La prochaine coupe du monde de football, prévue pour cet été 2010, aurait-elle incité GPFC à sortir de leur vestiaire ? Une chose est sûre, les patrons du Grand Popo Football Club sont de sacrés branleurs. Ariel Wiezman et Nicolas Errera resserrent leurs crampons, réajustent leurs jambières et sortent des vestiaires la tête haute. Même pas gênés les Français, d’avoir laissé son public, 10 ans sans nouvelles. Souvenez-vous. En 2000, le duo dandy taquinait notre virilité en nous invitant à dandiner sur leur single « Les Hommes C’est Pas Des Mecs Bien », un titre issu de l’elpee « Shampoo Victims », un opus cependant passé discrètement inaperçu.
Une décennie plus tard, Le Grand Popo Football Club nous propose « Venom in The Grass ». 10 ans d’absence, c’est aussi tout un symbole ! Une période souvent mise à profit pour atteindre la pleine maturité. Chez Wiezman et Errera, c’est malheureusement peine perdue. Voguant quelque part entre électro, pop, new wave, new beat et disco, leur musique ne parvient jamais à prendre une direction bien définie. Les sons sont tellement décousus qu’ils finissent par faire des nœuds. Les mélodies sont acidulées ou offrent un goût cherry. Bref, c’est un grand foutoir. Cependant, si les joueurs du Grand Popo Football Club semblent décontractés dans leurs maillots, ils n’en sont pas moins attentifs à la réaction du public. C’est donc en s’octroyant une (belle) part féminine que le Club essaye de faire chavirer les supporters. Transfuge des Putafranges, Tania Bruna-Rosso se pose en passerelle entre l’univers psychédélique des deux affreux et une corde vocale délicate. Résultat au marquoir ? Une galette légère, un tantinet foutage de gueule (mais ça on le savait à l’avance) et un rien agaçante. Mais aussi, un univers désinhibé, translucide et hyper pailleté. Pour l’ambiance on accroche, pour le reste on s’efforcera de garder le sourire.
Lonely Drifter Karen est un trio drivé par Tanja Frinta. D’origine autrichienne, cette chanteuse est accompagnée par le pianiste espagnol Marc Meliá Sobrevias et un batteur italien répondant au nom de Giorgio Menossi. Le patronyme du groupe, Lonely Drifter Karen, s’inspire du film « Les Idiots » de Lars Von Trier ; et, selon Tanja, il reflète bien leur musique : ‘Lonely’ pour le côté mélancolique, ‘Drifter’ pour l’aspect ‘nomade’ et Karen pour la ‘féminité’ à fleur de peau. Demandez le programme !
Après avoir publié « Grass is singing » en octobre 2008, premier elpee caractérisé par son mélange champêtre de cabaret, de jazz et de folk, le combo nous propose un second opus, intitulé « Fail of Spring ». Découpée en quatorze plages, cette œuvre est un parfait témoignage de la richesse des compositions de Tanja et des arrangements de Marc. Lonely Drifter Karen nous balade dans un monde féérique plein de mélodies enchanteresses, entêtantes et empreintes de fraîcheur juvénile. Des compos d’excellente facture, aux multiples nuances, oscillant du rock vivifiant à la ballade subtile. Des morceaux souvent originaux, parfois même très difficiles à cerner, mais toujours très plaisants à écouter. La voix charme, le piano s’enflamme, les guitares accrochent et les cuivres fluctuent : une formule qui résume bien l’expression sonore de ce trio déroutant.
Et si on retrouve un peu de Björk chez Tanja, c’est sans ce côté vedette intouchable qui rend l’Islandaise insupportable pour beaucoup. Chez Tanja, tout est douceur. Son univers et ses rêves doivent être peuplés de comédies musicales et le lapin d’Alice au pays des merveilles doit sans aucun doute être son plus grand admirateur !
Un petit bijou plein de reflets multicolores… Rien à jeter, à consommer sans modération !
En concert ce 13 mai 2010, dans le cadre des Nuits Botanique.
Cette formation issue de Washington DC pratique le roots blues depuis ses débuts. Soit près de quarante ans ; c’est-à-dire en 1972, très exactement. Mark Wenner en est le fondateur. Un chanteur/harmoniciste dont le corps est couvert de tatouages. C’est également le leader du quartet. Un combo responsable d’un nouvel opus. Acoustique, il est consacré à des covers de compos notoires. Lors des sessions d’enregistrement, l’excellent chanteur/drummer Pete Ragusa était encore à son poste. Mais depuis, il a quitté le navire. Il a été remplacé par Mark Stutso, un musicien qui militait, il y a peu encore, au sein des Drivers de Jimmy Thackery (NDR : pour votre info, sachez qu’il était le premier guitariste des Nighthawks!) Mark est aujourd’hui soutenu par le guitariste Paul Bell et le bassiste Johnny Castle. Les sessions d’enregistrement se sont donc déroulées ‘live’ et sous un format acoustique, au sein des studios de la Radio Satellite Sirius XM, à Washington.
Le disque démarre très fort par une cover du "The chicken and the hawk" de Big Joe Turner. La section rythmique libère énormément de swing. Un swing entretenu par la contrebasse de Johnny et les balais de Pete (NDR : de véritables caresses !) Mais la singularité de cette œuvre procède du jeu quasi manouche de Bell sur ses cordes acoustiques. Mark souffle dans son harmonica Hohner. Il est au sommet de sa forme. Et on sent que les deux musiciens éprouvent beaucoup de plaisir à jouer ensemble. Le "Nineteen years old" de Muddy Waters épouse un même profil. Mark chante comme possédé. Et ses interventions vocales sont convaincantes. Paul injecte beaucoup de passion et d’émotion dans les sonorités de sa National steel resonator. L’adaptation unplugged d’"I'll go crazy" de James Brown est une belle réussite. Le combo au complet participe aux chœurs doowop. L'attaque opérée sur "You don't love me" est directe. Le souffle de Mark réservé à son harmo est clair et impeccable. Un véritable régal ! Un style qui colle indéniablement au swamp blues. Et le "Rainin' in my heart" de Slim Harpo, dont le climat nous pénètre insidieusement, en est une parfaite illustration. La complicité échangée entre Mark Wenner au chant et à l’harmonica ainsi que Paul Bell au bottleneck est propice à la mise en valeur de canons du blues ; et en particulier "Can't be satisfied" et "Rollin' & tumblin'". Et comme tout roule, les Nighthawks osent s’attaquer à du pur rock'n'roll. En l’occurrence au "Thirty days" de Chuck Berry. L’intro du "Mighty long time" de Sonny Boy Williamson est bouleversante. Les sonorités fragiles dispensées par l’harmonica sont balisées par les accès de contrebasse (NDR : imposante !), concédés par Mr Castle. La voix de Mark est empreinte de respect et de réserve. Les six cordes peuvent opérer leur entrée et repasser à l’avant-plan, lors de cette plage destinée aux souffleurs. On épinglera encore un autre hommage réservé au génial harmoniciste, Little Walter, lors d’une adaptation de son "High temperature", enrichie de chœurs doowop. Tous à Ecaussinnes!
Il existe plusieurs manières d’appréhender la musique de PixelRace. Tout d’abord, à l’instar de n’importe quel album, au premier degré. Puis, si on la considère comme une vaste blague, au second degré. Et enfin, pour les intellos, au troisième degré. Perso, j’opterais pour la seconde solution. Sans quoi, je risque de descendre ce disque en flammes ou tout simplement de ne rien avoir à raconter d’intéressant…
Maintenant, si vous choisissez la troisième option, la musique du groupe bruxellois pourrait refléter une parodie de tout ce que le néo-métal, la pop et tutti quanti a pu nous balancer de pire, au cours des quinze dernières années. En un seul cd. Une tâche particulièrement ardue, que Pixel Race est cependant parvenu à accomplir. Cette célébration du mauvais goût implique des concepts revivalistes, qui à l’époque étaient déjà surannés. Une véritable prouesse, digne des meilleures caricatures. Serions-nous en présence de néo-métal légèrement contaminé par l’électro ? Les grattes se veulent viriles. Mais rivalisent de fadeur et de mollesse. Les mélodies sont plus que prévisibles. Et les effets spéciaux ( ?!?!?) triturant le chant font plus rire que sourire. En outre, les refrains repris en chœur, par l’ensemble des musiciens du combo, rappellent l’époque des Boys Band, vécue, il y a une bonne dizaine d’années.
Que du bonheur donc ! Mais l’euphorie des premiers morceaux estompée, on s’amuse de moins en moins. C’est alors que l’expression ‘les blagues les plus courtes sont les meilleures’ prend tout son sens. On en attrape même la nausée. Et rien que les parties vocales deviennent insupportables.
Alors : ‘Should We Pay For All This Happiness ?’ Ben non… Faut pas déconner quand même !
Surnommé ‘The snake’ (parce que leur logo était un cobra), Spiteri est une formation vénézuélienne, issue de Caracas très exactement, qui s’est exilé à Londres, au cours du début des seventies, pour tenter sa chance… Faut dire que dans leur pays, elle était devenue mythique. A la tête ? Jorge et Charlie Spiteri. Leur musique ? Une forme de soul/psyché/rock fortement marquée par les rythmes latins. Pas étonnant que le combo était très influencé par Traffic. Le duo en était même un fervent admirateur. En outre, Spiteri va recevoir un très grand soutien de la part d’artistes notoires. Dont Noël Redding, Paul McCartney, Rod Stewart ou encore Bob Marley. Malgré quelques années d’existence, le groupe ne compte à son actif, qu’un seul album. Considéré par l’administration insulaire, comme des clandestins, les deux frangins ne parviendront jamais à récolter le moindre succès
Cet elpee avait été enregistré à Londres. En 1973. Il vient donc d’être réédité et remasterisé par les soins de Vampisoul ; et est enrichi, pour la circonstance, de 8 bonus tracks. Le disque orignal n’était jamais paru en Angleterre. Pourquoi ? Une loi stipulant l’obligation de compter au sein d’un même ensemble, une moitié de membres de nationalité ‘british’.
Jorge et Charlie était pourtant des musicos particulièrement doués. Le premier se chargeait des parties guitares, tandis que le second se réservait les percussions. Ils se partageaient les vocaux. Ils étaient entourés de musiciens talentueux (Ruben ‘Micho’ Correa, Bernardo Ball, etc.) Et franchement, leur melting pot de rock et de musique typique latine était vraiment réussi. A l’instar de « Campesina », plage au cours de laquelle guitares distordues, bongos et guitares sèches se marient à la perfection. Les compos étaient interprétées tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Cervantès. Et ces joyeux hippies étaient responsables de morceaux avant-gardistes qui n’hésitaient pas à marier folklore vénézuélien aux rythmes caribéens (« Barlovento ») ; mais également en creusant dans le terreau du rock bien britannique (« Don’t You Look Behind »).
N’ayant jamais eu le bonheur de pouvoir défendre ce long playing éponyme, aux Iles Britanniques, Spiteri va finir par se décourager. Une situation accentuée par l’échec commercial de la vente de son elpee. Le split est donc inévitable. Il se produit en 1974, alors que le combo n’a jamais été autorisé à jouer la moindre note sur leur terre d’exil. Quelques années plus tard, les deux frangins vont cependant relancer l’aventure sous un format big band, engageant pour la circonstance des musiciens insulaires. Baptisé Spiteri II, elle passera complètement inaperçue. Seule leur version d’« I’m A Man » (incluse dans les bonus) recevra un certain écho. 37 ans plus tard, Vampisoul a le bon goût de combler les amateurs de rock issu des 70’s, mais également des mélomanes, en leur permettant de (re)découvrir un groupe unique en son genre, alors considéré comme la réponse anglaise à Santana…
Encore du belge ? Ben oui, c’est du bon, donc c’est du belge !!!
Superamazoo réunit deux chanteurs (Gabriele Manu et Bruno Manfrin), deux cuivres (Frédéric Calabrese à la trompette et David Verhelst au sax), un piano Rhodes (Tony Bambinelli) et un guitariste (Olivier Toffolo). Des musiciens tous issus de la région du Centre (Manage - La Louvière).
Responsable d’une musique voguant entre reggae, voire rap et parfois rock, Supermazoo nous propose une expression sonore née d’un mélange de styles très différents. Ce qui explique sans doute, le titre de cet album. Revendiquant une filiation auprès de Manu Chao, le combo a eu la chance d’être repéré par Gambeat, bassiste de Radio Bemba lors de l’édition 2007 du festival Esperanzah. Un projet d’enregistrement est même proposé par le complice de Manu, au combo belge. Le temps de mettre la machine en route, mais aussi de régler les derniers détails, et rendez-vous est pris au sein des studios de Chao, pour retravailler et graver sur cd des compositions issues de leur répertoire, accumulé depuis plusieurs années.
« Compétences Universelles » constitue le résultat de ces sessions. Un disque pour lequel Gambaet a également participé activement à sa confection. En outre, un drummer avait également était engagé pour rejoindre l’équipe. Et le choix s’est porté sur Renaud Mayeur, qui a ainsi eu l’honneur d’accompagner le groupe à Barcelone.
« Compétences Universelles » est donc le fruit de longues années de travail, de scène et d’une toute récente collaboration. Les onze titres de cet elpee sont tous signés par l’équipe et sont interprétés dans la langue de Molière. Une exception qui confirme a règle : le tout dernier titre, « One for the Money ». Tout comme chez leur idole, les rythmes effrénés, les cuivres et les textes chocs sont au rendez-vous. Une différence, mais elle est de taille : la vitesse d’élocution. Un débit parfois très rapide susceptible de nous faire glisser sur les pentes du rap. Ce qui sied bien aux thèmes développés par le groupe. En l’occurrence, la paix et le dialogue interculturel ; un thème qui fait également leur originalité.
De grosses pointures du genre ont tenu à apporter leur grain de sel à la réalisation de l’album. Sont ainsi présents à divers degrés Che Sudaka, Soklak et bien sûr Gambaet pour par moins de sept titres. « Compétences Universelles » est parvenu à convaincre des spécialistes du genre. Pourquoi pas vous ?
Alors qu’on les croyait morts, The Tellers annoncent un nouvel album pour septembre prochain ! En outre, dès ce 15 avril, ils publieront un Ep intitulé « Like I Say ». De quoi se faire une petite idée de leur évolution musicale. Adulés ou détestés, les jeunes Belges ne laissent jamais indifférents. Une chose est sûre, ils se produiront le 11 mai au Botanique pour fêter le 15ème anniversaire de 62Tv.
http://www.myspace.com/thetellers
Après deux ans d'absence, 30.000 disques vendus en Belgique et une tournée soldout, AaRON sortira son deuxième album en octobre. Les auteurs du célèbre « U-Turn (Lili) », repartiront ensuite sur la route qui passera par le Cirque Royal de Bruxelles, le 5 novembre 2010. Les tickets sont en vente dès le vendredi 9 avril à 10h via http://www.sherpa.be , Fnac et le Cirque Royal (02 218 38 32).
Maximum 4 tickets par personne !
Jeff Beck, légende vivante de l’histoire du rock’n’roll publiera un album studio ce 13 avril. Sept ans qu’il n’avait plus rien sorti. Intitulé « Emotion & Commotion », il est annoncé comme particulièrement éclectique, puisqu’il recèlera notamment un extrait de la B.O. du film ‘Le magicien d’Oz’, « Somewhere over the rainbow », ainsi que quelques duos, dont deux échangés en compagnie de Joss Stone
Tracklist:
1. Corpus Christi Carol
2. Hammerhead
3. Never Alone
4. Over The Rainbow
5. I Putt A Spell On You (feat. Joss Stone)
6. Serene (feat. Olivia Safe)
7. Lilac Wine (feat. Imelda May)
8. Nessun Dorma
9. There’s No Other Me (feat. Joss Stone)
10. Elegy For Dunkirk (feat. Olivia Safe)
Après avoir passé plusieurs mois en studio, pour enregistrer son premier album, Kavinsky semble enfin voir le bout du tunnel. Et pour cause, il a décidé de sortir un Ep, intitulé « Nightcall », en guise d’apéritif. Produit par Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk) et mixé par SebastiAN, le morceau maître a bénéficié du concours de Lovefoxxx, la chanteuse de CSS. Le disque est dispo depuis ce 5 avril…
Musiczine change de look et s'affiche sur Facebook. L'année 2010 sera décidemment rock n' roll ou ne le sera pas. Rejoignez nos pages sur Facebook afin de toujours être informé et ne pas perdre une miette de votre webzine préféré tout en prenant des nouvelles de vos amis. N'hésitez pas à nous recommander auprès de vos propres contacts. Plus on est de fous, plus on est rock !!
Cliquez ici : http://www.facebook.com/home.php?#!/pages/Musiczine/157939091947?ref=nf
et rajoutez vous
A l’instar de ce qu’il avait fait pour « Last Night », Moby s’apprête à publier une version retravaillée de son « Wait For Me ». Il s’agira d’un double disque intitulé simplement « Wait For Me. Remixes! ». Le premier CD sera consacré à la version retravaillée de l’album, par Maps, Gui Boratto, Yuksek, Carl Cox, Paul Kalkbrenner, Popof et d’autres. Le second disque sera consacré au DJ Mix de ces nouvelles versions par le New-Yorkais lui-même.
Tracklist:
CD1 :
Isolate (Mixhell remix)
Slow Light (Maps remix)
Wait For Me (Paul Kalkbrenner remix)
Pale Horses (Gui Boratto's Last Window remix)
Walk With Me (Carl Cox remix)
Mistake (Yuksek remix)
One Time We Lived (Laurent Wolf remix)
Jltf (Chuckie remix)
Wait For Me (Laidback Luke remix)
Stay Down (Popof remix)
Study War (Savage Skulls remix)
Shot In the Back Of The Head (Tiësto remix)
CD2 - Exclusive Moby DJ MIX :
Walk With Me (Carl Cox remix)
Shot In The Back Of The Head (Tiësto remix)
Wait For Me (Laidback Luke remix)
Mistake (Darbruck & Klein remix)
Study War (Savage Skulls remix)
Jltf (Chuckie remix)
Slow Light (Maps remix)
One Time We Lived (Sharooz remix)
Stay Down (Julien Jewel Remix)
Wait For Me (Jean Elan remix)
Walk With Me (Jon Rundell remix)
Stay Down (Popof remix)
Pale Horses (Gui Boratto's Last Window Remix)
Ces petits gars sont des rapides. Dear Hearts se forme en septembre 2009. Son premier essai discographique, « Tail Lights & Bygones », sort en mars 2010. C’est à peine croyable. Sept mois à peine pour composer, répéter, cracher quelques glaviots en concert et enregistrer un Ep 6 titres ; nos quatre keupons sont à coup sur de vrais accros du boulot ! Vous serez aussi surpris d’apprendre, en vous frottant à la qualité quasi-internationale de ces six titres autoproduits, que les zigotos ne viennent pas de Californie, mais qu’ils sont bien de chez nous !
Scheirder (basse & voix), Sammy (guitare), David (guitare aussi) et Wimmie (batterie) avouent êtres passés par l’école de la scène punk californienne : Social Distorsion, Misfits, Agent Orange ou Bad Religion. Difficile de les contredire sur ce point. Surtout qu’ici, l’élève est surdoué et qu’il n’est pas loin d’atteindre le niveau de ses maîtres.
Après une intro humoristique (un extrait de la chanson « Dear Hearts And Gentle People » du crooner américain Bing Crosby), l’Ep développe dix-sept minutes d’hymnes punks rock énergiques et entraînants. Vu qualité des compos, on se demande si l’ami Fat Mike n’aurait pas intérêt à jeter son oreille percée du côté de la Belgique, dans l’éventualité où il chercherait encore de nouvelles signatures pour Fat Wreck Chords, son label consacré au punk-rock. En attendant, il est d’ore et déjà possible de se procurer « Tail Lights & Bygones » sur la page MySpace du groupe pour la modique somme de sept Euros.
Ne vous fiez pas surtout pas au patronyme ! Madonagun n’a pas vraiment l’intention de vous interpréter “Like a Virgin” en version Slash/Axl Rose. Si d’aventure, c’est le nom de la star de la pop qui a attiré votre attention, passez carrément votre chemin, il n’y a rien pour vous dans cette chronique.
Après cette mise au point, maintenant que nous sommes entre nous, parlons un peu de cette claque –extrêmement plaisante– que nous assène les Parisiens de Madonagun, tout au long de leur bouillonnant MCD quatre titres, intitulé « Resurrect On The Razor Edge ».
Pour la petite histoire, ce sont deux frangins, D.K (alias Thorgon) et S.G (alias Sagoth), respectivement batteur et bassiste du combo black métal Eternal Majesty qui sont à l’origine de la création de Madonagun. En 2007. Très vite, ils recrutent deux guitaristes : F.X. pour la rythmique et l’excellent Julien Damotte pour la lead. Matt (chant) et Nach (claviers) complètent ce line-up d’enragés hystériques.
Dans notre monde métallique de plus en plus standardisé, Madonagun ose proposer la différence. Pour vous résumer de manière simple ce qui est malgré tout fort complexe, il faut commencer par malaxer quelques références suédoises et fournir un petit effort mental. Imaginez une musique qui emprunterait la violence créative d’un Meshuggah et la dextérité ‘guitaristique’ d’un Mattias IA Eklundh (Freak Kitchen). Vous y êtes ? Je viens d’ébaucher las grandes lignes de cet Ep de Madonagun. Pour compléter ce tableau auditif, il faut encore y ajouter quelques influences progressives et jazz rock, des vocaux hardcore, death et clairs aussi déjantés que malsains et surtout une très impressionnante technique instrumentale. A ce titre, les parties lead époustouflantes de Julien Damotte donnent vraiment envie de se pencher sur sa carrière solo et notamment sur « Trapped », son nouvel elpee.
Dans l’attente de l’album prévu, semble-t-il, pour la fin de l’année, « Resurrect On The Razor Edge » est la rondelle trouée indispensable pour tous les amateurs de violences musicales raffinées.
Little Egypt est une formation belge, issue de la région de Tournai, qui a sévi fin 80’s, début 90’s. Elle avait même enregistré un album chez New Rose, « Et encore parfois il pleut ». 30 ans plus tard, le guitariste/compositeur Jean-Jacques Dewulf a décidé de remonter un groupe : Hoboken. Un quintet qui recèle également d’autres aniennes gloires locales. Il se produira ce jeudi 15 avril au Water Moulin, à Tournai. A la même affiche The Berliners http://www.myspace.com/theberliners7500, également un groupe issu de la cité scaldéenne, dont on dit le plus grand bien. Et la soirée vous réserve une autre grosse surprise… mais motus, c’est une surprise !
Parmi les autres concerts prévus au Water Moulin :
Samedi 10 avril
The last rapes of Mr Teach (tropical garage swing)
http://www.myspace.com/thelastrapesofmrteach
Red the Planeet (experimental visual 'dente)
http://www.myspace.com/redtheplaneeet
Mayo (à la Primus!!Duo bass/batterie)
http://www.myspace.com/mayoinyourass
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/watermoulin
En 2007, Yeasayer nous proposait « All Hour Cymbals », un album dont le rock indé teinté de world naviguait manifestement à la limite de l’expérimental. Un œuvre difficile d’accès, balisée par des rythmes africains hypnotiques, qui au fil du sillon, pouvait se révéler lassante. En fait, plusieurs écoutes étaient nécessaires avant de pouvoir appréhender l’univers riche et complexe de cet elpee.
Trois ans plus tard, la formation new-yorkaise opère son comeback en publiant « Odd Blood », un disque à premier abord plus accessible, mais toujours d’aussi bonne facture. Un opus clairement divisée en 2 parties. Trempés dans la pop, les 5 premiers titres se démarquent radicalement de leurs anciennes productions. Mais le combo a pris soin de préserver cette folie douce, une spécificité qui est en quelque sorte sa marque de fabrique. Conduit par un riff quasi-reggae, hydraté de claviers et traversé de chœurs délirants, « Ambling Alp » constitue un tube potentiel. Et peut-être même le futur hit pour ce début d’année (NDR : après ceux de Two Doors Cinema Club et de Gaëtan Roussel, bien entendu…) Enrichi de chœurs africains, et pigmenté par un étonnant solo de guitare, « Madder Red » est d’une redoutable efficacité. « I Remember » et surtout le tropical et dansant « O.N.E. » identifient deux autres petits hymnes pop. Le second volet d’« Odd Bloods » évolue dans une galaxie sonore plus proche de celle d’« All Hour Cymbals », quoique expurgée de ses divagations inutiles. Un morceau comme « Love Me Girl » lorgne même vers l’univers décalé et extravaguant d’Of Montreal. Une excellente plage couverte de superbes accents world. Du tracklisting, seul le morceau d’entrée, « The Children », fait un peu tâche d’huile. Cette voix trafiquée passe mal la rampe. Elle en devient même, au fil de l’écoute, pénible. Certainement la compo la plus faible de l’elpee.
Sans quoi, toutes les autres plages rivalisent d’excellence. En privilégiant même la concision. Certains fans risquent néanmoins d’être déçus par l’évolution du groupe. Perso, je m’incline en écoutant leur musique à la fois brillante, étrange, riche, barrée et mélodique. Une expression sonore qui s’adresse tant aux jambes qu’à la tête. Et qui parvient à réussir ce challenge à la perfection. Mon premier coup de cœur pour 2010 ! Et puis ce n’est quand même pas un sacrilège de préférer l’opus de cette formation de Brooklyn, à celui d’Animal Collective, paru l’an dernier, dont ils partagent, curieusement, le même secret pour soigner leurs harmonies vocales…
Décidément, le vivier du rock belge est inépuisable. Notre planète musicale nationale est bien en ébullition. Originaire de Courtrai, Balthazar est né dans le courant de l’année 2004. A cette époque, les membres du combo flamand sont encore teenagers. Et pour cause, ils ont à peine plus de seize printemps. Ce qui ne va pas les empêcher de décrocher le premier prix du concours ‘Humo's Rock Rally’, organisé par KBC. Dans la foulée de ce premier succès, ils enregistrent un Ep et s’associent à Raymond van Het Groenewoud, un musicien flamand notoire dans le Nord du pays. Sans oublier leur première apparition au festival de Dour, lors de l’édition 2007, au cours d’une prestation qui n’est pas passé inaperçue.
En 2010, soit six ans plus tard, la vingtaine tout juste entamée, le groupe change déjà de line up. Exit le batteur et le bassiste d’origine. Place à un quintet : quatre garçons et une fille pour réaliser leur premier album. Maarten Devoldere se réserve le chant et les claviers, Jinte Deprez, la guitare, Patricia Vanneste, le violon et le synthé, Simon Casier, la basse et pour terminer Christophe Claeys, la batterie. Prévu initialement à l’automne 2009, la sortie de l’elpee a été retardée de plusieurs mois. Et finalement, leur premier-né « Applause », vient de tomber dans les bacs.
A l’écoute de cet opus, on peut parler d’heureuse surprise. Balthazar dispense une musique riche, intelligente, tout en fraîcheur, basée sur les rythmes rock, pop rock voire dream pop aux arrangements parfois jazzy. Les 11 morceaux qui peuplent leur elpee sont d’excellente facture et tous très bien ‘construits’. Aucune plage ne semble à la traîne et rivalise d’excellence. On sent poindre des influences issues d’horizons divers ; et notamment puisées chez Arctic Monkeys ou Gorillaz, pour ne citer qu’elles.
Vraiment, ce quintet courtraisien apporte quelque chose de nouveau, de rafraîchissant. A aucun moment, je n’ai eu envie de zapper une plage ou de vite me réfugier sur la suivante. Plein de maturité et de richesse, « Applause » est plus qu’une réussite, c’est un petit sac de 11 pépites que je vous recommande chaudement. En outre, s’ils se produisent pas trop loin de chez vous, levez-vous braves gens et n’hésitez pas à aller les applaudir ; ces « Applause », Balthazar les mérite amplement…
Si vous êtes trentenaire, avez grandi à l’écoute du phénomène Guns N’Roses ainsi que vécu l’avènement du Grunge (Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden,…), Blind Melon constitue pour vous un groupe-phare issu des 90’s. Presque un classique, quoi ! Mais Blind Melon est surtout devenu notoire, pour avoir publié un elpee éponyme en 1992, sur lequel figurait le futur tube « No Rain », une compo dont le clip est devenu culte (NDR : on pouvait y observer une abeille empâtée, exécuter des pas de danse). Un épisode qui leur avait permis d’atteindre le sommet des charts ; et puis surtout d’ouvrir pour des artistes ou des groupes aussi légendaires que Neil Young, The Rolling Stones ou encore Guns N’Roses. Il faut dire que l’ami d’enfance de Shannon Hoon, vocaliste du groupe, n’était autre qu’Axel Rose. Ce dernier l’avait d’ailleurs invité à chanter sur quelques-unes de ses chansons. Véritable OVNI musical, Blind Melon évoluait alors hors des sentiers battus. Son style ? Il le puisait essentiellement dans le rock classique. Et en particulier chez Grateful Dead, Led Zeppelin, le Velvet. Et bien sûr au sein de la scène ‘seattlenesque’ de l’époque. Le tout était souligné par la voix nasillarde, très caractéristique de Shannon Hoon. Malheureusement, la suite des événements va tourner au drame. Shannon est de plus en plus accro à la came. Et en 1995, lors de leur tournée destinée à promouvoir leur deuxième long playing, « Soup » (NDR : pas vraiment une réussite !), il succombe à une overdose. Il était âgé de 28 ans. Cette disparition sonne le glas de l’aventure de Blind Melon, même si quelques disques posthumes, dont « Nico » en 1996, ainsi que quelques compiles, verront le jour au cours de la décennie qui va suivre… De quoi faire marcher le business…
Au cours de cette longue période, les ex-membres du groupe empruntent des chemins différents. Soit en fondant leur propre band, soit en incorporant une formation existante. Mais vraiment rien de transcendant. Treize années plus tard, les musiciens décident de se réunir. Et de recommencer l’aventure. Ils auditionnent toute une série de vocaliste ; et portent finalement leur choix sur l’ex-Rain Fur Rent, Travis Warren. Et la nouvelle mouture de Blind Melon enregistre un troisième album, intitulé « For My Friends ».
On se demandait quand même quel allait être le résultat de ce come-back. Pas trop mal, il faut le reconnaître. Les références rock classiques, sont toujours bien présentes. Pourtant quelques titres (« Sometimes », Tumblin’ Down », « Last Laugh ») recèlent des accents pop davantage ‘beatlenesques’. Quant au timbre de Travis Warren, il campe un hybride entre celui de Shannon Hoon et d’Elliot Smith (NDR : oui, je sais, cette analogie est plutôt morbide…) Ce qui finalement, confère à sa voix une spécificité bien personnelle. Quant à cet opus, il a le mérite d’aller au-delà du revivalisme et mérite donc une certaine attention.
Une chose est sûre, en concoctant « For My Friends », Blind Melon vient de rouvrir un livre dont en pensait l’histoire terminée. Comme quoi, il ne faut jamais jurer de rien. Evidemment, ce n’est pas ce type de musique qui va nous rendre notre jeunesse. Mais puisque Kurt Cobain n’est plus et que Guns N’Roses ferait mieux de plus être, pourquoi Blind Melon ne pourrait-il pas renaître…
Dans le domaine de la musique alternative, le label liégeois Honest House est incontestablement un ‘must’. Surtout en Belgique ! Depuis 2005, cette écurie est devenue un vivier de talents en devenir. Faut croire que les patrons de cette boîte ont le nez creux ! Car chaque groupe découvert est une future pépite. D’ailleurs, entre Frank Shinobi, Taïfun ou El Dinah, difficile d’opérer un choix. Et ce n’est pas le groupe bruxellois, avant-dernière signature du label, qui nous fera changer d’avis. Au contraire.
Casse Brique est un duo bruxellois réunissant Julien Coti (guitare, basse) et Maxime Thomas (batterie). Leur style ? Du math rock ! Dans la lignée de Battles, Don Caballero, Shellac ou encore Tartuf. Différence, mais elle est de taille, Casse Brique, a contrario de bon nombre d’artistes évoluant dans cet univers très caractéristique, a le bon goût de ne pas sombrer dans l’intello à outrance. A l’instar d’un Don Caballero, trop souvent obnubilé par ses équations sonores, au point d’en oublier son rock. Tout au long de « Glumour », la maîtrise manifestée par le tandem est impressionnante. Et pourtant leur solution sonore demeure constamment énergique et vivifiante. Les boucles de guitare et de basse se superposent impeccablement, pendant que les fûts tremblent sous les coups métronomiques de Thomas. Sur cet album rien n’est à jeter. Les riffs ravageurs vous guettent constamment. Les cassures sont plus surprenantes les unes que les autres. Du tracklisting, j’épinglerai tout de même « Rideau Disco » et puis surtout « -12 Newtons », morceau au cours duquel les deux compères sortent leurs tripes avant d’embrayer sur le titre suivant…
Après avoir vécu une année creuse, la scène musicale belge reprend manifestement du poil de la bête. Et Casse Brique en est certainement la plus belle illustration. Mais l’endroit où le combo est le plus performant, c’est sur les planches. Il y casse littéralement la baraque (NDR : oui, je sais le jeu de mots est facile). Sur scène ou plus exactement devant la scène. Car chez Casse Briques les prestations ‘live’ se déroulent au niveau du sol. De quoi créer une ambiance toute particulière. Et puis, si vous souhaitez vérifier mes propos, je vous invite à vous rendre soit au Century Rock de Mouscron ce 24 avril ou encore le 29 avril au café Central à Bruxelles, où ils s’y produiront.
Après avoir publié deux albums en 2003 et 2005, en compagnie du groupe De Rien, Thibaut a choisi la solitude pour concocter son dernier projet, « Le Comte d’Apothiciare ». Un disque qu’il a réalisé (presque) seul sous son véritable patronyme, Thibaut Derien. Néanmoins, il a quand même bénéficié de l’un ou l’autre petit coup de pouce. Parmi lesquels on épinglera les compositeurs Cyril Giroux et Benjamin Scampini, ainsi que Bertrand Louis qui participe activement aux arrangements.
Suivant son habitude, Thibaut nous emmène sur les chemins de la vie, à travers des textes poétiques où fleurissent allègrement les jeux de mots ou les tournures de phrases originales, voire comiques. L’humour est omniprésent tout au long des douze titres de cet elpee. Simples, tendres et romantiques, les chansons parlent de tout et de rien. Et nous plongent dans une forme de surréalisme où poésie et musique aux relents classiques semblent faire bon ménage. Mais trop de fantaisie tue la fantaisie. Car, si prescrite à doses homéopathiques, cette œuvre peut paraître plaisante, au fil de l’écoute, on se rend compte que les compos souffrent parfois d’un manque de relief. Ce qui explique, sans doute pourquoi, elles deviennent lassantes. Quoiqu’inégal, l’opus recèle quand même quelques titres intéressants. Et je pense tout particulièrement à « Les Acouphènes », au cours duquel il partage un duo en compagnie de François Hadji-Lazaro ou encore « Mon disque d’or », dont le texte original ne manque pas de piment. Bref, un disque ‘bon enfant’, mais qui ne laissera pas de souvenir impérissable…
« Parlons-nous » constitue le quatrième album d’Eric Frasiak. Originaire des Ardennes françaises, ce chanteur est né il y a déjà plus de 45 ans. Pas vraiment une star, vous en conviendrez ! Pourtant cet auteur/compositeur/interprète gagnerait à être un peu plus connu ou plutôt moins méconnu ! Ses chansons ne manquent pas de style. Les textes tiennent la route et certaines de ses compos lorgnent carrément vers le ‘rock’. Mais en général, elles embrassent un style ‘chanson française traditionnelle’, ce qui n’est en rien une tare, bien au contraire.
Le parcours de cet illustre inconnu (NDR : avant de recevoir ce cd, j’avoue ne jamais avoir entendu parler de cet artiste) est assez particulier. Fan de François Béranger à l’adolescence, admirateur également de Ferré, Lavilliers, Springsteen, Pink Floyd et Genesis, entre autres, il garde de cette époque un goût prononcé pour les textes de ses compatriotes et la qualité musicale des seventies des autres. Agé de 19 ans en 1983, après avoir chanté dans les MJC et autres bals populaires des reprises de son idole, il tente l’expérience de l’enregistrement de ses propres compositions. La réussite lui tourne le dos et son album ne verra pas le jour… Retour donc à la case départ pour Frasiak ; et comme il faut bien vivre, les petits boulots alimentaires (roadie ou figurant, commercial, manœuvre ou soudeur) se succèdent.
Le virus de la chanson le reprend en 1996 (NDR : il compte alors déjà 33 ans au compteur) et la scène le démange. Il remonte sur les planches avec un certain succès, mais uniquement au sein des circuits locaux… Malgré tout, un premier album voit le jour en 2003. Signé par Frasiak et les Passagers, « Repartir à zéro » porte bien son nom. C’est en effet un nouveau départ qu’il prend dans le milieu de la chanson. Connaissant son petit succès, Eric persévère, sort un second opus intitulé « Itinéraires », en 2006 ; et même un live, en 2008. Il est vrai que l’accès à ‘la profession’ est devenu beaucoup moins difficile depuis une dizaine d’années.
Fin 2009, il publie le résultat de son troisième séjour en studio. Quinze titres tous écrits de sa plume, sauf un : « Vingt ans ». Qu’il emprunte magistralement à Léo Ferré. A l’écoute des quinze plages, on constate que Frasiak ne parle pas pour ne rien dire. Chaque texte délivre un message qui lui tient à cœur. On retrouve une certaine sincérité dans ses propos ; sincérité ou authenticité qui ne risquent guère de lui ouvrir, malgré tout, les portes de la reconnaissance… Les ondes n’ont pas pour habitude de ‘pousser’ un espoir de 40 ans bien tassés. Il en parle d’ailleurs très bien dans « Les bonimenteurs », chanson pleine d’humour et de dérision… Autres titres qui feront le bonheur des amateurs du genre : « T’étais pas né » vraiment splendide de musicalité et d’intelligence, « François Béranger » en hommage à son modèle d’il y a une trentaine d’années et « Le tango de la jetset », dont le texte sonne ‘tellement vrai’.
Quinze titres pour une heure de musique plaisante et qui ne suscite jamais l’ennui. Bon nombre de ses contemporains ne peuvent en dire autant !!!
Qu’est-ce qui pourrait pousser trois jeunes Irlandais à se jeter dans la gueule du loup, heu du rock ? Une tradition ? Un héritage abandonné par leurs aînés des Cranberries voire de U2 ? Alors là, pas vraiment. Le seul point commun entre ces 3 groupes procède de leur origine : une île occupée par leurs meilleurs ennemis british, c’est tout ! Ah si, il y en existe une autre évidemment : ils jouent de la musique ; mais chez General Fiasco, pas vraiment du même tonneau que celle de leurs illustres compatriotes. Mais qui donc se cache derrière ce pseudonyme bizarre ? Fiasco général ! Amusant, révélateur, annonciateur ? Il faut espérer que leurs qualités musicales soient inversement proportionnelles à leur patronyme.
Au sein de la formation, militent les frères Strathern : Owen au chant et à la basse ainsi qu’Enda à la guitare. Un combo complété par un ami de lycée : Stephan Leacock, qui se réserve les drums. Leur carrière débute en 2007 par quelques concerts ‘discrets’ ; cependant, ils sont vite repérés par des formations de plus gros calibre telles que The Wombats ou The Pigeon Detectives, pour n’en citer que deux. Un single sera l’élément déclencheur de leur courte carrière. « Rebel Get By » paraît en novembre 2008 et, jouant au cachet sur les émissions musicales de la BBC, ils sont rapidement considérés comme un des dix meilleurs espoirs à venir du rock britannique.
Deux ans plus tard, nos trois ‘gamins’ nous présentent leur premier album, « Buildings ». Et ici, ça se corse. Il y a deux façons de voir les choses. On aime pour la fraîcheur, le côté gentil rock inoffensif ou alors on jette vite fait ; vu justement un manque d’originalité évident. Personnellement, j’aime assez cette musique facilement accrocheuse, pas trop compliquée et qui entre bien dans l’oreille dès la première écoute. Evidemment, c’est pas réellement original, mais les dix plages ne sont pas non plus désagréables à se déverser dans les oreilles. J’épinglerai même quelques belles réussites telles que « Sinking Ships », vraiment superbe, « Ever so Shy » qui déménage pas mal ou encore « I’m not Made of Eyes » que ne renierait pas Snow Patrol, par exemple.
En conclusion, personnellement, j’aime assez ce style un peu facile mais tellement à la page actuellement ; n’en déplaise aux détracteurs grincheux de General Fiasco. Je dirais même plus, j’en redemande. A quand le prochain Jonas Brothers par exemple ? Le fiasco, c’est peut-être bien les ‘critiques casseurs’ qui se le prendront en pleine poire un de ces quatre…
Pour comprendre le jeu de mots qui se cache derrière le nom ‘Hayseed Dixie’ il faut savoir qu’au départ, ce groupe se consacrait exclusivement à des reprises d’AC/DC en version country/hillbilly/bluegrass. Paru en 2001, « A Hillbilly Tribute to AC/DC » (NDR : vivement conseillé à tous les fans d’Angus & Co) a permis au monde entier de découvrir le ‘Rockgrass des montagnes Appalaches’. Au cours des neuf dernières années, bien d’autres disques de reprises (mais aussi de titres originaux) ont complété la discographie de ces quatre rigolos. Citons par exemple l’excellent « Kiss My Grass » qui en 2003 revisitait à la sauce bluegrass dix compos issues du répertoire du célèbre quatuor maquillé new-yorkais ou encore « A Hot Piece Of Grass » responsable d’avoir fait rocker le pays des cow-boys, grâce à ses versions country du « War Pigs » de Black Sabbath ou des « Black Dog » et « Whole Lotta Love » de Led Zeppelin.
Pour son huitième opus, « Killer Grass », Hayseed Dixie a vu les choses en grand et propose, en plus du Cd, un Dvd bourré de surprises toutes plus hilarantes les unes que les autres. Parlons de la galette musicale en premier lieu. Comme il en a pris l’habitude depuis quelques années, le gang mélange ses réinterprétations de classiques du rock et du hard rock à ses compositions originales. Celles-ci sont d’ailleurs plutôt désopilantes. Sur « Alien Abduction Probe », par exemple, Barley Scotch (chant, guitare et violon) raconte les douleurs récurrentes dont souffre son fondement depuis qu’il s’est fait enlever par des extra-terrestres. Sur « Underneath the Bed », il demande des explications à sa compagne à propos d’un préservatif retrouvé sous le lit dans l’une de ses chaussures. Sur « Tolerance » il explique qu’il aimerait donner un peu de sa ‘tolérance’ à son prochain. Et surtout à ceux qui imaginent qu’elle est insuffisante dans le monde ; car il est devenu si tolérant à l’alcool et aux drogues douces, qu’il n’arrive plus à s’envoyer en l’air.
Si tous ces titres originaux nous font bien rire, c’est surtout sur les reprises que les quatre Yankees parviennent à nous faire prendre notre pied. Autant vous dire que le ‘rockgrass’ 2010 est une excellente cuvée. Une fois de plus, Hayseed Dixie s’est attaqué à du lourd. En premier lieu, une version géniale du « Bohemian Rhapsody » de Queen dont le clip hilarant (qui pastiche la célèbre vidéo originale des Anglais) figure aussi sur le Dvd. Ensuite, les relectures bidonnantes du « Sabbath Bloody Sabbath » de Black Sabbath et du « Won’t Get Fooled Again » des Who ainsi qu’un « Rambling Man » du Allman Brothers Band comme vous ne l’avez jamais entendu. Pour terminer, le combo qui, en général se cantonne aux covers de rock plutôt classique, opère deux incursions jouissives dans des univers musicaux littéralement différents. La première en adaptant à sa sauce « Omen », titre signé par les Anglais industrieux de Prodigy ; l’autre, en opérant une petite incursion dans la musique classique, lors d’un « Eine Kleine Nachtmusik » de Mozart, rebaptisé pour la circonstance en « Eine Kleine Trinkmusik », mieux adapté à la philosophie du groupe.
La rondelle digitale et versatile quant à elle contient six clips vidéos, réalisés il est vrai, avec des moyens limités, mais tellement bourrés d’humour que l’on prend un réel plaisir à les regarder. Hayseed Dixie, nous gratifie aussi de quelques ‘tutoriels’ sympathiques : une époustouflante leçon de banjo accordée par le Reverend Don Wayne Reno et une autre de basse acoustique dispensée par Jake ‘Bakesnake’ Byers. Ce dernier explique d’ailleurs aussi, dans une autre vidéo instructive bourrée (on l’espère en tout cas) d’humour noir, comment se débarrasser d’un cadavre encombrant (NDR : souvenez vous que l’album s’intitule « Killer Grass »). Quelques petites vidéos amusantes ont aussi été ajoutées à l’objet, comme par exemple, une publicité filmée par le groupe pour une grande marque de préservatifs ou une jam sympathique exécutée en compagnie d’un percussionniste africain.
Signalons pour terminer que, si les musiciens aiment se donner des airs de ‘bouseux du sud profond’, leur Dvd est à la pointe de la technologie. En effet, Hayseed Dixie a eu l’excellente initiative de faire plaisir aux ingénieurs du son et aux producteurs en herbe en proposant l’intégralité de son album en fichiers audio multipistes permettant à tout un chacun de remixer les titres à sa guise, pour peu qu’il soit en possession d’un logiciel comme Pro-tools, Garage Band ou Logic.
Que vous soyez cow-boy, camionneur ou fan de rock, « Killer Grass » est l’album indispensable si vous voulez vous payer une bonne tranche de rigolade. Merci Dixie !
J’avoue avoir rarement entendu un nom de groupe aussi original. Pas vraiment séduisant, mais au moins, ce patronyme a le mérite de nous annoncer l’ambiance au sein de laquelle leur musique macère ; soit une atmosphère malsaine, glauque et inhospitalière. En effet, ce patronyme rappelle un ancien rituel célébré par les sorcières pour invoquer le malin. Tout un programme !
Le troisième opus de KTAOaBC est paru chez Conspiracy. Stef Heeren a donc délaissé le label gantois KRAAK, pour se réfugier auprès d’une écurie jouissant d’une plus grande notoriété. Et pour cause au sein de ce label, militent des groupes comme Red Sparowes, Year Of No Light ou encore Nadja.
« The Nebulous Dreams » propose 3 morceaux en à peine 30 minutes. Une œuvre qui nous entraîne au cœur d’un univers trouble, étrange, et surtout rarement exploré par un groupe bien de chez nous. « Between Skylla And Charybdis » ouvre l’elpee. Une plage de 15 minutes au cours de laquelle des bruits stridents envahissent une solution sonore texturée par des violoncelles en couche, des nappes d’orgue et d’autres instruments indistincts. Progressivement un tempo lent, accablant s’impose. A l’issue d’un crescendo de 8 minutes, on se retrouve aux portes des ténèbres. C’est alors que Stef Heeren pose son timbre grave, tel un prédicateur. Il met alors un terme à cet office dark folk. Une intervention que n’aurait pas reniée David Eugene Edwards (Woven Hand) ou encore Nick Cave. Place au drone ensuite. Un drone hypnotique, sordide, gothique, écrasant, hanté de chœurs macabres, qui enveloppe « Dypthich » de mystère. Il faut attendre le dernier morceau de ce mini-elpee pour s’extraire quelque peu de cet univers tourmenté. Pas au point de faire la fête, néanmoins. Un peu moins glauque, « Miserere » conjugue accords de guitare acoustique et chœurs mystiques. De quoi ramener un peu de sérénité, au moment d’achever ce « Nebulous Dreams »…
La musique de Kiss The Anus Of a Black Cat évolue à la croisée des chemins de Sunn O))), Woven Hand et Nick Cave. Mais si elle est particulièrement sombre, elle est aussi très belle. Pas très accessible au mélomane lambda, je l’avoue. Stef Heeren a plus que probablement un don pour provoquer la nausée chez les âmes sensibles. Quoiqu’il en soit à l’écoute de ce « Nebulous Dreams », impossible de rester indifférent. Vous êtes prévenus !
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