Pour son premier recueil concocté en solitaire, Dan Auerbach, moitié chantante des Black Keys, retourne aux sources de la discographie de sa formation originelle. Exit la production bien léchée de Danger Mouse caractérisée par « Attack & Release ». Auerbach renifle les terres du Sud, crache un bon coup par terre et déloge le diable terré dans sa guitare. Après une petite détente acoustique sur le porche de sa cabane (« Trouble Weighs A Ton »), le barbu s’en va-t-en guerre. Armé de sa gratte, sa basse et ses distos (« I Want Some More », « Heartbroken, In Despair »).
Sur son chemin, il tente de dénicher de nouvelles sources d’inspiration. Il croise sa protégée, Jessica Lea Mayfield. Ensemble, ils poussent une petite chansonnette (« When the Night Comes »). Mais la simple pensée d’avoir laissé en retrait Patrick Carney, son partenaire de toujours, l’empêche d’approfondir sa recherche de nouveauté. Il se cantonne alors à ce qu’il connaît et sait faire de mieux, comme si « The Big Come Up » et « Thickfreakness » étaient les seules plaques qui constituaient sa collection personnelle de disques. Si votre recherche d’une bonne collection de faces B des Black Keys demeure infructueuse, « Keep It Hid » constitue le substitut idéal.
L’année ne fait que commencer ; et pourtant ce disque devrait déjà figurer parmi les meilleurs albums de l’année 2009. Il s’agit déjà de leur neuvième livraison. Panda Bear, Avey Tare et Geologist viennent ainsi de réaliser leur opus le plus abouti de leur pourtant déjà riche carrière. Et il devrait être celui de la consécration (NDR : tellement) méritée après avoir vécu de longues années dans un semi-anonymat. Les trois prodiges de Baltimore (Maryland) sont parvenus à réaliser, tout au long de « Merriweather Post Pavilion », l’équilibre idéal entre l’électro expérimentale des premiers elpees (NDR : notamment sur « Hollinndagain »), le psyché folk de « Feels » et les mélodies plus abordables de « Strawberry Jam ».
Au fur et à mesure de leur carrière, les trois génies américains ont marqué de leur sceau les scènes folk et rock alternatives. Des Anglais de Fuck Buttons aux Néo-zélandais de Ruby Suns, en passant par les Américains de Le loup, la musique d’Animal Collective a influencé un nombre impressionnant de groupes contemporains.
Une fois passée l’intro, vous vous retrouverez face à une explosion de sons destinés à titiller vos sens. Lorsque les voix de Panda Bear et d’Avey Tare entrent scène, c’est l’extase sonore. Jamais les trois musiciens n’ont paru aussi en phase entre eux. Les harmonies vocales s’enchaînent et sont soutenues par des beats posés de main de maître par Geologist. « My girls », « Glass Eyes », « Bluish » apparaissent comme autant de pépites rappelant les Beach Boys. Dynamisé par des beats afro, « Brothers Sport » est plus efficace pour se réveiller qu’une douche froide en hiver. Après avoir écouté les quatorze titres de l’elpee, il ne vous suffit plus qu’à les réécouter afin d’en découvrir les innombrables subtilités. Malgré une pochette d’un mauvais goût, ce disque est une véritable mine d’or. Chaque écoute vous révèlera de nouvelles et inattendues surprises.
Johnny Cash n’est pas mort. Enfin, dans l’esprit de nombreux artistes. Et c’est ce que ce disque tente de prouver. En essayant de lui rendre hommage. Imaginée notamment par Snoop Dog et John Carter Cash (le fils de Johnny Cash et June Carter), cette compile intitulée « Johnny Cash Remixed » revisite toute une série de compos écrites par feu le chanteur/compositeur américain. Mais sincèrement, était-il vraiment nécessaire de remixer une partie du répertoire d’un artiste aussi mythique ? On veut bien que ces exercices de style aient été exécutés par des personnalités notoires issues de la scène contemporaine, qu’elles soient hip hop, rock ou électro. Mais pour quel résultat ? On n’est pas loin du massacre, en pure et due forme. Et à la limite, on pourrait presque parler de manque de respect vis-à-vis d’un tel monstre sacré. Le pauvre Johnny doit certainement se retourner dans sa tombe en entendant la nouvelle version d’« I Walk The Line », remixée par QDT Muzic. Déjà que la voix de Cash a été trafiquée, mais les quelques timides flows proposés par Snoop Dog, sont carrément pathétiques. Et le remix de « Sugartime » opéré par Kennedy, n’est pas mieux réussi. Une exception qui confirme la règle : l’exercice de style magistral effectué sur « I Heard That Lonesome Whistle Blow » par l’électronicien berlinois Apparat. Pour la circonstance, il est parvenu à planter quelques beats profonds dans l’expression sonore, sans pour autant la dénaturer. Mais une seule plage sur les douze que recèle l’elpee, c’est un peu maigre…
La Cumbia est un style musical né au vingtième siècle, en Colombie. C’est un mélange opéré entre des courants musicaux européens et des rythmes afro-latins. La forme traditionnelle du Cumbia s’est imposée sur le continent sud-américain dans les années 60 et 70. Très mélodique, elle est portée par l’accordéon, les voix et les percus. Au cours des décennies suivantes, elle passe de mode… Fin de l’épisode. Car au cours des années 2000, des bidouilleurs mexicains (Toy Selectah et Control Machete) décident d’intégrer les sonorités Cumbia à l’électronique. Ils composent d’ailleurs « Cumbia Sobre El Rio », un tube qui va essaimer l’Amérique du Sud. Le phénomène gagne l’Argentine (NDR : où la Nueva Cumbia fonctionne très fort). Là-bas, elle se frotte au reggaeton, au crunk et au rap. Le phénomène atteint désormais l’Europe où beaucoup de magazines ont glosé sur le genre. « Arriba La Cumbia » se consacre donc à ce phénomène ; une compilation mixée par l’Anglais Russ Jones (Future World Funk). Quatorze plages partagées entre quelques très beaux morceaux de Cumbia ‘à l’ancienne’ et des plages plus électro concoctées par des pointures occidentales comme Basement Jaxx et Up, Bustle & Out ; mais aussi par les vrais représentants du genre, qui sont bien évidemment sud-américains (Toy Selectah, Los Galleros, Corraleros de Majagual). Un joyeux et frénétique bordel où on trouve des bribes de tango, de ragga, de hip hop, de dub et de reggaeton. Un disque à ressortir lorsque les rayons du soleil recommenceront à chauffer cette partie du globe. L’effet est garanti, le rhum aidant.
Ils étaient nombreux à attendre de pied ferme la venue du barbu dans nos contrées, longtemps ignorées par ce dernier. Initialement prévu à l’Orangerie du Botanique, le concert belge de Ray LaMontagne a par conséquent suscité une demande beaucoup plus grande que l’offre. Bye Bye l’Orangerie. Celle-ci a rapidement cédé sous la pression et laissé à son grand frère, un Cirque Royal Medium comble, l’honneur d’accueillir le singer-songwriter.
L’attachante Priscilla Ahn a ouvert la soirée de la plus séduisante des manières. Nouvelle recrue de la scène folk, la petite sœur spirituelle de Neko Case et Jenny Lewis a charmé le public en deux temps trois mouvements, entrecoupant les extraits de son prometteur premier ouvrage, « A Good Day », par de nombreuses interventions à la fois drôles et touchantes. Une artiste à tenir à l’œil.
Accompagné de cinq musiciens, Ray LaMontagne a démarré son set sans cérémonie. D’entrée de jeu, l’homme a dévoilé toute sa puissance vocale sur un « Henry Nearly Killed Me (It’s A Shame) » intense. Sa voix grave et éraillée est de celles qui vous traversent jusque dans les entrailles et vous touchent au plus profond de l’âme. Particulièrement lorsqu’il interprète les chansons les plus apaisantes de son répertoire, que ce soit en compagnie de son groupe (« Trouble », « Sarah », le céleste « I Still Care For You ») ou seul à la guitare (« Burn »). L’homme est venu pour chanter et rien d’autre, comme il le soulignera à un trouble-fête qui lui reprochait de façon peu courtoise son manque de communication avec le public. Sa communication, Ray LaMontagne la transmet à travers sa musique, un folk aux limites du blues et de la country (« Empty », « Three More Days ») parfois teinté de rock (« Meg White ») ou de soul (« You Are The Best Thing », « Hey Me, Hey Mama »). En clôture d’un concert remarquable de près d’1h30, Priscilla Ahn se glisse sur la scène afin d’accompagner LaMontagne sur le titre-phare de son dernier opus, « Gossip In The Grain ». Un duo fascinant précédé par une excellente reprise de Sam & Dave, « When Something Is Wrong With My Baby ». Une conclusion digne de ce nom pour un concert providentiel.
Organisation : Le Botanique
Les premières parties suscitent rarement mon enthousiasme. Ce soir, ce n’est pas le cas. Il y a iLiKETRAiNS. Pour être honnête, j’ai longtemps hésité avant d’aller revoir Sisters Of Mercy ; mais la présence de ce supporting act m’a définitivement décidé.
Originaire de Leeds, iLiKETRAiNS pratique de la cold-wave proche d’Interpol. Tous les ingrédients sont bien réunis : le baryton mélancolique, la basse hypnotique et les accords de guitares chatoyants mais cinglants. Ce voyage en première classe transporte aussi bien les spectres de Joy Division, And Also The Trees et Nosferatu, parmi les influences 80’s, que de Swerverdriver, pour celles du début des 90’s (Swervedriver) ; et même de Silver Mt. Zion, pour les wagons post-rock. Cette formation est également responsable de textes soignés. Engagés aussi. Ainsi une compo comme « Beeching report » dénonce la décision prise par Richard Beeching, d’avoir restructuré (démantibulé ?) la British Railways. A l’époque des services peu rentables avaient été supprimés et des gares peu fréquentées fermées, à son initiative. Une décision impopulaire qu’il avait étayé à travers un rapport respectant aveuglément la philosophie libérale des States. Témoins de leur engagement, les membres d’iLiKETRAiNS déboulent en uniforme d’accompagnateurs de train. Le trajet est agréable. Les plages montent crescendo avant le déferlement final. Elles nous transportent, nous transcendent et nous libèrent spontanément, en nous incitant à pratiquer le headbanging. Très généreux, les cheminots britanniques nous gratifient d’un arrêt supplémentaire lors du titre « A divorce before marriage ». « A song we never played before » nous garantissent-ils. En l’espace de 6 ou 7 titres et d’une bonne demi-heure, cette première partie nous aura emballés, et les applaudissements nourris du public n’auront pas été usurpés.
Dur, dur par contre d’écrire une review enthousiaste après avoir assisté à la piètre prestation des Sisters of Mercy. Comme la grande majorité du public (NDR : des trentenaires et des quadragénaires), j’ai encore en tête les trois albums (« First, Last and Always », « Floodland » et « Vision Thing ») écoutés en boucle à l’âge de 15 ans. Et les images du concert du Royal Albert Hall, le seul filmé officiellement en 85. Or, on est bien loin de cette ambiance londonienne : le groupe ne ressemble plus à rien, mais on le savait déjà depuis longtemps. Surtout depuis que deux des pions majeurs, Craig Adams et Wayne Hussey, se sont barrés. Ce soir, il y a bien deux jeunes loups qui tentent même de nous les faire oublier. Ils ont beau être convaincus de leur mission, leur performance est médiocre. Si les deux gratteurs originaux étaient dans la salle, ils seraient morts de rire, en regardant et surtout en écoutant ces deux guitaristes de foire… Andrew Eldritch campe aujourd’hui un look bourrin. Suffit de contempler son tee-shirt. Mais on le savait aussi, depuis qu’il a voulu se démarquer du style gothique. Bref, le résultat proposé ce soir ne ressemble plus à rien. Un spectateur averti s’est même décidé à écrire sur le forum de l’AB, que la formation ne vaut pas plus qu’un cover band de ducasse ! Pourtant, les Sisters of Mercy appartiennent à la famille des Artistes dits ‘classiques’ du Rock. Et malgré l’absence de nouvel album, depuis près de 20 ans, ils parviennent à remplir la salle de l’AB, deux soirées de suite. Même au prix exorbitant de 35 Euros ! Car oui, malgré ce tarif, le public n’aura droit qu’à 1 heure 20 de set, rappels y compris. Bon allez, pour ne pas froisser les quelques fans conquis (NDR : on serait tenté d’écrire aveuglés ou endoctrinés), je vous communique quand même une idée de la setlist du concert de ce soir. Mais s’ils reviennent, ce sera sans moi. Car trop c’est trop et la coupe est pleine (NDR : ou vide, c’est comme vous voulez…)
Organisation Live Nation
Les Anglais de My Vitriol se sont distingués en 2001 par la confection de « Finelines », un premier ouvrage acclamé par la presse, le public sans oublier de nombreux artistes dont certains allaient jusqu’à décrire le combo comme ‘le meilleur groupe rock du début de siècle’. Très discret, le quatuor a publié en 2002 une version double de sa plaque, réintitulée « Finelines / Between The Lines » avant de prendre l’étonnante décision de retourner dans l’anonymat. En 2007, la formation publie « A Pyrrhic Victory », un Ep inespéré, et annonce son retour. Mais il aura fallu attendre deux années supplémentaires avant les revoir sur scène. Chose faite ce lundi sur les planches du VK.
La première partie était assurée par Daktari, un jeune groupe belge officiant dans un rock plutôt standard et pas vraiment transcendant. La formation n’a d’ailleurs pas réussi à rassembler plus de 50 quidams dans la salle. Le moment idéal pour aller faire un tour au bar.
Un bar quasi désert. Ne serions-nous donc qu’une petite cinquantaine à s’être réunis pour fêter le retour des anglais de My Vitriol ? Ceux-ci attaquent la scène vers 21h30 et la salle s’emplit un tout petit peu plus qu’au moment de l’avant-programme. En tout et pour tout, une centaine de personnes seulement se sont donné rendez-vous dans la salle molenbeekoise. 8 ans d’absence, ça se paie. Ce qui n’a pas eu l’air de contrarier Som Wardner et ses collègues qui entament leur set sur une fausse note avant de se reprendre et envoyer un « Moodswings » surpuissant aux oreilles de l’assistance. My Vitriol joue fort. Très fort. Des boules Quiès auraient d’ailleurs été les bienvenues. Le quatuor interprète principalement des morceaux de « Finelines », leur premier ouvrage. Un classique qui n’a pas pris une ride même si la formation semble parfois un peu rouillée. A deux ou trois reprises, le quatuor dérape avant de se reprendre, très dignement et professionnellement. Entre deux tubes, il propose quelques nouveaux morceaux, promettant un second recueil à la hauteur de « Finelines / Between The Lines ». Les Anglais offriront également au public belge une reprise décente de « Hey Hey, My My », le classique de Neil Young avant de clôturer le set de près d’1h30 par un « Always : Your Way » très attendu.
My Vitriol a encore besoin de se roder sur les planches avant d’effectuer un retour digne de ce nom ; mais le show auquel les quelques fans fidèles ont assisté laisse présager le meilleur pour le quatuor.
Organisation : VK
Avant de se produire en concert au cours de la soirée, O’Death avait déjà accordé un set l’après-midi. Un mini-concert quasi acoustique destiné aux enfants. Une initiative particulièrement intéressante et surtout éducative, imaginée par l’Aéronef. Une belle manière de préparer les futurs mélomanes aux spectacles et surtout les plonger dans l’univers de la musique. Le tout s’opère dans une atmosphère ludique et sous la surveillance des parents. Actuellement ces événements se déroulent une fois par mois et sont gratuits. Attention, les parents ne sont admis que s’ils accompagnent leur progéniture. Profitons-en également pour féliciter les artistes qui acceptent de participer à ce type de spectacle, en adaptant leur musique à cette audience enfantine.
Mais revenons à la soirée, pour laquelle, 31Knots était prévu en première partie. Un trio issu de Portland qui déménage, c’est le moins que l’on puisse dire. Grand, vêtu d’un costard blanc, Joe Haege déboule sur la scène, mais en venant de l’arrière de la salle. Il porte une valise à la main, qu’il dépose sur le podium. Il commence alors à se dévêtir, laissant alors apparaître une succession de costumes, en un temps record. Mais plus jamais, il ne revêtira son trois-pièces immaculé. Il change d’ailleurs de fringues tout au long du spectacle. Et lorsqu’il n’en a plus assez, il les puise dans sa valoche. Le strip-tease s’arrête cependant au caleçon long. Et le déguisement s’achève par un uniforme de G.I. en permission. J’allais oublier l’essentiel, c’est aussi et surtout le chanteur/guitariste. Jay Winebrenner, le bassiste, est coiffé de son habituel bonnet sibérien. Il l’enlève très rarement. Et passe à la guitare, lorsque Joe se concentre uniquement au chant. Derrière, Jay Pellicci, cogne ses fûts avec une détermination et une précision jamais prises en défaut. La musique de 31Knots n’est pas facile à encaisser, les changements de tempi fréquents, oscillant du très rapide à l’extrêmement lent, en passant par le spasmodique ; mais elle est bigrement bien ficelée et très puissante, surpuissante, à la limite assourdissante. Joe est un showman hors pair. Il descend dans le public à plusieurs reprises, micro, pied de micro ou guitare à la main. Il titube, trébuche, se roule par terre, tombe dans les bras d’une fille ; et, en fin de parcours, nous gratifie d’un solo à la Carlos Santana. Jay, le suit une seule fois dans la fosse, pour s’y asseoir et continuer à gratter son manche. Et à l’issue de cette tempête, le public a réclamé un rappel. Que le trio a accordé. Une fameuse claque et déjà des acouphènes, avant de passer au groupe suivant…
En l’occurrence O’Death. Un quintet newyorkais dont le style campe un cocktail de country, de folk, de punk, de bluegrass et de rock, parfumé de saveurs tziganes, gothiques, jazz et roots. En outre, sur les planches, trois des musiciens (le bassiste, le violoniste et le drummer) ont un look de métalleux (NDR : les chevelures !). Après un morceau, ils sont d’ailleurs torse-nus arborant de magnifiques tatouages sur le corps. Le reste du line up implique un joueur de banjo, qui se charge épisodiquement de l’ukulélé tout en assurant la seconde voix et le chanteur/guitariste Greg Jamie. Et ce quintet va nous dispenser un set de brève durée, mais particulièrement entraînant, tourmenté, débordant de passion. Seul Jamie reste calme, impassible, au beau milieu de la tourmente, et de son falsetto bouleversant qu’il accompagne de sa sèche, il prend un soin particulier à soigner la mélodie. Tour à tour, Bob Pycior au violon et Gabe Darling (NDR : les cheveux roux, il ne peut qu’être de descendance irlandaise !) au banjo (dont la lanière est constituée de chiffons noués) se réservent un billet de sortie. Aux drums, David-Roger Berry participe également au show. Tantôt, il frappe comme un malade sur ses peaux. L’instant suivant, son drumming est plus souple ou allègre. Il a également l’art de faire tournoyer ses sticks entre les doigts. Parfois, il se lève, monte sur sa batterie, et empoigne la barre de jeux de lumières qui se trouve juste au-dessus de lui. Il a placé une chaîne sur une de ses caisses et remplacé un tom par une poubelle en plastique. Ses cymbales ont des kilomètres. Aussi, pour les renforcer, il fixe, de temps à autre, une seconde de plus petite taille, sur la plus grande. Lors des rappels, il va même accrocher un tambourin sous son pied droit. Enfin, beau gosse, Jesse Newman (NDR : il est roux également !) balise le groove de ses accès de basse. Mais chez cet ensemble, si les compos dérapent parfois dans la frénésie, leur technique n’est jamais prise en défaut.
Le combo va accorder deux rappels, et lors du second se fendre d’une superbe reprise du « Nimrod’s Song » des Pixies. Le public en veut encore, mais le groupe est cuit. Il est en fin de tournée européenne et David-Roger a d’ailleurs démantibulé sa batterie après le dernier morceau. N’empêche, on a vécu deux bons concerts, ce soir…
Organisation Aéronef.
Avant de se produire en concert au cours de la soirée, O’Death avait déjà accordé un set l’après-midi. Un mini-concert quasi acoustique destiné aux enfants. Une initiative particulièrement intéressante et surtout éducative, imaginée par l’Aéronef. Une belle manière de préparer les futurs mélomanes aux spectacles et surtout les plonger dans l’univers de la musique. Le tout s’opère dans une atmosphère ludique et sous la surveillance des parents. Actuellement ces événements se déroulent une fois par mois et sont gratuits. Attention, les parents ne sont admis que s’ils accompagnent leur progéniture. Profitons-en également pour féliciter les artistes qui acceptent de participer à ce type de spectacle, en adaptant leur musique à cette audience enfantine.
Mais revenons à la soirée, pour laquelle, 31Knots était prévu en première partie. Un trio issu de Portland qui déménage, c’est le moins que l’on puisse dire. Grand, vêtu d’un costard blanc, Joe Haege déboule sur la scène, mais en venant de l’arrière de la salle. Il porte une valise à la main, qu’il dépose sur le podium. Il commence alors à se dévêtir, laissant alors apparaître une succession de costumes, en un temps record. Mais plus jamais, il ne revêtira son trois-pièces immaculé. Il change d’ailleurs de fringues tout au long du spectacle. Et lorsqu’il n’en a plus assez, il les puise dans sa valoche. Le strip-tease s’arrête cependant au caleçon long. Et le déguisement s’achève par un uniforme de G.I. en permission. J’allais oublier l’essentiel, c’est aussi et surtout le chanteur/guitariste. Jay Winebrenner, le bassiste, est coiffé de son habituel bonnet sibérien. Il l’enlève très rarement. Et passe à la guitare, lorsque Joe se concentre uniquement au chant. Derrière, Jay Pellicci, cogne ses fûts avec une détermination et une précision jamais prises en défaut. La musique de 31Knots n’est pas facile à encaisser, les changements de tempi fréquents, oscillant du très rapide à l’extrêmement lent, en passant par le spasmodique ; mais elle est bigrement bien ficelée et très puissante, surpuissante, à la limite assourdissante. Joe est un showman hors pair. Il descend dans le public à plusieurs reprises, micro, pied de micro ou guitare à la main. Il titube, trébuche, se roule par terre, tombe dans les bras d’une fille ; et, en fin de parcours, nous gratifie d’un solo à la Carlos Santana. Jay, le suit une seule fois dans la fosse, pour s’y asseoir et continuer à gratter son manche. Et à l’issue de cette tempête, le public a réclamé un rappel. Que le trio a accordé. Une fameuse claque et déjà des acouphènes, avant de passer au groupe suivant…
En l’occurrence O’Death. Un quintet newyorkais dont le style campe un cocktail de country, de folk, de punk, de bluegrass et de rock, parfumé de saveurs tziganes, gothiques, jazz et roots. En outre, sur les planches, trois des musiciens (le bassiste, le violoniste et le drummer) ont un look de métalleux (NDR : les chevelures !). Après un morceau, ils sont d’ailleurs torse-nus arborant de magnifiques tatouages sur le corps. Le reste du line up implique un joueur de banjo, qui se charge épisodiquement de l’ukulélé tout en assurant la seconde voix et le chanteur/guitariste Greg Jamie. Et ce quintet va nous dispenser un set de brève durée, mais particulièrement entraînant, tourmenté, débordant de passion. Seul Jamie reste calme, impassible, au beau milieu de la tourmente, et de son falsetto bouleversant qu’il accompagne de sa sèche, il prend un soin particulier à soigner la mélodie. Tour à tour, Bob Pycior au violon et Gabe Darling (NDR : les cheveux roux, il ne peut qu’être de descendance irlandaise !) au banjo (dont la lanière est constituée de chiffons noués) se réservent un billet de sortie. Aux drums, David-Roger Berry participe également au show. Tantôt, il frappe comme un malade sur ses peaux. L’instant suivant, son drumming est plus souple ou allègre. Il a également l’art de faire tournoyer ses sticks entre les doigts. Parfois, il se lève, monte sur sa batterie, et empoigne la barre de jeux de lumières qui se trouve juste au-dessus de lui. Il a placé une chaîne sur une de ses caisses et remplacé un tom par une poubelle en plastique. Ses cymbales ont des kilomètres. Aussi, pour les renforcer, il fixe, de temps à autre, une seconde de plus petite taille, sur la plus grande. Lors des rappels, il va même accrocher un tambourin sous son pied droit. Enfin, beau gosse, Jesse Newman (NDR : il est roux également !) balise le groove de ses accès de basse. Mais chez cet ensemble, si les compos dérapent parfois dans la frénésie, leur technique n’est jamais prise en défaut.
Le combo va accorder deux rappels, et lors du second se fendre d’une superbe reprise du « Nimrod’s Song » des Pixies. Le public en veut encore, mais le groupe est cuit. Il est en fin de tournée européenne et David-Roger a d’ailleurs démantibulé sa batterie après le dernier morceau. N’empêche, on a vécu deux bons concerts, ce soir…
Tracklisting
Home
Only Daughter
Adelita
Spider Home
Underwar
Fire on Pestigho
Mountain shifts
Hogtie
Low tide
Down to reest
A light that does not dim
Rappels
Nathaniel
Nimrod’s song
Organisation Aéronef.
Du mercredi 18 au samedi 21 février, le Botanique accueillait la 9e édition de la Boutik Rock. Un rendez-vous devenu incontournable pour les amateurs et les professionnels. Et pour cause, ils ont l’opportunité de se rencontrer. Une initiative du ministère de la Communauté Française. Pour cette nouvelle édition, la programmation pop/rock avait été élargie aux formations de hip hop ou plutôt –devrais-je dire– de ‘musiques urbaines’.
Etre sélectionné parmi les groupes belges émergents, c’est une sacrée aubaine. Une opportunité destinée à séduire, non seulement un public curieux et friand de nouveautés, mais surtout à inciter les organisateurs belges et étrangers, qui se sont déplacés pour la circonstance, de programmer ces groupes au cours de l’année. Une des rares initiatives servant à promouvoir la musique dans un lieu reconnu …
Pendant quatre soirées, 7 groupes se sont relayés entre la Rotonde et l’Orangerie. Hormis The Moon Invaders, venu confirmer la puissance de son ska, ces groupes en devenir offrent de belles perspectives à la musique made in Belgium. On soulignera la diversité des genres : le metal de Suicide of Demons, les ensembles festifs Balimurphy et Pablo Andres, l’indie représenté par Auryn, la scène hip hop illustrée par Veence Hanao et Invaderz. Une brochette d’artistes dont certains font déjà parler d’eux depuis quelques semaines.
Zoom sur samedi soir où Les Héritiers et Komah n’ont pas ménagé les guitares électriques ni leurs cordes vocales. Du rock métalleux à plein poumons. Pour les amateurs conquis, Komah offrait sa démo à la sortie. Une façon sympa de transmettre le son en dehors des MySpace et autres sites de streaming.
Après la foudre et les éclairs, Lionel Solveigh est apparu comme un rayon de soleil qui perce à l’horizon. Tout en douceur, de la chanson folk, authentique et jouée magistralement par un multi-instrumentiste. A l’aide de sa guitare, de son harmonica ou de son ukulélé, il nous a prouvé que, parfois, il ne faut pas être à 5 sur scène pour séduire le public.
Nestor ! ne laisse pas indifférent non plus. Un répertoire résolument plus post-rock et sans fioritures. On ressent inévitablement les influences de Radiohead et de Franz Ferdinand.
Je dois avouer que revoir les Bikinians en ‘live’ m’avait laissé sceptique. Et pourtant, depuis les Fêtes de Wallonie, au cours desquelles j’avais eu l’occasion de les découvrir, il faut reconnaître que le combo a pris de l’assurance. Leur rock punk s’est affirmé. Il balance tout en demeurant modéré. En quelques mois, les musiciens ont appris à apprivoiser beaucoup mieux la scène et s’épuisent moins. Le résultat en est d’autant plus persuasif.
papa dada. Franchement, leur prestation était quelconque et ils ne m’ont pas du tout convaincus. Pourtant lauréat du concours Court-Circuit, ils proposent une pop british gentille. Les compositions sont fades par rapport à la palette artistique sévissant actuellement en Belgique.
Les courageux restés sur place après minuit ont pu admirer ces extra-terrestres venus déchirer nos tympans. J’ai nommé UFO Goes UFA. Des musiciens à la pointe, un chanteur déjanté et des compositions électrisantes…
Un repos bien mérité après avoir découvert le rock sous toutes ses coutures. La Boutik Rock s’ouvre et s’enrichit. Espérons que l’année prochaine d’autres genres musicaux seront proposés. La richesse culturelle se construit aussi sur base de la promotion de musiques qui ne sont pas nécessairement pop/rock ou folk. Un grand pas dans ce sens est en marche depuis un peu plus d’un an ! Pourquoi ne pas rebaptiser l’événement : ‘La Boutik des Musiques Actuelles’ ?
Les Héritiers – Komah – Lionel Solveigh – Nestor ! – Bikinians – papa dada – UFO Goes UFA.
Dominée par le ska, la veille, l’affiche de ce samedi 21 est plus éclectique. Plusieurs groupes flamands ont été invités, confirmant ainsi que la culture rock est bien mieux implantée au Nord du pays qu’en Wallonie. Le public est plus mûr que celui du vendredi, aussi. Et même s’il est moins nombreux (800 entrées pour 1000, le premier jour), le bar tourne nettement mieux. Les quelques ados sirotant un coca avec leur sucette, ont laissé place à des rockers avertis, qui profitent également d’une troisième scène installée près du bar. Tout ces éléments communiquent une véritable ambiance rock’n’roll au festival… Hey, ho, let’s go !
Et notre journée commence à 15h15, par Haircuts That Kill, un groupe régional qui pratique du métal old school. Faut dire que la formation est composée de ‘vieux’ routiers vouant un culte à Iron Maiden. Deux guitares (dont une Flying V) friands de soli, une basse, une batterie et un chanteur à la voix écorchée. Ca ne nous rajeunit pas…
Peu de monde pour assister au set de Khâro, duo qui a gagné l’Open Stage de Mouscron. Un couple issu du Nord de la France composé du guitariste Eric Karolewicz et de la chanteuse Caroline Hembise. Lui, n’est plus tout jeune, mais franchement, il a un toucher de guitare assez impressionnant, rappelant parfois Vini Reilly (Durutti Column), notamment dans l’art de maîtriser la reverb. Elle possède un timbre cristallin, réminiscent de Lisa Gerrard (Dead Can Dance). Et puis, il y a une boîte à rythmes. On est à nouveau replongé au sein des eighties, mais dans un univers mélancolique, visionnaire, gothique, propice à l’envoûtement. Dommage ces jeux de lumières totalement à côté de la plaque. A revoir dans un petit club et surtout à suivre de très près…
Ce n’est pas la première fois qu’Adolina se produit au d’Hiver Rock. Faut dire que la formation tournaisienne existe depuis 1998. En pratiquant quelque chose comme du post-emo-punk-core. En dix années d’existence, le band n’est toujours pas parvenu à (ou n’a pas souhaité) faire évoluer son style. Après deux titres, on s’est donc éclipsés…
Hormis un des deux guitaristes, le quatuor Perils Of Penelope est constitué de très jeunes musiciens. Le drummer doit avoir à peine 14 ans. A croire qu’ils sortent du conservatoire. Le look très clean, ces excellents instrumentistes pratiquent un post rock mâtiné de prog. Un peu comme s’ils célébraient une rencontre hypothétique entre Explosions In The Sky et Yes. Dommage qu’il n’y ait pas de vocaliste. Un falsetto, par exemple. Ils devraient même risquer d’envoyer une invitation à Jon Anderson…
The Big Royal Kunamaka Orchestra nous vient de Clermont-Ferrand. Il reconnaît pour influences majeures le Fantomas de Mike Patton et System Of A Down, et n’hésite pas à incorporer, dans sa solution sonore rock, pop, salsa, valse, métal, grindcore ou black metal. Mwouais ! Enfin, c’est ce qui est écrit dans la bio. En fait, leur muse est un peu trop calquée sur Muse…
Tang est encore un groupe d’emo. Il nous vient de Lille et réunit des musiciens particulièrement talentueux. L’intensité est permanente. Le climat sombre. Les arrangements impeccables. Mais la voix du chanteur est atroce. Il braille, hurle, vocifère et oublie de chanter. Quel gâchis !
PPZ30 devient un habitué du D’Hiver Rock. Il devait jouer plus tard, mais a remplacé Kabukibuddah, dont le parcours depuis Lyon avait été solidement perturbé. Pas de mauvaise surprise, puisque la formation belge est toujours aussi excitante sur les planches (NDR : oui, les albums deviennent de plus en plus pénibles). Une et un trompettistes, un drummer, un guitariste (NDR : coiffé d’impressionnantes dreadlocks) très porté sur les accords métalliques, un bidouilleur ainsi que notre showman Bruce Ellison, réputé pour ses onomatopées caractéristiques (NDR : parfois on se demande s’il chante ou se mouche). Le backing group assume à la perfection. Résultat des courses on aura droit à un bon set de PPZ30 rappelant le funk metal des Fishbone ou autre Red Hot Chili Peppers de la fin des eighties (NDR : encore !)
Barbie Bangkok est une formation issue du Nord du pays. Elle a été révélée par le Rock Rally de Humo. Elle a ainsi été finaliste, la même année que les Van Jets et Absynthe Minded. A l’instar des B52’s, le groupe s’appuie sur deux filles aux claviers. Dont une joue aussi de la basse. Et il faut reconnaître que la musique de la mythique formation d’Athens a exercé une influence sur celle de Gand. Leur pop/rock, catchy, groovy est très dansant. Les voix alternées et les harmonies vocales très caractéristiques. Et puis les musiciens font preuve l’humour et du détachement. Quant à leur petit côté funky, ils l’ont certainement puisé chez Talking Heads. Alors surprise, le guitariste Rodrigo Fuentealba est également de la partie. Il apporte également sa collaboration à Novastar ainsi qu’à Gabriel Rios, mais avait surtout participé à l’aventure du défunt Fifty Foot Combo. Le quintet va terminer son set par une cover du « I’m coming out » de Dionne Warwick, popularisée par Donna Summer (NDR : et encore, pas sûr que ce soit celle-là !)
L’un des grands moments de la soirée et, n’ayons pas peur des mots, de ce festival, nous viendra de l’Enfance Rouge. Non, l’ensemble n’est pas Suisse, comme on aurait pu le croire, mais italo-franco-tunisien. Après un passage remarqué au festival de Dour, il y a quelques années, ce sextet a encore décidé de frapper fort. D’un côté, il y a les Européens. Une bassiste/chanteuse (Chiara Locardi) qui s’installe au milieu de la scène (NDR : elle ressemble à Kim Gordon !), un guitariste/chanteur (François-Régis Camuzat) dont le timbre et les attitudes peuvent rappeler Franz Treichler (Young Gods), planté à droite, et un drummer qui se place sur la gauche du podium, de profil (Jacopo Andreini). De l’autre, les musiciens français d’origine maghrébine. Soit un percussionniste (Wassim Derbel ?) assis. Au fond à droite, un violoniste (Zied Zouari), perché sur une chaise haute (NDR : il descendra de son perchoir au milieu du show pour accorder une intervention époustouflante) et juste à côté de lui, une joueuse de qânun (Hend Zouari). Un instrument qui ressemble à une cithare, mais qu’elle pince à l’aide de doigtiers en métal. Et ce mélange harmonieux entre noisy (NDR : Sonic Youth ?) et culture arabe est absolument savoureux. La rencontre entre intensité électrique et mélopées orientales fait absolument merveille. Pas de world ici, cependant, mais un style atypique susceptible de provoquer des moments d’exaltation. La combustion sonore est souvent lente, avant d’exploser dans un déluge d’énergie pure. On en oublierait presque les lyrics particulièrement engagés, prolétaires, donc rouges et surtout anti-USA. Même si en fin de parcours, la salle n’est plus qu’à moitié remplie, les mélomanes apprécient. Ils sont aux anges. Ils applaudissent chaleureusement. Et nous aussi. Ce qui nous vaudra un des rares rappels à avoir dépassé le timing. Mais cela en valait la peine…
Changement de salle et de style, en compagnie des ‘west-vlamingen’ de Balthazar. Originaire de Courtrai, qui n’est rappelons-le, qu’à une vingtaine de kilomètres du lieu du festival, cette formation bénéficie d’une certaine popularité au nord du pays. Une popularité renforcée par la participation à des concours (NDR : celui du Rock Rally de Humo, par exemple) et le passage dans des talk-shows sur les chaînes flandriennes (NDR : ah, pourquoi n’avons-nous pas la même culture en Wallonie ?) Studio Brussel (NDR : Allo Pure FM !) a également mis la gomme pour soutenir Balthazar, en intégrant leurs singles dans le top de leur ‘Afrekening’ (NDR : la hitlist alternative de la radio rock du pays). Sur scène, les boîtes à rythme se marient bien au violon. Malgré leur jeune âge, le groupe semble déjà bien en place et rôdé sur scène. L’un des chanteurs possède une dégaine à la Stephen Malkmus (Pavement), et jouit d’un timbre vocal séduisant. Violoniste, mais également chanteuse, Patricia Vanneste me fait parfois penser à Sarah Neufeld d’Arcade Fire. Certains titres joués ce soir rappellent même les débuts de dEUS. Bref, un groupe à voir et à revoir ; et, espérons le pour eux, un avenir prometteur.
Ce samedi donc une troisième scène avait été installée près du bar. Vu la proximité du public et des pompes à bières, on y baignait au sein d’une ambiance punk et rock’n’rollesque. Et les Bruxellois de Nervous Shakes s’y intègrent parfaitement. Leur image est soignée, voire précieuse. Certains membres ont même copié leur look sur des mythes du passé. On a ainsi ressuscité les défunts Lux Interior (Cramps) et Joey Ramone ou encore réincarné le David Bowie de l’époque « Heroes ». Et leurs compos passent allégrement d’un punk basique à deux accords, au rockabilly dansant, tout en lorgnant vers le surf rock. Le public apprécie, mais en poussant constamment les caricatures vers les extrêmes, le set finit par lasser.
Pendant ce temps, les Washington Dead Cats miaulent sur la scène Noté. Il y a 25 ans, ce groupe signait chez le label Bondage. Oui, oui, le fleuron du rock alternatif, et des Béruriers noirs, en particulier. Pas étonnant que dans la salle on croise de nombreux quadragénaires arborant des tee-shirts de cette époque. On en a même vu à l’effigie de ‘La souris déglinguée’. Mais sur les planches, le style de Français oscille entre rock/punk alternatif et rockabilly plus classique ou ce qu’on étiquette habituellement de punkabilly. Le chanteur Mat Firehair ne cache pas son admiration pour Elvis et les Clash. Deux références qui donnent une idée plus ou moins exacte du style pratiqué par ce groupe. La générosité et le dynamisme de Mat Firehair faisant le reste. Bref, l’un des moments forts de ce festival… pour les amateurs du genre du moins.
Issu de Ternat, Freaky Age est né en 2003. A cette époque, la moyenne d’âge du combo oscillait autour de 14 ans. Trois ans plus tard, le quatuor participe à la finale du ‘Rock Rally’ de Humo, devenant ainsi les plus jeunes finalistes à avoir jamais joué sur la grande scène de l’AB. Leur pop/rock est énergique et leurs mélodies urgentes, le timbre vocal de Lenny Crabe (NDR : les cheveux longs sur lesquels sont vissés un petit chapeau) campe un hybride entre Julian Casablancas (NDR : des Strokes) et Billie Joe Armstrong (NDR : de Green Day). Deux guitares, dont celle de Lenny, une basse et des drums. Classique ! Une dégaine rock’n roll/garage. Pas étonnant que le groupe reconnaît pour influence majeure les Strokes. En fin de parcours, le groupe va nous gratifier d’une version très personnelle et particulièrement réussie du « Pinball Wizard » du Who.
Un trio monte sur le podium en jogging. Il s’agit de Kaboukkibuddah, une formation lyonnaise au nom quasi imprononçable et dont le style n’est guère identifiable. Il y a du rock, du jazz, du funk, de la noise et de l’humour (NDR : français). Et puis un jeu de scène complètement farfelu et énervé. La chanteuse passe allègrement du clavier, au violoncelle en transitant par la batterie. Le chanteur/guitariste possède une voix sinusoïdale. Le batteur a un look à la Frank Zappa, à moins que ne ce soit à la Omar Rodriguez-Lopez (Mars Volta, At The Drive-In). Il joue aussi du trombone à coulisses et chante d’un timbre écorché rappelant Tom Waits. Bref, les musiciens n’arrêtent pas de brouiller les pistes, déjà fort glissantes de leur expression sonore. Quelque part entre Sloy, Dead Kennedys ou Didier Super, leur spectacle complètement déjanté fait rire. Et c’est ce que recherche le trio. Pari donc gagné pour Kaboukkibuddah (NDR : à vos souhaits !)
La soirée se clôture par la prestation d’un groupe flandrien (NDR : un de plus !) : A Brand. Ces Anversois (NDLR : et oui, toujours Anvers, véritable mine d’or du rock belge) déboulent en proposant un jeu de scène très original. Parfaitement disposés comme sur un échiquier, leur batteur occupe une position centrale, alors que les quatre autres musiciens/chanteurs se postent en tandem, de chaque côté du drummer. Leurs costumes de scène très 60’s me rappellent les Hives, même s’ils ont ajouté une petite touche kitch à la Abba ! Ce sont d’ailleurs deux courants qui semblent canaliser leur flux sonore, soit un rock/garage/punk dont les remous sont provoqué par du disco décalé. Une approche oblique qu’ils accentuent dans leur chorégraphie simpliste mais bien cadencée et synchronisée. Et finalement le show est plutôt agréable à regarder et écouter ; mais il se fait tard, et le public est de moins en moins nombreux. Une petite centaine de spectateurs, tout au plus, a encore la patience d’assister à leur prestation… Et personnellement, vu la fatigue, nous leur consacrerons ultérieurement un article plus conséquent. A tête reposée. Lors d’un de leurs prochains concerts, qui devraient se multiplier, vu leur potentiel…
A l’année prochaine !
C’est à la formation régionale Lucie Carton que revenait l’honneur d’ouvrir les hostilités. Ils sont neuf sur scène et proposent une musique festive rappelant Les Négresses Vertes. Différence, les vocaux sont essentiellement partagés entre une très jolie vocaliste au timbre limpide et un lutin enthousiaste (NDR : circonstanciellement, aussi guitariste). Elle, souriante, soufflant un véritable vent de fraîcheur tout au long du set ; lui et ses inflexions théâtrales. Ils traitent, dans leurs lyrics, de questions relatives à la vie et à son absence. Le reste du groupe se partage guitares, basse acoustique, backing vocaux, djembé et accordéon. Ce dernier, Pedro, apporte une touche cabaret particulièrement judicieuse à l’ensemble. Sans oublier les deux cuivres. C’est malheureusement ici que le bât blesse, car ils ne sont pas toujours en phase. Dommage, car le collectif dispose d’un fameux potentiel…
Autre formation locale, Cova 10 pratique un mélange de ska, de rock et même de dub. La musique dispensée par ce sextuor ne maque pas d’énergie ni d’enthousiasme, le chanteur affiche même une belle assurance comme showman. Les sonorités des claviers passent aisément du vintage au moog. Mais le tout manque cruellement d’originalité…
Jaya The Cat est né aux States. A Boston, très exactement. C’était au début des années 2000. Lors d’une tournée en Europe, le groupe décide de rester sur le Vieux Continent et de s’installer à Amsterdam. Depuis, le line up a connu de multiples modifications. Il ne demeure d’ailleurs plus que le chanteur/guitariste Geoff Lagadec, comme membre original, le drummer, David ‘The Germ’ Germain, n’ayant rejoint la formation qu’un peu plus tard. Ce sont également les deux derniers Yankees, le reste du combo étant constitué de Bataves. Leur set est très pro ; mais si le cocktail laidback de ska, de punk rock et de reggae proposé est impeccable, il souffre à nouveau d’un manque flagrant d’originalité. On retiendra surtout les poses de Geoff, dont les manipulations de sa six cordes valent le détour. Il joue de sa gratte en la serrant très haute contre sa poitrine, mais la tient aussi parfois comme un sac à main, par le corps, lorsqu’il se concentre sur son micro…
La première révélation du d’Hiver Rock nous est venue de la formation française Le Gros Tube. Une fanfare ? Oui, mais mieux encore qu’une fanfare. Un collectif déambulatoire de huit musiciens où on retrouve un sax, une trompette, un trombone à coulisses, un banjo, un sousaphone et une grosse caisse. Sans oublier la caisse claire garnie de cymbales. En fait, si vous avez déjà assisté à un concert de la formation hexagonale Ils Marchent Debout, vous devriez vous faire une idée précise de la manière dont joue ce drummer ambulant. Son tambour et ses accessoires sont fixés à hauteur de la ceinture, pour lui permettre de circuler sur les planches. Le style musical s’inscrit cependant davantage dans l’esprit de Mardi Gras BB. Parce que leur mélange de funk et de jazz est teinté de dixieland. Ca swingue, ça met l’ambiance et impossible de rester de marbre face à un show aussi irrésistible. Si bien qu’en fin de parcours, il n’y avait plus un seul spectateur qui ne remuait pas au moins la tête ou les jambes…
Le plus gros succès de foule sera décroché, cependant, par les régionaux de Skarbone 14. Dès 20h35, la salle est comble. Et les pogos ainsi que les jumps se multiplient au sein du public. Pas de doute formation joue à domicile, et l’audience, constituée majoritairement d’ados, lui est entièrement acquise. Néanmoins, il faut avouer que les musiciens ne se sont pas contentés de se reposer sur leurs lauriers. Faut dire qu’au cours des dernières années, ils ont multiplié les échanges avec d’autres groupes, participé à des festivals réputés comme Couleur Café ou figuré à l’affiche de Dour, à plusieurs reprises. Et puis leur attitude scénique est beaucoup plus professionnelle. Ainsi, la position des cuivres, est davantage mise en évidence. En outre, leur dernier album « Délivré sans ordonnance », a été enregistré au sein des déjà célèbres studios bruxellois ‘Rising sun’, sous la houlette de Rudy Coclet (NDR : oui, oui, rien que ça !) Respect donc pour ce groupe, même si ce n’est pas notre tasse de thé. D’ailleurs si les autres formations qui se sont produites au cours de la soirée nous ont davantage bottés, il faut admettre que Skarbone 14 a décroché la palme de l’applaudimètre et du succès de foule…
Grosse déception cependant pour La Ruda, pourtant présenté et pressenti comme la grosse tête d’affiche de ce festival. Un set annoncé sous une version acoustique. Mais de l’acoustique largement électrifiée ; car les guitares et la basse étaient bien branchées. Bien sûr, le jeu de scène et le light show se sont révélés à la hauteur, plongeant le public au sein d’une ambiance cabaret. Encore que cette atmosphère au départ intrigante contrastait trop par rapport à l’attitude du chanteur. A son look rétro. A son air un peu trop sérieux pour un tracklisting constitué titres punk-rock. Bref ça ne collait pas. Pourtant la voix nasillarde de Pierrot (NDR : auteur, compositeur et chanteur) est toujours aussi caractéristique, rappelant celles des groupes de rock français dits ‘alternatifs’, comme Bérurier Noir. Mais très vite, le spectateur lambda (NDR : et nous aussi) finit par décrocher. La Ruda nous avait habitués à des sets explosifs (NDR : à l’instar de ceux accordés au festival de Dour), et le live de 2000, « La Ruda Salska en concert » en est le plus beau témoignage. Coïncidence, mais leur dernier opus en date, « Les bonnes manières » est plutôt décevant. La formation angevine serait-elle sur le déclin ?
Nettement plus percutant que la Ruda, Percubaba va mettre, pour la dernière fois de cette soirée, le feu à la salle Lucas. La musique de Percubaba est le fruit d’un mélange improbable, mais réussi, entre le ska, le reggae, le hip-hop et le punk-rock. Sur les planches, trois chanteurs se relaient, dans un style qui n’est pas sans rappeler les délires de Massilia Soundsystem, même si l’expression sonore lorgne davantage vers les Ogres de Barback, les Fils de Teuhpu ou encore Babylon Circus. Bref, le spectacle est agréable à écouter, mais aussi à voir. Très sympathiques, les membres du groupe n’hésitent pas à communiquer leur bonne humeur (NDR : une carence chez La Ruda). Quoique distribué par Pias, le groupe pratique aussi ce bon vieux principe d’auto-distribution, et accueille lui-même les fans à son stand avant le concert. Pas étonnant que le public lui rende bien cet enthousiasme. Enfin ce qu’il reste du public ; car une bonne frange des plus jeunes, qui n’avaient probablement pas obtenu la permission de minuit, sont rentrés sagement à la maison.
La fatigue commence à se faire sentir. Il est donc l’heure également de retrouver les bras de Morphée. Reste encore le set des régionaux de la DK Danse. Mais demain, une longue journée nous attend, et on se contentera de recueillir, le lendemain, les échos de la prestation de ce combo alliant l’electro/hip-hop au free-jazz.
Nouvel ouvrage, nouveau spectacle. Le week-end dernier l’‘Infréquentable’ Bénabar s’est arrêté deux soirs de suite à Bruxelles afin d’y présenter ses dernières compos. Première étape, une Ancienne Belgique comble.
L’avant-programme était assuré par Charlotte Marin, petite pile électrique blonde venue présenter son condensé d’humour en chanson, « Et en plus, je cuisine… ». En fusion avec l’assistance, Marin s’est montrée à la fois pleine de sagesse (« Jamais revoir ses ex », « Demain j’arrête ») et déraisonnable (« Crazy du Shopping », « Croqueuse d’homme »). La jeune femme deviendra très probablement une artiste incontournable dans un futur proche.
A l’heure du show de Bénabar, un homme se dresse dans l’obscurité à l’arrière de la scène, micro à la main. Les demoiselles hurlent, attendant impatiemment que le chanteur se retourne et leur en apprenne plus sur « L’effet papillon ». Mais, contre toute attente, le petit malin apparaît sautillant sur la scène, par la gauche. Tandis que le leurre se retire tranquillement, Bénabar happe son public dès les premières secondes de son show. Entre son essai éponyme et « Infréquentable », l’interprète passe en revue le meilleur de sa discographie. Et il suffit de voir les –très– larges sourires sur le visage de l’assistance féminine pour savoir que le spectacle fait mouche. Une chose est sûre, le rendez-vous est pris le lendemain soir au Cirque Royal !
Pour visionner les photos du concert, voir rubrique ‘Live Photos’.
Organisation : Ubu
Depuis deux ou trois ans, l’Ancienne Belgique organise ponctuellement ses ‘now_series’. Chaque édition de ces sympathiques soirées à petit prix accueille de quatre à cinq formations opérant dans le même genre musical. Ce jeudi 19 février, la salle bruxelloise accueillait Anderson, Casiokids et, en tête d’affiche, Soldout. Trois formations résolument electro-pop introduites par le Dj set de MVSC.
MVSC (Jean Montevideo vs. Cosy Mozzy) donnait donc le ton de la soirée, lors d’un set qu’une arrivée tardive ne me permet pas de retranscrire dans ces lignes. Juste le temps de distinguer les dernières notes d’une formation (Montevideo ?) qui clôturait le show des DJs à 20h30, heure à laquelle les Amstellodamois d’Anderson débutaient leur show à l’ABClub. Le duo, révélé par le sympatoche « weareradioanderson » publié en 2005, venait présenter son nouvel ouvrage, « It Runs In The Family ». Dissimulés derrière leurs synthés, Bas et Jeroen balancent leurs ritournelles attendrissantes en toute simplicité, les très bons singles « Imagine You In Front Of Me » et « Trevor * On The Dancefloor », en tête. Une demi-heure et quelques bières plus tard, une ABBox pleine à craquer accueillait déjà la tête d’affiche de la soirée.
Emballés par « Cuts », la nouvelle fournée de Soldout, on était impatients d’assister à sa retranscription ‘live’. Charlotte et David, tout de noir vêtus, apparaissent sur une scène plongée dans une quasi-obscurité, à l’image de « Cuts ». Les premières basses de « The Call » s’échappent des baffles et la réponse du public est immédiate. De part en part, l’ABBox est secouée de vibrations tandis que le duo enchaîne sur plusieurs morceaux de ce second essai, pratiquement dans l’ordre présentés sur le disque. Peu loquace, la formation bruxelloise remercie tout de même son public avant de reprendre sans cérémonie l’un de ses premiers tubes, « I Can’t Wait ». Pourtant convaincants pendant toute la première partie de son spectacle, Soldout s’est montré relativement décevant par la suite. Sans aura ni énergie, le duo semble être entré sur le mode pilote automatique. Le rendu des compositions suivantes tombe relativement à plat bien, même si le hit final, « I Don’t Want To Have Sex With You » parvient à relancer la machine. Un peu tard…
Chargés de clôturer la soirée sur la scène de l’ABClub, les cinq gaillards de Casiokids se sont une nouvelle fois montrés à la hauteur. Après une première apparition sur les planches en première partie de of Montreal, les Norvégiens ont assuré un set sautillant et sans fausse note. Le leader de la bande n’a d’ailleurs pas hésité à se joindre au public l’espace d’un morceau au titre imprononçable. Leur electro-pop irrésistible va très certainement parler d’elle dans les prochains mois, la formation publiant son nouvel essai sur le très bon label Moshi Moshi, ce 2 mars.
Pour mater les photos de cette soirée fortes en bleeps & beats, rendez-vous à la rubrique ‘Live Photos’.
Organisation : Ancienne Belgique
Nederlands 
Français 
