Depuis la publication de leur dernier opus, « Forget the night ahead », il y a trois ans, le bassiste Craig Orzel est parti. Un changement de line up qui aurait pu déstabiliser la formation écossaise (NDR : elle est issue de Kilsyth, à 30 hm de Glasgow). Il n’en est rien, puisque « No one cane ver know », leur troisième elpee, tient parfaitement la route. Simplement, le style lorgne davantage vers les 80’s…
Exit les murs de guitares auquel le groupe nous avait habitués, sur ses disques précédents, The Twilight Sad a décidé de privilégier les nappes de claviers et… la basse ; une basse omniprésente, il faut le souligner. Finalement, on ne retrouve, au sein de leur expression sonore, que le climat glauque, ténébreux. Faut dire que la voix d’écorché vif de James Grahan entretient cette atmosphère.
Le disque s’ouvre par le splendide « Alphabet », une compo empreinte de lyrisme. L’émotion est palpable, nonobstant des lyrics pas toujours très faciles à comprendre. A cause de l’accent scottish à couper à couteau, du chanteur. Pourtant, à l’écoute de leur musique, des tas d’images de ce magnifique pays qu’est l’Ecosse traversent votre esprit : les lochs, les fjords, les falaises, les glens, les plaines traversées de petits cours d’eau, les châteaux, son histoire, le tout sur fond d’ambiance mélancolique et mystérieuse…
The Twilight Sad se produira au Botanique ce vendredi 27 avril.
Il y a déjà quelques mois que le Will Oldham, aka Bonnie Prince Billy, a publié cet album. Faut dire que le barbu est difficile à suivre, tant il est productif. Prolifique certes, mais efficace. Sa discographie est colossale. Il doit avoir gravé une cinquantaine d’albums, sortis sous différents pseudonymes. Et parfois pour s’y retrouver, on a intérêt à se servir d’une boussole.
« Wolfroy goes town » s’inscrit dans la lignée générale de ses précédents elpees. Il réunit des compos à la sensibilité à fleur de peau sculptées dans un folk minimaliste. Et minimalisme est parfois un mot faible, car sur ce nouvel essai, on a l’impression qu’il l’a poussé à l’extrême. En fait, pour enregistrer cet opus, le natif du Kentucky n’a reçu le concours que d’un seul musicien, Emmet Kelly. Bref, « Wolfroy goes town » est 100% bio : guitare sèche, claquements de mains. L’électricité est quasiment absente. La valeur ajoutée de cet album serait davantage à chercher du côté des voix. Bien entendu, l’organe vocal d’Oldham est inaltérable mais c’est la présence d’Angel Olsen (avec qui il a tourné auparavant) qui fait l’originalité de l’œuvre. D’ailleurs les points d’orgue de la plaque sont incontestablement « No Match » et surtout « New Tibet », deux plages caractérisées par la merveilleuse conjugaison des deux voix qui s’élèvent en crescendo et tout en douceur.
Bonnie Prince Billy est une figure de proue du folk américain. Et si « Wolfroy goes town » n’est pas son meilleur album commis à ce jour, il tient parfaitement la route. Faut dire que pour l’instant, sur ce terrain, personne d’autre n’est capable de le concurrencer…
Pour un premier elpee, Clock Opera vient de frapper fort. Une formation drivée par le multi-instrumentiste, compositeur et lyriciste Guy Connelly. Les mélodies sont soignées. Quoiqu’autoritaire, la voix de Connelly invite au rêve. Elle me fait même souvent penser à celle de Guy Garvey (Elbow). L’intensité des compos est bien palpable. Elle est alimentée par des synthés, du piano, de la batterie et des samplings. Et tout en nous entraînant dans un univers visionnaire et psychédélique, elles finissent même par libérer un chouette groove, né de la rencontre entre l’instrumentation organique et électronique. Si certaines plages empruntent des accents dramatiques, un peu comme chez Other Lives ou Midlake, d’autres sont davantage contaminées par le swing, mais dans l’esprit de Talking Heads. Un éventail de références qui communique davantage d’amplitude à l’expression sonore. D’autant plus que contagieuses, les chansons sont également empreintes d’une grande sensibilité. Suffit d’écouter des pistes comme « Man made », « Lesson n°7 », « Belongings », « A piece of string » et le single « Move to de mountains » pour s’en convaincre…
En 2001, deux titres des Shins étaient retenus pour figurer sur la bande-son du film ‘Garden State’ de Zach Braff, deux plages issues de l’album « Oh, Inverted World ». Depuis, à la tête de son projet à géométrie variable, James Mercer ce cesse d’illuminer les cœurs des amoureux de la pop…
Mercer et ses acolytes sont particulièrement doués pour torcher des morceaux aussi brillants, qu’harmonieux et soignés. Tout semble tellement fluide pour ces très discrets musiciens épris d’indie-pop classique ! « Port of Morrow » succède à « Wincing the Night Away », un elpee paru il y a déjà 5 ans chez Sub Pop, label que le groupe a entretemps quitté. Le génie de la pop a-t-il conservé ses talents de mélodiste ? C’est une évidence, à l’écoute de perles pop-rock telles que « Simple Song », « September » ou « For a Fool ». Certes, à première écoute, on a parfois l’impression que le combo ne livre pas tout son potentiel ; mais il faut reconnaître que peu de formations contemporaines sont capables de concocter d’aussi belles chansons…
Pour enregistrer cet elpee, la bande à Mercer à reçu le concours de Richard Swift aux claviers, et ma foi ses interventions sont plutôt habiles, mais également de musicos issu de Modest Mouse et Fruit Bats. James a donc négocié brillamment son retour après avoir ouvert une parenthèse chez Broken Bells aux côtés de Danger Mouse. Une aventure qui n’a donc pas altéré sa divine inspiration. Ouf!
On peut affirmer qu’en publiant « Beware and be Grateful », Maps and Atlases vient d’enterrer définitivement son étiquette math-rock. Faut dire qu’il y a un bon moment qu’elle ne collait plus à leur peau. D’ailleurs, assurer les premières parties de Russian Circles, leur voisin chicagolais, n’est aujourd’hui plus imaginable. Bien de l’eau a coulé sous les ponts, depuis leurs débuts, c’est-à-dire lorsque le groupe était comparé à Hella ou Don Caballero.
Le nouvel opus illustre parfaitement le changement d’orientation de la formation yankee. Elle y brasse une multitude d’influences, en revisitant la quintessence de l’indie-rock rencontrée au cours des cinq dernières années.
« Old and Gray » ouvre la plaque. Une voix aérienne est rapidement soutenue par des chœurs. Une basse ronflante entre timidement dans l’ensemble, avant de s’imposer. Sur « Fever », le début est tout aussi réservé, avant d’amorcer un crescendo qui déboule à la manière de Menomena. « Remote and dark Years » n’est pas vraiment sombre, mais plutôt sculpté dans un pop/rock suave. Et entraînant, « Vampires » se révèle davantage rock. Curieuse coïncidence, car en fin de parcours, plusieurs plages (« Be Three Years Old », « Bugs ») s’aventurent dans l’univers de Vampire Weekend. Les percussions sont exotiques et les guitares allègres. De quoi conclure l’œuvre dans un climat de bonne humeur.
Bref, si le quatuor a décidé de prendre un virage à 180° dans sa musique, il n’a rien perdu de son efficacité. Mieux encore, ses mélodies sont contagieuses et excitantes. De quoi satisfaire tout mélomane, branché sur ce style musical…
Maps and Atlases se produira en concert ce dimanche 22 avril au Botanique. Et c’est le combo tournaisien Perils of Penelope qui assurera la première partie.
Sixième album en quinze ans de carrière pour le trio new-yorkais. Et pas de souci, la voix de Matthew Caws est toujours aussi envoûtante…
Et oui, quinze ans déjà que Nada surfe (mmh… facile !) sur la vague rock alternative américaine. On leur doit par ailleurs quelques ‘classiques’ incontournables comme « Always Love », « Whose Authority » ou encore l’hyper médiatisé « Popular ». Succès entièrement mérité pour ce band bien accepté de ce côté-ci de l’Atlantique, principalement en France car Mattew, à la guitare et au chant ainsi que Daniel Lorca, préposé à la basse, se sont rencontrés au lycée français de New York ; donc se débrouillent plutôt bien pour parler la langue ‘hexagonale’. Ne baser son succès que sur ce détail serait vraiment une injustice flagrante. En effet, en plus d’être capable d’échanger (et ils le font en toute simplicité) avec son public anglophile ou francophile, Nada Surf est responsable d’une musique pop hyper dynamique, bien léchée et entraînante à souhait. La section rythmique endiablée, d’une efficacité redoutable, n’y est sans doute pas étrangère. Les 10 morceaux (seulement) insufflent une grosse énergie à celui qui tend l’oreille vers cette plaque de grande qualité où spontanéité et naïveté font bon ménage.
Ce nouvel elpee fait suite à un léger creux qui a quand-même duré quatre longues années. Hormis, « If I had a Hi-Fi », un opus composé exclusivement de reprises et publié en 2010, il fallait remonter à 2008, pour retrouver la trace d’un elpee studio. « Lucky » paru en 2008. Il suivait « The Weight is a gift » en 2007 et « Let go », en 2002. Nada Surf renoue ici avec une bonne vieille habitude : proposer une musique immédiate qui vous charme instinctivement. Les New-yorkais sont de retour et très heureux de nous le faire savoir. En dix plages, dix chansons pop échevelées et harmonieuses Mattew, Daniel et Ira Elliot sonnent le rappel des troupes.
Grâce à une production impeccable due à Ric Ocasek (NDR : Cars) et une instrumentation à la hauteur, c’est une nouvelle fois un album frais et inventif que nous livre le combo américain. C’est ce côté festif d’une musique hyper accessible et pas compliquée qui garantit une pérennité à ce groupe où le talent est inversement proportionnel au nombre de ses musiciens…
Tendez donc un peu l’oreille à « Jules and Jim », hommage à Truffaut, ou encore « The Moon is calling » (et la liste n’est pas exhaustive), splendide ballade pop/rock imparable ; en un mot, laissez-vous tenter et en y mettant le petit doigt, c’est le bras entier qui sera dévoré par ce trio diabolique. Excellent ! Un album de grande facture ! Un des meilleurs de la discographie du groupe. Un concentré de bonheur !
« The English Riviera » est un album dont on a beaucoup parlé. Il a même été considéré comme un des meilleurs opus de l’année 2011. Il fait aujourd’hui l’objet d’une remise en forme. Une énième salve de remixes de ses innombrables hits. De quoi permettre une nouvelle fois aux mélomanes de s’extasier. Et dans cet exercice de style, c’est « Corinne » qui a été le plus (NDLR : la plus ?) remodelé(e). Un morceau qui bénéficie de 4 traitements différents, dont la version très réussie et version singulière et chillwave signée Benoit & Sergio. Si les remixes de cette collection n’arrivent pas à la cheville des plages originales, ils permettent à certains artistes d’élargir la vision électro-pop de la formation insulaire. A l’instar de « The Look ». Traduit en Drum & Bass par Camo & Crooked et house par Two Inch Punch. Bref, une compilation intéressante à défaut d’être inoubliable. Ces remixes devraient toutefois faire des ravages dans certains bars pseudo branchés de la French Riviera, cet été…
Six tasses de n’importe nawak, c’est le défi relevé haut la main par Hans-Peter Lindstrøm. Après ses sublimes collaborations avec Prins Thomas et un premier LP de bonne facture, le producteur norvégien nous balance sept nouveaux morceaux de branleur. Celui qui nous a fait trippé sur des « I Feel Space » et le triptyque « Where You Go I Go Too » se perd ici dans des expérimentations à la mords-moi le nœud. Si on peut parler d’expérimentations.
« Six Cups Of Rebel », ce sont sept tentatives infructueuses d’élever la House à un niveau supérieur. On ressent manifestement l’envie du mec, tant certains morceaux ont du potentiel (« No release », « Hira », « Quiet Place To Live ») ; mais il y a quelque chose qui coince entre les doigts du bonhomme. Quelque chose de fade, de lassant. Et venant de la part d’un gars comme Lindstrøm, c’est d’autant plus décevant. Ne lui reste que les prestations live pour se rattraper.
Live : Aux 10 Days Off (Gand) cet été.
La seconde tête de La femme à deux têtes est paradoxalement masculine. Etrange, non ?
Deux têtes qui déclinent pour identité Perrine Delers et Jean-Michel Distexhe, responsables de l’écriture des 13 titres de l’album, bien soutenus cependant par un backing group de huit musicos. Nous ne sommes donc pas en présence d’un duo mais d’un band de pas moins de dix personnes.
Treize chroniques de la vie passées à la moulinette surréaliste. Mais un surréalisme typiquement belge. Humour et amour font bon ménage ouvrant la porte à une poésie émouvante et drôle. Les chansons sont loin d’être formatées sou un format couplet/refrain ; nous sommes plutôt en présence d’histoires chantées qui s’écoutent attentivement en nous mettant parfois nous-mêmes en scène !
Amusant, lyrique, ce disque nous ressemble, nous interpelle car nous sommes directement concernés par ces petites phrases qui forment ces petites anecdotes qui sont nos histoires.
L’utilisation d’instruments acoustiques, tels que l’accordéon, la contrebasse, les guitares, la clarinette et autres cuivres renforcent le côté poétique et authentique des compos.
La voix de Perrine évoque parfois Olivia Ruiz qui boxe dans la même catégorie ; mais il serait réducteur de ne retenir que cette impression de cette ‘femme à deux têtes’ qui est capable de se faire entendre et apprécier pour ce qu’elle raconte et est réellement.
La seconde voix, celle de Jean-Michel, quoique plus discrète, vient de temps à autre apporter une présence qui charme l’auditeur et donne un petit supplément d’authenticité à ces épisodes de la vie de tout un chacun.
On appréciera, on écoutera ce disque pour son côté vrai, émouvant et drôlement bien réussi.
Au fil du temps, ce jeune chanteur/guitariste prend de la bouteille. « Seventh hour » constitue déjà son septième elpee officiel. En règle générale, pour enregistrer ses albums, le Canadien bénéficie du concours d’invités prestigieux comme Kim Wilson, Charlie Musselwhite, Hubert Sumlin, Junior Watson ou encore Charlie Baty. Ce nouvel elpee est bien celui de la maturité, car lors des sessions d’enregistrement, il n’a pas reçu la collaboration de grosses pointures. Simplement son backing group habituel. Soit le drummer Jeff Asselin, le bassiste Marc Decho et le claviériste Jesse Whiteley. Et il faut reconnaître qu’un gratteur de cette trempe n’a pas vraiment besoin de partenaire aux cordes pour exceller.
Non seulement JW est beau gosse, mais il est particulièrement élégant dans son costume trois pièces. Suffit de regarder la pochette pour s’en convaincre. Cet opus est de toute bonne facture. Il ne souffre d’aucun point faible. Les compos sont particulièrement solides. Jones ne s’abandonne jamais dans la facilité. Sa voix n’a jamais été aussi affirmée et autoritaire et son jeu sur les cordes est le plus souvent remarquable. La classe!
“Ain’t gonna beg” est une bonne mise en jambes. Une plage bourrée de charme et de potentiel. La première sortie des cordes est victorieuse. JW distille les notes nécessaires et indispensables pour propager une tonalité lumineuse. “Let it go” est également imprimé sur un tempo assez élevé, pendant que l’orgue Hammond tapisse confortablement le décor sonore. Le flux et le reflux de la guitare permet de libérer des notes meurtrières. Le climat devient carrément torride sur “In a song”. Evoluant sur un rythme convulsif, “You got caught” rappelle les bonnes compos signées par la paire Leiber/Stoller. Les cordes s’envolent. On a l’impression d’être plongé dans un film tourné dans le Far West! Plage soul/r&b, “All over again” est hanté par l’esprit de Memphis. A cause de l’orgue Hammond. Jones s’y sent comme un poisson dans l’eau. Jeremy Wakefield participe quand même à deux pistes. Il a ramené sa lap steel guitar. Ce grand spécialiste du western swing est dans son jus tout au long de “Heartbreaker”. L’échange entre les deux gratteurs est de haute volée. En finale, Jeremy remet une couche de lap sur un rockabilly. En l’occurrence, le “So long I’m gone” de Roy Orbison. On épinglera encore “Do for you”, un impeccable Memphis blues à la sauce Albert King et la reprise saignante du “I’m tryin” de Little Milton, une piste davantage inspirée par Albert Collins! “Seventh hour” confirme tout le bien que l’on pensait de JW Jones. Un des meilleurs albums de l’année 2012, c’est une certitude !
Howlin' Rain est un groupe issu de San Francisco dont la formation remonte à 2004. Le combo avait publié un premier album en 2006. Il était éponyme. Et un second, en 2008, "Magnificent fiend", rapidement suivi d’un Ep, intitulé "Wild life". Ethan Miller, chanteur et guitariste en est le leader. A l’origine, il était entouré par ses amis d'école, Ian Gradek et John Moloney. Aujourd'hui, si Miller est toujours aux commandes, il est soutenu par d'autres musiciens : le chanteur/guitariste Isaiah Mitchell, Joel Robinow aux claviers, cuivres et cordes, le bassiste Cyrus Comiskey ainsi que le percussionniste Raj Ojah.
La musique d'Howlin' Rain combine blues, funk, rock classique et psychédélisme. Howlin' Rain n’hésite pas à se réclamer des légendes du passé de la musique rock comme les Allman Brothers Band, Jimi Hendrix, Santana ou encore Love, le groupe d'Arthur Lee! La direction de la production a été confiée à Rick Rubin, une espèce de gourou, adepte de la fusion entre le rap et le heavy metal. Il a bossé pour une multitude d’artistes, dont Slayer, Masters of Reality, The Cult, les Red Hot Chilli Peppers et Aerosmith. Et c’est le jeune Anglais Tim Green qui apporte son concours à la mise en forme.
"Self made man" amorce l’elpee. Une compo imprimée sur un tempo lent. Les riffs sont accrocheurs mais dramatiques. La voix d’Ethan me fait penser à celle d’un hard rocker paisible. Il chante et ne hurle pas. Ce qui ne l’empêche pas de hausser le ton. Les autres musicos assurent les chœurs. Et finalement, l’ensemble ne manque pas de charme, même si le style nous replonge au début des seventies. Dès que les cordes sont lâchées, elles se mettent à vagabonder dans l’esprit d’un Carlos Santana épaulé par Neal Schon. A l’instar de "Caravanserai", une piste qui s’étale pendant de longues minutes ; de quoi laisser le temps aux deux six cordes d'explorer des sentiers non balisés. HR embraie sur "Phantom in the Valley", sans susciter de grand bouleversement, malgré le rythme plus vif. Enrichi de voix et d’un orgue, ce titre me rappelle les Anglais de Spooky Tooth. Et c'est un compliment! Au cours de cette fresque sonore, bien dessinée, la trompette s'évade au cœur d’une ambiance festive et exotique. Chargé d’intensité, "Can't satisfy me now" est un morceau qui baigne au sein d’un climat de détresse et de douleur. Ce n’est pas la joie, et le timbre puissant de Miller est parfaitement adapté pour communiquer ces émotions. Si les grattes ne manquent pas d’attrait, elles adoptent le plus souvent un profil fort classique. Et dans la démarche, on ne décèle guère de trace de voyage psychédélique. La voix qui ouvre "Strange thunder" est fragile, très pure, fort proche de Jon Anderson dans la grande époque de Yes. Une plage dépouillée à l’extrême jusqu’au moment de l’explosion finale, rondement menée. La tessiture vocale de Miller peut aussi évoquer le regretté Steve Marriott. Et en particulier sur le convainquant "Dark side". Mais sans la férocité et le caractère quasi animal de l'Anglais. La reprise du "Collage" de Joe Walsh est à la fois fragile et belle. Une version remarquable réminiscente de Crosby, Nash et consorts ou des Eagles époque Walsh. En outre, le morceau prête à l’aventure. Et quoique adoptant une forme bluesy, digne de Humble Pie, la forme psychédélique épouse ensuite "Walking through stone". Splendide ! En finale, le gratteur marche sur les traces d’un Carlos Santana jazzyfiant. Un album de classe !
Notre ami Gary est autrichien. En réalité, il s’appelle Robert Stadlober et s’est forgé une certaine notoriété comme acteur. Il n’est donc guère notoire dans l’univers musical. Pourtant, il est passionné par la musique. Celle des années 90, tout particulièrement. Bien sûr, on a souvent remarqué que les transfuges du cinéma vers la musique, ne sont pas toujours très concluants. Suffit de penser à Emmanuelle Seigner. Néanmoins, il faut reconnaître qu’au sein de ce nouvel environnement, il se débrouille plutôt bien.
Robert n’est pas vraiment un artiste solo, puisqu’il est soutenu par un backing group au sein duquel figurent Astrid Noventa, Rasmus Engler et Daniel Moheit. Des collaborateurs talentueux qui l’épaulent depuis les débuts de l’aventure, soit en 2001. « Hey Turtle – Stop Running » constitue le troisième opus de Gary. Et franchement, il a de l’allure, lorgnant tour à tour vers la lo-fi de Guided by Voice voire de Pavement (« You, Lou and Stephen Ca. 1995 ») ou la power-pop chère à Big Star et Teenage FanClub (« Epitaph »). Les voix conjuguées de Robert Stadlober et Astrid Noventa manquent parfois d’assurance, mais jamais de grâce et finalement s’avèrent très susceptibles de vous refiler une bonne dose de frissons…
Car Gary est définitivement un ami qui vous veut du bien…
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