accessibles, tout en cherchant à conserver l’énergie de ses prestations en ‘live’. « Watch Me Fall » réunit 12 morceaux, dont quelques pépites de pop-punk particulièrement savoureuses. Et je pense tout particulièrement à « Wounded » et « It Ain’t Gonna Save Me ». Un aspect résolument mélodique qui constitue un tournant dans la carrière du natif de Memphis. Dommage que les lyrics soient aussi ésotériques ; parce que suivant les médias anglo-saxons, ils méritent une attention toute particulière…
The New Christs vient de fêter son vingt-cinquième anniversaire d’existence cette année. Enfin, si on ne tient pas compte des multiples pauses que le combo aussie s’est accordé au cours de ces trois décennies. Encore qu’en matière de longévité, seul le chanteur et membre fondateur Rob Younger, est toujours au poste. Faut dire que le personnage a milité au sein de toute une série de formations, dont les mythiques Radio Birdman. Tout comme le bassiste, Jim Dickson (NDR : il figure au sein du line up, quand même, depuis 1989), qui a également et notamment sévi chez les Barracudas, Passengers, Deniz Tek Group. Trois nouveaux membres ont donc intégré le band, en 2006. Mais on ne va pas faire un inventaire de cette scène antipodale, en perpétuelle ébullition, sinon on va y passer la journée.
Venons-en donc au septième album studio des New Christs. Très électrique, il intègre épisodiquement des séquencde claviers vintage. Faut dire qu’en général, les deux gratteurs mettent la gomme. Et la conjugaison de riffs effilés, ‘crépitants’, saignants, rugissants, décapants, sauvages mais bigrement efficaces entretiennent une intensité blanche digne du southern rock de Lynyrd Skynyrd, du garage des débuts des Stooges, tout en préservant un sens mélodique beaucoup plus proche du punk que du metal (NDR : pensez à Leather Nun, mais en plus furieux). D’ailleurs la voix de crooner bouleversante, parfois déclamatoire, souvent au bord de la rupture de Younger, responsable de lyrics ambitieux, corrobore cette impression. Et on n’oubliera pas la section rythmique aussi solide que puissante. En outre, il ne faut pas oublier que ce band est une influence majeure pour The Hives, The White Stripes ou encore The Jon Spencer Blues Explosion. Une exception dans le tracklisting, « Psych nurse », un morceau enrichi d’accès de piano, mais surtout d’une section de cuivres. Et je dois avouer que si la première écoute de l’elpee m’avait laissé une impression plutôt mitigée, la seconde m’a complètement rassuré sur le potentiel de cette légende toujours bien vivante. Et pourtant, quand ils se produisent en concert chez nous, ils attirent rarement plus de 100 personnes. Faudrait peut-être qu’ils pensent à organiser une distribution miraculeuse de pain et de poissons…
Originaire de San Francisco, Gail Muldrow fêtera bientôt ses 55 ans. Elle chante, mais se débrouille aussi très bien tant à la guitare, aux claviers, aux percus qu’à la basse. Une multi-instrumentiste quoi ! Son timbre vocal peut rappeler tantôt Aretha Franklin, Etta James ou encore Gladys Knight, alors que son jeu de cordes semble hérité de Jimi Hendrix, de Jimmy Page voire d’Albert Collins. Pas très banal, il faut le reconnaître. A l’âge de 17 ans, Sly Stone l’invite à rejoindre le Family Stone Band. Elle emprunte cependant un pseudo : Cousin Gale. Et épouse le profil funk de la formation. Elle va également militer au sein du Graham Central Station et du Johnny Otis Show, avant de consacrer davantage de temps à sa carrière individuelle. En enregistrant notamment toute une série d’elpees. Dont le premier, "Cleen spirit", remonte à 2003. Une œuvre campant un savoureux mélange de blues, funk, rock et R&B. Suite à une tournée accomplie en Italie, elle intègre l'agence de promotion italienne Feelin' Good. Ce qui lui permet d’enregistrer "It's my life". En 2007. Puis deux opus immortalisés en public. Le "Live at Jazz & Blues Festival, Rapperswil-Jona" ainsi que "Raw Live & Cool". Devenue l'égérie de l'agence italienne, elle remet le couvert en juillet 2007. Pour mettre en boîte cet opus, elle a bénéficié du concours d’une solide équipe transalpine. Tano Ro à la production ainsi que Tiziano Galli au mixing et à la guitare. Mais aussi d’une brochette de musiciens huppés issus de la scène de San Francisco. Et notamment le Ford Blues Band, c’est-à-dire le drummer Patrick Ford, le bassiste Dewayne Pate et l’harmoniciste Andy Just.
L’ouverture baigne manifestement dans le blues. Cette version dynamique de "You're so fine", vivifiée par la voix séduisante, puissante de Gail, est soutenue par les interventions d’Andy Just. Déterminé, il est au sommet de sa forme et souffle judicieusement dans son instrument. La première sortie aux cordes est concise, mais parfaite. La voix de Miss Mojo est élimée par ses multiples apparitions sur les planches. Ce qui inévitablement confère à la dame une fameuse présence scénique. Et "Moving on down the line" en est une belle illustration ; un morceau au cours duquel Just est omniprésent. Il semble avoir mangé du lion et se montre très souvent à son avantage. Quel plaisir de réentendre ce souffleur de grand talent. Qui multiplie les phrases assassines sur sa musique à bouche lors du blues lent "Along about midnight", une plage au cours de laquelle Gail se déchaîne aux vocaux. Son timbre a du vécu. Et la guitare suit cet organe à la trace. La cover du "Still a fool" de Muddy Waters est particulièrement énergique. Abordée à la manière de son vieil ami Howlin' Wolf, cette reprise est tramée sur une rythmique frénétique et hypnotique. "Peace of mind" change de registre. On retrouve les mêmes acteurs pour ce titre plus rock, Patrick Ford se chargeant de canaliser l'ensemble de ses drums. Une ballade légère : "Love sickness" ; avant un retour au Chicago blues plus classique. Tout d’abord "Got my mind back", dominée par la slide de Gail. Puis "Dope smoking blues", un shuffle parfaitement assimilé. Et pour cause ce petit bout de femme maîtrise bien son sujet, pendant qu’à ses côtés, Just est décidément insatiable. Une véritable lame de fond dévaste "Never enough". Andy Just se révèle boulimique en matière d'overblowing sur ce boogie, avant qu’extravertie, la guitare ne prenne le relais. Impressionnant ! D’excellente facture, cet opus s’achève sous les éclairs du rocker "T for Trouble". Une prestation 5 étoiles pour le tandem Gail Mojo Muldrow/Andy Just…
Ce n’est pas normal. Depuis quelque temps, la France Rock’n’roll nous inonde d’excellents disques. Il doit se passer un truc pas très catholique du côté de chez nos voisins du sud. Le mariage de leur président à une artiste serait-il une source d’inspiration ? Allez savoir ! Toujours est-il que les excellentes surprises fusent des six coins de l’Hexagone. (NDR : Quoi ? Vous n’avez toujours pas jeté une oreille sur l’album d’Iris Corporation, de Banane Metalik ou encore l’Ep d’Antihype ? Il va falloir vous secouer un peu !) Et, début septembre, les Fransquillons remettent le couvert en nous balançant dans les pattes un groupe de Limoges qui pourrait bien casser autre chose que de la porcelaine.
7 Weeks, est le nom de ce gang formé en 2006. Plutôt éloigné du style de nos autres découvertes récentes, c’est vers le Stoner Metal burné qu’il nous emmène tout au long de cet « All Channels Off », son tout nouvel album. Enfin, ‘stoner’, c’est la bio qui le dit ; parce qu’une oreille avertie, y détectera bien davantage. C’est vrai, les influences de Queens Of The Stone Age (ou de Kyuss, son ancêtre) sont très présentes. Les guitares ne mentent pas, il y a bien du stoner dans l’air. Cependant, nos amis français ne se contentent pas de nous balancer du riff lourd et enfumé comme se contenterait un groupe suivant aveuglément les canons du style. Non, les 7 Weeks injectent dans leurs compos du rythme, du groove et un zeste de violence. Ce Cd donne plus envie de s’éclater en concert que de se morfondre seul dans une douleur intérieure. C’est particulièrement évident sur « All Channels Off », le titre d’ouverture de l’album, dont le rythme évoquerait presque la musique d’un Red Hot Chili Peppers mariné dans le plomb en fusion. Ce côté funk (pas trop quand même) plombé au gros riff qui tache trahit des relents de Kings’X. A cause du chant de Julien Bernard, d’abord. Mais aussi du travail opéré sur les harmonies vocales. Sensiblement proches de celles que nous réservent habituellement Doug Pinnick et Ty Tabor au sein du combo texan. Ajoutez quand même dans le jeu de quilles un peu de rock ultra-burné à la Mötörhead, et vous aurez bonne idée du stoner façon 7 weeks.
Comme rien ne semble avoir été laissé au hasard, la production a été confiée à Shankra de No One Is Innocent qui s’est débrouillé comme un chef pour que le résultat soit particulièrement costaud. Ce Cd démontre à nouveau que, petit à petit, la France avance vers le firmament du rock. Ce n’est pas normal je vous dis !
Chanteur de soul/blues, Charles Wilson est originaire de Chicago. C’est le neveu du fameux bluesman Little Milton Campbell. Il s'est forgé une certaine réputation sur le circuit du southern soul. Son premier single date de 1964. Et son premier elpee de 1991. Intitulé "Blues in the key of C", il est paru chez Ichiban. Il aligne ensuite plusieurs opus sur le label Eecko, avant de fonder son propre label, Wilson Records. Il grave pourtant "If heartaches were nickels", pour la célèbre écurie blues Delmark, un long playing concocté en compagnie de son oncle Little Milton et du guitariste Carl Weathersby. Ce qui va lui permettre de décrocher une nomination aux W.C Handy pour le meilleur album de soul blues paru en 2005. Après avoir édité deux elpees chez CDS, il a décidé d’opérer son retour dans le giron du blues en signant chez Severn.
Pour la circonstance, il a reçu le concours de la crème des musiciens locaux ; et en particulier le guitariste Monster Mike Welsh, le claviériste Benjie Porecki ainsi que le bassiste Steve Gomes et le drummer Robb Stupka. Episodiquement, l’équipe est épaulée par une imposante section de cuivres et de cordes. Les références vocales de Charles sont plutôt solides, puisqu’il cite Bobby Blue Bland, Otis Redding, Sam Cooke et Nat King Cole parmi ses maîtres…
L'album s'ouvre dans le pur southern blues ; et ce n’est pas une surprise. En l’occurrence le "Where my baby went" de Don Robey, issu du répertoire de Bobby Blue Bland. La voix de Wilson est d’une grande pureté. Elle est taillée pour ce répertoire tout en nuances. Un répertoire dont l’homogénéité impressionne. Tant les arrangements de cuivres, de chœurs et de cordes. L’osmose s’opère naturellement, mais ne laisse guère de place aux prouesses instrumentales. De bonne facture, les compos sont mises au service des cordes vocales de l'artiste. Et je pense tout particulièrement à "Someone must have taught you", "I want to shout about it", deux morceaux issus de la plume de Steve Gomes et "Troubled child". L’opus recèle également une reprise rythmée, mais empreinte de douceur du célèbre "Is this love" de Bob Marley. Mais le meilleur moment de l’elpee procède de la cover du "Somebody's tears" de Denise Lasalle. Une compo qui rend hommage à son oncle Little Milton. Sa voix richement texturée s'épanouit devant l'orgue Hammond de Porecki. Et Mike Welsh se permet une de ses rares sorties en solitaire. Cependant, il manifeste un maximum de retenue tout en injectant une fameuse dose de sensibilité dans son intervention. Il se rappelle encore à notre bon souvenir, lors de la finale, "Put something into it". Dans le style, cet opus est impeccable…
Bubble Trap est un quatuor réunissant le chanteur/claviériste Sébastien Boutry, le guitariste Gérard Hermans, le bassiste Lionel Baurain et le batteur Stéphane Derwidué. Responsable d’une première démo en 2004 (« Soap for memories ») et d’un premier single deux ans plus tard (« Jay/I’am nothing »), le quatuor montois s’est énormément investi pour sortir son premier album. Toute l’année 2008 leur a même été nécessaire pour le boucler. Finalement, cet elpee tant attendu est paru au cours du printemps de cette année. Il s’intitule « Compromise » et porte bien son titre, puisque les morceaux campent un compromis entre une multitude d’influences, parmi lesquelles la pop mélancolique (NDR : celle de Novastar, en particulier) et le rock progressif (NDR : les membres du groupe doivent probablement posséder toute la discographie de Pink Floyd et d’Archive) semblent se révéler les plus flagrantes. Interprétées dans la langue de Shakespeare, les 13 compos témoignent d’un travail de mise en forme particulièrement soigné. Notamment au niveau des harmonies vocales. Pourtant, on a parfois l’impression que le timbre de Sébastien, campe un Anthony Kiedis (Red Hot Chili Peppers) qui aurait choppé la grippe (NDR : pourvu que ce ne soit pas la H1N1 !). Ce qui n’empêche pas les chansons d’être hyper léchées, résolument radiophoniques, donc extrêmement accessibles. Sensation accentuée par la présence d’une majorité de morceaux calmes.
Félicitations à cette bande d’amis bien sympathiques pour leur travail d’autoproduction, une expérience qu’ils ont acquise au fil des nombreux concerts accordés au cours des 2 dernières années et puis en manifestant une grande application dans la confection de leur premier essai. Maintenant, faudra que le combo cherche à se forger un style bien personnel, s’il ne veut pas passer à la ‘Bubble’ Trap. Cinq ans c’est long, mais à force de patience on peut y arriver… Bon courage !
Samedi 22 juillet. L’édition 2009 du Pukkelpop, ‘pukkel’ pour les intimes, bat son plein depuis deux jours déjà lorsque je débarque sur la plaine de Kiewit. Boulot, métro, dodo oblige, l’affiche exceptionnelle du jeudi m’est passée sous le nez *râle, râle* Pas grave, celle du samedi est un peu moins prestigieuse mais pas mal non plus. On s’en contentera...
Débarquement vers 12h. Sans perdre une seconde, je me dirige vers le ‘Château’, histoire de vérifier si le set très moyen accordé par les deux filles de Telepathe, en mai dernier aux Nuits Botanique, peut leur être pardonné. Erreur, erreur… Le duo est légèrement plus éveillé que lors de sa dernière visite, mais l’énergie libérée est tout simplement inexistante. Je cours donc voir ailleurs si j’y suis.
Sous la ‘Dance Hall’, un trio néo-zélandais au nom évocateur fait son apparition sur la scène. Le Corps Mince de Françoise rassemble une petite foule mal réveillée mais va, petit à petit, parvenir à secouer le parterre à l’aide de tubes radiophoniques à la Chicks On Speed. Les demoiselles sont plus qu’enthousiastes, dialoguent avec un public qui n’a pas l’air de comprendre le moindre mot de leur dialecte néo-zélandais et enchaînent des morceaux pas révolutionnaires pour un sou mais plutôt funs. « Love & Nature », leur premier opus, devrait trouver le chemin des bacs au début de l’automne.
Deuxième visite au ‘Château’. Les Anglais de Shadow Dancer balancent leur beats en pleine tronche d’un public qui se demande ce qu’il lui arrive. L’électro tapageur des deux frangins Farrier attire du monde dans le petit chapiteau sous lequel la température grimpe de manière exponentielle. Shadow Dancer envoie un bon petit set dans les dents des festivaliers… qui aurait gagné à être presté sous la ‘Boiler Room’.
Retour au calme sous le ‘Marquee’ en compagnie du sympathique Jack Peñate. Il est venu présenter son second opus, « Everything Is New ». Le Londonien met du cœur à l’ouvrage et se met le public en poche dès les premières notes de « Second, Minute or Hour ». Le concert se révèle quelque peu inégal, mais Peñate parvient si bien à amadouer le parterre, notamment en le rejoignant le temps d’un morceau, que les chansons les plus mollassonnes sont instantanément oubliées.
Quelques minutes plus tard, le nouveau prodige de l’écurie Warp et de la tendance dubstep, Hudson Mohawke, fait à son tour vibrer le Château. La petite scène sent bon les herbes de Provence et le public semble baigner au sein d’une belle harmonie. L’Ecossais dispense donc un set des plus fédérateurs s’achevant sur son remix du « Oops (Oh My) » de la one-hit-wonder Tweet.
Après la grosse frustration consécutive à l’annulation de leur concert à l’AB, il était hors de question de manquer Gang Gang Dance au ‘Club’. Exit les instruments vintage qui se sont envolés en fumée lors d’un incendie à Amsterdam (NDR : cause de absence en Belgique). Le quatuor, clairement mené par Liz Bougatsos, débarque sur scène devant des instruments flambants neufs et vont hypnotiser la foule pendant une quarantaine de minutes qui paraîtront bien trop courtes… D’excellente facture, le tracklisting est composé essentiellement de nouveaux morceaux dont une ultime composition de toute beauté. De quoi amplifier l’impatience de celles et ceux qui attendent avec anxiété le successeur du splendide « Saint Dymphna » et, apparemment, me faire oublier toute réaction objective...
Un exploit, les deux rappeuses de Yo Majesty, accompagnées de leur DJ ‘trop content d’être là’, débarquent à l’heure sur scène. Les Californiennes jouent à fond la carte de la provocation. Des morceaux tels que « Kryptonyte Pussy » parlent d’eux-mêmes. Shunda K. fait grimper la température en dévoilant sa poitrine, sans aucune gêne et pendant les trois quart du spectacle. En voulant probablement pimenter son show, la demoiselle n’a réussi qu’à détourner l’attention d’une frange du public ; celui-ci passant le reste du temps à multiplier les commentaires cocasses à son égard, plutôt qu’à tendre l’oreille vers les baffles…
Après en avoir pris plein les tympans depuis quelques heures, le contraste provoqué par le récital de Fennesz dans le ‘Château’ est déconcertant. Le brio du Viennois à la guitare est incomparable ; mais difficile de véritablement se sentir impliqué. Fennesz est définitivement un artiste qui gagnerait à se produire dans de meilleures conditions.
Impossible de manquer Peaches, après l’énorme concert accordé à l’AB en mai dernier. Toujours flanquée de ses acolytes de Sweet Machine, la Canadienne offre une prestation différente, mais aussi intense que celle accordée lors de sa tournée en salle. Horaire réduit oblige, la demoiselle se concentre essentiellement sur des extraits d’« I Feel Cream » et quelques uns de ses singles, dont « Kick It », un duo au cours duquel Iggy Pop était remplacé par l’un des membres de Sweet Machine affublé d’une perruque dédiée à la gloire de l’interprète original.
Retour en train oblige, la journée s’achève bientôt pour moi. Tandis que le grand bouffon du rap s’égosille sur la Main Stage, un artiste, A majuscule, déchaîne le ‘Château’. The Bug continue sa promo pour son très bon « London Zoo ». Les petits jeunes se trémoussent à gauche et à droite, sous le petit chapiteau ; mais, à peine le temps de s’immerger dans l’ambiance, qu’il est déjà temps de rejoindre le ‘Marquee’ pour assister au dernier show de la soirée. Du moins pour moi…
Dernière étape : Klaxons. Le trio british préféré des jeunes cools attire une belle brochette de spectateurs pour son concert. Dès le premier accord joué, le public s’élève déjà dans les airs. Les tubes de « Myths of The Near Future » s’enchaînent à la vitesse de l’éclair provoquant mini-pogos et stage-divings à gogo. Seule ombre au tableau, les nouveaux morceaux n’annoncent rien d’alléchant pour le prochain recueil du combo. Les deux ou trois extraits proposés à la Belgique sont tout simplement trop mous pour une formation attendue au tournant. Verdict final dans quelques mois…
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