Le tout premier elpee du Magic Blues Band vient donc d’être réédité sous la forme du compact disc. Sous-titré "Live in 1985 – Featuring Special Guest star Mr ‘Pachuko Hop’ Chuck Higgins", il a été immortalisé au Guildner Brothers Body Shop de Northridge, en Californie. Un disque qui a donc été enregistré ‘live’. Sur les planches, on retrouve John Williamson et Rocky Jackson aux guitares, Rod Welk à l’harmonica, Jesse Serrano à la basse, Michael Herman aux drums et bien entendu Chuck Higgins au saxophone ainsi qu’au chant.
Charles Williams ‘Chuck’ Higgins est né en 1924. A Gary, dans l’Indiana. Chanteur de R&B, il a décroché un hit en 1952 : "Pachuko Hop". Remarquable saxophoniste, il était, alors, soutenu par le guitariste notoire Johnny Guitar Watson. Atteint du cancer, il est décédé en septembre 1999.
Le Magic Blues Band est donc réuni lors d’une nuit torride de 1985. Et cet opus va nous restituer, en 19 plages (NDR : dont de nombreux classiques), plus d'une heure de blues et de R&B de toute bonne facture. Higgins chante et joue du saxophone sur quatre titres. Dont "Love for you" qui ouvre les hostilités, l’excellente reprise du standard "Shotgun", "Stormy Monday blues" et une superbe version du "Got me runnin'" de Jimmy Reed. Tout en laissant éclater son ‘honky’, il permet à ses musiciens de sortir de leur réserve ; et en particulier Jackson aux cordes ainsi que Rod Welk à l'harmonica. Une intervention sublime, par ailleurs. Rocky Jackson se réserve l’essentiel des parties vocales, lors de ce set. Il jouit d’une voix solide. Un organe qui illumine des compos comme "Tore down", "Aw' baby", "Dust my blues", "Rock me baby", "Help me" ou encore "My babe". Rod ‘The rocket’ Welk chante cependant "Up the line" et "Tore down", alors que le brave Williamson se focalise davantage sut des titres plus rock'n'roll. A l’instar de "Buick 59" (NDR : il faut souligner qu’il est fasciné par les grosses voitures américaines construites au cours des fifties ; des modèles reproduits sur toutes les pochettes de ses albums), "Cold chills" et "Shake rattle & roll". Cette dernière plage libère une fameuse dose de vibrations. Les musiciens chantent en chœur. Welk est au sommet de son art. Faut dire que tout au long du show, cet élève de Little Walter se révèle brillantissime ! Le concert s’achève par "Intro inst", un curieux instrumental au cours duquel les différents acteurs ont le loisir de se présenter au public, avant que Rod Welk leur accorde un dernier solo aussi enchanteur qu’excitant.
EZ3kiel est une formation qui nous vient d’outre-Quiévrain. De Tours, très exactement. Et « Battlefield » constitue son second opus. A l’origine, le line up réunissait 5 musiciens. Réduit à un trio, en 1998, le line up est passé à un quatuor depuis l’enregistrement de cet elpee. Si la plupart des médias leur reconnaissent des vertus trip hop épicées de dub et de jungle, ce dernier essai affiche davantage de références indus. Peu de vocaux sur les 11 compos de cette œuvre. Sur « Firedamp », quand même, titre de grindcore chaotique, ils sont déchirés par des cris stridents, sauvages et implacables. Des invités comblent épisodiquement cette lacune. A l’instar de « Spit on the ashes », plage au cours de laquelle, deux musiciens de Narrow Terence apportent leur concours. Et le contraste entre le timbre féminin limpide et masculin éraillé, lugubre, est assez saisissant. Sur « Alignment », également, un morceau de rap ambient, relevé par la présence du Mc de Blue Rum.
Dub, post rock, indus et ambient se partagent l’essentiel du reste de l’album. Deux exceptions qui confirment la règle, la finale tempétueuse « Wagma », qui lorgne même vers le hard rock ; et le cinématique, ‘enniomorriconesque’, « The Wedding », malgré ses cuivres majestueux. Des cuivres qu’on retrouve parsemés ça et là et notamment, sur l’adaptation insolite d’un extrait du Roméo et Juliette de Sergei Prokofiev, « La Danse des Chevaliers ». Intitulée « The Montagues and The Capulets », cette adaptation a bénéficié de la collaboration des musiciens de DAUU. Enfin, meilleur titre de l’elpee, « Break or die » épouse un profil parfaitement indus. Il est même agité de percus tribales, dans l’esprit de Nine Inch Nails. S’il faut avouer que je ne suis pas un grand consommateur de ce style musical, l’ensemble tient la route. On épinglera encore l’identité graphique du combo français, un artwork réalisé par Yann Nguema, leur bassiste…
C’est bien de vider les cendriers, mais il n’y avait que 10 clopes dans le paquet, sur les 59 promises. Bref, si Lloyd Cole vient de sortir un box de 4 cds réunissant démos, flip sides, raretés, inédits et covers (NDR : entre autres de Leonard Cohen, Lou Reed, Kris Kristofferson, Burt Bacharach et Marc Bolan), le sampler se limite à dix titres. Sympa à écouter dans sa voiture, mais insuffisant pour pouvoir se faire une idée exacte du contenu.
En arrivant au Café Central à 18h30, ce lundi soir, le showcase de Peter Von Poehl était déjà terminé. Activités professionnelles oblige ! Piers Faccini était donc appelé à lui emboîter le pas. Artiste complet, Piers est à la fois, chanteur, compositeur et peintre. Mais aujourd’hui, il est venu présenter quelques titres de son nouvel album. « Two grains of sand » sera d’ailleurs dans les bacs dès le 6 avril prochain.
Sur la petite scène du bar bruxellois, l'artiste est à l'aise, mais humble. Il dégage une certaine sympathie naturelle. Notamment lorsqu’il s’exprime dans la langue de Molière, avec un léger accent anglais. Faut dire qu’il a vécu en France. Dès l’âge de 5 ans, ses parents avaient émigré de l’Albion vers l’Hexagone. Son père est italien (NDR : ce qui explique son nom de famille) et sa mère britannique.
Dès qu’il se met à chanter, on est frappé par ses inflexions tellement proches de Ben Harper se fait sentir. Ce n'est pas un hasard s'ils ont tourné ensemble. Son premier elpee, avait d’ailleurs été mis en forme par JP Plunier, le producteur du Californien. Mais Piers Faccini manifeste davantage de réserve pour dispenser son blues-folk, et joue davantage sur les émotions que celui de la star californienne ! En extrapolant, on pourrait imaginer sa musique comme un mix réussi entre celle de Ray Lamontagne et d’Elliott Smith. Piers a interprété cinq morceaux particulièrement bouleversants. Ce qui donne une envie urgent d’écouter son nouvel opus. Son timbre vocal est chaleureux. Ses interventions à la guitare sont élégantes, discrètes et bigrement efficaces. En fait, on est en présence d’un virtuose du manche, qui ne veut pas en faire trop. Une chose est sûre, ce soir il a démontré que la chanson était un art au sein duquel il excellait. En attendant la sortie de « Two grains of sand », vous pouvez déjà vous procurer le superbe single, "A storm is going to come", paru ce 14 mars, une chanson qui figure également sur la B.O. de la série « Grey's Anatomy »...
Enfin ! Il est enfin arrivé ! IAMX est venu nous en mettre plein la vue et les oreilles, dans une AB sold out depuis déjà quelques semaines, lors d’une présentation de leur très attendu 3ème album, « Kingdom of Welcome Addiction »
Mais est-il encore nécessaire de vous faire les présentations ? Pour celles et ceux qui s’en souviennent, le charismatique Chris Corner était le leader du groupe Sneaker Pimps. Mais en parallèle, il a fondé IAMX, un projet musical électro aux influences eighties, responsable à ce jour de deux albums : « Kiss+Swallow » en 2004 et « The Alternative » en 2006.
C’est donc, très enthousiastes que les fans ont accueilli le show de Chris Corner et de ses acolytes ; c’est-à-dire Dean Rosenzweig à la guitare, Tom Marsh à la batterie ainsi que Janine Gezang au claviers/synthés/basse. Car ce n’est pas à un simple concert auquel nous avons eu le droit d’assister, mais bien à un grand ‘spectacle’ ! A chaque passage du groupe, que ce soit en salle ou en festival, une véritable explosion d’applaudissements accompagne les premières notes de leur set ! Chaque personnage donne tant d’énergie qu’il est impossible de rester stoïque face à leur show ! De véritables piles électriques !
« Bring Me Back A Dog » ouvre les hostilités. Le groupe branche immédiatement les électrodes aux oreilles d’un public qui se presse instantanément vers les profondeurs de leur son électro et dansant. Entre regard vénitien et costume moderno-classico-glam, IAMX, nous précipite au sein d’un théâtre d’ambiance qu’il est le seul capable de nous faire partager. Les premiers accords de « Kingdom Of Welcome Addiction » (NDR : un extrait du dernier elpee) sont dignes d’un DJ set. La suite est impeccable. L’atmosphère cependant plus minimaliste. Les tonalités plus rock voire plus lourdes. Mais toujours, on retrouve cette touche personnelle, dont le groupe a fait sa signature musicale. D’un répertoire riche en mouvements musicaux différents, Chris nous lâche « The Alternative », suivi de « Sailor » et « An I For an I » pour mettre le feu aux poudres. Enflammé et frénétique, le public suit le mouvement. Faut dire que les fans, pour la plupart féminines, étaient relativement remontés ce soir… Certain(e)s avaient même attendu une bonne partie de la journée, devant l’entrée de l’AB, pour se réserver les meilleurs places, face au podium.
Mais la pression s’adoucit sous une ambiance d’ombres chinoise où Chris Corner, derrière un voile, nous communique sa chaleur émotionnelle à travers l’éthéré « I Am Terrified » (du nouvel album) et le magnifique « This Will Make You Love Again ». Cependant, le calme ne règnera guère très longtemps. Le show reprend subtilement pour nous emmener au cœur des festivités du monde de la nuit, comme si nous étions plongés dans une une discothèque. « Spit It Out », « Night Life » ainsi que « Kiss+Swallow », entrecoupés par quelques compos du nouvel opus, font trembler, comme on aime tant, la salle de l’AB ! La foule en redemande. Conquise par cette énergie captivante, elle refuse que cette soirée prenne fin. Certains fans se lancent dans un crowdsurfing. Les bras et les têtes remuent au rythme de la batterie. Au sein de cet univers particulier, les sens se lâchent, laissent parler les corps. Chris communique avec son public, le remercie chaleureusement, arpente toute la largeur de la scène. Janine, Dean et Tom ne sont pas en reste. Ils aiment le ‘live’ et ça se voit ! D’ailleurs, on ne se lasse pas de les suivre ; et même en festival, les gens qui découvrent le groupe sont généralement conquis.
Un rappel sous un tonnerre d’applaudissements nous catapulte sur l’excellent nouveau single « Think Of England », enchaîné à « Negative Sex » et au fabuleux « President ». La foule danse et en redemande encore. La troupe achève cependant son spectacle par « Your Joy Is My Low » et « After Every Party I Die ». Moment choisi par Dean pour ponctuer sa ‘course’ d’un saut mémorable au milieu des fans ! Bref, fougue et originalité ont émaillé ce concert… digne d’IAMX !
Malgré les acclamations de la foule, les lumières se rallument pendant que les haut-parleurs diffusent « La vie en rose » d’Edith Piaf. Que le public, heureux d’avoir passé une superbe soirée, reprend en chœur. Cerise sur le gâteau, Tom et Dean se mêlent aux spectateurs pour partager quelques séances photos.
Le troisième opus d’IAMX, « Kingdom Of Welcome Addiction », paraîtra dans le courant du mois d’avril. Il est déjà disponible sur leur site web : http://www.iamx.eu. Et pour ceux qui n’ont pas eu la chance de participer à cette fête, ce samedi, ils pourront toujours aller les applaudir ce 27 mars, à Herve, dans le cadre du Belzik Festival.
Organisation AB.
Responsable d’un remarquable album (NDR : « Merriweather Post Pavilion », probablement déjà un des ‘musts’ pour 2009), la formation new-yorkaise passait par l’Aéronef ce 19 mars 2009. Normal dès lors de caresser l’espoir que la transposition en ‘live’ de leur petit chef-d’œuvre soit de la même trempe. C’est-à-dire retrouver cette musique oscillant de la pop éthérée à la noise, en passant par le folk tribal, le néo-psychédélisme et le minimalisme électronique. Et surtout ces superbes polyphonies vocales. Mais en mon fors intérieur, je me demandais quand même comment ils allaient gérer leur cocktail d’influences, puisées aussi bien chez Mercury Rev, Terry Riley, New Musik, Pet Shop Boys, les Beach Boys, Syd Barrett ou encore Aphex Twin, sur les planches. Mauvaise nouvelle, leur principal guitariste Deakin s’est provisoirement retiré du projet. Il n’avait d’ailleurs pas participé aux sessions d’enregistrement du denier elpee. Mais apparemment, donc, ce changement de line up n’avait guère affecté leur muse. C’est ce que m’expliquait un confrère, qui avait assisté à leur prestation, la veille à l’AB. Epoustouflante, paraît-il !
Il revenait à Pantha du Prince d’ouvrir les hostilités. Comme le mercredi, à Bruxelles, d’ailleurs. Alias Hendrick Weber, ce DJ, producteur, compositeur et bassiste est réputé pour son recours au Schaffel beat, soit un rythme syncopé glissant rapidement du classique 4/4 au 6/8, 3/4 voire 12/8 (NDR : il doit avoir la bosse des maths !) Ne m’en demandez pas plus, je suis totalement ignare en la matière. Il s’installe derrière un pupitre drapé de noir. Au milieu du matos d’Animal Collective. Et il se lance dans un set d’une bonne demi-heure, au cours duquel il va tourner des boutons et de temps à autre à frapper une sorte de cloche à l’aide d’une tige. Paraît que ces variations rythmiques sont destinées à faire remuer les corps. Comme lors d’une transe vaudou… En fait, si le sexe féminin a pu admirer un beau garçon qui pourrait facilement poser pour des magazines de mode, je dois avouer que sa prestation m’a laissé de glace. Et en observant plusieurs de mes voisins bâiller, j’ai la nette impression que je n’étais pas le seul dans le cas.
Place au trio Animal Collective. On a enlevé le pupitre de Pantha du Prince pour ne laisser que ceux du trio, habillés d’un drap de couleur blanche. Pour en dissimuler les fils, c’est évident. Geologist s’installe à gauche de la scène. Il éclaire ses gestes d’une lampe frontale. A droite, Panda Bear se plante derrière le sien. A côté de lui, on discerne une cymbale et un tom dont il ne jouera qu’épisodiquement. Au milieu, Avey Tare se partage la guitare et deux claviers sis de chaque côté de lui. Au fond de la scène, on aperçoit également un tom et une cymbale. Encore des percus subsidiaires. Une énorme boule blanche est suspendue au-dessus du groupe. Au fil du show, quelques images psychédéliques y seront projetées. Le light show est on ne peut plus minimaliste. D’ailleurs, pour immortaliser le moindre cliché, les photographes ont galéré toute la soirée.
Bref, venons-en au set proprement dit. D’abord, les beats (NDR : parfois dub) imposés par Geologist plombent toutes les compositions. On est même scotché sur place tant ils sont puissants. J’essaie de reconnaître l’un ou l’autre morceau, mais la bouillie sonore est tellement déstructurée, qu’il est difficile de s’y retrouver. Panda et Avey se réservent les vocaux. Des harmonies qui nous avaient enchantés sur les compos de leur album. Mais ici, on n’entend plus que des onomatopées réverbérées. Manifestement, le groupe a décidé de privilégier l’électronique expérimentale. Et de nous noyer sous des nappes de sons basées sur la répétition. Que ce soit des bruits, des voix, des infrabasses, des rythmes et de tout le saint tremblement. Sur la musique aussi, on suppose… Paraît qu’il faut s’immerger dans leur univers pour en prendre conscience et espérer qu’un moment subliminal se produise. Ce serait du néo-surréalisme (NDR : qui a dit néo-libéralisme ?) Si on veut ! Faudrait alors qu’ils s’expliquent de manière approfondie sur le concept. Parce que tout ce que j’ai pu lire à leur sujet me donne l’impression d’être en présence d’un hype. Que la presse spécialisée s’est empressée de faire mousser, pour paraître branchée. En consultant la presse écrite et celle du web, j’ai même eu la nette impression qu’ils n’avaient pas grand-chose à raconter d’intéressant. C’est peut-être la raison pour laquelle, ils n’ont pas souhaité (NDR : ou leur label) qu’ils s’expriment auprès de Musiczine. L’épreuve du ‘live’ de votre serviteur va durer 55 minutes. Et puis basta ! Franchement, qu’ils se concentrent sur leurs disques. Ce sont des maîtres dans le domaine. Mais pour la scène, après plus de 40 ans de bouteille dans l’univers du rock, il ne faut plus me la faire…
Organisation Aéronef Lille.
Ce n’est pas parce qu’on apprécie tout particulièrement un groupe ou un artiste, qu'il faut se montrer complaisant. C’est donc dans cet esprit que la chronique du dernier opus d’Indochine a été écrite.
Premier point, et il est positif, une bonne moitié des lyrics de l’elpee traite de la guerre, de la séparation et de la mort, provoqués lors du conflit mondial de 14-18. A travers des lettres de poilus. Et dès l’intro apocalyptique (« Republika meteor ouverture ») on est mis au parfum. Oui, d’accord, ces textes ont toujours cet aspect juvénile qui les rend (in)volontairement surréalistes. Mais c’est Indochine. Deux exceptions, le très dansant « Play Boy » (Taxi Girl rencontre XTC ?), au cours duquel Nicola ironise sur le choix de Johnny Halliday d’avoir opté pour la résidence en Suisse ; et puis le touchant « Bye, bye Valentine », dédié à sa fille (NDR : en fait Nicola projette ses angoisses en pensant à son départ du nid familial, lorsqu’elle décidera de faire sa propre vie), même si on a parfois l’impression d’avoir déjà entendu ce type de mélodie. Car c’est ici que le bât blesse : trop de chansons de cet album puisent au sein des propres références d’Indo. A un tel point que parfois, ça sent le réchauffé. « Alice in June » était tout bonnement remarquable. Malgré ses superbes arrangements et orchestrations, « La République des Meteors » est trop inégal pour totalement convaincre. J’épinglerai néanmoins, le single « Little dolls » dont la superbe mélodie est balayée par ses accords de piano sonore et frémissants. La ballade émouvante « Le grand soir », le bouleversant « Union wars », dont les lyrics graves sont prononcés sur un ton badin, le solennel « La lettre de métal », ponctué par quelques accents d’électro vintage, la ritournelle « Junior song », construite sur un schéma en crescendo et surtout « Le dernier jour ». Imprimé sur un tempo new wave, il remet enfin à sa place le rôle des guitares pourtant ponctuellement shoegaze, bringuebalantes.
Son duo (avec Suzanne Combeaud, la chanteuse de Pravda, sur l’hymnique « Un ange à ma table ») et trio (en compagnie de la même Suzanne ainsi que Gwen B, bassiste de Madinka) pour « Je t’aime tant » n’ont pas le feeling de « J’ai demandé à la lune ». Imprimés sur un tempo presque binaire, « Go, Rimbaud Go ! » et le plus rock « Republika », malgré son glas obsessionnel et sa fin de parcours pimenté d’accords de guitare reverb, comme à l’époque du « 3ème sexe », sont trop gratuitement basiques. Epique, « L world » est plus que dispensable, tout comme l’électro pop/variétoche « Les aubes sont mortes ». Enfin, malgré ses riffs de gratte post punk et sa section de cordes, « Le lac » pousse un peu loin le bouchon dans la mélodie hymnique (NDR : éventuellement pour reprendre en chœur ‘live’, ça risque de marcher). Limité au piano et à la voix de Sirkis, le morceau caché, « Tom & Jerry », est trop court pour pouvoir émettre un jugement objectif. Ce sont les points négatifs.
Pour que votre info soit complète, sachez que c’est Gilles Martin (Tuxedo Moon, Colin Newman, dEUS, Dominique A, etc.) qui s’est chargé du mastering au studio Farside. Petite remarque qui vaut ce qu’elle vaut, mais Olivier De Sat ne serait-il pas occupé d’orienter la musique d’Indochine vers un style de plus en plus impersonnel ? Une chose est sûre, les guitares sont de moins en moins présentes. Ou si elles le sont, elles se fondent de plus en plus dans les arrangements et les orchestrations. Serait peut-être temps que le groupe en revienne à une forme plus épurée…
Flynn est originaire de Green Bay, dans le Wisconsin. A l’âge de 14 ans, le célèbre bluesman chicagolais Jimmy Dawkins permet à Billy d’entrer illégalement au sein du ‘Clark Kent's Super Joint’. Cinq ans plus tard, Dawkins le recrute pour incorporer son backing band. Il y sévira quatre ans. En 80, il rejoint les Futuramics de Jim Liban. Une aventure vécue dans son Wisconsin, qui va lui permettre de rôder son expérience dans les clubs. Fin des eighties, il participe au projet du Legendary Blues Band, un collectif réunissant d'anciens partenaires de Muddy Waters, Pinetop Perkins, Willie Smith et Calvin Jones. Il a également apporté son concours au Mississippi Heat, à Kim Wilson ainsi qu’à Otis Rush. Et la liste est loin d’être exhaustive. Sa discographie est impressionnante. Notamment concoctée en compagnie de Jimmy Dawkins ou du Legendary Blues Band. En solo, il doit avoir commis neuf elpees. Il milite également chez le backing group de la chanteuse noire Deitra Farr. Ses comparses lui renvoient, pour la circonstance, l’ascenseur ; en l’occurrence le claviériste Roosevelt Purifoy, le bassiste Felton Crews ainsi que le drummer et le drummer Ricky Nelson. Cerise sur le gâteau, KimWilson a participé à l’enregistrement de cinq plages. Bref, on peut affirmer que Billy vient encore de frapper fort, puisque ce "Blues Drive" est double !
Réputé pour son bon goût et son éclectisme, Mr Flynn jouit d’une excellente réputation comme guitariste. Il est aussi compositeur, chanteur et harmoniciste. Mais également susceptible de tâter des claviers, de la mandoline et des percussions. Billy signe 17 des 19 plages. Sa musique est propre, de toute bonne facture, démontrant sa capacité à aborder une multitude de styles différents.
Instrumental, "Blues drive" ouvre l’elpee. Soutenu par une section rythmique redoutable, complexe et subtile, Mr Flynn laisse vagabonder son inspiration tant sur ses cordes qu’à l'harmonica. Il interprète "Hearts on fire" d'un timbre sans grand éclat mais sur un ton juste, dans un style proche du Chicago Westside. L'ami Kim Wilson est venu chanter la ballade "Big money problem". La voix de Kim est immédiatement reconnaissable. Les interventions de Roosevelt Purifoy à l'orgue Hammond sont chaleureuses et riches. Ce qui a le don d'inspirer Billy, dont les cordes s'envolent vers les sommets. Un vrai bonheur ! Ce double elpee est parsemé de jolies plages instrumentales. A l’instar de "Blue mood", de l’indolent "Nite blues" qui nous entraîne dans une ambiance de cabaret nocturne, de "Down-load", de l’aventureux, divertissant et curieux "Sitar blues, d’un "Talk about it" manifestement inspiré par Jimmy Dawkins et du mélodique "New beginnings", éclaboussé par les nappes d’orgue de Purifoy. Dommage que l’artiste ne jouisse pas d’une voix plus puissante. Ses compos atteindraient alors une toute autre dimension. Car il a une bonne plume. Et il le démontre une nouvelle fois tout au long de la ballade soul blues "I'm hooked", au cours de laquelle il dispense un superbe solo. A première écoute, l’exercice de style semble simple, mais en l’analysant de plus près, on se rend compte qu’il est bien plus complexe qu’il n’y paraît. Et pas seulement, parce que la solution sonore est balayée par des accords de sitar. Kim Wilson revient chanter "Time has told me", une autre plage lente enrichie de chant gospel. La voix androgyne du batteur Ricky Nelson répond à celle de Kim. Le sitar parfume le tout de sonorités orientales, pendant que Flynn nous réserve une nouvelle sortie extraordinaire sur les cordes. Magique ! Kim chante également le "First stage of the blues" de Johnny Fuller, épaulé par Billy à l'harmonica. "It could happen to you" campe un autre autre blues lent majestueux. Billy a souvent partagé la scène en compagnie de Jimmy Dawkins. Il nous le rappelle tout au long de cette plage au jeu parcimonieux et chargé de feeling! Le premier elpee s’achève dans l’allégresse. Kim Wilson a sorti son harmo de sa poche et nous réserve un "Shakin' the boogie" inspiré par Sonny Boy Williamson avant de partager la ‘pole position’ en compagnie de Billy, lors d’un merveilleux "Blues thru the winter time".
Le second compact-disc est moins intéressant. Billy y cède son emprise à sa section rythmique, pour "Tearin it up", un titre funky chanté par Felton et Ricky. Et la plaque s’achève par une version très personnelle du "Whole lotta love" de BB King. Manifestement, un seul cd aurait suffi ; mais comme le second est offert, pourquoi bouder notre plaisir…
Cinq ans déjà que Finis Tasby participe à l'aventure des Mannish Boys, le groupe de blues fétiche du label californien Delta Groove. Ce collectif de musiciens chevronnés est d’ailleurs responsable de toute une série d’albums d’excellente facture. Finis en est le principal vocaliste. Faut dire qu’il jouit d’une superbe voix sculptée pour chanter le blues.
Tasby est né au Texas. A Dallas, très exactement. En 1940. Ses débuts remontent à la fin des fifties. Comme drummer, au sein des Blues Blasters. En 1962, il intègre les Thunderbirds comme bassiste, une formation qui épaule alors très souvent le chanteur de soul blues, ZZ Hill. Il en deviendra le leader et le chanteur. En 1973, il émigre à Los Angeles. Il monte sa formation et enregistre quelques singles. Il concocte "Blues mechanic" en 1984, un elpee qui paraît sur le label anglais Ace. Il commet "People don't care" en 95 chez Shanachie. Pour la circonstance, il bénéficie de la participation de Lowell Fulsom, Elvin Bishop et Mick Taylor. En 98, il grave "Jump children" sur Evidence, un disque pour lequel il reçoit le concours de la crème des musiciens de L.A. ; et notamment Kid Ramos, Rick Holmstrom, Larry Taylor ainsi que Lester. En 99, il embraie par "3rd", toujours pour Shanachie. La même année, il se réserve trois titres de la série "Blues across America : the Los Angeles scene", sur Canonball. Son dernier opus personnel remonte à 2005. Mel Brown et Enrico Crivellaro avaient coopéré aux sessions d’enregistrement de cet elpee. Intitulé "What my blues are all about" il avait été édité sur Electro-Fi.
“Blues : A tribute to John Lee Hooker” a été concocté en 2002. Mais apparemment, sa date de sortie ne date que de 2007. Un disque peu connu par les amateurs de blues en Europe. Et pour cause, il n’est toujours disponible qu’en import. Finis a été un ami proche de John Lee Hooker. Notamment au cours des trente dernières années d’existence du natif de Coahoma County. Lee est cité comme ‘executive producer’ au sein du booklet. Il a donc probablement misé quelques dollars sur le talent de son pote texan.
L'album démarre par "Sex on my mind", une plage très R&B introduite par l'orgue Hammond de Jan Garfinkle et soutenue par une section de cuivres au grand complet. Déjà certains instrumentistes mettent le nez à la fenêtre. Et en particulier le musicien noir Damon Van Buren aux cordes et David Stone au saxophone. Finis s’autorise une version pour le moins inhabituelle du "Little Red Rooster" de Willie Dixon, au sein d’un climat entretenu par un orgue et des cuivres délicatement funky. Blues très classique, "Get drunk & be somebody" évolue dans un style assez proche de BB King. Garfinkle est passé au piano. Van Buren se révèle aussi efficace que parcimonieux sur ses cordes. Mike Grundy souffle timidement dans son harmonica. Expressive, la voix de l'artiste prend toute sa dimension sur la ballade "Since I met you baby", une compo subtilement caressée par les accords du piano. Un « Tribute to John Lee Hooker » sans la moindre reprise d’un morceau du roi du boogie n’aurait aucun sens. Le choix s’est donc porté sur "Boogie children", une adaptation imprimée sur un tempo très alerte, fricotée à la sauce R&B et au cours de laquelle les cuivres sont à la fête. Evoluant sur un mid tempo, "Keep on loving you" est issu de la plume de Finis, un downhome blues d’excellente facture. Une plage tapissée d’orgue et de piano, finalement plus proche de BB King que de Hooker. Finis et Zakiya Hooker, la fille de John Lee, chantent passionnément et en duo "You don't have to worry". Un Tasby dont l’interprétation basique du slow blues basique "Cummin prison", est susceptible de vous communiquer des frissons. "Going to Virginia" ponctue ce solide elpee, une finale au cours de laquelle Carmen Grillo se réserve le rôle de gratteur. Lorsqu’il ne sévit pas chez les Mannish Boys, Mr Tasby est épaulé par le Royal Blues Band, un combo au sein duquel on retrouve le guitariste Damon Von Buren, également impliqué sur cet opus, l’organiste Deacon Jones (NDR : un ancien membre du Hooker Band) et l’harmoniciste River Blue.
Album éponyme pour cet obscur combo britannique, issu de Leicester, très exactement. D’ailleurs, lors de sa réception, j’étais très dubitatif quant au contenu de ce disque. Verdict après une première écoute : l’elpee est découpé en morceaux aussi agréables qu’apaisants, sans pourtant se révéler renversants.
Paru sur le label Erased Tapes (Olafur Arnalds, Finn,…), davantage spécialisé dans l’ambient ou le rock ambient, ce disque baigne au sein d’un post rock cotonneux teinté d’électro. Mais un post rock qui aurait intégré des voix. Et une très jolie voix, en plus. Celle de Mick Moon, dont le timbre chargé d’émotion évoque Ben Gibbard, le chanteur de The Postal Service et Death Cab for Cutie. Agé d’une moyenne de 21 ans, le line up implique également le guitariste Tom Lowe, le claviériste Ben Cox et le drummer Scott Hislop. La presse insulaire n’a pas hésité à comparer leur musique à celle de Maps voire de Sigur Ros. Personnellement, j’estime que si ce n’est pas tout à fait faux, les références demeurent quand même flatteuses. Davantage post-shoegazing, leur expression sonore me rappelle plutôt celle des Californiens de The Album Leaf.
Bien sûr, l’opus regorge d’arpèges mélancoliques, de loops ainsi que de beats électroniques. Le sens mélodique, l’émotion et la maîtrise instrumentale sont les principaux atouts de la formation. D’ailleurs, le combo peut compter sur un excellent bassiste dont les lignes soutiennent à merveille l’ensemble. Un coup de cœur ? « Sunlight ». Manifestement, le point fort de l’elpee. L’intro au piano, les harmonies vocales vaporeuses, les cordes de guitares chatoyantes, tout se conjugue à la perfection pour vous procurer quelques minutes en état d’apesanteur. Un petit bijou partagé entre moments plus calmes et envolées émotionnelles. Il faut avouer que le reste de la plaque souffre d’une certaine monotonie. Et si vous cherchez le sommeil, je vous conseille même de l’écouter sous le casque. N’empêche, cet opus pourrait servir quand même de bien jolie B.O. pour un film mélancolique. Une chanson de Kyte a d’ailleurs été choisie afin d’illustrer l’univers maniaco-dépressif des maffieux des Sopranos ! Bref, si Kyte affiche un potentiel certain, il lui manque malheureusement ce petit plus pour sortir du lot.
Pour que votre info soit complète, sachez que le combo accomplit pour l’instant un périple, en compagnie des Américains de School of Seven Bells ; une tournée qui fait suite à celle qu’ils avaient effectuée, l’an dernier en première partie de leurs amis d’iLikeTrains.
Humcrush est un duo fort intéressant dans l’univers de l’électro jazz. Thomas Strønen et Ståle Storløkken nous viennent du pays des fjords. Strønen est l’artiste le plus notoire. Surtout dans le domaine du jazz. Ce drummer a ainsi participé à de multiples projets tels que Maria Kannegaard Trio, Phil Bancroft Quartet, Trinity ou encore Mats Eilertsen Turanga. Storløkken est claviériste. C’est un des pionniers du groupe électronique Supersilent. « Rest At Worlds End » constitue le troisième elpee du tandem norvégien. Une œuvre au cours de laquelle, il nous entraîne au cœur de leur monde très personnel. Tour à tour délicates ou percutantes, raffinées ou arides voire brutales, les interventions aux drums oscillent entre swing et expérimentation. Si les sonorités de claviers de Storløkken se révèlent totalement limpides, Strønen a ajouté un filtre synthétique aux compos, histoire de rendre la solution sonore encore plus aventureuse. Et si vous n’êtes pas réceptif à ce style musical, il est préférable de ne pas vous y frotter. L’agacement pourrait même se muer en exaspération. Pourtant, il faut reconnaître que l’ensemble reste très cohérent et surtout original…
Originaire de Montréal, Handsome Furs servait apparemment de sympathique défouloir à Dan Boeckner, le leader des fous furieux de Wolf Parade (NDR : et d’Atlas Strategic également). Ce ne sera définitivement plus le cas après la sortie de « Face control », leur second album. Duo sexy (NDR : pour vous en convaincre, suffit de consulter le booklet) Handsome Furs est partagé entre Dan Boeckner et sa fiancée, l’écrivain Alexeï Perry. Il se réserve les vocaux et la guitare. Elle se charge de la rythmique et de la programmation. C’est également elle qui a choisi le patronyme du combo, puisqu’il est tiré d’une de ses nouvelles.
Signé en 2006 chez Sub Pop, la formation avait commis un premier opus l’année suivante : « Plague Park ». En 2007. Plus électronique que le précédent elpee, « Face control » n’a pas perdu pour autant le goût de la provocation cultivé par Dan. Rien que l’illustration reproduite sur la pochette en est une nouvelle démonstration : élégante, flashy, elle montre un doberman sur fond rouge d’un côté et un jeune Vladimir Poutine jeune et en uniforme, pris pour cible au tir, de l’autre. Le ton est donné ! Certains magazines n’ont pas hésité à comparer leur musique à celle des Kills ; mais franchement, celle des Canadiens est bien moins accessible et surtout plus dérangée. Le voyage du couple effectué au sein des pays de l’Est et notamment en Russie. Et en particulier leurs lyrics. Qui abordent des sujets comme celui des nouveaux tsars ainsi que des profondes modifications sociétales opérées au sein de l’ex-U.R.S.S. En fait, le concept de l’opus cherche à refléter le portrait de notre société déshumanisée à travers le prisme déformant de la société russe.
Musicalement, il faut quand même s’accrocher. Et les rythmes spartiates d’Alexeï ainsi que les vocaux et les riffs énervés dispensés par Dan ne sont pas à mettre entre toutes les oreilles ! Plusieurs écoutes vous seront d’ailleurs nécessaires avant d’apprécier le pourtant très réussi « Face Control » à sa juste valeur. Un disque qui navigue à des années-lumière du pourtant plus accessible « Plague Park ». Le climat est sombre et maladif. L’émotion se traduit parfois en rage. Une impression communiquée par la voix torturée de Boeckner. L’influence du post-punk et de la cold-wave est indéniable. Les références électro bien présentes. A la limite, on a l’impression de naviguer au sein d’un univers sis quelque part entre Suicide et New Order. Un coup de cœur ? « Radio Kalingrad ». Une plage mélancolique d’une durée de 5 minutes, construite en crescendo. Et puis le plus dansant « I’m confused ». Tout au long de cet elpee, l’intensité est omniprésente. Un peu comme chez Sunset Rubdown groupe de Spenser Krug, le comparse de Dan chez Wolf Parade. Bref, « Face control » est une bande-son qui colle à merveille à notre époque mouvementée…
Bande sonore idéale pour un roman de James Ellroy (L.A. Confidential, Le Dahlia Noir, etc.), la musique de Clare & the Reasons évoque l’Amérique de l’entre deux-guerres. Le crash de 1929 n’est pas loin et cet album nous rappelle cruellement la crise économique actuelle.
Au sein de cette formation, on retrouve Clare Muldaur. Cette Américaine n’est pas née de la dernière pluie, puisqu’elle est la fille de Geoff Muldaur, compositeur mythique, notamment responsable du thème non moins mythique du « Brazil » de Terry Gilliam. Une ascendance pratique et sur mesure en guise de porte d’entrée dans le monde fermé de la musique new-yorkaise. Son père l’a également influencée durablement en lui faisant découvrir celle des années 30, dès son plus jeune âge. Et le moins que l’on puisse dire c’est que cet aspect rétro est parfaitement répercuté tout au long des compos de cet elpee. Clare reconnaît d’ailleurs souvent Bessie Smith (chanteuse de blues des années 20) comme influence majeure. L’éducation musicale de Mrs Muldaur est néanmoins fort classique. Elle a fréquenté le Conservatoire de Boston et puis opéré une étude approfondie du jazz. C’est aussi lors de son apprentissage qu’elle fait une rencontre primordiale pour la suite de sa carrière tant musicale que sentimentale. Celle du compositeur et musicien français Olivier Manchon. Les deux artistes se marient quelques temps plus tard à New-York où ils rencontreront les futurs membres de The Reasons. Cette histoire proche du conte de fées ne s’arrête pourtant pas en si bon chemin. Car pour concocter « The Movie », Clare a reçu le concours de Van Dyke Park, devenu le partenaire indispensable de Brian Wilson à la composition (NDR : sur « Smile » dernièrement ») et du petit génie de la pop actuelle, Sufjan Stevens (NDR : il apporte son concours au très beau « Nothing/Nowhere »). On a connu pire comme début !
Premier elpee du combo, « The Movie » réunit toutes les conditions pour accoucher d’une œuvre parfaite. Mais quel est le véritable résultat ? Côté arrangements, le travail est impeccable. Digne d’Andrew Bird. Les instruments sont bien en place. La voix douce et caressante de Clare est parfaitement maîtrisée, rappelant même celle de Nina Persson des Cardigans. Et il faut admettre qu’une bonne moitié des chansons sont très réussies. En particulier « Pluto », morceau qui ouvre le cd et la très belle reprise du « Everybody want to rule the world » des Tears For Fears. Mais à force de gommer les aspérités, les compos deviennent lisses. Trop lisses. Et privées de ce petit grain de folie, les pop songs légèrement teintées de jazz finissent par devenir ennuyeuses. Dommage, car cet exercice de style ne manque pas de charme. Un charme également reflété par la pochette illustrant une Clare déguisée en G.I. yankee. D’époque, bien sûr. Un peu comme si Clare revendiquait l’héritage de Judith Garland…
Ponctuellement, Omar Rodriguez met son aventure Mars Volta, entre parenthèses. Le temps, par exemple, de se consacrer à l’un ou l’autre projet parallèle (NDR : et notamment celui qu’il partage avec Damo Suzuki, le chanteur mythique de Can ou en compagnie de Lydia Lunch). Lorsqu’il ne se concentre pas sur ses expérimentations en solitaire. Après avoir milité au sein d’At The Drive-in, certainement un des groupes punks les plus important de ces quinze dernières années, le prodigieux guitariste a ensuite fondé The Mars Volta à l’aide de son acolyte chevelu, Cédric Bixler. C’était en 2001. Originaire d’El Paso, au Texas, ce musicien doué d’une technique hors pair a un peu trop souvent tendance à se disperser quand il ne devient pas démonstratif à l’excès. Et lorsqu’il s’égare dans ses délires créatifs, on a souvent l’impression qu’il se donne un malin plaisir à triturer nos pauvres et frêles tympans. C’est le cas tant au sein de son groupe que dans le cadre de sa carrière solo.
Tout au long de « Megaritual », album enregistré à Amsterdam en 2006, en compagnie de son frère Marcel (percussions, batterie et synthés), le guitariste reste égal à lui-même et nous prouve une nouvelle fois la totale maîtrise de son instrument. Soutenu par les percussions latino-américaines de son frangin, Omar nous assène des riffs puissants dignes des meilleurs moments de The Mars Volta. Hormis l’un ou l’autre morceau comme « Bells at the Slipstream » ou « Hands vs. Helix », au cours desquels il s’abandonne dans des divagations expérimentales aussi inutiles qu’exaspérantes, « Megaritual » recèle quelques perles uniques en leur genre. Et je pense tout particulièrement à « Screaming babies inside out » et « At the push of a button ».
Bref, Omar Rodriguez nous prouve une nouvelle fois, mais était-ce encore nécessaire, qu’il est devenu un des meilleurs guitaristes contemporains et un des plus illustres représentants de la scène rock progressive, même si sa créativité débordante dérape encore trop souvent au point de devenir totalement incontrôlable et incontrôlée. Hormis cette petite réserve, « Maya Ritual » est un elpee de toute bonne facture qui devrait ravir les adeptes de rock progressif.
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