Il y a maintenant une bonne dizaine années que le Canada incarne le centre névralgique de la musique indie. Est-ce dû au brassage des cultures, exemple d’un véritable melting-pot ? Ou peut-être à la richesse de leurs paysages naturels ? Allant de la toundra des territoires du Nord aux Rocheuses, en passant par les plaines de l’Ontario, en quelques heures tout solitaire peut s’isoler et se retrouver seul à seul face à dame nature. Mais peu importe les raisons qu’elles soient géographiques, culturelles ou autres, le fait est que chaque année, que dis-je chaque mois, un groupe canadien déboule sur la scène musicale et une fois sur trois celui-ci est digne d’intérêt. Autant dire que le taux de réussite est élevé. Même si la Belgique n’a pas à rougir, il faut reconnaître que l’univers musical canadien a de quoi faire rêver. Arcade Fire, Broken Social Scene, Black Mountain, Wolf Parade et l’écurie Constellation en sont probablement les plus beaux fleurons. Mais on n’oubliera pas Japandroids, Tokyo Police Club, The Acorn, Caribou, auxquels on pourra ajouter dès à présent, The Rest.

Fondé à Hamilton (situé à quelques centaines de kilomètres de Toronto), le collectif évolue au sein d’un univers sonore assez proche de celui d’Arcade Fire. A l’instar des géniaux Montréalais, leur musique prend aux tripes. Un univers nébuleux, ténébreux, au cœur duquel l’aspect théâtral prend une place importante.

« Modern Time Travel » et « Coughing Blood/Fresh Travel (Necessities) » s’ébrouent en nappes de guitares avant de s’emballer au contact des refrains. Un exercice de style où le septuor se montre très à l’aise. Ce qui ne l’empêche pas de s’en écarter circonstanciellement pour emprunter un style plus épuré, tout en conservant l’intensité émotionnelle (« Drinking Again »). Ces Canadiens sont tout simplement ‘bluffants’. Ils tissent chaque morceau comme une toile distincte, véhiculant tour à tour des sentiments d’ivresse, d’envoûtement, d’obsession et de violence maîtrisée. Et impossible de résister à cette déferlante. En outre, la performance vocale somptueuse accomplie par Adam Bentley, tout au long d’« Everyone All At Once », accentue cette mélodicité contagieuse. Suffit d’écouter « Walk On Water (Auspicious Beginnings) » pour s’en rendre compte. Encore un groupe canadien qui ne devrait pas demeurer en Rest…

A la première écoute, on dirait sans hésiter que The Postmarks se sont formés bien conventionnellement à New York, Seattle, Toronto ou Stockholm, là où l’hiver est rude et le reste de l’année pluvieux ; ce qui aurait inspiré leurs intonations graves et mélodies atmosphériques. Il n’en est rien : ce trio nous vient de Floride ; et cela n’est qu’une de leurs nombreuses et heureuses particularités (NDR : pour l’anecdote, la chanteuse Tim Yehezkely, originaire de Tel Aviv, a été repérée dans un karaoké à Palm Beach où le batteur Jonathan Wilkins était régulièrement Dj). Alors comment un album si ténébreux peut être produit par une formation issue de la canicule et du bling bling floridiens ? Une rencontre dans un bar à Manhattan et une passion commune pour la musique de (vieux) films (NDR : le cinéma américain et français), qui se ressent dans chacune des 13 pistes de leur dernier album.

Un an à peine après la formation du groupe en 2006, Unfiltered Records (Andy Chase) les prenait sous son aile. Depuis, The Postmarks ont sorti un Ep, un LP et un disque de covers new-wave (NDR : bien avant que Nada Surf n'ait la même idée), tous salués par les piliers médiatiques du rock. Leur dernier bijou, lui, se veut plus obscur, le groupe ayant puisé son inspiration dans le septième art et les polars pour parvenir au concept générique de l’album. Les trois songwriters (dont également Chrisopher Moll à la guitare) ont participé au processus de création en apportant leurs idées dans une approche collaborative d’expressions individuelles. Pour la confection de l’album tout comme la scène, les trois musiciens sont rejoints par Brian Hill (basse) et Jeff Wagner (piano, orgue, synthé).

L’elpee commence en force par son premier single « No One Said This Would Be Easy » –une balade épique à la Manic Street Preachers de l’époque Everything Must Go– agrémentée de violons (légèrement pleurnicheurs) des Last Shadow Puppets, d’une voix délicate mais efficace, doublée comme chez Alphawezen. Les cuivres sont aussi présents pour affermir le style –et pour la touche soul– et, le deuxième titre, « My Lucky Charm », confirme la direction cinématographique dans laquelle on s’enfonce (les sixties). Les riffs électroniques, systématiquement cuivrés, confèrent l’élan nécessaire (« Don’t Know Till You Try », « Go Jetsetter », « The girl From Algenib ») et sont entrecoupés de rêveries (« All you ever wanted »), telles que celles que l’on retrouve chez les Doves, dont la vague contemplative est similaire, pour aboutir sur des refrains larges en trombones.

Entre intrusions plus intimes et grandiloquence cinématique, « Memoirs at the end of the world » offre une pop orchestrée et sagace. Bénéficiant d’arrangements somptueux, il nous plonge dans une atmosphère à propension presque inquiétante sous les mélodies enchanteresses de Tim Yehezkely. Le groupe crée sans aucun doute son propre univers dans lequel on ose s’immerger sans craindre les cauchemars.

Faut croire que les musiciens de Narrow Terrence étaient sous addiction lorsqu’ils ont écrit les compos de cet opus. Un disque bizarre, complètement décalé, dérangé, et pourtant convaincant, baptisé « Narco Corridos », qui fait suite à « Low Voice Conversation », paru en 2007. Il s’agit de leur second.

Fondé en 2002, cet ensemble français est drivé par les frères Antoine et Nicolas Puaux. Dont la muse semble aussi hallucinée que chez les gars de Ghinzu (NDR : c’est flagrant sur le stupéfiant « The hole »). Et la scène belge semble une référence de choix pour la formation hexagonale, tout au long de « Narco Corridos » : envolées rock et climats aux multiples nuances alimentant des titres manifestement taillés pour la scène. La bande à John Stargasm est une influence majeure. Mais également Tom Waits et Nick Cave. Faut dire que le timbre vocal d’Antoine est aussi grave et éraillé que celui de nos deux célèbres consommateurs de bourbon. Son organe rauque est cependant parfaitement soutenu par une seconde voix, bien plus douce. De quoi insuffler une belle intensité à ce « Narco Corridos ». Difficile d’ailleurs d’imaginer que le combo nous vient d’outre-Quiévrain. D’autant plus que leur expression sonore se teinte volontiers de climats cinématographiques, ‘enniomorriconesques’ même (NDR : et pas seulement à cause de la pochette de l’elpee !).

Après avoir avalé un ‘western spaghetti’, en guise d’entrée, nos Desperados s’attaquent au « Dinner », une plage que n’aurait pas renié Waits. Tout comme le très cabaret « The Man Who Thinks ». « Cave In Hell » et « How She Ruined My Life » constituent manifestement les deux meilleures compos du cd. Paradoxalement, elles lorgnent vers la scène ‘noir jaune rouge’, et en particulier dEUS. La présence d’un violon et l’omniprésence des cuivres y est sans doute pour quelque chose. Quant à « Camillas Tunes », il nous entraîne à nouveau à la découverte des grands espaces de l’Ouest américain. Un bémol, les intermèdes métal/stoner. Pas une grande réussite. A l’instar de « Wet Dead Horses ». Malgré cette remarque, « Narco Corridos » constitue une excellente surprise. Déjantée et hallucinée, aussi. Pablo Escobar serait fier d’eux. Caramba !

MOCT (NDR : Men of Considerable Taste) est une jeune formation néerlandaise. Elle pratique un blues teinté de soul, qui correspond parfaitement à la philosophie du label Cool Buzz. Le line up réunit des musiciens issus de formations bataves comme The Strikes, Drippin' Honey ou les Backbones. Le plus notoire est incontestablement Peter Van der Pluym, chanteur/harmoniciste qui a longtemps milité au sein du Lester Butler Tribute Band. Il avait également participé aux sessions d’enregistrement du dernier elpee des Mannish Boys, "Shake for me". Un opus qui vient de paraître chez Delta Groove. Sander Kooiman se charge de la guitare. Il était le leader de Drippin' Honey aux côtés de l'harmoniciste Kim Snelten. Jules Van Brakel est préposé à la basse, alors que Joost Tazelaar siège derrière les fûts! Avant  d’opter pour le patronyme MOCT, le combo répondait au nom de Big Pete & the Backbones.

Mises en forme par les membres du band, les dix plages de ce premier opus ont été concoctées aux Pays-Bas. Quant au mixing il a été opéré à Nashville, par David Z et masterisé par Greg Reierson, à Minneapolis. Pas étonnant que chez MOCT, l’esthétisme est une constante.

Le long playing s’ouvre par le titre maître. Une ballade soul blues que chante impeccablement Big Pete. Sa voix est taillée pour ce type de répertoire. Sander Kooiman s’autorise une première intervention en mode rythmique. Vander Pluym sort l'harmonica de sa poche pour attaquer "Boogie disease". Pas du tout un boogie, mais une compo, au cours de laquelle la section rythmique balise l’ensemble et permet aux solistes de s’exprimer. La voix soul et l'harmonica largement amplifié lorgnent manifestement vers le regretté Lester Butler. Légèrement funky, parcourue de chœurs féminins, ce type de composition rappelle les meilleurs moments d'El Fish. Le style de MOCT est manifestement original. Mélodique, dansant, il laisse une large place aux acteurs rythmiques. Kooiman opère une intervention concise, mais très structurée, sur "Live to see the day" ; mais jamais il ne s’impose. Seul Big Pete laisse éclater son souffle puissant. Le tempo ralentit spectaculairement pour aborder "I love you more than you'll ever know", un bues lent signé Al Kooper. La pureté du chant est stupéfiante. Les accords de gratte exécutés par Sander sont subtils. Il ne concède que les notes nécessaires, à la manière du Peter Green de la grande époque. Une compo empreinte de grande sensibilité au cours de laquelle le rythme s’accélère progressivement. "Pressure" macère également dans le funk. La mélodie envoûte progressivement. Kooiman prend un billet de sortie en injectant un peu d'effet de réverb dans les cordes. MOCT adapte le "I want you" du Louisianais Tony Joe White. Une cover qui colle bien au style réservé et nonchalant du combo. Superbe ballade soul, "One more day" est une compo très mélodieuse, réminiscente des juke boxes de la fin des fifties. "Best girl" est imprimé sur un tempo vivace. Un rockin' R&B à la Feelgood, caractérisé par la meilleure sortie de Kooiman et les interventions toniques de Big Pete. L’opus s’achève, inévitablement, par un hommage à Lester Butler, dont MOCT adapte le "Way down South", époque Thirteen, une plage au cours de laquelle l’équipe bénéficie de la collaboration du sixcordiste originel ; en l’occurrence le Californien Alex Schultz, responsable d’une excellente sortie. Un groupe chargé de promesses…

En 2007, Paul Marshall sortait de l’anonymat en concoctant un premier opus intitulé « Vultures ». Tout au long de cet elpee, il dispensait une musique épurée, mais bourrée de feeling. Trois années ont passé et le natif de Leeds a signé chez Bella Union (Laura Veirs, Department Of Eagles, Beach House, …), puis décidé de se choisir un pseudonyme : Lone Wolf. A première écoute, on se rend compte que « The Devil And I » ne nous incitera pas à faire la fête. Et « Dead River », « This Is War » ou encore les deux fragments éponymes en sont les plus belles illustrations.

Ce loup solitaire préfère donc les ténèbres et la solitude. Mais Paul a délaissé son folk minimaliste pour embrasser une instrumentation bien plus étoffée, dans l’esprit de Midlake, Sufjan Stevens ou encore Fleet Foxes, tout en apportant un soin particulier aux orchestrations et aux arrangements ; d’une grande subtilité, il faut le souligner. Les deux premiers morceaux sont splendides. Tout d’abord « This Is War ». Probablement le meilleur titre de l’album. Suave, la voix de Marshall virevolte, pendant que les accès de piano font monter progressivement la tension. Et puis le morceau suivant, « Keep Your Eyes On The Road », manifestement marqué par le style acoustique de Croby, Still & Nash. Malheureusement, la suite n’est plus de la même trempe. Il y a bien encore « The Devil and I » (part I et II) ainsi que « 15 Letters », mais on reste sur sa faim… Dommage ! 

Originaire de Brooklyn, le duo The Hundred in the Hands publie son premier Ep, « This Desert », peu de temps après avoir sorti “Dressed in Dresden”, un single particulièrement remarqué. Et chez la vénérable maison Warp, excusez du peu ! Jason Friedman et Eleanore Everdell ont été biberonnés à l’underground new-yorkais. Une éducation musicale qui leur permet de nous faire danser de manière originale, intelligente mais toujours fun.

Les six compos de ce disque mêlent habilement électronica, pop, dub, house et post-punk. Quelque part entre Metric, The XX et les Ting Tings. Les lyrics sont interprétés nonchalamment. Les beats et les lignes de basse dignes de Blondie voire de The Gossip (« Building in L.O.V.E. »). L’Ep recèle plusieurs titres susceptibles de mettre le feu aux soirées hype. Et en particulier « It’s Only Everthing », souligné de remarquables vocaux ou encore « Tom Tom », caractérisé par ses percussions déroutantes. De véritables bombes pop suaves illustrant les capacités du groupe. Et comment résister à Eleanore, lorsqu’elle nous murmure ‘Could have stayed by you for days, I would forget the world for you’, à l’oreille. Pas pour rien que le duo a été élu couple le plus sexy de l’année…

L’album est prévu pour cet automne. Quelques mois encore à attendre, afin de leur permettre d’asseoir leur solides bases électro/disco pop...

Non, il ne s’agit pas d’une nouvelle livraison des boucaniers écossais de folk métal Alestorm, mais bien d’un nouveau combo américain qui répond au patronyme de Halestorm (avec ‘H’). Signé chez Atlantic, ce quartet présente une fameuse carte de visite. Et pas seulement à cause du profil physique de sa chanteuse, proche de Lee Aaron durant ses années glorieuses. Une description qui permettrait aisément d’établir une filiation avec les Nightwish, Epica et autre Leave’s Eyes.

Et pourtant, Halestorm évolue au sein d’une toute autre école. Celle de Doro, Girlschool et Lita Ford. Formé il y a un peu plus de dix ans, à l’époque où la chanteuse Lzzy Hale n’avait pas l’âge d’entrer dans une boîte de nuit, ainsi que par son frère Arejay Hale (batteur) le combo s’est rapidement adjoint les services d’un bassiste et d’un guitariste. Après avoir galéré pendant une décennie, ce groupe habitué aux clubs enfumés d’outre-Atlantique, a vu son destin changer, après avoir rencontré le producteur Howard Benson (Motorhead, Apocalyptica).

Ce premier elpee s’ouvre par un « It’s not You » corrosif en diable, évoquant les premiers efforts de Warlock. Le son est on ne peut plus parfait. Malheureusement, la suite est nettement moins brillante. On sait que l’exercice de la ballade est une tradition chez les métalleux. On en dénombre pas moins de six sur cette galette. Résultat des courses, elle devient vite ennuyeuse. Trop c’est trop !

Dommage, car la formation possède un réel potentiel, aussi bien côté voix, qu’au niveau instrumental. On aurait donc espéré de la part de Halestorm un peu plus de pêche, d’énergie, de violence ; de rock n’ roll tout simplement. A priori destiné aux fans de heavy, on prend vite conscience que la rondelle charmera davantage les amateurs de Nickelback et de Green Day. Nous patienterons jusqu’à la sortie du deuxième album en espérant qu’Halestorm aura, d’ici là, changé son fusil d’épaule.

Un mélomane n’est pas nécessairement musicien. Souvent, ces grands amateurs de musique sont des musiciens frustrés. La plupart ont essayé d’apprendre à jouer d’un instrument. Se sont exercés. Mais rarement, rares sont celles et ceux qui sont parvenus à s’y exprimer. Il faut s’y faire, tout le monde n’a pas hérité de ce ‘don’. Face à cette déception il reste encore malgré tout deux solutions. La première est de devenir, comme votre serviteur, un chroniqueur amer et de mauvaise foi. Critiquer le travail des autres, ce n’est pas bien, mais ça peut aider à exorciser certaines désillusions. La seconde consiste à concocter un disque pourri et de se faire signer chez African Tape. Il m’est déjà arrivé plusieurs fois de souligner mon incapacité à apprécier les productions de ce label. Ce n’est surement pas l’album « Three Hundred », du combo américain The Conformists, qui m’incitera à changer d’avis. 

The Conformists est un groupe minimaliste/avant-gardiste originaire de la ville de St. Louis, dans le Missouri. Bien qu’il ait entamé sa carrière en 1996, il n’a (heureusement) que deux albums à son actif : « Two Hundred », publié en 2004 et « Three Hundred », en 2007.

Le film « La Momie » nous avait mis en garde : il existe des secrets enfouis, qu’il est préférable de ne pas déterrer. Pourtant, African Tape, qui n’en est pas à son premier faux-pas, a bel et bien décidé de rééditer en Europe l’album « Three Hundred » auquel nous avions eu la chance d’échapper jusque là. Chez The Conformists la notion ‘minimaliste’ est liée au plaisir d’écoute. Il est évident que l’on n’est pas obligé d’être un virtuose pour créer de la bonne musique. Le mouvement punk en est une belle preuve. Cependant, quel que soit son niveau de sophistication, toute musique est sensée apporter un minimum de plaisir. Celle de The Conformists n’apporte rien de tel. Quelle perte de temps !

Bullet For My Valentine incarne l’archétype même du groupe métal taillé pour les ados qui se la jouent ‘rebelle’. Sorte de boys band du rock lourd, les Gallois signent un troisième album sculpté dans le même style que ses précédents essais. Au-delà du néo-métal, le combo s’est trouvé son identité propre en alliant à son métal core des éléments estampillés années 80, dans la façon d’aborder les soli de guitare notamment. Ces grands garçons se sont inspirés autant d’Iron Maiden que de Korn et entretiennent une image très fashion style ‘Je joue du heavy mais je suis aussi un éternel romantique’. Parfaitement coiffés, tatoués, mais pas trop, barbes de trois jours et piercings, cette image a tout pour plaire aux groupies de 15 ans. Musicalement, il serait inopportun de cracher dans la soupe car indéniablement, les quatre boys maîtrisent leurs instruments à la perfection. L’évolution est flagrante à l’écoute du titre d’intro « Your Betrayal ». Un morceau efficace, bétonné, hyper heavy, auquel il est impossible de résister avant l’arrivée du chanteur. Car c’est bien là que le bât blesse. Le chant est extrêmement ennuyeux au point de regretter que la plage ne soit pas entièrement instrumentale.

Dans son ensemble, l’œuvre est mélodique. Forte en riffs de guitare, elle a tout du filtre d’amour irrésistible. Bullet For My Valentine amorce doucement, mais sûrement, un virage vers un métal plus vintage, par le biais de la production soignée de Don Gilmore. « Begging for Mercy » communique de grands moments d’émotion, et « Fever » nous permet d’apprécier la fluidité du jeu de « Padge ». Un peu trop lisse et ‘passe-partout’ pour les amateurs de heavy dans la grande tradition, l’elpee enchantera les fans de métal à la sauce Slipknot ou Deftones. Un sacré son quand même, mais un chant qui lasse très vite et paraîtra bien ringard lors de la prochaine décennie.

Youri Blow est un auteur/compositeur français. Originaire de Troyes, il n'a pas encore trente ans. Lorsqu’il a commencé à gratter une guitare, il s'inspirait du légendaire Leadbelly. Mais son folk blues, il l’a mis à la sauce Nirvana. Puis pousse le bouchon bleu un peu plus loin, à l'écoute de Led Zeppelin et de Jimi Hendrix. Faut reconnaître que son cheminement n’est pas très orthodoxe. Hanté par certains démons du rock’n roll, son blues est largement teinté de psychédélisme. Mais après avoir accompli un premier voyage au Pérou, ce troubadour mercenaire du Delta Blues revient marqué par folklore local. Youri s'établit en Bretagne, du côté de Brest, et s’imbibe de plus en plus de musiques issues de traditions cosmopolites. Une oreille est attentive aux pères du blues, comme Skip James, Son House et Mississippi John. L’autre est davantage sensible aux créations du monde ainsi qu’à la musique classique. Après avoir concocté plusieurs démos, il sort son premier opus en 2008, "Moon rock my soul". Un véritable plaidoyer pour les références qui circulent dans ses veines. Mais marqué par un long périple accompli au sein de la Mongolie profonde, il ne s’est pas limité à expérimenter ce cheminement introspectif.

Toutes ses aventures lui ont permis de se forger un style original. Il est pourtant toujours aussi contaminé par le psyché blues, mais le transpose au sein d’un univers musical très personnel. Youri est un solitaire. Et sa nouvelle œuvre en est une nouvelle illustration. Il chante et écrit toutes ses compos. Il se réserve l’intégralité de l’instrumentation, conventionnelle et insolite : guitare, dobro, violon, flûte péruvienne, viole mongole et guimbarde vietnamienne. Il nous invite à pénétrer dans son ‘corridor’, ce long couloir où il se reflète dans des miroirs très divers pour nous plonger au sein d’atmosphères inspirées du voyage.

"Ever love" ouvre l’album. Les cordes sont magiques. Les percussions timides. Secondée par une voix féminine fragile, la voix force le passage. Manifestement, il s’inspire du blues acoustique de l'avant-grande guerre. L'accompagnement est complexe et riche. De quoi permettre à l’esprit de vagabonder. Signé par son amie Lucie T, "Muddy streams" puise son inspiration dans les profondeurs du Mississippi. Une compo qui baigne dans un climat lugubre. La sonorité métallique du dobro et le timbre quelque peu forcé de la voix reflètent la souffrance des lieux saints du blues. Parcourues de sonorités orientales minimalistes, "Strange history" est, vous vous en doutez, une histoire bien étrange. Une voix d'outre-tombe communique un mal de vivre omniprésent. "Blue mountain" macère dans un climat similaire. Le tempo s’accélère. Les cordes et la trompette de David Babin se conjuguent. Une compo qui me rappelle Jim Morrison dans ses meilleurs moments ("The end"). La pression s’accentue pour "Salmon dreams". A cause de ce feeling désespéré, une nouvelle fois réminiscent du défunt leader des Doors, à moins qu’il ne s’agisse du tout aussi trépassé Ian Curtis, du légendaire Joy Division. Nonobstant son intensité, le titre maître embrasse un profil mélodique empreint de légèreté. Les accords de guitare sont discrètement amplifiés. Une certaine sérénité semble retrouvée. Place alors au dernier voyage vers l'Orient. La solitude et une certaine paix intérieure nous envahissent tout au long de "Tsagaan sar", de "Kohvsgol lake" ainsi que d’"Ulan taïga", des fresques psyché blues susceptibles de nous plonger dans un état de transe. Et cette sensation s’accentue, lorsque la voix trafiquée ressemble à une guimbarde. Bourrée d’émotion et de qualité, cette œuvre s’achève par deux morceaux instrumentaux singuliers dont les titres ont été baptisés dans la langue de Molière : "Autour du templier" et "L'éveil de la goutte d'eau". N’ôtez pas trop rapidement votre compact-disc du lecteur, car vous avez encore droit à un bonus track. La ‘goutte d'eau’ se réveille en empruntant ce rythme répétitif, caractéristique et résolument hypnotique. Youri se lâche en traduisant un titre annoncé de 4’ en plus de 17' de magie intimiste, au cours de laquelle sa voix fait un retour, en fin de parcours…

Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que sur le cd, un clip vidéo de "The Corridor", est  disponible en piste multimédia...