Si Balkan Beat Box rencontre autant de succès, c’est sans doute parce que ce groupe est à l’image d’une génération : celle qui a grandi à l’ère du village global et a voyagé un peu partout, autour du globe. Une jeunesse révoltée contre le racisme et la guerre.
Ce collectif new-yorkais est drivé par trois musiciens d’origine israélienne : Ori Kaplan au saxophone, Tamir Muskat à la batterie et Tomer Yosef au micro. La plupart des membres du line up ont déjà roulé leur bosse musicale dans des groupes punko-klezmer tels Gogol Bordello, Firewater, Big Lazy et Shotnez. Et depuis la sortie de leur premier album éponyme, en 2005, les BBB sont parvenus à se faire une place de choix, notamment grâce à leurs concerts frénétiques. Sept invités new-yorkais et israéliens sont venus enrichir, de leurs sonorités aux couleurs venues d’ailleurs, les compos du nouvel elpee de Balkan Beat Box.
Si leurs racines sont balkaniques, leurs influences évoluent et s’élargissent de disque en disque. Leur premier opus (« Balkan Bet Box ») était surtout le fruit d’un mélange entre fanfares et musiques plus actuelles (hip hop, electro), le second (« Nu-Med ») empruntait également aux musiques traditionnelles orientales. « Blue eyed black boy » y ajoute des rythmes latins de cumbia, des sons caribéens, et du raeggeton. Le tout fortement agrémenté, grâce à la magie du numérique, de breakbeat, de drum'n'bass et d’électro.
C’est parfois beaucoup pour un même morceau et l’on se perd un peu dans ce zapping d’influences. Le résultat ressemble parfois aux hymnes de Manu Chao, surtout l’entraînante « Marcha de la vida », chantée à travers un mégaphone et reprise par une foule en délire. Entre dub balkanique et samba de carnaval, les styles changent mais l’énergie passe du début à la fin. Il faut donc avoir la forme pour danser sur cette musique résolument taillée pour le live (qu’on pourra écouter aux Nuits du Bota).
Quant à la détermination ‘politique’ de Balkan Beat Box (qu’on se rappelle la pochette de leur premier album ou les groupes au sein desquels ont milité les 3B), il faut avouer que si elle émane du punk, elle prône davantage aujourd’hui une philosophie mondialiste.
« Blue eyed black boy » (un garçon noir aux yeux bleus) prône le pluriculturalisme et la paix dans le monde, mais n’annonce rien de nouveau. La musique s’oriente vers le global-sound, une musique universelle pour un village global. Mais ce qui fait la richesse des peuples et nationalités, n’est-ce pas justement leurs différences ? Peut-on garder une identité quant on prétend les embrasser toutes à la fois ?
Le Balkan Beat Box propose, en un tour un peu rapide du globe, une musique pour aller danser et se défouler. Mais pour entrer dans une culture, un état d’esprit, il faudra résolument prendre le temps, ailleurs.
Boris est une formation expérimentale japonaise réputée pour son drone. Elle se réserve fréquemment des collaborations en compagnie d’autres artistes. Parmi les plus notoires, on épinglera le concours apporté auprès de Stephen O’Malley ou encore de leur compatriote Masani Akita (mieux connu sous le pseudonyme de Merzbow). En revanche, on connaît beaucoup moins celle qu’elle a réalisée en 2007, sur le label Drag City (Shellac, Pavement, Will Oldham, …), avec le talentueux guitariste Michio Kurihara. Pourtant, ce dernier n’est autre que le soliste du célèbre groupe psyché nippon, Ghost. Et le moins que l’on puisse dire c’est que sur « Rainbow », le Japonais s’est vraiment lâché. Il s’est même servi de cette collaboration comme d’un véritable exutoire, afin d’étaler toutes les palettes de son talent de guitariste. Et c’est tout à fait déconcertant ! Il le démontre d’ailleurs tout au long des soli (NDR : jamais ennuyeux, il faut le souligner) dispensés tout au long de « Sweet No 1 ». Des soli qui peuvent se muer en véritable déferlante de décibels.
« Rainbow » alterne climats paisibles, ténébreux, angoissants ou surnaturels. En ouverture, des riffs lourds et lents, glacés par les vocaux atmosphériques de Takeshi, envahissent « Rafflesia ». Nous ne sommes alors pas très loin du Boris originel. Une voix féminine vient délicatement se poser sur le titre éponyme. Empreint de quiétude et de mélancolie, « My Rain » brode des arpèges élégants. Cette sérénité fait ensuite place à un climat plus ténébreux. Lugubre même. « Shine » nous plonge même carrément dans un dark folk, propice à la méditation. Bouleversant ! Probablement le meilleur titre de l’opus. Et la suite de l’œuvre macère dans une ambiance aussi malveillante et angoissante…
« Rainbow » est sorti il y a trois ans. Depuis, beaucoup d’eau à coulé sous les ponts. Mais à ce jour, il s’agit, encore et toujours de l’album le plus expérimental et le moins accessible de Boris. Un six-cordiste, je vous le rappelle, tout bonnement remarquable. Et si à l’époque, vous étiez passés à côté de cet elpee, alors que vous êtes accro au style, je vous conseille vivement de vous le procurer. Vous ne le regretterez pas. Il n’est jamais trop tard pour bien faire. D’ailleurs, la musique est immortelle. Alors, pourquoi s’en priver ???
Broken Social Scene est certainement une des formations les plus brillantes sur les planches. Elle est même le plus souvent impressionnante. Drivé par Brendan Canning et Kevin Drew, ce collectif nous propose son cinquième opus, « Forgiveness Rock Record ». Un elpee qui fait donc suite à leur éponyme controversé, publié en 2005.
Et malgré ces 5 longues années d’attente, il faut reconnaître que le collectif torontois n’a rien perdu de sa superbe. Pour mettre en forme ce long playing, BSS a donc reçu le concours du génial John McEntire. Pour la toute première fois, le band a bossé à l’extérieur de sa ville natale. En l’occurrence, à Chicago, au sein des studios du leader de Tortoise. Toute une série de paramètres susceptibles de donner une nouvelle orientation musicale à cet ensemble canadien. Ben pas vraiment. Pas de révolution majeure, mais un album toutefois plus accessible, presque pop, même parfois. A l’instar des excellents « Texico Bitches » et « All To All ». On retrouve d’ailleurs le profil épique si caractéristique sur « World Sick » et « Forced To Love », deux morceaux dont l’irrésistible climax est manifestement taillé pour la scène. Le line up de BSS est toujours à géométrie variable. Mais il réserve également un espace à des invités. Dont Feist sur le fabuleux « All To All », le vétéran Sam Prekop (The Sea and The Cake) ou encore des membres de Do Make Say Think. Une chose est sûre les aventures en solitaire vécues par Kevin Drew et Brendan Cannings n’ont pas tari leur créativité. Ni leur énergie (NDR : ces cuivres sur « Art House Director » !) On a même droit à une intro africaine pour « Highway Slipper Jam » et des claviers loufoques tout au long d’« Ungrateful Little Father ». Et le plaisir que semblent s’être procuré nos deux compères, tout au long des sessions d’enregistrement, est manifestement communicatif…
La scène torontoise (Arcade Fire, Feist, Metric, Stars, etc.) est toujours aussi vivace. Et en nous réservant des œuvres de ce type, elle n’est pas près de disparaître. A croire que ses musiciens ont ajouté une potion magique dans leur sirop d’érable pour faire preuve d’autant d’imagination. A ce jour, le parcours de Broken Social Scene est en progression constante. Et on se demande même où il va s’arrêter. Pas trop vite, on le souhaite ardemment. De manière à encore pouvoir apprécier leurs sets ‘live’, lieu privilégiés, où les musicos sont souvent en état de grâce. D’ailleurs, ils se produiront dans le cadre du festival Les Ardentes, ce 8 juillet prochain ! Et si vous voulez en savoir davantage, je vous invite à lire l’interview que Brendan Cannings a accordée à Musiczine, juste avant la sortie de cet opus.
L’ex-leader de Talking Heads est le responsable d’une multitude de collaborations. Parmi les plus célèbres, on épinglera son duo échangé en compagnie de l’ex-claviériste de Roxy Music, mais surtout illustre producteur, Brian Eno. D’autres sont moins notoires mais tout aussi respectables. Dont celle qu’il réalisée avec le chorégraphe belge Wim Vandekeybus ou encore la chanteuse Selena. Pour concocter ce nouvel opus, l’Ecossais s’est tourné vers Norman Cook, alias Fatboy Slim ! Ensemble, ils ont composé une sorte d’opéra dont le thème est consacré à la très controversée Imelda Marcos ainsi qu’Estrella Cumpas, la nounou du couple Marcos. Surnommée le ‘Papillon d’acier’, Imelda était l’épouse de Ferdinand Marcos et première Dame des Philippines, de 1965 à 1986. Si vous ignorez cet épisode étonnant de l’histoire, je vous invite à aller jeter un œil sur Wiki. Cette donzelle s’était ainsi offert 3000 paires de chaussures, aux frais du régime de son cher mari, avant que le couple ne soit contraint à l’exil.
« Here Lies Love » raconte donc certains épisodes de la vie de cette femme totalement extravagante. Projet ambitieux, vous vous en doutez. Pour Byrne, la vie décadente d’Imelda Marcos aurait d’ailleurs pu être traduite en une pièce de théâtre. Mais Byrne et Slim ont préféré lui réserver un opéra, en 22 chansons. Le projet a reçu le concours d’une flopée de guests, mais essentiellement de la gente féminine. Et notamment Cyndi Lauper, Alice Russell, Santigold, Sharon Jones ou encore Florence Welsh (de Florence + The Machine) ! C’est d’ailleurs cette dernière qui s’illustre sur le titre d’ouverture « Here Lies Love », un morceau tout en douceur, au cours duquel hautbois et quelques bongos donnent le ton ! Fatboy Slim ne s’est pas contenté d’écrire. Et on ressent manifestement sa patte sur plusieurs compos. Notamment ces fameux beats percutants, réminiscents de ses premiers tubes ! Le timbre de Cyndi Lauper est intact. Et elle le démontre tout au long d’« Eleven Days », plage au cours de laquelle elle injecte tout son dynamisme. Mr. Byrne se réserve quand même le chant tout au long du remuant « American Troglodyte ». Sa voix si particulière pimente un titre alimenté par quelques expérimentations sonores, un séquenceur disco et une petite guitare ‘catchy’. Tout n’est cependant pas parfait. Certaines vocalises (Camille, Tori Amos ou encore Nicole Atkins) finissent même par irriter. Un petit bémol qui ne doit pas pour autant gâcher la qualité de l’ensemble. N’empêche, il serait intéressant d’assister à la transposition en comédie musicale de cette rondelle. A quand un disque consacré à la vie de Carla Bruni ?
Responsable d’un excellent premier opus, il y a deux ans, la formation écossaise propose donc une suite à « It’s Not Something But It Is Like Whatever ». Et franchement, le résultat est encore plus convaincant. Le combo est hébergé sur le label de Mogwai, Rock Action. Ses membres sont d’ailleurs devenus les petits protégés de la bande à Stuart Braithwaite. Vous vous doutez donc que leur musique trempe dans le post rock. Mais un post rock original, capable de rivaliser avec celui des épatants 65daysofstatics (NDR : pour lesquels ils ont d’ailleurs assuré la première partie). Et pour cause, tout au long de « Come Down With Me », le quartet glaswegien est parvenu à transcender les limites du genre. Tout d’abord en incorporant dans sa solution sonore un feeling new wave (NDR : ces claviers analogiques). Et puis surtout une bonne dose d’électronique puisée à la fois au sein du mouvement krautrock et de la scène new-yorkaise contemporaine (NDR : pensez à LCD Soundsystem ou encore The Battles). En outre, la structure de leurs compos est totalement différente des formations émargeant à ce style. Pas question ici de longs crescendos, mais plutôt une ambiance atmosphérique dont l’intensité est entretenue par des rythmiques frénétiques. Les mélodies sont contagieuses (NDR : « A Rumour In Africa », « Germany » ou encore « Beards » sont des tubes en puissance !) et le feeling susceptible d’enflammer les dancefloors. Les guitares sont tantôt placées en retrait, tantôt mises en exergue. Bien sûr les références basiques lorgnent vers le post-rock (NDR : de Mogwai et Tortoise en particulier), mais Errors a le bon goût de s’éloigner des schémas habituels, de la norme, si vous préférez. Une véritable bouffée d’air frais, que je vous invite à humer ce 9 mai, au Botanique de Bruxelles. Ils s’y produiront, dans le cadre des Nuits, à la même affiche que les artistes féminines Rox et Ellie Goulding (NDR : des Britanniques) ainsi que Selah Sue (NDR : c’est une Belge !)
Johnny Allen ‘Jimi’ Hendrix est né à Seattle, en novembre 1942. Il est décédé à Londres, en septembre 1970, moins de 28 ans plus tard. Et pourtant, 40 ans après sa disparition, son culte n’a jamais été aussi vivace. Cet opus réunit des enregistrements inédits. Vous me direz, encore un. Faut dire qu’on ne compte plus les albums non officiels ou piratés, parus depuis sa mort. La société Experience Hendrix est dirigée par Janie, la demi-sœur adoptive de Jimi. Elle est aujourd’hui âgée de 50 ans et détient tous les droits de succession de l’artiste. Et manifestement, elle compte bien profiter de cette situation. Tant mieux et tant pis à la fois.
La maison d’édition avait publié "First rays of the new rising son", en 1997 (NDR : un elpee réunissant des versions inédites, datant de 1968) et "South Saturn Delta", une compilation de fonds de tiroirs se focalisant sur les différentes incarnations du mythe : Experience, Gypsy Sun and Rainbows (époque Woodstock) et Band Gypsies. Enfin, l’année 2000 a livré un coffret intitulé "The Jimi Hendrix Experience", consacré à 4 heures de prises alternatives…
Et pourtant, la carrière du génial guitariste n’a duré que cinq ans. C’est l’ex-Animals, Chas Chandler qui le découvre à New York. Il l’invite à traverser l’Atlantique, et à rejoindre Londres. Et il lui déniche rapidement deux musiciens insulaires : le bassiste Noël Redding ainsi que le drummer Mitch Mitchell. The Experience vient de naître. Le combo accorde déjà quelques concerts en France (merci Johnny !) et même un en Belgique. Les hits vont alors se succéder. Dont l’éternel "Hey Joe". Puis "Purple Haze" et "The wind cries Mary". L’album "Are you experienced" est publié en avril 67. Il est suivi par "Axis bold as love" ; et enfin par son chef-d’œuvre, "Electric Ladyland". Fin juin 1969, c’est la fin du Jimi Hendrix Experience. Quelque temps plus tard, il lance un nouveau groupe : Gypsy Sun and Rainbows. Une aventure de brève durée, il faut le préciser. Avant de fonder Band of Gypsies, en compagnie de Billy Cox et Buddy Miles.
Cet opus constitue la suite d’"Electric Ladyland". Il puise donc au sein de bandes inédites concoctées par le Jimi Hendrix Experience. Les trois premières plages impliquent Billy Cox à la basse. A cette époque, les relations étaient tendues entre Jimi et Noël Redding. Ce dernier allait d’ailleurs bientôt quitter le trio pour rebondir chez Fat Matress. "Stone free" est une compo écrite en 1966. Cette nouvelle version a été adaptée en 69. Caractérisée par les répliques vocales de Roger Chapman (Family) et la participation d’Andy Fairweather-Low (Amen Corner) à la seconde gratte, elle est très différente de l’originale. Le morceau maître est ma foi, une compo fort singulière. Une ballade sont le climat atmosphérique et aventureux évoque "The wind cries Mary", mais imprimée sur un tempo plus enlevé. Le répertoire d’Hendrix incluait la cover du "Bleedin' heart" d'Elmore James. Cette adaptation est totalement différente de la version originale. Jimi est ici soutenu par Billy Cox, le drummer Rocky Isaac, Chris Grimes au tambourin et Al Marks aux maracas. Assurée par Al Kramer, la mise en forme est tout à fait contemporaine. "Hear my train a comin?" est une compo particulièrement impressionnante. Un ‘transe’ blues dont le climat torturé, psychédélique, est digne du célèbre "Voodoo chile". "Mr Bad luck" est le seul morceau antérieur à mai 1967. Chas Chandler en assume la production et les parties de basse ainsi que de batterie ont été réenregistrées, par les mêmes musiciens, en 1987. Lorsque Hendrix a débarqué en Angleterre, il a fait la connaissance d’Eric Clapton, alors impliqué dans l’aventure de The Cream. Et leurs contacts sont devenus fréquents. D’ailleurs, l’Experience avait adopté le même line up : celui du trio. Jimi rend un hommage ‘hendrixien’ au Cream, à travers une version instrumentale du fameux "Sunshine of your love". "Lover man" est le traitement réservé au célèbre "Rock me baby" de BB King. On décèle chez l’Américain, sa manière très particulière, unique en son genre même, d’appréhender le blues. "Ships passing through the night" a été mis en boîte le 14 avril 1969, c’est-à-dire lors de la toute dernière session accomplie par les trois membres originels de l'Experience. Hendrix y laisse libre cours à son inspiration. Son périple est déconcertant et périlleux, mais bigrement prodigieux. Sa six cordes passe un sale moment. La suite propose des morceaux plus connus de son répertoire. A l’instar de "Fire" et "Red House". Il ne s’agit cependant pas de prises alternatives réalisées en 1967, mais bien de nouvelles versions retravaillées en studio, en février 69. Evoluant sur un rythme allègre et parcouru par des accords de guitare débridés, "Fire" affronte les réponses vocales agressives de Redding. Quant à "Red house", il est la parfaite illustration de l’expérience ( ?!?!?) acquise par l’artiste, au cours des deux années précédentes. L’elpee s’achève par deux instrumentaux inédits : "Lullaby for the summer" et "Crying blue rain".
Plus de trente années que la formation texane roule sa bosse sur les routes du blues. Et au cours de cette longue existence, elle a enregistré le séjour d’une multitude de musiciens talentueux. Dont, bien sûr, Jimmie Vaughan. Membre fondateur et guitariste. Et puis des tas de sections rythmiques. Aussi talentueuses les unes que les autres. Mais du line up originel, il ne reste plus que le chanteur/harmoniciste mythique Kim Wilson. Pourtant, il a embrassé, en parallèle, une carrière solo. Mais son projet immortel demeure les T-Birds. Au sein du line up actuel, militent les guitaristes Johnny Moeller et Mike Keller, le bassiste Randy Bermudes et le drummer Jay Moeller. Ils ont tous un peu moins de 40 balais, alors que le toujours jeune Kim en fêtera bientôt soixante.
Enregistré aux studios Churchhouse d'Austin, en 2009, "Fab T-Birds" constitue bien le dernier elpee concocté par Kim. Mais il n’est disponible que lors des concerts accordés par le combo.
L'attaque pratiquée sur "Satisfied" est assez brutale. A cause des deux guitares texanes largement amplifiées ; pourtant, la voix chaleureuse et si caractéristique de Kim reprend rapidement le dessus, tout au long de ce R&B bien entraînant. Très rythmiques, les cordes impriment une cadence infernale. Elles sont appuyées par les percussions franches et précises du cadet des Moeller. Le tempo ralentit pour aborder "I'll be around". Les guitares restent bien à l'avant. Des effets de réverbération communiquent une coloration bayou, mais également lugubre, à l'ensemble. Nerveux, Moeller est prêt à bondir à la première occasion ; mais il est rapidement rejoint par son comparse Keller pour célébrer cette fête des cordes. Un train lancé à vive allure propulse "Take me as I am". La section rythmique est accrocheuse et solide. Les lignes de basse tracées par Bermudes pètent de santé. Soutenues par un orgue, elles vont au combat, alors qu’un chant gospel est conjugué par la voix masculine de Kim Wilson et celle, féminine, de Miss Lavelle White. Superbe ballade lente, "Do you know who I am" est remarquablement chanté par Kim. Une compo dont les lyrics soulèvent la question de l’intégration. Il raconte l’histoire d’un homme considéré comme un étranger au sein de son propre quartier, à New Orleans. Alimentée par l'orgue Hammond de David Boyle ou d’Anthony Farrell, cette chanson interpelle. "Payback time" s’ébroue dans une ambiance très roots, proche du blues du Delta. Nous somme précipités dans l’univers quintessentiel des T-Birds. Kim sort enfin son harmo de sa poche et se met à souffler. Un véritable régal ! Il a d’ailleurs conservé toute la puissance de son souffle. La machine à rythme reprend le dessus et monte progressivement en puissance, tout au long de la cover du "Love the way you love" d'O.V Wright. Kim chante à la manière d’un James Brown au sommet de sa forme. Miss White le seconde. Les cordes entament un véritable ballet. Funk et groove envahissent "Got to bring it with you". Shuffle texan de toute bonne facture, "Baby I love you" est partagé entre les plus grands spécialistes du style ; et bien entendu, la musique à bouche revient à l’avant-plan. Signé Randy Bermudes, "Runnin' from the blues" est un superbe R&B dont la ligne mélodique imparable est soulignée par un orgue Hammond. Autre R&B, mais comme Mr Wilson l’affectionne, "Hold me" est investi par des guitares classieuses et incisives. D’excellente facture, cet elpee s’achève par une cover saignante du "Cat squirrell" de Doctor Ross. Une interprétation sauvage, plus que probablement opérée ‘live’, mais en studio, caractérisée par des interventions très offensives à l’harmo et un Jay qui cogne dur sur ses fûts.
Plusieurs extraits sont en écoute sur la page MySpace du groupe. Un site sur lequel plusieurs clips vidéo sont également visibles. Les T-Birds sont annoncés en Belgique pour le début du mois de juillet. Mais leurs nombreux fans se demandent si cet opus, sortira un jour sous une version physique officielle…
Eponyme, le dernier opus du collectif canadien remonte déjà à 2005. Les mélomanes les plus difficiles l’estimaient trop brouillon. Les autres, particulièrement créatif. En tout cas, il n’était pas aussi raffiné que « You Forgot It in People », publié en 2002. Pour enregistrer « Forgiveness Rock Record », le collectif canadien a reçu le concours, entre autres, de Feist, Sam Prekop (The Sea and The Cake) ainsi que du légendaire John McEntire (Tortoise) à la production. A quelques semaines de la sortie de leur 3ème album, nous avons rencontré Brendan Cannings (NDR : il partage le leadership du combo, avec Kevin Drew), au café de l’Ancienne Belgique. Loquace, affable et surtout passionné de musique, Brendan nous livre ses premières impressions sur ce nouvel opus…
Pourquoi avoir choisi votre héros, en l’occurrence John McEntire pour mettre en forme « Forgiveness Rock Record » ? Qu’attendiez-vous de lui en matière de production ?
John McEntire est en effet une sorte de héros pour certains membres du groupe ! Nous sommes en tous cas fascinés par son œuvre. Quel mélomane ne le serait d’ailleurs pas, en écoutant ce qu’il a pu réaliser au sein de Tortoise. Les sessions se sont déroulées dans ses studios, à Chicago. Une merveilleuse expérience ! C’était la première fois que nous enregistrions, à l’extérieur de Toronto. J’avoue avoir été envahi par une certaine appréhension, au cours des premiers jours, mais au fil du temps l’expérience est devenue de plus en plus enrichissante. Nous avons d’ailleurs accumulé plus de 30 morceaux !
Avant d’entrer en studio, aviez-vous déjà une petite idée du choix de votre nouvelle orientation musicale ?
Avant d’entamer l’enregistrement d’un album, nous ne décidons jamais de la direction que prendra notre musique. Tout le monde débarque avec ses propres idées et nous commençons à jouer, en attendant que l’alchimie opère, que le moment magique arrive. Et après des heures de répétition, les morceaux prennent forme tout naturellement. Au feeling ! Jusqu’au moment où nous touchons à la mélodie idéale… C’est une chance que nous soyons tous véritablement mordus par la musique. Nous pouvons jouer des heures, sans nous accorder la moindre pause…
Certaines de vos dernières découvertes musicales vous ont-elles influencées ?
Tout ce que j’écoute m’influence, que je le veuille ou non. Mais il est certain que les dernières productions de Neon Indian, Atlas Sound et Animal Collective nous ont fortement marquées. Certains artistes hip-hop comme Mos Def également. Tout mon parcours musical agit sur mon subconscient, en fait. De mes premiers amours ‘metal’ jusqu’à l’indie-rock des années 90, en passant par la scène contemporaine. En entrant ici, j’ai entendu une chanson d’Erika Badu ; et je suis convaincu qu’elle influera sur mes compositions futures. Cette chanson me sensibilise tellement, que cet après-midi, j’essaierai d’aller me procurer ce cd, chez un disquaire, à Bruxelles.
Votre dernier elpee remonte à 2005. Depuis, il me semble que vous vous êtes, à l’instar de Kevin, surtout concentrés sur vos projets solos respectifs. Vous vouliez faire un break ?
Non, non, croyez-moi, je n’ai pas chômé une seconde ! J’ai participé à l’écriture de la B.O. de certains films comme « Half-Nelson » de Ryan Fleck en compagnie de Ryan Gosling (Dead Man’s Bones) ainsi que pour deux long métrages mettant en scène Ellen Page. Tout d’abord « The Tracy Fragment » en 2006, jamais projeté dans les salles européennes, et surtout « Juno » (NDR : sorti en 2007, il a décroché une multitude d’Awards, ). En fait je compose sans arrêt…
Six personnes seulement ont participé à l’écriture de « Forgiveness Rock Record ». Cette simplification vous a-t-elle facilité la tâche ?
Que nous soyons 15 ou 6, le processus de travail en studio est quasiment invariable.
Sam Prekop (The Sea and the Cake) a participé à la confection de cet album. Vous l’aviez invité ?
Sam est un ami de John McEntire. Ce dernier lui a demandé de participer aux sessions. La rencontre s’est donc déroulée sans aucun problème. D’autant plus que tous les membres du groupe aiment ce flirt si caractéristique, entre pop et jazz, pratiqué par The Sea and the Cake…
L’aspect mélodique de « Forgiveness Rock Record » semble plus soigné. Et par conséquent les compos paraissent plus accessibles que sur les disques précédents. Notamment des plages comme “Texico Bitches” ou encore “All To All”. Etait-ce intentionnel?
Pas du tout! Nous composons nos morceaux en fonction de leur bonne transposition en ‘live’. Nous avons opéré consciemment un seul choix : ajouter un chant africain pour introduire « Highway Slipper Jam », une décision prise après avoir découvert Fela Kuti. Et je dois avouer que sa musique nous a beaucoup impressionnés…
Pourquoi avoir choisi un tel titre pour l’album ? Avez-vous quelque chose en particulier à vous faire pardonner ?
Des milliers de choses… j’estime que le pardon est l’une des émotions les plus nobles. Pas facile à accorder mais ça fait tellement du bien.
Vous avez souvent parlé de l’esprit collectif propre à la communauté musicale de Toronto. Est-il toujours bien présent, malgré le succès rencontré par certains groupes ?
Oui, la scène de Toronto est toujours aussi soudée qu’il y a quelques années. Tout le monde se connaît et s’entraide. Le centre de la ville est comme un grand village peuplé d’artistes. On se croise constamment. Il faut avouer que pour un musicien, cet endroit est assez formidable. J’ai quitté la banlieue et surtout son formatage, pour emménager au centre de la Cité, à la fin de mon adolescence. Mais je crains fort que cette ‘standardisation’ ne me rattrape et gagne peu à peu le cœur de la ville. Certains signes avant-coureurs alimentent mon inquiétude, malheureusement.
Y a-t-il un groupe sur lequel vous avez flashé, récemment ?
Vous connaissez Broken Social Scene (rires) ?
Votre collectif prend toute sa dimension sur les planches. Certaines de vos prestations sont même proches de l’envoûtement. Le public belge aura-t-il bientôt la chance de vous y revoir ?
Nous nous produirons, en tout cas, dans le cadre du Festival des Ardentes, à Liège, ce 8 juillet, ainsi qu’à l’Ancienne Belgique (NDR : la date n’est pas encore confirmée). J’espère que nos shows seront de meilleure facture que celui accordé à Louvain, il y a quelques années. Nous avons donné, ce jour-là, le pire concert de toute notre tournée…
Après la sortie du single « F.R.A.N.T.I.C », particulièrement diffusé sur les ondes radiophoniques, au cours de ces dernières semaines, Too Tangled, le projet rock/garage de Roeland Vandemoortele et de sa partenaire Eva Buytaert, sort ce mois-ci son premier album. Il s’intitule « The Magic Got Killed » et est tombé dans les bacs ce 30 avril 2010 !
En concert :
29/04/10 – Charlatan – Gand
20/05/10 – JH Het Varken – Edegem
21/05/10 – CC Mechelen (première partie de The Van Jets) – Malines
21/05/10 – CC TER/ Dilft - Bornem
03/06/10 – Café De Walvis – Bruxelles
29/07/10 – Nijdrop Arena-Concerten – Opwijk
http://www.tootangled.com
http://www.myspace.com/tootangled
Adam Anderson et Theo Hutchcraft forment Hurts. Un duo qui aurait pu naître au cours des années 80. Et pour cause, empreinte de mélancolie, leur musique rappelle les Pet Shop Boys voire Depeche Mode au sommet de leur forme ! Pas moins, selon la presse anglaise… La BBC a fait du duo ‘le son de 2010’ comme elle l’avait annoncé pour Lady Gaga, Florence and the Machine et The Ting Tings. En outre, le groupe participe au NME Radar Tour, périple organisé à travers le Royaume-Uni… Alors, un groupe à suivre ou un énième feu de paille ?
http://www.informationhurts.com
http://www.myspace.com/ithurts
http://www.youtube.com/user/videohurts
Locnville, un duo… de jumeaux nés à New York, Andrew et Brian Chaplin, qui ont grandi en Afrique du Sud. « Sun In My Pocket », leur premier single est devenu un véritable tube, sans leur pays d’adoption. Le morceau a été propulsé à la première place des charts dès sa sortie et a reçu le titre de ‘Chanson de l’année’. Leur premier album vient de sortir dans les bacs sud-africains, et, en deux semaines, le groupe a atteint la barre des 10.000 exemplaires vendus.
L'album sortira chez Sony Music Entertainment dans le monde entier cet été.
Visionnez le clip de « Sun In My Pocket » : http://www.youtube.com/watch?v=Fc2H1-rz-94
Visionnez l’histoire de Locnville : http://www.youtube.com/watch?v=Ox3gMottg4Q
Website MySpace : http://www.myspace.com/locnville
Deux vidéos des Editors sont disponibles sur le net. Tout d’abord, “Eat Raw Meat = Blood Drool”. Ensuite un titre exclusif, intitulé “Last Days”. Très actifs et très populaires, pour l’instant, le quatuor anglais se produira ce 30 avril au Lotto Arena d’Anvers. Mais c’est sold out. Dernière solution, Werchter, ce 2 juillet.
http://www.dailymotion.com/video/xd0jla_editors-last-day_music
Eagle Seagull (traduction littérale, l’aigle goéland) est un curieux patronyme choisi par une formation issue du Nebraska, fondée en 2004. Responsable d’un excellent second opus, en mars dernier (« The Year of the How-To-Book »), elle se produisait au Witloof Bar du Botanique, ce 27 avril. Pas la grande foule cependant pour accueillir ce combo yankee. Et pour cause, leur notoriété dépasse à peine la zone crépusculaire de l’underground. Pourtant, il affiche un fameux potentiel, susceptible de drainer un large public. Il faudra cependant faire preuve de patience, avant de le voir concrétiser ses rêves…
Eli Mardock et sa compagne Carrie ‘Eddie Sedgwick’ Butler sont les leaders du band. Ils se plantent au beau milieu de la scène, entourés d’une multitude de claviers. J.J. Idt s’installe à gauche. C’est le guitariste. Il affiche un look de bûcheron. Le jeune Mike Overfield se poste du côté droit. Il est vêtu d’un sweater à capuche. Le drummer prend un certain recul, par rapport au podium. C’est apparemment le musicien le plus âge de l’équipe. Les attitudes du couple sont très rock’n’roll. Glamoureuses, même. Ou si vous préférez, professionnelles. Les meilleurs titres de leur dernier elpee défilent. Le timbre vocal d’Eli rappelle, manifestement, celui de l’ex-chanteur de Pulp, Jarvis Cocker. Quant à la musique, pop et dansante, elle navigue quelque part entre le Bowie des 70’s et Arcade Fire. Jusqu’alors tout baigne. Mais progressivement, on ressent un certain malaise. Le climat entre les musicos du groupe ne semble pas au beau fixe ; et ils ne cherchent guère à établir la moindre communication avec le public. On a même parfois l’impression qu’ils (se) font la gueule. Et J.J. Idt, le guitariste, tout particulièrement. A moins qu’il ne s’em*****. Quand à Eli, son regard se perd dans les méandres de son étonnante tignasse. De quoi plomber l’ambiance. D’autant plus que les compos se révèlent, au fur et à mesure, de moins en moins contagieuses. Seul le violon de Carrie Butler parvient alors à maintenir le fil conducteur. Heureusement, la fin de parcours est bien plus excitante. Et le set de s’achever en force par « You’re the Reason Why I’m Afraid to Die », c'est-à-dire le meilleur morceau de « The Year of the How-To-book ». On aura même droit à un rappel, au cours duquel les membres de la formation vont enfin esquisser un sourire.
Si Eagle Seagull veut vraiment décoller, il a tout intérêt à soigner son jeu de scène. Les compos de leur long playing, ont beau se révéler superbes, dansantes et lyriques, leur transposition en ‘live’ ne m’a pas vraiment convaincu. Les natifs de Lincoln ont tout intérêt à se secouer les puces, s’ils veulent vraiment s’extraire de l’anonymat. Suffit pas d’avoir le potentiel, il faut aussi vouloir le démontrer…
Organisation Botanique.
La bizarrerie du mois ! Proposée par le label Volvox, cette compile est destinée à réunir des œuvres conçues par certains artistes contemporains, influencés par l’esthétique du Weimar : humour, burlesque, noirceur, satire et autodérision au programme. Né au cours des années 20, ce courant culturel cher à Bertold Brecht et Max Reinhardt a été un des plus riches de l’histoire européenne.
Le recueil réunit des artistes dont les compositions naviguent à des années-lumière des standards de la musique populaire actuelle… Et les choix sont très souvent judicieux. Suscitant même l’enthousiasme. A l’instar des marginaux The Tiger Lillies, Joel Hubaut ou Little White Rabbit Still Bleed. Si la plupart des artistes sont relativement inconnus et issus d’horizons divers –un duo japonais (Kokysyoku Sumire), une chanteuse de cabaret en français dans le texte (The Maximum Monster Music Show) ou des punks hollandais (De Kift)– on notera tout de même la participation de combos notoires tels The Dresden Dolls, The Residents et The Legendary Pink Dots.
Avant de vous farcir ce « Twisted Cabaret », un avertissement préalable s’impose : prenez du recul ! Et pour cause, tout est surjoué, exagéré, théâtral, un peu fou… voire totalement barré ! A premier abord, le « Start a Fire » des Tiger Lillies semble ridicule ; mais ce morceau prend toute sa signification à l’écoute des paroles. Une constatation applicable à la plupart des plages de cet elpee. C’est ce qui confère une cohérence certaine à ce recueil, qui ne souffre d’aucun temps mort. De l’elpee, j’épinglerai quand même « The Earlie King » et « Have You Seen My Sister Evelyn », respectivement composés par Baby Dee et les jumeaux d’Evelyn Evelyn.
Une chose est sûre, cela fait un bien fou d’écouter ce type de compos, concoctées par des artistes créatifs dont le seul souci est de laisser libre cours à leur imagination. Comme son nom l’indique, « Twisted Cabaret (Vol.1) » constitue le premier tome de cette initiative originale, permettant de découvrir des talents inconnus sévissant au sein d’un style unique et décalé. Alors, « Twisted Cabaret » : ‘Music for the Twisted Mind’ ?
Et pour que votre info soit complète, sachez que la compilation recèle également un Dvd, consacré aux prestations scéniques des artistes impliqués sur le cd audio.
Pas facile de chroniquer un album aussi riche en quelques lignes. A la base, Unitopia consomme un ‘rock progressif’, dont il se sert comme ligne de conduite pour développer son bouillon de culture musical. Il y incorpore ensuite des éléments ‘classiques’, ‘jazz’, ‘world’ et même ‘heavy rock’. Et cette mixture infectieuse plutôt inédite, il l’injecte à doses massives dans son troisième opus, intitulé « Artificial ».
Unitopia est originaire d’Australie. D’Adelaïde, très exactement. Une situation plutôt originale pour un combo émargeant au rock progressif. Cependant, sa nationalité ne constitue pas sa seule particularité. Et pour cause, outre le recours aux instruments rituels du rock progressif (claviers, guitares, basse), Unitopia intègre les interventions lumineuses d’un saxophone. Sans oublier la présence de deux batteurs/percussionnistes pour rythmer ses efforts. Dernière subtilité : Mark Trueack, le vocaliste, possède un organe proche de celui du Peter Gabriel à la grande époque de Genesis.
« Artificial », comme son titre le laisse deviner, est un album concept consacré aux intelligences artificielles et à leurs rapports avec les humains. L’opus propose dix titres enchaînés les uns aux autres et s’étale sur cinquante-trois minutes (NDR : l’édition limitée digipack devrait être enrichie de trois bonus tracks). Unitopia y dévoile tous ses atouts : technique, justesse, émotion et propension à créer la surprise. On pense à Genesis, Marillion, Yes, Alan Parson’s Project, aux Flower Kings et à Spock’s Beard, mais aussi au Beatles (« Nothing Lasts Forever ») et à Supertramp. Le saxophone de Peter Raidel et les percussions combinées de Jamie Jones et Tim Irrgang apportent leur touche de jazz rock, voire même de world music pour ces deux derniers. Quelques interventions d’instruments classiques (flûtes, violons) viennent parfois ponctuer le rock d’une coloration classique.
Unitopia a réalisé un petit exploit en concoctant cet « Artificial » ; et pour cause, bien qu’il soit conceptuel, cet opus est intéressant de bout en bout et on peut l’écouter plusieurs fois de suite sans éprouver le moindre ennui. Conventionnel et innovateur à la fois, l’album est destiné à toutes les générations successives d’aficionados du rock progressif. Un must, tout simplement.
Il y existe tellement de groupes français qui se réclament de Noir Désir, que ce lourd héritage est devenu une véritable malédiction. De Deportivo à Luke en passant par Damien Saez et Eiffel, la liste est longue et interminable. Si certains ont assimilé ce legs avec bonheur (Deportivo), d’autres (Damien Saez) s’en repaissent pour notre plus grand malheur. Varsovie appartient malencontreusement à la seconde catégorie, usant et abusant des clichés reproduits par tant de musiciens pseudo écorchés. Mêmes mimiques vocales, même textes ‘symbolistes’ et même rage mélancolique. En outre, le combo grenoblois double ce pénible mimétisme par une grandiloquence vaguement poétique chère à Damien Saez (encore lui…) Et en particulier tout au long de « Leningrad ». Enfin, leur look ado pompé chez Indochine, Tokyo Hotel et Brian Molko trahit manifestement, chez ce band, un manque de personnalité. Le dossier de presse présente Varsovie comme un trio post-punk. Il est sans doute plus rock et ‘underground’ qu’une grande majorité de ses congénères. Mais il manque surtout d’originalité. A tel point, que leurs compos en deviennent irritantes. A l’instar des onze plages de cet elpee. Quoique, les fans d’un certain Damien Saez devraient peut-être apprécier…
Tout l’intérêt des travaux d’Hawksley Workman, depuis ses débuts, s’est écroulé il y a deux ans, après la publication de « Los Manlicious ». Une immonde soupe artificielle, dépouillée de toute inspiration. Le Canadien devenait ainsi l’exemple même de l’artiste indé vendant son âme au diable en signant au sein d’une major. Fort heureusement l’incartade n’a duré que le temps d’un seul album. Workman, abrité aujourd’hui sous les auspices d’Isadora Records, revient aujourd’hui les bras chargés d’un double opus en forme de Mea Culpa. « Meat/Milk » traduit un retour aux sources tout en projetant un regard vers l’avenir.
Il y a d’abord « Meat », une œuvre pop-rock évoquant parfois son « The Delicious Wolves » de 2002 et lyriquement chargé par sa récente rupture. A contrario de son disque précédent, Workman contrôle ici parfaitement les effusions de testostérone. « (We Ain’t No) Vampire Bats », « And The Government Will Protect The Mighty » et « Depress My Hangover Sunday » forment le trio gagnant de cette première partie qui n’évite malheureusement pas quelques petites déconvenues (« Baby Mosquito », « (The Happiest Day I Know Is A) Tokyo Bicycle »).
Ensuite, il y a « Milk ». Une deuxième partie au sein de laquelle Hawksley Workman s’essaie à la pop électronique, un genre avec lequel il flirtait discrètement sur « Lover/Fighter » (2003) sans vraiment oser s’y attarder. « Animal Behaviour », la parfaite mise ne bouche, met les choses à plat. Workman n’est pas homme à se répéter. Et malgré quelques maladresses (« Google Jesus », « My Snow Angel »), le singer-songwriter ne s’en sort pas mal dans cet exercice de style. Et plus particulièrement lorsqu’il invite une certaine Tosha Dash à pousser la chansonnette sur le tubesque « SuicideKick ».
« Meat / Milk » est un revirement salutaire pour Hawksley Workman, qui en avait bien besoin. Ne serait-ce que pour sa crédibilité.
Les membres de Year Long Disaster ont déjà tous flirté, d’une manière ou d’une autre, avec la célébrité. Vous pourriez probablement lire leurs aventures, dans la rubrique ‘Potins Rock/People’ de ce webzine, si ses concepteurs avaient eu la mauvaise idée d’en créer une. Daniel Davies, le guitariste/chanteur du combo n’est autre que le rejeton de Dave Davies, gratteur chez les mythiques Kinks. A la fin des sixties, ce groupe rock anglais a décroché toute une série de hits, dont les fameux « Lola » et « You Really Got Me ». Et puis surtout publié un chef-d’œuvre et album culte intitulé « Are the village green preservation society ». Rich Mullins a forgé sa notoriété de quatre-cordiste chez Karma To Burn. Quant à Brad Hargreaves, il a connu la gloire et la fortune en cognant les fûts chez la formation américaine très vendeuse Third Eye Blind.
Le rock, ce n’est pas la téléréalité. La célébrité ne suffit pas pour s’y faire un trou. C’est pourquoi, depuis sa formation en 2004, Year Long Disaster n’a cessé de multiplier les tournées. Ce travail scénique intensif l’a incité à partager la scène en compagnie de pointures comme The Cult, Velvet Revolver ou les Foo Fighters. Le premier album, éponyme, sorti en 2007, va leur attirer les faveurs d’un certain Lemmy Kilmister (Motörhead). Ce dernier, non content de les emmener en tournée, va dispenser à leur égard des compliments plus qu’élogieux au fameux magazine rock anglais Kerrang.
« Black Magic; All Mysteries Revealed », le second opus sorti en mars, est une véritable relecture modernisée de la mouvance classic hard rock anglaise des seventies. Produit par Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Alice In Chains, Rush), l’album devrait squatter les platines lasers de tous les amateurs de rock costaud inspiré des glorieuses années septante. Pas question ici de ‘revival seventies’. YLD ne se contente pas –comme beaucoup de combos se prétendant ‘vintage’– de rejouer les riffs lourds de Black Sabbath en essayant de retrouver le son minimaliste de l’âge d’or du rock. Le son, ici, est tout ce qu’il y a de plus moderne. Boosté à la sauce Raskulinecz. Les compositions, par contre, ont ce côté heavy rock ronflant et chaleureux, saturé de groove et bourré de feeling que seules les formations rock classiques britanniques comme Led Zeppelin, Whitesnake ou Deep Purple étaient capables de créer.
Les amateurs des trois dinosaures susvisés et de plus jeunes loups comme Wolfmother, par exemple, seraient donc bien inspirés en jetant une oreille velue sur cet excellent « Black Magic; All Mysteries Revealed ». Le rock, comme il doit être joué. C’est Lemmy qui l’a dit.
Dans l’arrière-cour d’un magasin de couture, il existe un club. Pour y accéder, il faut montrer patte blanche et de préférence, convaincre le tailleur. Il est méfiant et joint le geste à la parole. Et surtout vous questionne, dès que vous pénétrez dans sa boutique : ‘Pourquoi venez-vous ?’ Assez timidement vous répondez : ‘Pour « Stranger Than The Night » des Bullfight !’ Le silence de votre interlocuteur traduit la suspicion du Maître des lieux. ‘C’est par là, nous sommes votre hôte’ tout en montrant du doigt une double porte vitrée, dont les carreaux sont de couleur ambrée. L’arrière-cour est recouverte de pavés gras et luisants. Un chien borgne semble assoupi ; mais dès que vous vous en approchez, il se redresse et renifle de loin l’odeur répandue par le visiteur angoissé que vous êtes. Le club est glauque. Le sol est collant. Tables et chaises plus disparates les unes que les autres meublent l’espace. Les murs crades sont couverts de posters vulgaires. Ils témoignent du stupre et de la sueur accumulée depuis des décennies. La lumière est tamisée par la nicotine agglutinée aux ampoules. Au bar, une blonde quinquagénaire arbore une poitrine opulente et vous lance un sourire marchand. Elle est partiellement édentée, et le brillant de l’or serti entre ses molaires vient presque apporter un peu de lumière sur le chiffon crasseux qu’elle s’évertue à secouer. Ici on ne boit que de l’alcool. Le café ou les softs sont considérés comme hérétiques et la Sainte Inquisiton porte la couleur du whisky frelaté. La scène est minuscule. Composée de planches en bois usées jusqu’aux nœuds elle est ceinte d’une cape de velours bordeaux. Les Hollandais de The Bullfight occupent ce podium. Ils semblent vivre au sein d’un univers parallèle et ne portent aucune attention à l’univers qui les entoure. La violoncelliste est nue. Elle ne porte qu’un bandeau autour de la tête. Un collier à clous enserre sa nuque et son cou. Ses chaussures à talons hauts sont vernies. Dans le creux des hanches, on remarque le souvenir d’une soirée au cours de laquelle la flagellation a probablement dû être sa maîtresse de jeu. Les musiciens envoûtent les lieux par des ballades et des marches sulfureuses. Les envolées psychédéliques de l’orgue Hammond pénètrent tous vos sens. La batterie gratte la peau et la frappe sans trop de conviction, comme las d’un acte répété. Le chanteur campe un timbre au baryton profond. Pensez à Nick Cave. Ses textes parlent d’amour, de sexe, d’abandon vers des plaisirs lugubres et angoissants. Des bruits de pelle frottent le sol. Quelques pièces de monnaie atterrissent sur le podium. Pas d’applaudissements. Ni pour interrompre ou saluer les morceaux. Le claquement des verres sur les tables laminées, accentue ce climat morbide, menaçant et atemporel. Chaque note écrite et jouée semble dessinée à l’urine et à la cendre. A la fin du numéro, je quitte ce cabaret béotien comme j’y ai accédé : par une porte dérobée. Je laisse derrière moi « Stranger Than The Night » en me disant que si l’expérience était troublante, l’endroit où elle s’est produite reflétait parfaitement l’impression laissée par l’écoute de ce disque. J’entends un cri, puis c’est le silence…
Le label Charly publie ce double Dvd qui ne devrait pas déplaire aux nombreux fans du boogie band californien. Et pour cause, non seulement il consacre plus de cinq heures à Canned Heat, mais il est accessible à toutes les bourses.
Le premier Dvd s’étale sur plus de trois heures et demie et réunit 52 documents de toutes sources, puisés dans la carrière du groupe entre 1967 et 1998. Il est sous-titré : "The story of Canned Heat 1967 – 1998". A menu : clips promo, passages TV et extraits de concerts. La qualité sonore et visuelle est bien entendu variable ; mais bon, vous ne serez certainement pas volés en acquérant cette œuvre.
De son expérience vécue, lors du premier festival de Monterey, en 1967, nous est offert un tout bon "Rollin' and tumblin'", impliquant Bob Hite au chant, un tout jeune Alan Wilson à la slide et Frank Cook à la batterie. Le clip promo de "On the road again" date de 68. Alan se réserve toujours les vocaux, Hite l'harmo, mais c’est Fito qui est préposé aux drums. Les cheveux ont poussé, lorsqu’ils interprètent "Goin'up the country", une compo au cours de laquelle, Bob –le futé– en remet une louche, à la flûte… Woodstock, c’était bien en août 1969. Un excellent et long chapitre nous est réservé sous la forme du "Leaving this town". Démoniaque, Larry martyrise sa basse. Fito cogne dur. Alan assure à la slide et Harvey Mandel y révèle toute sa dimension déjantée. Les sessions Playboy remontent également à 1969. Une version torride de "Turpentine moon" en est extraite. Revenu au bercail, Wilson se révèle brillant au bottleneck pendant qu’Henry Vestine manifeste toute sa fougue. Une autre adaptation d’"On the road again" met en exergue un sémillant Alan à l'harmo, sur fond d’élucubrations bien psychédéliques. La qualité du son proposé lors du concert accordé en Allemagne (c’était en 1970) est parfaite. Mandel tient la vedette tout au long de "Future blues". On retrouve la présence d’Alan à Kralingen, aux Pays-Bas, un pincement au cœur. Et pour cause, cet événement s’est déroulé, moins de trois mois avant sa tragique disparition, le 2 septembre. "Lets work together" en est donc le dernier témoignage de son vivant. L'année suivante, au Golf Drouot de Paris, Joel Scott Hill a remplacé Wilson, mais le son est pourri ! Une longue version de "Refried boogie" est accordée au festival de Montreux. Nous sommes en 1973. Bob Hite est de plus en plus obèse. Il assure ici, la rythmique boogie. Particulièrement fatigué, il chante "You don't have to go", la veillée de Noël 1980, dans la San Fernando Valley, à Los Angeles. Quelques mois plus tard, c’est-à-dire le 4 avril 1981, il nous quittait. 1989 célèbre le 20ème anniversaire du festival de Woodstock. James T vient de débarquer. Alors encore chevelu, Junior Watson est venu épauler le line up. Et c’est désormais Fito qui chante "On the road again" et "Goin' up the country". Lors de la tournée du Heat, accomplie en 1992, c’est une femme qui se charge de la lead guitar. En l’occurrence, la flamboyante Becky Barksdale (NDR : Cette Texane est née à Port Arthur, tout comme feu Janis Joplin). Et c’est une surprise. L'année suivante, elle quittera le bateau pour devenir soliste au sein du Michael Jackson Band (NDR : et ce n’est pas un canular !) Parmi les derniers extraits, on saluera l’excellente contribution de Robert Lucas, au chant, à la slide et à l’harmo. Un Canned Heat vrai de vrai ! Il partageait la scène aux côtés de Henry Vestine et Junior Watson. Un Vestine qui se produisait encore ce 18 octobre 1997, à Gouvy. "Keep our business to yourself" en est le dernier témoignage. Deux jours plus tard, il rendait l'âme. A Paris.
Le second Dvd épingle de larges extraits de deux concerts. Le premier accordé en mars 2000 à Cologne, et le deuxième, le 10 juin de la même année, à Bellinzona, en Suisse. Les musiciens sont pratiquement identiques : Greg Kage et Fito à la section rythmique, le multi-instrumentiste (NDR : particulièrement doué) Stanley Behrens ainsi que l'impressionnant Dallas Hodge au chant et à la guitare. En mars, John Paulus était préposé à la seconde gratte. Et en juin, Larry Taylor. J'apprécie beaucoup le timbre vocal de Stanley. Il chante ainsi distinctement "On the road again". En outre, ce musicien appliqué et talentueux est capable de passer, avec un réel bonheur, de l'harmonica à la flûte, sans oublier le saxophone. Sa prestation est d’ailleurs remarquable tout au long de "Wait and see", une compo également caractérisée par les interventions vocales puissantes de Dallas. Lors du set accordé à Cologne, une dimension rock est apportée à "Road to Rio". A cause de la six cordes allumée de John Paulus. Et le résultat est épatant. La version de "Let's work together" n'est pas piquée des vers. L’attitude scénique de ‘bear’ de Hodge impressionne. Sa voix est surpuissante. Les interventions de Paulus au bottleneck sont incendiaires. Tout un descriptif pour se rendre compte de la qualité de ce "Mercury blues", susceptible de rivaliser avec la version du groupe Zero. Eblouissant ! En bonus tracks, la plaque nous réserve encore des interviews accordées par Bob Hite (1973), Henry Vestine (1996) et Fito de la Parra (1991). Les notes consignées dans le booklet ont été rédigées par Fito. A ce prix, pas d'hésitation !
Dans la série des "Boogie House tapes" (NDR : des double Cds publiés à prix concurrentiels), le label Ruf nous propose son troisième volume. Il s’agit également du dernier issu des collections thésaurisées par Fito de la Parra et Walter De Paduwa, notre Dr Boogie national.
Ce périple s’étale de 1968 à 1976 et nous propose, entre autres, des prestations au cours desquelles le Heat avait reçu la collaboration d’autres artistes, comme John Lee Hooker, Curtis Mayfield, Sunnyland Slim, Wolfman Jack, Clarence Gatemouth Brown et les Chamber Brothers.
Le premier cd s’intéresse aux sixties et place, par conséquent, beaucoup plus l'accent sur la présence et le talent d'Alan ‘Blind Owl’ Wilson. "Alan's intro" est une plage de brève durée. La slide, fragile comme le cristal, mais tellement émouvante, gémit comme un cri de détresse. Nous sommes au Fillmore West. En juillet 69. Il s’agit de la première apparition de Harvey Mandel au sein du Heat. Le souffle à la sensibilité si caractéristique d’Alan caresse "You don't have to go". Tout comme sur "Mi Huautla" (à Boston) et "Two many drivers" (à Carmel). Alan se réserve à nouveau la slide pour interpréter "Project blues". Puis "Turpentine moon". C’était en 1968 ! Bien sûr, le reste de l’équipe est bien présent. Le chant de Bob Hite est rageur tout au long du boogie "So sad". Henry Vestine marque de son empreinte "I'm her man". Son intervention est même totalement déjantée sur la longue version d’"On the road again", accordée au Kaleidoscope, en 68. Sans oublier la basse de Larry Taylor, pour baliser l’ensemble…
Le second cd se consacre au années 70. Au sein du line up figurent de nouveaux musiciens, dont Joel Scott-Hill et James Shane. Sans oublier les guests, évoqués au sein du second paragraphe. Le son est de bien meilleure qualité. Il est aussi plus contemporain. En 1973, le Heat est rejoint par Clarence Gatemouth Brown, à Montreux. Il enrichit de son violon électrique le blues lent "Election blues". L'orgue s’immisce dans la solution sonore, dès 1973. Ed Beyer en est le responsable. Il en nappe même d’une bonne couche, "On the road again". James Harman se réserve l'harmonica sur le funky "Feel alright", un morceau immortalisé en 71. A Venice. Personne ne le connaissait encore vraiment, alors! La plaque recèle quelques chutes de bandes, abandonnées à l’issue des sessions d'enregistrement réalisées pour l'album "Human Condition", en 1977. Dont un "Black Jack blues" rappelant qu’à cette époque, Chris Morgan et Mark Skyer étaient préposés aux six cordes. Le dernier mot revient cependant à John Lee Hooker. Faut dire qu’il s’est souvent produit en compagnie du Canned Heat. Pour la circonstance, il épaule le band. En 71. Au Carnegie Hall. Lors de deux morceaux : "Hey babe" et "I feel good". Une solide tranche de boogie music ! Et comme le dirait Fito, ‘Let's crank up and boogie 'till the night is gone’.
Ex-mannequin brésilien, Cibelle (NDR : de son véritable nom Cibelle Cavalli Bastos) est née en 1978, à São Paulo. Elle entame son parcours artistique à l'âge de 14 ans. Elle devient ensuite actrice et tourne dans des publicités télévisées et des films. Cependant, elle sera vite rattrapée par sa passion pour la chanson.
Après des débuts remarqués dans l'album culte de Suba, « São Paulo Confessions », Cibelle quitte les plages dorées de son pays pour s’installer dans la brume londonienne. Et c’est là qu’elle fait paraître un premier album portant son nom en 2003. Celui-ci la place comme l'une des jeunes artistes les plus imaginatives issues du Brésil. « The Shine Of Dried Electric Leaves » est publié en 2006. Bénéficiant de la collaboration de Devendra Banhart, Spleen et encore Seu Jorge, il confirme toute l’étendue de son talent. Ce second opus lui permet de donner toute la mesure de son potentiel : Cibelle compose, joue, programme et crée un univers qui lui est propre.
Tout au long de ce troisième elpee, Cibelle ‘divague’ complètement… Elle imagine une histoire apocalyptique complètement abracadabrante. La planète est complètement détruite. Sauf le ‘Las Venus Resort Palace Hotel’, ex-club de vacances devenu le refuge des derniers survivants de notre terre. Et évidemment, ceux-ci font la nouba jour et nuit en écoutant Sonja Khalecallon (Cibelle) et son groupe. Mwouais, intéressant ! On est donc en pleine ‘comédie musicale’ délirante… Une nouvelle histoire pondue par notre Brésilienne complètement délurée, destinée à nous plonger dans son propre monde. Cibelle nous propose une balade contée déclinée en quatorze titres teintés de rock, d’électronique, de jazz, de folk et de divers styles de musiques latines.
Cet album-concept n’a de sens que si l’on a envie d’entrer dans cette folle histoire sortie d’une imagination fertile qui, avouons-le, déboussole quelque peu. D’un point de vue musical, on ne peut pas dire que les compositions soient dénuées d’intérêt ; mais dans l’ensemble, l’ennui est palpable… Il y a bien quelques titres qui sortent du lot ; mais au final, on reste un peu sur sa faim… Très spécial !
« The Sheperd’s Dream » annonce un renouveau structurel et musical au sein de l’écurie DAAU (Die Anarchistische AbendUnterhaltung, pseudonyme complet emprunté au roman ‘Der Steppenwolf’ de Herman Hesse).
Formé en 1992 par les frères Simon et Buni Lenski, le sextet participe très tôt à l’élaboration de la scène anversoise née dans le courant des années 90 (dEUS, Zita Swoon…) Ce dernier demeurera cependant l’un des groupes les plus indépendants et expérimentaux du nord du pays (NDR : indépendance artistique qu’il garantit alors en fondant son propre label : Radical Duke Entertainment). Ces artistes se révèlent également de véritables artisans, sans cesse à la recherche d’essences nouvelles et de sonorités uniques.
Malgré un contrat signé chez Sony Classical en 1995, on peut définir DAAU comme une musique qui n’est pas. Figure apophatique de l’ineffable. Ni classique, ni rock, ni folk. Chaque album est renouveau. Tantôt « We Need New Animals » (’97) introduit des beats électro et autres sons techno hyperkinétiques, tantôt « Life Transmission » (2001) s’amuse à l’aide de sons dub et funk sur des programmes d’effets et autres passages programmés. Les excursions sonores sont nombreuses et multiples jusque « Domestic Wildlife », paru en 2006. Un album aux textures catégoriquement rock, impliquant des tonalités empruntées au jazz. Puis, un retour au calme lors de la sortie de « The Sheperd’s Dream », sorti le 12 avril 2010. Un nouveau chapitre limpide et bucolique loin des tourments affrontés lors des albums précédents.
Le sextet devient quatuor et balance des flots calmes et intimistes sans batterie ni machine électronique : Han Stubbe. Un sujet mature et acoustique que Roel Van Camp (accordéon) invite à écouter ‘allongé sur le sol, les yeux fermés’ comme la musique d’un film dont vous seriez votre propre metteur en scène. Un doux fatras de sons qui emmènerait l’auditeur dans un voyage à distance indéterminée. Le disque nous offre alors une musique plus organique sans ‘tralala’ excessif, une épure à l’atmosphère bucolique d’une expressivité évocatrice. Ainsi, le combo anversois s’écarte-t-il lentement des structures calibrées pour établir une forme claire et plus libre dans laquelle une approche minimaliste devient désormais possible : ‘Nous n’éprouvons plus le besoin de compliquer nos morceaux’ explique d’ailleurs Han Stubbe (clarinette).
Un album cinq titres d’une durée de 50’47 créé au cours de longues séances d’improvisation sans plan préconçu afin de préserver la fraîcheur inouïe de l’instant créateur. Quatre musiciens qui travaillent en manifestant un sens aigu de la subtilité et de la suggestion. « The Sheperd’s Dream» campe un album à mi-chemin entre le rêve et l’action, entre la réalité et l’utopie. Finie l’anarchie, bienvenue à la poésie !
Un disque réalisé sous leur propre label qui ne manque pas de mitonner un packaging original par la forme et le contenu. Une galette précieuse recouverte d’un boîtier en bois dans lequel il sera loisible d’insérer un Cd ‘live’ enregistré lors de chaque concert de DAAU et disponible directement après chaque représentation.
Die Anarchistische AbendUnterhaltung : un joyau du non genre.
Un ami dont je partage les goûts musicaux depuis plus de trente ans, donc digne de confiance, m’a récemment confié que les Electric Ducks constituaient le ‘tribute band’ d’AC/DC le plus intense, vu en concert à ce jour. Personnellement, je n’ai jamais été friand de ‘tribute bands’. Cependant, les ‘canards électriques’ traînent derrière eux une solide réputation scénique. De quoi susciter l’envie de les connaître un peu mieux.
D’emblée, une excellente surprise nous attend : « Back’n’Forth », le nouvel opus du combo montpelliérain, ne compile pas des reprises d’AC/DC. Ouf ! Le vilain petit canard semble avoir décidé de prouver qu’il pouvait voler de ses propres ailes. Et pour y parvenir, ce n’est pas moins de quatorze compositions originales qu’il propose sur sa précieuse galette digitale. Evidemment, après avoir consacré quatre cent concerts passés à jouer les plus grands hits de la bande des frères Young, il doit subsister une énorme empreinte musicale chez l’oisillon palmipède survolté. Pourtant, la bestiole est bien loin de plagier ses idoles.
De leur ancienne dévotion pour la musique des géniaux Australiens, les canards sauvages ont gardé la formule magique du riff gagnant à tous les coups et la section rythmique plus carrée que le pantalon de ‘Bob l’éponge’. Et pour le reste, les Ducks jouent du Ducks. Chez eux, une voix originale et des chœurs travaillés épaulent un rock’n’roll costaud, qui swingue, bluese, boogie et groove. Des riffs mid-tempo invitant à taper du pied, des refrains entraînants à reprendre à tue-tête et des soli bourrés de feeling à mimer façon ‘air guitar’. Bref, du hard rock tout simplement.
A ranger bien au chaud sur l’étagère, entre les classiques d’AC/DC, des Angels, de Krokus, de Kix, d’Airbourne et de Rhino Bucket. Finalement non, ne le rangez pas. Laissez-le plutôt, dans votre platine laser ; et écoutez-le en boucle !
Les Glyder ne sont pas des glandeurs. Bien que la plupart de ses membres aient à peine plus de vingt ans, le combo irlandais peut se targuer d’avoir derrière lui une carrière haute en couleurs. Le quatuor a opéré ses débuts en 2004 au ‘Vibe For Philo’, ce célèbre événement annuel dublinois rendant hommage au regretté Phil Lynott (Thin Lizzy). De sa formation à nos jours, Glyder a tourné en compagnie des plus grands : Thin Lizzy, Wishbone Ash, Dio, Wasp, Thunder, Fish, Hawkwind, Gotthard, Blue Oyster Cult, Y&T et bien d’autres encore. En 2006, il convainc le légendaire Chris Tsangarides (Thin Lizzy, Black Sabbath, Judas Priest, Anvil, et Ozzy) de produire son premier album. Le succès est immédiat. Une comparaison revient sur toutes les lèvres : Thin Lizzy. Le single « Pup » est diffusé en boucle sur les ondes britanniques. Publié en 2008, « Playground For Life », le second album, enfonce le clou. A cause de ce mélange de hard rock seventies et de métal des eighties. De ces guitares doublées et de cette voix chaude. L’ombre de Phil Lynott plane encore et toujours.
Et le combo édite un troisième opus en 2010: « Yesterday, Today and Tomorrow ». Les tournées incessantes semblent avoir renforcé la cohésion du groupe et élargi ses horizons musicaux. Bien sûr, la marque de Thin Lizzy est toujours palpable (« Knockout », « One Of Us ») ; et c’est tant mieux, car c’est elle qui, depuis le début, a donné son identité à la formation. Cependant, depuis, Glyder semble avoir décidé de goûter à d’autres influences. D’une manière assez improbable, les Irlandais plongent dans le passé pour permettre à leur musique d’évoluer. Du hard/heavy prodigué par les premiers opus, ils remontent vers ce qu’il est convenu d’appeler le ‘classic rock’. Ainsi peut-on entendre la patte des Beatles sur « Back to the Water », « The Bitter End », « Yesterday, Today and Tomorrow ». Un orgue Hammond au son bien seventies transcende la plupart des titres, comme par exemple sur ce « Jack Strong » que ne renierait pas UFO.
Le côté U2 très prononcé d’« Innocent Eyes » fait cependant un peu tâche sur cet opus. Sans ce dérapage inutile, il aurait d’ailleurs frôlé la perfection. Mais faut-il y voir un autre hommage déguisé à l’un des géants du rock irlandais ? Au rayon des bonnes surprises, par contre, signalons que Glyder accueille l’espace d’un instant le génial Dave Meniketti (Y&T). Ce dernier illumine « Yesterday, Today and Tomorrow », le titre maître, d’un solo magnifique.
Moderniser le rock classique semble avoir été le crédo de Glyder pour son nouvel album. Du neuf avec du vieux, me direz vous ? Et pourquoi pas, si, comme c’est le cas ici, le résultat est admirable.
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