Publié pour la première fois en septembre 2007, l’œuvre introductive de A Place To Bury Strangers était, à l’époque, passée quasiment inaperçue. Et pour cause, le recueil n’avait été tiré qu’à 500 exemplaires ! Encouragé aujourd’hui par le renouveau du Shoegaze, ainsi que par une fructueuse tournée en première partie des incontournables MGMT, le trio édite enfin à grande échelle son excellent éponyme. En 2006, les Suédois de 120Days remettaient le shoegaze au goût du jour. Depuis, aucune autre formation du genre n’avait réussi à tirer son épingle du jeu. C’était sans compter sur A Place To Bury Strangers, qui reprend plus qu’honorablement le flambeau, allant au-delà des limites que 120Days s’étaient imposées.
Enrichie de cinq nouveaux morceaux, cette première œuvre constitue une véritable ode à Jesus & the Mary Chain, circa « Psychocandy ». Les compos sont marquées par l’alliance parfaite entre la puissance sonique des distorsions et les chants contemplatifs à la Joy Division. Imposant, cathartique et captivant sont les mots d’ordre de morceaux tels que « I Know I’ll See You », « Another Step Away », « Missing You », « To Fix The Gash In Your Head » ou les très ‘Cure-esque’ « Half Awake » et « Sunbeam ». Bien qu’ils soient relativement moins commerciaux et accessibles que leurs compagnons de MGMT, les trois gaillards de A Place To Bury Strangers méritent le même succès que ceux-ci.
‘Yoko Sound est une jeune chanteuse bruxelloise’. La première phrase mentionnée sur la bio suscite déjà l’envie. Du moins, en ce qui me concerne. Définies comme un mélange entre trip hop, ballades folk et électro, les références associées au projet ont de quoi intriguer, voire même aiguiser ma curiosité. Beaucoup s’y sont frottés, et bien souvent s’y sont royalement plantés.
Dès que les premières notes de « Not Enemy » s’égrènent, on sent en effet les influences de Bristol. On pense assez rapidement à Massive Attack, Tricky ou Portishead. Une première écoute de l’album ne révèle donc pas de véritable surprise. Néanmoins, ne pas appuyer sur la touche ‘replay’ serait trop facile. Parce que pour y déceler toutes ces richesses cachées, il faut impérativement insister sur les dix plages de la galette. « Not Enemy » a une âme. Conduite par de très bonnes compos au piano, elle nous enveloppe d’une aura sensuelle, si on lui en laisse le temps. De son timbre suave, Yoko Sound parvient à égratigner un bout de notre carapace et nous piège par ses appels à la tendresse. Les rythmes entrecoupés par des plages chuchotées ont de quoi apaiser nos moments de détresse, et élever une envie de bien être avec un naturel étonnant. On apprécie assez la sensation intimiste et calfeutrée que « Not Enemy » apporte. Enivrant comme Ms John Soda, léger comme Morcheeba, cet album est loin d’être l’ersatz d’un style maintes fois proposé. Il en serait même la suite. Délicat (« Berlin »), drôle (« N’importe Quoi ») et entraînant (« Skin in The Night ») à la fois, cet elpee constitue une agréable découverte bien de chez nous. Et loin d’un chauvinisme primaire soyons fiers de compter Yoko parmi nos troupes.
Un sans faute pour Winterpills. Après le splendide éponyme et le non moins bon « A Light Divide », le quintet propose un troisième essai résolument pop. L’optimisme que l’on reprochait au second essai de la formation prend ici tout son sens et s’allie parfaitement à la beauté des arrangements. Sans atteindre l’éclat de « Winterpills », « Central Chambers » semble être le disque le plus abouti de Philip Price et de ses compagnons. Flora Reed et ses vocalises somptueuses y tiennent d’ailleurs une place prépondérante, renforçant le pouvoir magnétique des compositions de Winterpills.
La formation n’en démord pas, son influence principale demeure Elliott Smith mais elle lorgne cette fois également du côté de leurs contemporains tels que Arcade Fire (« Wire ») ou encore Low (« Everything »). Les majestueux « What Makes Me Blind ? », « Immortal », « Secret Blue Thread » et « Beesting » confirment le talent d’écriture de Philip Price qui, après avoir fait ses armes dans de nombreuses et obscures formations, s’est déniché une famille fiable et soudée. Ne reste plus au public que de découvrir enfin ce génialissime combo qui, bien plus que d’autres, mérite une certaine reconnaissance…
Les apparitions de Bertrand Burgalat sur la scène belge ne sont pas fréquentes. Alors, quand le Botanique le programme, flanqué de la charmante April March, c’est le sourire aux lèvres que nous sollicitons notre accréditation presse. La date du 31 janvier est bloquée, et aucune autre manifestation culturelle ne pourrait effacer son nom de notre calendrier. Le dandy vient présenter son dernier album « Chéri BB ». C’est dans notre bonne vieille capitale qu’il clôture la tournée, entamée le 9 janvier en France. On ne peut pas dire que la foule se bouscule au portillon… C’est même à la vitesse d’un escargot que le public pénètre au sein de l’Orangerie. Curieux quand même qu’il soit si peu connu du grand public, et pourtant si présent sur les scènes européennes. Cependant, qu’il produise un artiste ou chante en personne, une soirée Tricatel/Burgalat est toujours un gage de qualité. Je ne m’étendrai cependant pas sur Les Shades. Egalement signés sur ce label, à mes yeux, ils dérogent à la règle du bon goût. Mais trêve d’égarement, revenons aux artistes qui nous intéressent.
20h20. Henning Hesse, Olivier Cussac, Julien Barbagallo, Benjamin Libert et le dandy toujours tiré à quatre épingles, j’ai nommé Mr Burgalat, montent sur les planches. Barbu et la mèche bien collée, Bertrand est sapé comme un prince. L’accueil que lui accorde le public est néanmoins réservé. La salle n’est pas encore comble lorsque les premiers accords de « Waiting For Rain » déposent à nos pieds l’univers féerique et chatoyant du Français. L’artiste n’a pas l’air à l’aise, et semble même un peu perdu. Le décor est sobre. Juste un rideau rouge en toile de fond. Les différents musiciens sont installés de manière rendre leur visibilité optimale. Burgalat s’est planté un peu plus en avant, aux claviers. Il empoigne de temps à autre le micro et se retourne vers ses musiciens pour communiquer du regard. Le set se déroule calmement, de « Aux Cyclade » à « Je Suis Seul dans ma Chanson ». Les accords sont parfaits. Pas de lacune. Sauf que Burgalat éprouve des difficultés à placer sa voix. Très souvent de travers dans les accords, il frise parfois le mimétisme de Katerine, à la limite du faux. Ce timbre particulier n’entache en rien les très bonnes compositions qui s’enchaînent. Il prend cependant progressivement ses marques et redresse la barque au fur et à mesure des compos. Peu loquace, Bertrand Burgalat ne formule qu’un ‘merci’, du bout des lèvres, entre chaque chanson. Peut-être est-ce la timidité qui le pousse à rester discret ou l’envie de ne pas perdre de temps pour aligner le plus de morceaux possible au cours du set. A ce sujet, on ne va pas être déçus. Balancé funky à donf, « This Summer Night » vient allumer l’assistance. Ce bon coup de boost apporte un peu d’énergie après un début de parcours un peu léger. Parfumé d’accords de clavecin, « Spring Isn’t Fair » parvient ensuite à nous plonger dans un univers baroque assez sympa. Le show prend une autre dimension. Une autre direction aussi. Et c’est la tête la première que nous le suivons, sans hésitation. Excellent morceau, « Demolition Derby » vient confirmer cette impression. Lors des excellentes interventions à la basse ainsi que lorsque les chants planants murmurés entraînent la guitare dans une frénésie rythmique, on a du mal à résister. Le déhanchement nous atteint naturellement. La tête balance sur le rythme. Le pied aussi. Un petit incident technique laisse sans voix le Korg MS-10 de Henning Hesse. Burgalat semble un peu médusé sur l’intro de « The Angels Combine ». April March fait enfin son apparition. Elle prête son concours à « Le Cœur Hypothéqué ». Vêtue d’un jeans, d’un chemisier aux épaules dénudées, une étoile de mer à paillettes plantée dans les cheveux, elle apporte beaucoup de grâce aux compos. L’inévitable « Garçon Glaçon » enchante le public qui l’accueille sous des applaudissements soutenus. La belle restera sur scène jusqu’au final « There’s Always Madness », morceau embrassant un air résolument jerk.
Il est 21 h 40. Quelques personnes quittent la salle. Pourtant Burgalat et March reviennent assez rapidement pour accorder leur rappel et entament en duo, « Kneesocks ». Ce premier retour sur le podium épingle 3 morceaux, dont l’excellent « Chick Habits », une chanson ayant servi de B.O. au dernier long métrage de Tarantino. Contagieuse cette chanson ; car plusieurs heures après avoir été entendue, elle trotte encore dans la tête.
Lors du deuxième ‘encore’, la version de « Ma Rencontre » emprunte un profil plus rock que celle proposée initialement. Burgalat se décide enfin à dialoguer quelque peu en compagnie de son public. Il balance quelques mots pour exprimer sa joie d’être ici ce soir. Il présente ses musiciens. La soirée se termine par une adaptation très brève, mais douce du morceau « Le Pays Imaginaire ». Dans un style qu’il avait adopté, deux heures plus tôt, en début de concert…
Une agréable soirée au cours de laquelle on devra soulever la qualité du son et des compositions. Retour au froid polaire dans la rue pour retrouver la voiture, tout en sifflotant « Habit Chicks » … Coriace cet air !
Tracklist:
Waiting For Rain
Aux Cyclades
Anonyme Amour
Nous Etions Heureux
Voyage Sans Retour
Noël Sur Ordonnance
Je suis seul dans ma chanson
This Summer Night
Spring Isn’t Fair
J’ai Quelquechose à Dire
Demolition Derby
The Angels Combine
Another World Gone by Caribou
Le Coeur Hypothéqué
Le Code Rural
Garçon Glaçon
Sugar
Sometimes When I Stretch
There’s Always Madness
Kneesocks
Super Bagneres
Chick Habit
Ma Rencontre
Le Pays Imaginaire
(Organisation Botanique)
Groupe à la fois original, inclassable et déjanté sur disque, Of Montreal jouit également d’une très flatteuse réputation scénique. Ces natifs d’Athens (Géorgie, USA) jouaient à Lille le 30 janvier dernier. Un crochet via le Nord de la France quelques jours après leur show enthousiasmant, accordé à la Rotonde à Bruxelles. Le concert n’est pas sold out même si ses deux magnifiques derniers albums (« Hissing fauna, are you the destroyer ? » et « Skeletal Lamping ») ont reçu d’excellentes critiques, de la part de la presse musicale.
J’avais assisté à leur set, quelques jours plus tôt au Botanique. Et je les avais quittés totalement conquis ! A tel point que j’ai décidé d’emmener ma copine pour aller les applaudir à l’Aéronef. La question n’était donc plus de savoir comment le groupe allait retranscrire son nouvel opus sur scène ; car une réponse magistrale m’avait déjà été fournie à Bruxelles.
Le soir même, la salle est une nouvelle fois bien remplie. Certes l’Aéronef ne possède pas le cachet de la Rotonde, mais la foule est plus nombreuse (et bien plus jeune qu’à Bruxelles). Le concert débute. Attentif, le public s’attend aux surprises. Car la légende raconte qu’Of Montréal ne déçoit jamais ! Dès les premières minutes, les coups de théâtre se succèdent à nouveau. Un homme au masque de tigre introduit le groupe de manière originale. Les musiciens montent ensuite sur les planches, déguisés. Mention spéciale au guitariste arborant de fières ailes noires d’ange déchu. Leur charismatique chanteur, Kevin Barnes, interprète dans un premier temps les chansons du nouvel opus, telles les excellents « Gallery Pierce » ou « Id Engager ». Le spectacle est total. Les compositions assurent et l’aspect visuel n’est pas négligé. Sur scène aux côtés des musiciens, les roadies, habillés de déguisements impossibles, interprètent de brèves scénettes… de petites odes à la liberté (sexuelle bien souvent) représentant à merveille l’état d’esprit du groupe. Les déhanchements du chanteur ne sont pas une légende non plus… L’ambiance monte, le public danse, chante, se projette dans la musique sans retenue... Le concert est unique. La musique superbe. L’ambiance exceptionnelle. Bref, lorsqu’ils se produisent à nouveau, près de chez vous, ne les ratez surtout pas...
Le concert touche à sa fin lorsque Kevin Barnes quitte les planches pour revenir quasi nu, recouvert de mousse… Il interprète alors les dansants « A sentence of sorts in Kongsviger » et « Suffer for fashion ». Le rappel est rock, quasi punk… donnant une idée de ce à quoi la musique d’Of Montréal pouvait ressembler, il y a quelques années.
Hormis l’envoi d’un nuage de plumes sur le public en guise d’apothéose et l’incursion des acteurs dans la fosse pour exécuter quelques pas de danse en compagnie des spectateurs, le spectacle est identique à celui de Bruxelles. La différence se situe principalement dans l’attitude du chanteur. Bien plus impliqué, énergique et souriant, il semble prendre beaucoup plus de plaisir cette fois. L’absence de réaction du public bruxellois a-t-elle freiné ses élans ?
Pour ajouter à cette euphorie quasi totale, notons également l’excellente prestation du supporting act. Tant à Bruxelles qu’à Lille, le quintet norvégien Casiokids a impressionné en dispensant une électro entrainante et rêveuse, dans un style sis quelque part entre Hot Chip et LCD Soundsystem. A revoir en première partie de Soldout le 19 Février.
Organisation Aéronef de Lille
Vous n’aviez peut-être jamais entendu parler d’eux ? El Tattoo del Tigre est un combo d’origine anversoise. Il est venu clôturer sa tournée d’adieu ‘El Último del Tigre’ à l’AB. C’est-à-dire la scène qui l’avait révélé à ses débuts, il y a neuf ans. Tout au long de son brillant parcours, il s’est consacré essentiellement à revisiter des morceaux mambo des années 40-50. De grands classiques, arrangés et interprétés par des musiciens belges en mal des rythmes envoûtants des Caraïbes.
On peut parler d’un projet imposant. A chaque représentation, ce ne sont pas moins d’une trentaine de musiciens et vocalistes qui se relaient. Pour le compte, vendredi soir, on ne recensait pas moins de 12 cuivres (saxophones, trompettes et trombones), des percussionnistes, un pianiste, 7 chanteurs, 2 contrebassistes et 2 maîtres de cérémonie. Un orchestre dont les membres ont assuré leur rôle d’animateurs en manifestant un grand enthousiasme. Des artistes belges, talentueux, réunis pour faire partager au public, des airs qui nous font remonter dans le temps. Un peu comme dans un vieux film où on entend le phonographe qui crépite et crache inlassablement des vieux tubes de Pérez Prado.
Au cours de leur périple, hormis les principales salles du nord du pays, le tigre a rugi tant à Werchter, au Printemps de Bourges (F), à l’Eurosonic (NL) ; mais aussi de l’autre côté de l’océan, notamment au Canada et au Mexique. Le dernier chapitre d’El Tattoo del Tigre s’est donc achevé à l’Ancienne Belgique ; salle où le collectif a enregistré son premier elpee. Trois albums au compteur. Une griffe originale. Un des premiers groupes belge qui se soit lancé dans une aventure d’une telle envergure.
Un spectacle de deux heures coupé par un entracte d’1/4 d’heure. Des émotions palpables : de la joie, de la fierté et probablement une petite pointe de tristesse pour chaque membre du groupe qui a grandi et partagé des moments uniques. Le show était à la hauteur de leur réputation. Imposant et stylé. Les morceaux mis en scène soigneusement. « Man Without a Smoke », « Caballo Negro » et « Arrivederci Roma » interprétés de façon théâtrale, tout en préservant la légèreté et la tonicité. Une énergie contagieuse, communiquée au public qui au fur et à mesure s’est laissé prendre dans la fureur des rythmes cubains.
Un ultime hommage à un répertoire soigné qui aurait mérité de sortir davantage de l’ombre. On soulignera la discrétion de la presse francophone quant à leur succès. La fin d’une histoire et le début de plusieurs autres… Secrètement, on espère que les auteurs de ces pages s’attaqueront à d’autres projets tout aussi riches et interculturels.
(Organisation AB)
Originaire d’El Paso, dans le Texas, Morry Sochat s'est établi dans la cité des vents en 1990. Il y vit d’ailleurs toujours. Agé de 40 ans, ce chanteur/harmoniciste a donc découvert le blues à Chicago (NDR : ce qui est loin d’être un désavantage, il faut l’avouer). Il s’intéresse plus particulièrement à l’harmonica et s'intègre assez rapidement dans le circuit des clubs. Il milite au sein des Shakes ainsi que de Tongue & Groove, avant de monter sa formation : les Special 20s. En 2005. Il a le don de colorer son Chicago blues de swing, en invitant Louis Jordan au pays de Muddy Waters et Little Walter! Il a beaucoup appris au contact de Billy Branch, Barrelhouse Chuck, Willie ‘Big Eyes’ Smith et Dave Specter. Les Special 20s avaient déjà commis un premier elpee éponyme en 2007. Un disque réunissant reprises et morceaux issus de leur répertoire personnel. Un opus qui avait reçu un excellent accueil, d’un point de vue local.
Pour concocter "Swingin' shufflin' smokin'", Sochat a pris clairement le leadership. Les sessions se sont déroulées en une seule prise. En mai 2008. Sous la houlette d’un maître de la production contemporaine : Nick Moss. Morry est soutenu par deux guitaristes : le Texan (NDR : il débarque d’Austin !) Jim St Marie et le Japonais Shoji Naito. Le line up implique également le bassiste Ted Beranis (NDR : un ex-Soul Searchers), le drummer de couleur noire Kenny Smith et le claviériste Dave Ross. Sans oublier un second souffleur répondant au nom de Nick Krebs.
L'ouverture est royale. Le tempo enlevé. Morry nous embarque pour un Chicago millésimé "1955". Une année à marquer d’une pierre blanche pour le southside blues des Muddy Waters, Howlin' Wolf, Willie Dixon, Little et Big Walter, Sonny Boy ainsi que les jeunes Buddy Guy et Junior Wells. C'est Krebs qui souffle dans l'harmonica. Sochat ne cache pas son plaisir d’aborder le répertoire de George ‘Harmonica’ Smith. Sa voix ne manque pas de verve pour interpréter son "Rocking". St Marie s’applique très méthodiquement sur sa six cordes, pendant que la section imprime le tempo tout en souplesse et swing. Morry en profite pour décoller sur son instrument, tout en manifestant beaucoup de respect pour le maître Smith. Sochat signe "Mean & evil ways", un blues lent très mélodique. Il vit cette chanson. Son chant est empreint d’une grande sensibilité ‘soul’. L'orgue Hammond communique une chaleur naturelle à l'ensemble. Jim pimente le tout ; circonstanciellement, de courtes phrases sur ses cordes. "Dance little mama" est sculpté dans le rockabilly. Il est repris en chœur par toute l’équipe. Le travail opéré sur les percus par Kenny Smith est remarquable. Jim fait exploser ses cordes alors que Ross ne tient plus en place derrière son clavier. Naito s’implique enfin sur "Humboldt slide", un instrumental très carré, contaminé par le R&B et caractérisé par la présence des deux souffleurs. L’émotion étreint les musiciens lorsqu’ils vont à la rencontre de Muddy Waters, en adaptant son "Standing around crying", un blues lent à la fois immortel et symbolique du southside. Morry se concentre sur son chant. Les interventions de Naito à la slide sont acérées. Hanté par Little Walter, le souffle de Nick Krebs est puissant. "Signifying (I'm a man)" évolue dans un même registre. Une compo issue de la plume de Sochat. Mais de toute évidence, un hommage à son maître. Le répertoire est très varié. La voix est passionnée tout au long d’"I'm in love". Le rythme est emprunté au jazz. L'orgue nappe l’ensemble. Un contexte idéal pour permettre au leader de souffler sa flamme dans son instrument chromatique. La reprise détonante du "Train kept a rollin" de Tiny Bradshaw libère une intensité impressionnante. Imprimé sur le rythme du chemin de fer, cette plage est balisée par le piano boogie de Dave Ross. Parmi les covers, on épinglera encore celle du "Young fashioned ways" de Willie Dixon et de "Can't hold on much longer" de Little Walter. Quelle belle propagande pour le blues!
Cedric Burnside est le petit-fils du regretté bluesman noir R.L Burnside. Il était aussi son batteur. Et au cours de sa tendre enfance, il a baigné au sein de cette ambiance typique des juke joints du Delta, dans les collines du Nord Mississippi.
Steve ‘Lightnin’ Malcolm est un jeune guitariste de couleur blanche. Originaire du Missouri, il a également été contaminé par le virus du blues. Il y a quelques années qu'il rôde du côté de Holly Springs. Ce qui explique sans doute pourquoi il est parvenu à fréquenter RL Burnside et Jr Kimbrough, les rois du style. Il avait commis un elpee solo en 2005 : "Juke joint dance party".
Les deux jeunes musiciens ont donc décidé de s’associer pour enregistrer cet elpee. Le premier essai de Delta Groove dans le domaine du Mississippi blues. Randy Chortkoff, le chasseur de têtes du label, avait été très séduit par la prestation du duo, accordée au ‘Ground Zero Blues Club’ de Clarksdale. La paire avait cependant déjà concocté un disque autoproduit ("Juke Joint duo") ; mais Cédric aura donc dû attendre ses trente balais pour enfin graver –en tandem, il est vrai– un album officiel.
Leur blues est teinté de funk et de hip hop, quand il n’est pas secoué de rock déjanté. En outre, les deux musiciens sont capables de laisser libre cours à leur imagination, un peu à la manière des jam bands. Cedric et Steve se sont partagé l'écriture des quatorze plages réunies sur cet opus.
Les cordes largement amplifiées de Malcolm introduisent le morceau d'ouverture. Une compo judicieusement baptisée "R.L Burnside". Parce qu’elle rend, sans ambiguïté, un hommage au maître, tout en reflétant bien l'âme de sa musique. Presque récité, puissant, le chant de Cedric est soutenu par les chœurs féminins de Bekka Bramlett et Etta Britt. Les accords de guitare sont hypnotiques. Le beat des percus profond. Le climat de "So much love" est lourd, dense, insoutenable, saturé de sueur. La pression est constante. N'y tenant plus, Malcolm se laisse aller et se libère. Il dispense des notes imprévisibles. "My sweetheart" devait être, au départ, une chanson douce et mélodieuse. Mais le traitement infligé par le duo à la compo conduit à la transe. Lightnin' chante d'un timbre moins grave que son ami de couleur. Mais la démarche est identique. Ces deux hommes s'entendent à merveille. Véritable rouleau compresseur, "Nobody else" pulvérise tout sur son passage ; et les riffs ravageurs nous plaquent au mur. "Don't just sing about the blues" nous entraîne dans l’univers de John Lee Hooker. Un boogie aux accents accablants, mais mis à la sauce du Delta. Une belle opportunité pour autoriser de belles envolées incandescentes sur le manche. Cedric chante clairement et majestueusement, le blues lumineux "That's my girl". Afin d’apporter davantage de variation dans leur répertoire, ils s'échangent leurs instruments sur trois plages chantées par Burnside. Ce dernier se montre légèrement hésitant sur la sèche. Les percus de Malcolm entrent en action. Jason Ricci est un jeune prodige de l'harmonica. C’est aussi un de leurs amis. Il souffle tout au long de "She's got somethin' on me" et "She don't love me no more", en manifestant une passion désarmante. Et se déchaîne encore sur l'hypnotique "Mad man blues". Ces deux gamins téméraires nous prennent encore à la gorge sur "Fightin" ; et ne lâchent leur prise qu’en bout de plage. Seul "Stay here in your arms" traduit une relative quiétude. Au sein de ce monde si difficile à vivre ("World full of trouble") la six cordes s’affranchit sur un tempo assez lent, pendant que Burnside cravache sur ses fûts. Un delta blues, ma foi, plutôt envoûtant. Une chose est sûre, la musique de ce duo semble susciter la curiosité des fervents de néo blues. Leur copieuse liste de concerts, auxquels ils participent, en témoigne!
Aussi incroyable que cela puisse paraître, le combo teuton Emergency Gate entame sa treizième année d’existence, mais n’affiche que trois albums au compteur. En sortant cet encourageant « Rewake », 2009 s’annonce plutôt prometteur ces sept Germains colériques. Si leur disque précédent évoluait entre power metal et death mélodique, Rewake » emprunte un chemin fort semblable. Toutefois, les compos paraissent un peu plus abouties, plus fournies et ciblées. L’atmosphère constitue la base d’envol pour de multiples spirales mélodiques, tantôt teintées de Children of Bodom, tantôt dévoyées à des ambiances pas trop éloignées d’un Opeth contemporain. Certains refrains empruntent même des accents de rock classique, et on se réjouit des incursions au piano, à la guitare acoustique et de la présence de claviers finement utilisés, sans jamais tomber dans le piège du symphonisme. Caractérisée par une tonalité qui ne baigne que très rarement dans l’optimisme (le titre d’intro s’appelle « Double Suicide »), la plaque risque de faire le bonheur, tant des amateurs de death sophistiqué que des fanas de dark metal bien puissant. Une mention toute particulière au titre « Slave » dont le refrain entêtant s’imprime dans les neurones dès la première écoute, ainsi qu’à « Remains » qui offre des respirations acoustiques des plus intelligentes. Une plaque très agréable dans son ensemble pour peu qu’on ne soit pas rebuté par un death mélodique, mais néanmoins burné. Un combo à découvrir sur scène lors de la tournée à venir des fabuleux Kreator !
Quoiqu’injustement méconnu, Steve est un harmoniciste talentueux. Cet opus réunit des sessions d’enregistrement opérées entre 1997 et 1998, en Virginie. L’artiste vient seulement de décider de les immortaliser sur compact disc. Entretemps, Potter avait commis deux elpees : "Grotto says!" en 2002 et "Live the truth" en 2007, toujours sous autoproduction artisanale. Etabli aujourd’hui dans le Maryland, Steve a effectué ses débuts en 1982. Du côté de Washington, dans un style alors proche de celui de Mark Wenner, le leader tatoué des célèbres Nighthawks locaux.
De trop brève durée, ce disque s’ouvre et se referme par "Lone harp". Deux plages exécutées en solitaire. Potter y souffle dans un style proche de Sonny Terry ! Il jouit d’une excellente technique sur l’instrument chromatique. Et il le démontre sur "Jump back baby", un west coast blues tonique, rondement mené. Ses poumons ne maquent pas de réserve, son jeu est offensif et varié. Hypnotique et bien rythmé, "You know it's true" souffre d’une certaine faiblesse du chant. Dommage, car l’intervention à l'harmonica ne manque ni de vivacité, de fraîcheur et d’originalité. Manifestement, Little Walter est une des influences majeures pour Potter. Sa version de "Blue midnight", un instrumental lent, est empreinte de passion. Tout comme celle d’"Everything's gonna be alright". Mais si l’adaptation instrumentale est très réussie, les vocaux gâchent à nouveau l’ensemble. Autre instru, "Scott's boogie" est balisé par la guitare de Scott Mattern. Ce dernier tire également son épingle du jeu, mais dans un style jump, tout au long du "Letter from home" de Roy Brown. "Long time" suffoque sous le climat des swamps. Un climat entretenu par les cordes réverbérées de Bob Russell. L'harmonica s'y infiltre subrepticement. Une forme de mélancolie vous envahit alors, un peu dans l’esprit de Charlie Musselwhite. De loin le meilleur morceau de cet album ! Si vous souhaitez vous plonger dans l’univers de cet artiste, je vous conseillerai plutôt ses deux opus susvisés, parus à la fin du siècle dernier…
Une très jolie pochette habille ce double cd, partagé entre, d’une part, hits, raretés, flip sides et démos et, d’autre part, enregistrements immortalisés en ‘live’. Soit à l’AB de Bruxelles, au ‘Mandarin Kasino’ de Hambourg (NDR : ce serait aussi un restaurant chinois) et au ‘Zèbre de Belleville’, à Paris. Si le premier disque, dont les morceaux sont présentés dans un ordre presque chronologique (NDR : seule la reprise du « Paris s’éveille » de Jacques Dutronc a été décalée en fin de parcours), s’adresse surtout aux inconditionnels (NDR : la version du « Are friends elcectric ? » de Gary Numan vaut vraiment le détour), le second donne un bel aperçu de ce que la jolie Anversoise et son White Velvet sont capables de démontrer sur les planches. Finalement, il n’y manque que l’image. Ah oui, j’allais oublier, cette sortie célèbre le dixième anniversaire d’existence de la formation.
Monno incarne à la perfection ce qu’on appelle le ‘drone’. Pour être plus clair, ce style de musique s’adresse à un public très ciblé. Personnellement, il me reste sur l’estomac et me fatigue. La puissance de la solution sonore est tellement accablante qu’elle finit par assommer. L’ennui suscité par l’écoute de ce « Ghost » se conjugue à une certaine incompréhension, je l’avoue. Il y a de la batterie, une basse, du chant, une guitare saturée un saxo. Toute une instrumentation dispensée sur un tempo particulièrement lent, qui se confond dans une cacophonie dont la subtilité ne doit sans doute atteindre que les amateurs d’ambient noise métallique. Suffit d’écouter les pénibles premières minutes (NDR : il y en a 14 !) du morceau d’entrée, « Negative Horizon », pour se forger une petite idée. Et la suite est du même tonneau. Ce qui justifie ma légitime frustration. D’ailleurs, j’invite du fond du cœur un éventuel lecteur, à m’expliquer le sens de cette… Musique ?
Kellarissa, c’est le projet de Larissa Loyva, une chanteuse/claviériste/compositrice canadienne qui partageait le leadership de P:ano en compagnie de Nick Krgovich. Ce qui ne l’empêchait pas d’apporter sa collaboration à d’autres formations, comme the Choir Practice, Alunared ou FanShaw. Lorsque P:ano a splitté, pendant que les trois autres membres de la formation ont décidé de poursuivre l’aventure sous le patronyme de No Kids, Larissa a donc souhaité se lancer dans une aventure en solitaire. Et « Flamingo » constitue son premier opus solo.
Mais quelle est la signification de l’image mystérieuse reproduite sur le recto de la pochette de cet elpee ? Qui est cette jeune femme à l’aspect intemporel ? « Kellarissa » se traduit par ‘dans la cave’ en finnois. Ce choix n’est pas anodin. L’ambiance feutrée du disque nous pousse en effet à imaginer une artisane travaillant seule sur ses compositions dans une sombre pièce cachée quelque part au plus profond d’une forêt nordique.
Ethérées, les petites chansons composée par l’artiste canadienne naviguent quelque part entre l’univers folk d’Alela Diane et celui plus électro de Björk. Une règle presque occulte semble tramer les mélodies. Le recours aux beats électro spartiates réverbère certains échos de cérémonies indiennes. Les interventions au synthétiseur sont minimalistes et expérimentales. Les boucles répétitives. La voix de Larissa est belle et envoûtante. Serions-nous en présence d’une nouvelle forme d’hypnose ? N’allons pas aussi vite en besogne, car les chansons demeurent tout à fait accessibles et agréables à écouter ; même si le climat baigne au sein d’un certain ésotérisme. Dommage cette grosse baisse de régime en fin de parcours. Car, malgré la production irréprochable, ces quelques compos anecdotiques privent cette œuvre d’un prix d’excellence, que mérite notamment, par-dessus tout, le remarquable « Carrying on »…
Dix bonnes années que cette formation écossaise stagne dans la zone crépusculaire de l’underground. Ses influences majeures ? Tim Buckley, Tim Hardin and Joni Mitchell. Leur nouvel opus est découpé en deux parties. Une plus électrique sous-titrée « The electric night » et une plus acoustique baptisée « The acoustic morn ».
Le premier volet réunit en cinq titres. Et s’ouvre par « Mother creation cries ». Hantée par Neil Young, cette plage est soulignée par d’élégantes interventions à l’harmonica. Il épingle également un titre allègre, contagieux, caractérisé par des cordes de guitare ‘direstraitsiennes’ (« Rise »), un morceau complètement free (« Hobo chang ha ») et surtout une compo dont les sonorités rognées des claviers rappellent le « Get ready » de Rare Earth : « White rabbits in the snow ». Sans oublier, « Love is hard to do », un fragment lorgnant manifestement vers le r&b de Gomez, malgré les inflexions nasillardes, dylanesques, de Marc Pilley.
Plus acoustique, le second chapitre privilégie les ballades ciselées dans le folk introspectif. Parfois même champêtres. A l’instar de « Naked in the afternoon », au cours duquel Marc emprunte même le timbre de Neil Diamond et le final « Until the end », bercé par un accordéon et un violon. Un violon que l’on retrouve sur l’excellent « Round and round », au cours duquel banjo joué en picking et accès d’électricité rivalisent de nuances…
Nederlands 
Français 
