Il aura fallu deux années à « Wrecking Ball », premier album de Dead Confederate, pour traverser l’Atlantique. Motif ? Leur signature chez le petit label indépendant The Artists Organization (TAO). Issu d’Athens (à l’instar de REM, B52’s ou encore Of Montreal), cette formation a créé un petit buzz, il y a deux ans, sur la scène indépendante américaine. Certains magazines iront même jusqu’à les comparer à Nirvana, alors que d’autres les consacreront comme une des révélations, en 2008. Le groupe va alors énormément tourner. Tant sur le sol yankee qu’en Europe. Un périple qui va leur permettre de se produire lors de l’édition 2009 du Pukkelpop. On était donc curieux d’entendre ce que le combo avait dans le ventre, sur disque…
Dès l’ouverture des hostilités, c’est la voix d’Hardy Morris qui frappe. Une voix au timbre éraillé, toujours à la limite de la rupture. Combien de paquets de cigarettes a-t-il pu fumer et combine de bouteilles de whisky a-t-il pu siffler, pour se payer un tel organe vocal ? Musicalement, le mélange ténébreux de grunge et d’alt country, pratiqué par Dead Confederate, aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre Nirvana, Kings Of Leon et My Morning Jacket. Paru en single, « The Rat » illustre parfaitement cette combinaison. Les sonorités de guitare sont sauvages, intenses et parsemées d’effets larsen. Sans pour autant négliger le sens mélodique. A cet égard, « Goner » en est certainement la plus belle illustration. Et la sensibilité mélancolique omniprésente. J’épinglerai enfin « Flesh Colored Canvas », un morceau de 12’, tout en crescendo et en atmosphère, dont le final libère une puissance vraiment dévastatrice…
Dead Confederate vient donc de confirmer tout le bien qu’on pensait de lui. Et si la sortie européenne de cet opus a pris un certain retard, sachez quand même que cette nouvelle mouture de « Wrecking Ball » est enrichie de trois bonus tracks, de la même trempe…
Depuis neuf ans, les Dropkick Murphys célèbrent chaque année, la Saint-Patrick, la fête nationale Irlandaise, en public, dans leur fief de Boston. Nous disposions déjà d’un aperçu audio des festivités vécues en 2002, sur l’énorme « Live On St. Patrick’s Day ». Lors de l’édition 2009, les Dropkick ont vu les choses en grand. « Live On Lansdowne – Boston MA » constitue le vibrant témoignage de ces sept concerts accordés au Lansdowne de Boston, entre le 12 et le 17 mars de l’année dernière. Que toutes celles et tous ceux qui, comme nous, n’ont pas eu la chance d’assister à l’événement se rassurent. Ils pourront désormais se délecter du magnifique digipack consacré à un de ces concerts, en version audio et vidéo.
Quel bonheur de voir et d’entendre les Dropkick Murphys surexcités interpréter vingt titres de leur punk rock celtique unique, devant une foule en délire bien décidée à faire la fête. Le combo punk fait la part belle aux instruments traditionnels de la musique celtique : cornemuse, flûte, banjo, accordéon. C’est d’ailleurs leur marque de fabrique. Pour l’occasion, un pianiste, des violonistes et des violoncellistes complètent le line-up. Pendant une heure et seize minutes, les moments forts succèdent à d’autres, plus forts encore. Tout au long du très celtique « Johnny, I Hardly Knew Ya », par exemple, ce sont huit petites filles de la ‘Forbes Academy Of Irish Dance’ qui accompagnent le groupe de leur danse traditionnelle irlandaise. Lors de « The Dirty Glass », Liza Graves, la chanteuse du groupe punk féminin Civet, se réserve les vocaux. Sur « Kiss Me, I’m Shitfaced » le groupe exhorte carrément toutes les filles à monter sur les planches pour chanter et danser. Et en apothéose, les Dropkick invitent les Mighty Mighty Bosstones à les rejoindre, pour interpréter un « I'm Shipping Up To Boston » plus festif que jamais.
Sans conteste l’achat du mois, si vous souhaitez prendre du bon temps…
Foxes in Boxes est une formation belge signée chez Honest House, une structure liégeoise indépendante fondée en 2005. Cette écurie héberge d’autres groupes ou artistes de la même nationalité, talentueux, et évoluant dans un univers franchement avant-gardiste. A l’instar de Frank Shinobi ou Casse-Brique. Surprise, la dernière signature du label milite au sein d’un univers sonore bien moins expérimental.
« Better Beheaded » constitue leur premier Ep. Quatre titres qui lorgnent vers une forme d’indie rock pratiqué au cours des 90’s, popularisé par Karate, Reiziger, Fugazi ou Seam. Principalement instrumentale, la musique se soucie rarement du sens mélodique. Les guitares sont acérées et tranchantes. Bien mise en avant, la basse claque. Les vocaux sont hantés ou murmurés. « Better Beheaded » souffle néanmoins le chaud et le froid. Et « Arshavin » en est certainement la plus belle illustration. Timbre trempé dans le métal et dissonances irritantes contrastent avec un changement de break judicieux, opéré en fin de parcours. Mieux balancé, « Domingo Blues » ne manque pourtant pas d’allure, mais dans l’ensemble, on reste quand même sur sa faim. Et puis, cette musique, quoiqu’énergique, me semble un peu datée. De quoi peut-être séduire les trentenaires qui apprécient ce style plus vraiment dans l’air du temps. Paraît quand même que sur les planches, Foxes In Boxes se révèle beaucoup plus convaincant…
En 2003, le ‘screamo’ et l’‘emocore’ étaient très à la mode chez les 15/16 ans A cette époque, j’approchais déjà dangereusement de la quarantaine. Une explication probable –sans pour autant l’excuser– de mon désintérêt pour ce style, et aussi pourquoi je suis passé à côté des quatre premiers albums de From First To Last, un groupe émocore américain originaire de Valgosta, dans l’état de Géorgie.
N’ayant pas suivi son évolution, je me garderai bien de vous raconter l’historique du groupe. Je ne m’avancerai pas non plus à comparer le nouvel et les anciens opus. Tout au plus, me contenterai-je de signaler, comme je l’ai découvert en comparant la pochette de « Throne To The Wolves » aux quelques informations disponibles sur la grande toile, que le guitariste/chanteur Matt Good et batteur Derek Bloom, sont les uniques survivants de la formation qui avait enregistré, en 2004, la première galette digitale intitulée « Dear Diary, My Teen Angst Has a Body Count ».
D’entrée de jeu, « Throne To The Wolves » surprend. Chant mélodique, hurlements hardcore, petits ‘hou hou hou’ et clappements de mains pas franchement virils, batterie énervée et percussions électroniques, claviers ambiants, basse gluantes et riffs de guitare speedés ; ce melting-pot hautement improbable pour l’accro aux vieux standards ‘basse/guitare/batterie’ rebute à la première écoute. Le mélange hétéroclite de violence et d’émotions peu canalisées est carrément difficile à suivre. L’appellation ‘Schizocore’ (si elle existait) conviendrait probablement mieux à cette musique. Vu ses structures difficilement distinctes, elle semble d’ailleurs partir dans tous les sens.
Pourtant, aussi incroyable que cela puisse paraître, le résultat est plutôt agréable à l’oreille. Les écoutes successives révèlent même une véritable recherche musicale. Pour peu, on y collerait même l’étiquette progressive qui, il est vrai, est un peu mise à toutes les sauces ces derniers temps.
Quoi qu’il en soit, « Throne To The Wolves », bien qu’il soit destiné à un public jeune et énervé, se révèle une bonne surprise pour tous les amateurs de musique musclée, mais éclectique…
Afin de nous faire patienter jusqu’à la sortie de son premier album, prévu fin de cette année, le groupe heavy prog anglais Headspace a pris l’excellente initiative de nous transmettre son premier Ep. Un disque autoproduit, datant de 2007. Si le nom du groupe ne vous est pas vraiment familier, celui de ses membres, par contre, devrait interpeler les amateurs de rock et de métal progressif.
Adam Wakeman est le fils de Rick Wakeman, l’un des plus célèbres musiciens de rock progressif qui, en son temps, caressait les touches d’ivoire chez le légendaire combo Yes. Le clavier semble d’ailleurs être l’instrument familial de prédilection. Dès l’âge de 18 ans, Adam se produit en concert et enregistre une flopée d’albums en compagnie de son père. En 2004, Wakeman (fils) est embauché pour créer les ambiances synthétiques chez Black Sabbath ; et, par la suite chez Ozzy Osbourne. Il occupe d’ailleurs toujours ce poste. Mais Adam n’est pas la seule célébrité exerçant son talent artistique au sein d’Headspace. Les fans de métal progressif connaissent tous Damian Wilson. Chanteur au sein de Threshold, le temps de deux albums, il a également apporté sa contribution vocale à Landmarq. Lee Pomeroy, le bassiste, a tourné en compagnie d’Archive. Il a aussi été impliqué quelque temps au sein du groupe pop rock progressif It Bites. Rich Brook, le batteur, était quant à lui un artiste freelance. Ses pérégrinations l’ont amené à bosser pour Roger Daltrey et Rick Wakeman (encore lui). Pour en finir avec cette présentation du line-up, il faut encore citer l’Australien Pete Rinaldi. Moins célèbre que ses collègues, il n’en est pas moins un virtuose de la guitare, qu’il pratique depuis l’âge de sept ans. Au vu de leur pédigrée, Headspace ne réunit pas une bande de débutants.
Parlons justement un peu de ce disque dont les quatre titres sont tout ce qu’il y a de plus intéressants. « Never Let Go », le titre d’ouverture, est le plus facile d’accès malgré ses nombreux changements de rythme et un son de guitare plutôt heavy. Son refrain immédiat met en valeur la voix magnifique de Damian Wilson. Si « Sane Life » démarre comme une ballade épurée et acoustique digne de Marillion (période Hogarth), il ne tarde pas à monter en intensité et même à prendre un virage plus métallique, dans un style proche des Américains de Coheed & Cambria. « Symbol » est le titre le moins attachant de l’Ep. Seules les admirables parties lead, concédées par Pete Rinaldi arrivent à faire oublier les influences art rock seventies un peu trop prononcées. Quoique trop courte, « Sober », la dernière plage de ce disque est tout simplement grandiose. Elle décline durant sept bonnes minutes une musique à la fois sombre, lourde et alambiquée où les guitares foncièrement métal fréquentent les claviers fondamentalement progressifs. Un peu comme si, pour notre plus grand plaisir, l’un des compositeurs (au hasard, Adam Wakeman) avait du mal à se rappeler s’il joue au sein de Black Sabbath ou bien Yes.
Et dire qu’il va encore falloir attendre jusqu'à la fin de l’année avant de pouvoir entendre la suite !
A l’instar de M.I.A. ou encore Santigold, la Roumaine Miss Platnum fait des ravages. Mais en Allemagne, pays où elle a élu domicile lorsque sa famille s’est exilée, il y a une vingtaine d’années. En 2007, elle publie « Chefa », son premier elpee. Un disque qui reçoit des échos plus que favorables de la part de la presse musicale. En fait, pour enregistrer cet opus, Ruth Maria Renner (NDR : c’est son véritable nom) est parvenue à se construire un univers bien personnel. Un univers imaginaire, au cours duquel elle n’hésite pas à emprunter toute une série de clichés, colportés à l’égard de son pays natal. Miss Platnum est aujourd’hui âgée de 29 ans. Et l’Europe est à ses pieds, depuis la sortie de « The Sweetest Hangover ». Pourtant, son parcours aurait pu mal tourner, si elle n’était pas parvenue à surmonter ses problèmes liés à l’alcool et à la drogue. Une addiction qu’elle combat depuis ses 18 printemps. En recherche constante d’identité, Ruth va devoir retourner à ses racines pour s’en sortir. Aujourd’hui, son cocktail de R’n’B et d’électro, parfumé de sonorités orientales et balkaniques rencontre un succès certain. Pour le commun des mortels, on dira qu’elle est parvenue à tirer parti de ses échecs du passé et qu’elle est arrivée au sommet de la gloire. Pour le véritable mélomane, la réaction est totalement différente. Et pour cause, si les compos sont bien balancées, il faut reconnaître qu’au fil du sillon, les sonorités concentrées à l’Est finissent par taper sur le système. Un peu trop répétitives, sans doute. En outre, les beats dispensés sont loin d’être originaux. En ajoutant la voix de cantatrice R’n’b adoptée par Ruth, la coupe est rapidement pleine. Et pourtant, l’elpee s’ouvre par une plage de bonne facture. Intitulé « Why Did You Do It », ce morceau claque littéralement. Mais rapidement, on se rend compte que la Roumaine puise un peu trop son inspiration chez M.I.A. (« Drink Sister Drink »). Et lorsque qu’elle ne pille pas l’univers de la Britannique, c’est alors chez Beyonce qu’elle calque son profil ; mais une Beyonce qui aurait décidé de suivre un séminaire dans les Carpates (« The Long Goodbye »). On a même droit à une cover soporifique du « Babooshka » de Kate Bush, une version susceptible de vous plonger, au sein d’un profond ennui.
Il faut craindre que Miss Platnum ne doive se remettre au goulot pour retrouver l’inspiration…
Cette compilation des plus grands ‘hits’ de Savatage est parue, il y a quelques semaines. Je vous invite à vous y replonger, puisque V2 à eu la gentillesse de nous en faire parvenir la version définitive. Nous ne reviendrons pas sur les deux Cds audio, puisque nous vous les avions décrits en long et en large, lors de notre chronique consacrée à la version promotionnelle.
Sous sa version définitive, « Still The Orchestra Plays – Greatest Hits Volume 1&2 » est emballé dans un superbe digipack, recelant, outre les deux Cds, un Dvd bonus et un booklet de 15 pages, au sein duquel figurent les lyrics de tous les titres réunis sur la compilation. Quelques photos sympathiques, illustrant la carrière du groupe, ont été ajoutées à la mise en page. Un regret ? L’absence d’une biographie complète de la formation. Trop de boulot, probablement.
Le Dvd bonus se concentre sur le fameux « Live In Japan ‘94 », c’est-à-dire, vous vous en doutez, un set immortalisé au pays du soleil levant, en 1994, lors de leur tournée opérée pour promotionner « Handful Of Rain » de 1994. Quoique de notoriété publique, chez les fans, ce set n’était à ce jour, disponible (officiellement), qu’en version VHS. Si les fans du combo américain devraient être ravis par l’initiative de transposer cette prestation en version digitale améliorée, il faut bien tenir compte du contexte : il s’agit ici, tout simplement, d’un Dvd bonus. Et le label ne s’est vraiment pas senti obligé de casser sa tirelire. Pas de dépoussiérage visuel ni même de décrassage sonore. Le son est sourd et l’image pixellise. La seule véritable différence entre le Dvd et la VHS d’origine, procède de la navigation plus facile entre les titres. N’empêche, revoir Savatage en concert est toujours un réel plaisir. L’excellent Zak Stevens mène la barque et Jon Oliva se charge des claviers et de la guitare (NDR : pas des vocaux, malheureusement). A noter, qu’Alex Skolnick, le célèbre soliste du combo trash américain Testament, remplaçait alors feu Chris Oliva (décédé un an plus tôt) à la six-cordes. La setlist fait évidemment la part belle aux titres issus de « Handful Of Rain ». Il recèle cependant quelques classiques intéressants, négligés sur le double cd audio, comme par exemple, l’excellent « Sirens ».
« Still The Orchestra Plays – Greatest Hits Volume 1&2 » et son Dvd Bonus constituent donc le relais parfait pour découvrir au redécouvrir le métal mélodique de ce groupe hors du commun.
Difficile de croire, en écoutant leur nouvel elpee, que les Scorpions vont partir à la retraite. Et pour cause, tout au long de ce nouvel opus, on a l’impression que la formation de Hanovre a retrouvé le feu sacré. « Sting in the Tail » constitue manifestement la piqûre la plus venimeuse, administrée par le redoutable arachnide, depuis « Crazy World ». Et si l’œuvre consacre un véritable testament pour le groupe, Klaus Meine, Rudolf Schenker et Matthias Jabs tirent leur révérence, en manifestant panache et grande classe. Après avoir vécu un âge d’or commercial de 1982 à 1990, les Scorps ont vivoté jusqu’en 2004, entre expérimentations loupées (« Eye to Eye ») et vide artistique total (« Unbreakable »).
En bénéficiant du concours de deux producteurs suédois, en l’occurrence Mikael Nord Andersson et Martin Hansen, la bêbête est de nouveau parvenue à s’immerger au sein des sonorités typiquement eighties. Les plus puristes des fans clameront haut et fort qu’on est loin de la folie métallique d’un « Blackout » et que trois ballades un tantinet sirupeuses c’est un peu beaucoup pour un retour en force.
On ne peut nier que « Lorelei » et « Sly » sont loin d’atteindre les sommets émotionnels libérés par « Holiday » ou « When the Smoke is Going Down » ; mais ce sont surtout les hymnes hard rock de « Sting in the Tail » qui font la différence. Et tout d’abord la tuerie « Raised on Rock », dont la si typique ‘talkbox’, utilisée lors du hit planétaire « The Zoo », ouvre le feu. Le titre maître ne manque pas d’allure, non plus. A cause de ce refrain entêtant réminiscent de l’époque « Lovedrive ». Et le terriblement heavy « Slave Me » est loin de faire pâle figure. Plus lyrique, « The Good die Young » est un single en puissance. Le timbre vocal de Klaus Meine est plus grave. En outre –et c’est une bonne surprise– il est soutenu par celui de l’ex-Nightwish, Tarja. Classic 21 le programme même à l’heure où les ménagères sont aux fourneaux. « No Limit » fait mouche dès la première écoute. Meine y est époustouflant et le refrain à la « Def Lep » tout simplement irrésistible. Hormis les ballades, le reste est de la même trempe. Mention spéciale, quand même, à « Rock Zone », le skeud le plus violent signé par le combo depuis le classique « Dynamite ».
En conclusion, cet elpee évolue dans un registre extrêmement familier aux aficionados des Teutons. Bien sûr, ce disque ne propose rien de révolutionnaire, mais il risque fort de devenir un classique, au même titre que « Crazy World ». Chapeau bas !
En attendant le successeur de l’exemplaire « In ear Park », Departement Of Eagles, le duo composé de Daniel Rossen (Grizzly Bear) et Fred Nicolaus, publiera une compilation d’anciens morceaux enregistrés entre 2003 et 2006. Tout simplement intitulé « Archive 2003-2006 », il sera disponible dès le 19 juillet.
Tracklist :
Practice Room Sketch 1
Deadly Disclosure
While We're Young
Grand Army Plaza
Practice Room Sketch 2
Brightest Minds
Practice Room Sketch 3
Flip
Practice Room Sketch 4 (Tired Hands)
Golden Apple
Practice Room Sketch 5
La première chanson inédite de Blur depuis la confection de l’album « Think Tank », a été mise à disposition du public par le groupe, et ce, gracieusement. Le morceau s’intitule « Fool’s Day » et est dispo en échange d’une adresse mail en format mp3 ou wma non-compressé, au choix.
« The Dance », c'est le titre du prochain album de Faithless. Il paraîtra le 17 mai et sera précédé du single « Not Going Home ». Lors des sessions d'enregistrement, Maxi Jazz et Sister Bliss ont reçu le concours, au micro, de la fidèle Dido, de Dougy Mandagi (The Temper Trap), Itch (The King Blues) et de Mia Maestro. La formation sera de passage à l’AB, le 8 mai, pour un concert dont les places se sont arrachées en moins de dix minutes, mais également à Rock Werchter, cet été.
Tracklist:
Not Going Home
Feel Me
Crazy Bal’heads
Comin Around
Tweak Your Nipple
Flyin Hi
Love Is My Condition
Feelin Good
North Star
Sun To Me
A peine plus d’un an et demi après avoir concocté l’excellent « Turning Down Water For Air », James Yuill publiera son second album, « Movement In A Storm » le 21 juin. Une version longue de « Give you Away », le premier single extrait du disque, est disponible en téléchargement gratuit sur le site officiel du bonhomme, en échange d’une adresse mail.
Les Ecossais de Camera Obscura publieront ce 17 mai un split single en compagnie de Richard Hawley. En Face A, Camera Obscura reprendra « The Night Are Cold » extrait du répertoire de l’ex-guitariste de Pulp. En Face B, ce dernier remaniera un morceau du combo, « The Sweetest Thing ».
Richard Hawley sera de passage aux Nuits Botanique le jour de la sortie de ce split single.
Root, c’est le nouveau projet du prolifique Dominique Vantomme (Toots Thielemans, An Pierlé, Laïs…) Un trio dont le premier album éponyme est dans les bacs depuis ce 2 avril. Au menu : une musique jazzrock et fusion aux influences 70’s. Un trip psyché bien ‘Roots’ en quelque sorte…
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/rootband
Beaucoup de monde pour assister à la prestation de Blood Red Shoes (NDR : à la limite, le spectacle aurait pu glisser du club vers la salle principale). Un duo qui vient de publier son deuxième elpee, « Fire like this ». Les mauvaises langues avancent que cette formation serait la réponse US aux White Stripes voire aux Kills. Si la formule du line up est identique, le combo de Detroit est dominé par le brillantissime guitariste Jack White (NDR : Meg se contente de frapper sur les peaux comme une dératée), et puis sa musique est surtout contaminée par le blues, alors que chez les seconds, elle est davantage ancrée dans le garage punk. Au sein de Blood Red Shoes, si l’énergie est aussi explosive, elle est aussi et surtout plus raffinée…
Il revenait à la formation parisienne, King of Conspiracy, d’ouvrir les hostilités. Et le set démarre en trombe sur un tempo psychobilly digne des Cramps. Le son est pourri. La voix du chanteur l’est tout autant. Le drummer et le guitariste essaient de suivre le rythme effréné dicté par le soliste (c’est également le chanteur). Il en impose par sa grande carcasse et maltraite sa guitare, en lui faisant subir les pires sévices, même à l’aide d’un stick de batterie. Il gesticule dans tous les sens et tournoie sur lui-même. Il est King of Conspiracy. Pendant une bonne demi-heure, la formation française va nous balancer un punk’n’roll furieux, bruitiste, énergique, décapant, mais un peu trop brouillon pour convaincre votre serviteur. Etonnant, lorsqu’on sait que le combo tourne régulièrement en Angleterre, et y a reçu de flatteuses comparaisons avec Mclusky. A mon humble avis, ce soir, le trio a confondu vitesse et précipitation.
Laura-Marie et Steven montent à leur tour sur les planches. Coiffée d’un chignon élégamment négligé, elle est vêtue d’un t-shirt de couleur noire et d’un jeans. Comme je l’avais déjà souligné, c’est une très jolie fille. Lui, arbore un polo rayé marine vert et blanc (NDR : un supporter du Celtic de Glasgow ?) et fonce derrière ses fûts, installés de profil, à droite du podium. Le set s’ouvre par « It’s getting by the sea », un extrait de “Box of secret”, leur premier elpee. En fait, la tracklisting va alterner compos issues du premier opus et du tout dernier, “Fire like this”. Les harmonies vocales sont soignées, limpides, impeccables. Laura-Marie maîtrise sa guitare avec une aisance époustouflante, libérant des accords tantôt féroces, sauvages ou fiévreux ; mais concédant aussi régulièrement des notes aussi astucieuses que mélodiques. Parfois on a l’impression qu’elle joue de la basse en même temps. Son visage est impassible. Pas un sourire. Elle ne semble pas vouloir communiquer avec le public, et préfère apparemment se concentrer exclusivement sur son sujet. Elle focalise pourtant les regards (NDR : peut être les désirs les plus cachés…) Une beauté glacée, dans l’esprit de Catherine Deneuve (NDR : pensez à « Belle de jour » de Luis Buñuel). Elle déambule régulièrement, manche à la main, pour se diriger vers son partenaire. Steven est plus extraverti. On sent qu’il éprouve énormément de plaisir sur scène et ose quelques mots en français. Il se balance sur son siège. Son jeu est ample, souple, précis et lorsqu’il le faut, puissant. Le mouvement imprimé à ses sticks crée un effet de décomposition de la lumière, dont l’esthétisme vaut à lui seul le déplacement. Bref, il est impressionnant ! Les titres s’enchaînent, tous plus magistraux les uns que les autres. Le plus souvent hymniques. Et surtout excitants. Le jeu de lumières est assez sobre. Quatre ou cinq longs tubes en néon de couleur bleue sont plantés verticalement, au fond de la scène. Et au-dessus quelques gros projecteurs, en forme de fleur, baignent le show dans les teintes cobalt, parfois jaune ou rouge. Les riffs décapants du nouveau single, « Light it up », sont manifestement découpés dans le grunge. Lors de cette compo, Laura-Marie pose son timbre vocal, alors réminiscent de Kim Deal. Un timbre qui évoque quand même parfois aussi celui de Siouxsie Sioux. Tout en crescendo, « Keeping it close » constitue probablement le sommet du concert. Un morceau plus complexe. A l’instar du tout aussi excellent, « You bring me down », caractérisé par cette alternance entre climats dynamiques et plus calmes. Plutôt réservé, le public commence enfin à réagir. Et quand même à s’enflammer. Ce serait dommage, vu la qualité de la prestation. Et puis du titre du dernier album de Blood Red Shoes : « Fire Like this ». Bourré d’énergie punkysante, « Heart sing » clôt le set. On n’a pas vu le temps passer. Acclamations. Il était temps ! Un roadie règle les instruments, le duo va revenir, c’est sûr !
Quelques minutes plus tard, le couple remonte sur le podium. Au cours de ce bref rappel, ils interprèteront l’autre single « Colour fade », un morceau hymnique dont le refrain est repris en chœur par la foule. Le morceau s’achève dans un déluge de décibels. Laura-Marie dépose délicatement sa gratte contre son ampli, de manière à libérer une bonne dose de feedback, puis se barre, après avoir esquissé un semblant de sourire. Steven la rejoint, après avoir exécuté un léger signe de la main, avant de prendre congé de son auditoire. Vu la perfection du set, il ne faudra pas deux ans pour que Blood Red Shoes soit programmé à l’affiche des plus grands festivals mondiaux, et en particulier celui de Werchter. Et si vous voulez en savoir plus sur le duo de Brighton, je vous invite à lire l’interview que le duo a accordée récemment, à Musiczine…
Organisation Aéronef
(Voir aussi notre section photos)
Le Water Moulin ? Votre serviteur n’y avait jamais mis les pieds. Un scandale quand on habite à moins de 5 kilomètres du site. Mais aussi la conséquence d’un emploi du temps surchargé. La double affiche locale avait aussi de quoi m’inciter au déplacement. D’abord, il y avait Hoboken, une formation constituée de vétérans, au sein de laquelle on retrouve, avec beaucoup de plaisir, l’ex-compositeur/guitariste de Little Egypt, Jean-Jacques Dewulf et puis, The Berliners, un combo de d’jeuns dont on dit le plus grand bien, mais qui a vécu quelques turbulences, suite aux projets d’études de certains de ses musiciens…
Le Water Moulin, c’est un lieu multiculturel, sis au 207 Boulevard Eisenhower, derrière la gare de Tournai. S’y sont déjà produits une multitude de groupes et d’artistes underground. Aussi bien nationaux, qu’internationaux. Mais cet endroit est également ouvert à d’autres disciplines, comme le cinéma, les arts plastiques, les ateliers pour enfants, les cours de musique et le théâtre. Et puis, il sert aussi de local de répétition ; une aubaine, quand on sait que trouver un tel type de local n’a jamais été une sinécure pour les artistes issus de la cité scaldienne. Autre atout principal, la configuration du site. Un endroit qui permet d’éviter les nuisances sonores, donc les plaintes des voisins. En outre, le soir, les emplacements de parking sont nombreux et disponibles. Maintenant, il s’agit bien d’un club, au sein duquel on ne peut pas y mettre plus de 100 personnes. Un club privé, puisqu’il faut se procurer sa carte de membre, au prix d'un euro, avant d'y accéder… Vous savez tout ou presque sur ce chouette endroit ; vous savez donc ce qu’il vous reste à faire. Et pour les locaux, n’attendez pas 50 ans avant de visiter les lieux, comme pour votre propre cathédrale, pourtant inscrite, sur la liste du patrimoine de l’UNESCO…
Mais venons-en aux concerts. Et tout d’abord une remarque. Annoncé à 20h00, le premier concert n’a débuté que vers 21h45. Une mauvaise habitude, selon de nombreux habitués de l’endroit. Et un retard qui incite les spectateurs à débarquer de plus en plus tard. Il est compréhensible que les artistes ou groupes préfèrent se produire devant une salle bien garnie plutôt que devant trois pelés et un tondu. Mais en adoptant ce mauvais pli, le public va se pointer instinctivement de plus en plus tardivement. Les organisateurs ont tout intérêt à discipliner leurs artistes, de manière à fidéliser leur public. Sans ce minimum de rigueur, les concerts risquent un jour de s’achever aux petites heures et décourager les mélomanes. D’autant plus que les spectacles se déroulent toujours en semaine.
Hoboken est donc un quintet. Réunissant un drummer, un bassiste (NDR : tiens, c’est Bébert, une vieille connaissance) et trois guitaristes. Une rythmique et deux solistes, dont le chanteur principal et le jeune vétéran Jean-Jacques. Dès les premiers accords, on se rend compte que nous sommes en présence d’excellents instrumentistes. Mais on sent que le groupe en garde sous la pédale. Et puis, c’est leur premier concert officiel ! On a même l’impression que les trois six-cordistes jouent la même partition. Mais en milieu de parcours, le set commence à décoller. On reconnaît alors bien le toucher de gratte minimaliste et tout en délicatesse de JJ (NDR : dont deux potes, ex-Little Egypt, étaient présents dans la salle), alors que son comparse commence à oser l’un ou l’autre solo. On comprend alors beaucoup mieux la bio qui nous parlait, au sujet de leur musique, de rencontre entre la new wave et le psychédélisme. Un psychédélisme, feutré, il faut le préciser. Et peut-être plus proche du power pop que de la new wave. Pensez notamment aux Buzzcocks. Bébert se risque au chant lors d’un titre un peu plus funk blanc. Et ma foi, sa voix un peu falsetto lorgne du côté de Sting. Mais c’est au cours des derniers morceaux que le combo va donner toute la mesure de son talent. Surtout tout au long d’une longue compo, parcourue de changements de tempo et éclaboussée d’interventions en cascade des guitares. Superbe ! Encore des répètes, quelques nouveaux titres et le groupe sera prêt à affronter la route…
Entre les deux sets pop/rock, Lahcen Akill (40 ans), un joueur de lothar du haut-atlas marocain, apporte une coloration world à la soirée. Dans son pays, il milite au sein de plusieurs formations notoires. En outre, il fabrique ses instruments lui-même. Actuellement en tournée à travers la France et pour 3 semaines, il se produira notamment à Paris, Rennes et Lille. Arrivé dans l'après-midi en France, il a été proposé par des Lillois se déplaçant régulièrement au Water Moulin. De la musique berbère très bien jouée, mais qui ne collait pas trop à ce type de soirée…
The Berliners campe donc un quatuor. Qui compte au moins deux ans et demi d’existence. Faut dire que le combo a dû mettre son aventure entre parenthèses, pendant une petite année. En 2008 très exactement. Suite au départ de deux membres à l’étranger, où ils devaient poursuivre leurs études. Le line up est ma foi, fort classique, puisqu’il réunit un drummer (NDR : solide, il faut le préciser), un bassiste et deux guitaristes dont un se charge des vocaux (parfois sans sa gratte). Un personnage qui, ma foi, ne manque pas de charisme. Pourtant, il ne se charge de la deuxième six cordes, que depuis le second épisode. Le groupe propose, en outre, un tout nouveau répertoire, n’ayant retenu qu’une seule compo de ses débuts. Et depuis, leur reformation, c’est également leur premier set officiel. Showman, le chanteur n’hésite pas à venir au milieu du public, pour l’haranguer. Il possède une très bonne voix, légèrement mordante. Et maîtrise parfaitement son micro, qu’il maintient, verticalement, à une vingtaine de centimètres des lèvres. Enfin, à la gratte, son entente avec l’autre soliste est vraiment épatante. De son côté, le bassiste joue un peu le rôle de métronome. Bref, bien que constitué de très jeunes musiciens, ce combo affiche une assurance étonnante. Mais il faut reconnaître que leur musique n’est pas facile d’accès. Le groupe se réclame de Joy Division. Pas du tout évident ! Perso j’ai plutôt l’impression que leur solution sonore évolue quelque part entre post punk (The Fall pour le passé, Futureheads et Maxïmo Park pour le présent), indie rock/post-hardcore (Girls Against Boys) et alt rock (Mclusky). Une chose est sûre, cette formation possède un énorme potentiel. Elle est en tout cas, à suivre de très près…
(Organisation Water Moulin)
Le Water Moulin ? Votre serviteur n’y avait jamais mis les pieds. Un scandale quand on habite à moins de 5 kilomètres du site. Mais aussi la conséquence d’un emploi du temps surchargé. La double affiche locale avait aussi de quoi m’inciter au déplacement. D’abord, il y avait Hoboken, une formation constituée de vétérans, au sein de laquelle on retrouve, avec beaucoup de plaisir, l’ex-compositeur/guitariste de Little Egypt, Jean-Jacques Dewulf et puis, The Berliners, un combo de d’jeuns dont on dit le plus grand bien, mais qui a vécu quelques turbulences, suite aux projets d’études de certains de ses musiciens…
Le Water Moulin, c’est un lieu multiculturel, sis au 207 Boulevard Eisenhower, derrière la gare de Tournai. S’y sont déjà produits une multitude de groupes et d’artistes underground. Aussi bien nationaux, qu’internationaux. Mais cet endroit est également ouvert à d’autres disciplines, comme le cinéma, les arts plastiques, les ateliers pour enfants, les cours de musique et le théâtre. Et puis, il sert aussi de local de répétition ; une aubaine, quand on sait que trouver un tel type de local n’a jamais été une sinécure pour les artistes issus de la cité scaldienne. Autre atout principal, la configuration du site. Un endroit qui permet d’éviter les nuisances sonores, donc les plaintes des voisins. En outre, le soir, les emplacements de parking sont nombreux et disponibles. Maintenant, il s’agit bien d’un club, au sein duquel on ne peut pas y mettre plus de 100 personnes. Un club privé, puisqu’il faut se procurer sa carte de membre, au prix d'un euro, avant d'y accéder… Vous savez tout ou presque sur ce chouette endroit ; vous savez donc ce qu’il vous reste à faire. Et pour les locaux, n’attendez pas 50 ans avant de visiter les lieux, comme pour votre propre cathédrale, pourtant inscrite, sur la liste du patrimoine de l’UNESCO…
Mais venons-en aux concerts. Et tout d’abord une remarque. Annoncé à 20h00, le premier concert n’a débuté que vers 21h45. Une mauvaise habitude, selon de nombreux habitués de l’endroit. Et un retard qui incite les spectateurs à débarquer de plus en plus tard. Il est compréhensible que les artistes ou groupes préfèrent se produire devant une salle bien garnie plutôt que devant trois pelés et un tondu. Mais en adoptant ce mauvais pli, le public va se pointer instinctivement de plus en plus tardivement. Les organisateurs ont tout intérêt à discipliner leurs artistes, de manière à fidéliser leur public. Sans ce minimum de rigueur, les concerts risquent un jour de s’achever aux petites heures et décourager les mélomanes. D’autant plus que les spectacles se déroulent toujours en semaine.
Hoboken est donc un quintet. Réunissant un drummer, un bassiste (NDR : tiens, c’est Bébert, une vieille connaissance) et trois guitaristes. Une rythmique et deux solistes, dont le chanteur principal et le jeune vétéran Jean-Jacques. Dès les premiers accords, on se rend compte que nous sommes en présence d’excellents instrumentistes. Mais on sent que le groupe en garde sous la pédale. Et puis, c’est leur premier concert officiel ! On a même l’impression que les trois six-cordistes jouent la même partition. Mais en milieu de parcours, le set commence à décoller. On reconnaît alors bien le toucher de gratte minimaliste et tout en délicatesse de JJ (NDR : dont deux potes, ex-Little Egypt, étaient présents dans la salle), alors que son comparse commence à oser l’un ou l’autre solo. On comprend alors beaucoup mieux la bio qui nous parlait, au sujet de leur musique, de rencontre entre la new wave et le psychédélisme. Un psychédélisme, feutré, il faut le préciser. Et peut-être plus proche du power pop que de la new wave. Pensez notamment aux Buzzcocks. Bébert se risque au chant lors d’un titre un peu plus funk blanc. Et ma foi, sa voix un peu falsetto lorgne du côté de Sting. Mais c’est au cours des derniers morceaux que le combo va donner toute la mesure de son talent. Surtout tout au long d’une longue compo, parcourue de changements de tempo et éclaboussée d’interventions en cascade des guitares. Superbe ! Encore des répètes, quelques nouveaux titres et le groupe sera prêt à affronter la route…
Entre les deux sets pop/rock, Lahcen Akill (40 ans), un joueur de lothar du haut-atlas marocain, apporte une coloration world à la soirée. Dans son pays, il milite au sein de plusieurs formations notoires. En outre, il fabrique ses instruments lui-même. Actuellement en tournée à travers la France et pour 3 semaines, il se produira notamment à Paris, Rennes et Lille. Arrivé dans l'après-midi en France, il a été proposé par des Lillois se déplaçant régulièrement au Water Moulin. De la musique berbère très bien jouée, mais qui ne collait pas trop à ce type de soirée…
The Berliners campe donc un quatuor. Qui compte au moins 2 ans et demi d’existence. Faut dire que le combo a dû mettre son aventure entre parenthèses, pendant une petite année. En 2008, très exactement. Suite au départ de deux membres à l’étranger, où ils devaient poursuivre leurs études. Le line up est ma foi, fort classique, puisqu’il réunit un drummer (NDR : solide, il faut le préciser), un bassiste et deux guitaristes dont un se charge des vocaux (parfois sans sa gratte). Un personnage qui, ma foi, ne manque pas de charisme. Pourtant, il ne se charge de la deuxième six cordes, que depuis le second épisode. Le groupe propose, en outre, un tout nouveau répertoire, n’ayant retenu qu’une seule compo de ses débuts. Et depuis, leur reformation, c’est également leur premier set officiel. Showman, le chanteur n’hésite pas à venir au milieu du public, pour l’haranguer. Il possède une très bonne voix, légèrement mordante. Et maîtrise parfaitement son micro, qu’il maintient, verticalement, à une vingtaine de centimètres des lèvres. Enfin, à la gratte, son entente avec l’autre soliste est vraiment épatante. De son côté, le bassiste joue un peu le rôle de métronome. Bref, bien que constitué de très jeunes musiciens, ce combo affiche une assurance étonnante. Mais il faut reconnaître que leur musique n’est pas facile d’accès. Le groupe se réclame de Joy Division. Pas du tout évident ! Perso j’ai plutôt l’impression que leur solution sonore évolue quelque part entre post punk (The Fall pour le passé, Futureheads et Maxïmo Park pour le présent), indie rock/post-hardcore (Girls Against Boys) et alt rock (Mclusky). Une chose est sûre, cette formation possède un énorme potentiel. Elle est en tout cas, à suivre de très près…
(Organisation Water Moulin)
The Van Jets avait remporté l’édition 2004 du Humo’s Race Rally. Organisé par le magazine flamand, ce concours bisannuel se déroule à l’Ancienne Belgique et consacre tous les deux ans, un groupe en devenir. Evil Superstars, Das Pop, Admiral Freebee ou encore plus récemment Hickey Underworld, en sont certainement les plus illustres lauréats. Donc, cette épreuve accouche rarement de mauvaises surprises.
Le premier essai de la formation ostendaise n’est cependant paru qu’en 2007. Une publication qui leur a permis d’entamer un périple à travers l’Europe, mais également de se produire sur les scènes des festivals belges (Pukkelpop, Dour, Rockwerchter). En Flandre, le groupe jouit d’une certaine notoriété. En cause, plusieurs hits qui ont sévi au sommet des charts pendant plusieurs semaines. Malheureusement, il faut bien reconnaître, que de l’autre côté de la frontière linguistique, la popularité du combo en est encore à ses premiers balbutiements. En concoctant, « Cat Fit Fury ! », The Van Jets a donc décidé de séduire le public du Sud du pays.
Lors de la confection de cet elpee, la troupe des frangins Verschaeve a bénéficié du concours de Jon Gray (The Subway, Editors, The Kooks) à la mise en forme. Quant au mixage, il a été opéré par Greg Gordon (Wolfmother, Jet, Soulwax). Côté technique, le combo a donc fait le max.
« Cat Fit Fury ! » est sculpté dans une forme de pop/rock glamoureux bien britannique. Un fil conducteur : les guitares. Une plage comme « Our Head » puise ainsi manifestement son inspiration chez David Bowie. La voix de Johannes Verschaeve ne manque pas d’expression. Et il le démontre à nouveau sur « Matador », un des meilleurs morceaux de l’opus, au cours duquel, son timbre puissant se fond parfaitement dans les lignes de gratte électriques. Imprimé sur un tempo entraînant, le single « The Future » est un hit potentiel (NDR : des deux côté de la frontière linguistique ?) Plus langoureux, « Comes The Crying » évoque même les White Stripes. Mais le reste ne propose strictement rien de révolutionnaire. On a même parfois l’impression d’avoir déjà entendu certains morceaux. Attention, « Cat Fit Fury ! » n’est pas un album de mauvaise facture. Il recèle même d’excellents titres ; mais il est vraiment trop inégal et souffre d’une trop grande carence en originalité pour convaincre. Surtout si le public est très exigeant… Ce sera peut-être pour la prochaine fois ; encore que « The Future » est un tube en puissance, et il suffirait que les radios décident de le diffuser, pour que The Van Jets trouve l’ouverture. Enfin c’est tout le mal qu’on lui souhaite.
Ce quartet anglais est surtout notoire auprès des amateurs de rockabilly et hillbilly ; et pourtant, sa musique est parsemée d’accents blues et surf. Les Wildcards se sont formés en 2003. Ils sont nés sur les cendres de deux formations talentueuses : Vince Lee & His Big Combo et les Nightporters. Le chanteur/guitariste/multi-instrumentiste Vince Lee et le bassiste Al Wallis ont donc rejoint le projet. Tout comme le guitariste et le drummer Kevin Crowe, du second combo. "When the moon shines bright" constitue leur troisième album. Il fait suite à "On fire!" paru en 2004 et "Raising hell", en 2007.
Vince Lee est manifestement un personnage halluciné par ses cordes. Il boute immédiatement le feu à son "When the moon shines bright", un brûlot dévastateur. Son timbre vocal est hypnotique. Ses lyrics traitent de l’influence causée par la lune sur l'humanité et le monde animal. Le climat est étrange, voire morbide. Les guitares sont lugubres. La rythmique est puissante et impitoyable. Et cette tension se révèle permanente de bout en bout de l’opus. Martin Vowles prend le relais. Il assène une autre vérité : "Women are the root of all evil". Signé Paul Williams, musicien/chanteur anglais qui s’est produit en compagnie d’une multitude de musiciens, dont Zoot Money, cette plage nous plonge dans une ambiance très fifties. Martin est un guitariste subtil. Son swing est naturel. D'ailleurs, il faut reconnaître que les quatre Wildcards sont de brillants instrumentistes. Et pour cause, ils sont capables de s’adapter à tous les climats développés sur cette galette. "She can rock" macère dans une ambiance purement rock'n'roll. La voix rageuse rappelle Little Richard. Les cordes se déchaînent, transpirent, suent jusqu'à la rupture. L'intégration d’éléments jazz dans leur expression est très intéressante. D’ailleurs, leur version du "Chocolate shake" de Duke Ellington est tout bonnement remarquable. Vince Lee joue du kazoo comme il souffle dans une trompette. Il est en pleine effervescence, pendant que Vowles pince ses cordes dans le plus pur style manouche, lorgnant même vers la technique et la sensibilité de Django Reinhard. Plage étrange, "Out of control" baigne dans l’atmosphère très caractéristique de la surf music. Saturé, le son est bien métallique. La section rythmique carbure à plein régime ; mais la compo subit, en fin de parcours, un traitement maison, emprunté au reggae. Vous avez dit étrange? "Got sumin' gor you" a été écrit au début des 50s par Guitar Slim, un R&B dont l’adaptation très personnelle, puisée essentiellement dans le rock'n'roll et le doowop, met en exergue des cordes très affûtées. Tout au long de l’instrumental "Dead cat bounce", Vowles affiche une nouvelle fois son incomparable technique instrumentale. Le swing est lustré. Quant au thème musical, il semble emprunté à la B.O. d’un long métrage d'autrefois. "Gal from Kokomo" est un titre de west coast jump, signé Roy Brown. Il est traduit en pur rockabilly. Les deux guitares assurent parfaitement les parties originellement réservées aux saxophones. Jeune vocaliste anglaise (NDR : une amie du groupe !), Becca Langsford a été invitée à interpréter "Sweet baby of baby", une délicieuse incursion dans le R&B, popularisée en son temps par Miss Ruth Brown. Swing, voix doowop et guitares aux accents manouches dominent le sujet. Autre compo curieuse, issue de la plume de Lee, "Welcome to the snakepit" nous entraîne au cœur d’un univers dense, mais parfumé d’Orient. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par une reprise hypnotique, tribale et percussive de "Women are the root of all evil"…
A la vue du lettrage reproduit sur la pochette, je me suis souvenu de la claque que m’avait flanqué Audio Bullys, en 2003. Lors de la sortie d’« Ego War » Que d’heures à taper des pieds. Que de cris retenus dans le tram, quand passait entre le voile et la membrane de mon casque, « Real Life », « We Don't Care » ou « Face In A Cloud ». Cet excellent souvenir, s’est cependant rapidement calmé, lorsqu’après avoir poursuivi son cycle de recherche, ma mémoire s’est figée sur « Generation ». Une véritable daube qui avait engendré une immense déception, chez votre serviteur.
Aussi, avant d’écouter ce « Higher Than The Eiffel », j’étais quelque peu inquiet. Le titre qui ouvre l’elpee lorgne du côté d’Amadou & Mariam. Bizarre ! Puis soudainement, on a droit à un gros son qui décape ; celui qui ne laisse aucune couche. Lancinant et hypnotique, il installe l’ambiance. La patte des Anglais est directement perceptible. Et puis il y a cette voix nasillarde à la Rob Birch (Stereo MC’s) et cet accent ronflant. Bref, les Londoniens sont de retour et ça va claquer. Si les pistes s’enchaînent, elles sont loin de se ressembler. Mais il faut une écoute complète de l’opus, avant de se rendre compte de sa qualité. Toutes les plages sont savamment orchestrées, mais aussi puissantes et surtout convaincantes. Entre electro jungle et hip hop rock, le duo transgresse les règles des styles afin d’éviter tout risque de formatage. Le tout est saupoudré de rythmes technos ou cubains. Une prise de risque constante, même sur les plages les plus accessibles. Mélodieux, le son peut se transformer en dard et après avoir effleuré le grain de la peau, la piquer. L’énergie libérée par le combo semble inépuisable. Frappé au flanc gauche, puis droit, on encaisse les coups et les effets de manches avec délectation. Et même si « Higher Than The Eiffel » ne révèle rien de bien neuf ni d’extrêmement ‘trendy’, l’intensité est permanente. Enfin, il y a cet aspect ‘roots’ si savoureux rencontré sur certains morceaux (« Twist Me up », « Dynamite », …) Un chouette album, même s’il n’est pas aussi exceptionnel que celui paru en 2003. Faut dire que les Britons avaient fait fort, aussi…
Deux années ont passé depuis la sortie de « Set Your Head On Fire », un disque qui avait recueilli une excellente critique auprès de la presse spécialisée. Deux années au cours desquelles, le duo bruxellois (Dilbeek) est devenu une valeur sûre de la scène belge. Et pas seulement ! D’abord, il a enflammé les salles et les festivals estivaux de notre plat pays. Puis assuré le supporting act des tournées de Ghinzu ainsi que de dEUS. Enfin, leur ambition dévorante les a poussés hors de nos frontières. Ainsi, depuis 2008, Jan Paternoster (guitare et chant) et Dries Van Dijck (batterie), ont parcouru l’Europe (Royaume-Uni, Suisse, Allemagne, France, …), en se produisant dans des salles de plus de 2000 personnes, notamment en première partie des Eagles Of Death Metal. Ce qui leur a permis d’accumuler une fameuse expérience. Et puis de se faire connaître auprès d’un audimat, à premier abord peu réceptif à leur musique. Cependant, les réactions ont été plus que chaleureuses. Ce qui a décidé le combo d’entrer en studio pour enregistrer un second elpee. Un exercice particulièrement délicat, quand on sait que bon nombre d’artistes s’y cassent les dents…
Bonne nouvelle, The Black Box Revelation a réussi son examen de passage haut la main ! Et il s’y est même montré brillant. « Silver Threat » est même meilleur que le précédent opus. Fidèle à son line up traditionnel guitare-batterie, dans l’esprit des White Stripes voire des Black Keys, BBR consomme un rock/garage largement teinté de blues, voire de psychédélisme, susceptible d’évoquer les Black Angels. L’énergie puissante, électrique, primitive, brutale, ténébreuse, sauvage, hypnotique, dispensée tout au long de « Silver Threat » est proche de l’euphorie, de la jouissance, même. Le rythme est irrésistible. Les riffs urgents, envoûtants.
On comprend mieux pourquoi BBR va ouvrir la prochaine tournée d’Iggy Pop & The Stooges, en France. Par contre, on a beau beaucoup aimer Tindersticks, on ne voit vraiment pas ce que le groupe va venir faire au sein de ces affiches propices aux décibels. Chez nous, The Black Box Revelation est devenu une valeur sûre. Et en Europe, le combo n’a plus qu’à confirmer les excellentes dispositions manifestées, lors de ses précédents périples. Une chose est sûre, il faudra désormais compter sur eux, pour conforter la notoriété des artistes belges, sur la scène internationale.
Comment décrire cet album minimal ? Ah oui voilà ! Tûûûûûûûûûûûtttt… Biiiiiiiiiiiiiipppppp… Bzzzzzzzzzzzzzzzzzzzz… Grrrrrrrrrrr… Pour être plus clair : oscillations, différences de fréquences, échantillonnages. Pendant plus d’une heure !!!!! Bref, un disque nul ! Plutôt, nuuuuuuuuuuuuuuuuuuuul, dirais-je !
Quatre ans déjà que la bande de joyeux Liégeois a sorti son premier album. Des dizaines de dates et quelques voyages plus tard, les deux Nicolas, Brian, Raphael, Renaud et Xavier se sont remis au boulot et ils nous proposent aujourd’hui « Passer la frontière ». Pourquoi un tel titre ? Simplement parce que durant plus de deux ans, ils en ont passé pas mal ‘des frontières’ ; justement pour défendre leur musique et livrer leur vision personnelle de l’échange opéré auprès du public. En outre, il s’agit du premier titre composé, lors de leurs sessions d’enregistrement.
« Dis-moi encore » est encore tellement frais dans nos mémoires qu’il va falloir s’habituer à un certain changement et même un changement certain de la part d’Eté 67. En effet la variété pop de très bonne qualité a cédé sa place à un style beaucoup plus dépouillé ; on plonge même ici dans les profondeurs du rock, du folk et du blues. L’opus recèle quand-même l’un ou l’autre morceau plus léger, à l’instar de « Dans ma prison », le single actuel, histoire de se reposer un peu entre deux décharges bien électriques ; mais un morceau un peu faiblard en comparaison du reste des nouvelles compositions!
Cet album, ils l’ont écrit et produit eux-mêmes, aidés par Renaud Houben au mixage. Antoine Wielemans, chanteur des Girls in Hawaii a consenti un duo sur « Une vie saine », une chanson aux couleurs ‘blues’ bien prononcées. Et ce n’est que le tout début de leur transformation. Car on sent que le band a mûri, grandi. A croire qu’ils sont passés de l’adolescence à l’âge adulte. Une frontière de plus franchie ? Ne dit-on pas que les voyages forment la jeunesse ? Et on voyage durant toute l’écoute de l’album. On a l’impression d’être à La Nouvelle Orléans en écoutant « Loin d’ici », un morceau dynamisé par des rythmes louisianais et enrichi de superbes cuivres, dont une clarinette une et trompette. « Hôtel Délirium ♯ 9 » nous précipite dans l’univers des Doors. Celui de Los Angeles, très exactement. A cause de ces riffs enflammés et de ses lyrics bien torchés. « Drogue douce » prend encore un peu plus de hauteur, et jette un œil sur l’histoire du rock’n’roll, en ressuscitant, au passage, la flûte enchanteresse du ‘Jethrotullien’ Ian Anderson. Dans la foulée, « Plus tôt que prévu », le morceau d’entrée, creuse encore plus loin dans le temps. Plus basique, il frôle même la frontière (une de plus) du rockabilly des Stray Cats. Un traitement country est réservé à « Le cow-boy tout nu ». Un excellent exercice de style souligné de textes à la fois hilarants et subtils. « Romans de gare » rend hommage à Simenon. Un autre périple temporel, opéré du côté des années 30 et de ses années folles. Et on ne s’arrête pas en si bon chemin ! L’excellent « Pourboire » marque un retour au blues/pop. Impossible de rester en place à l’écoute de cette compo. Soit vous battez la mesure des doigts ou du pied. La réaction est instinctive. Finalement, après avoir digéré les 14 plages de « Passer la frontière », on se demande si « Dans ma prison » n’est pas le titre le moins en phase avec le renouveau de la formation. Mais il constitue, sans doute, le trait d’union entre les deux albums… Un opus qui s’achève par « Retour à Elisabethville », un instrumental qui clôt magnifiquement, mais de manière assez sombre, ce bien bel ouvrage…
Eté 67 sera tête d'affiche de la Nuit belge aux Nuits Botaniques le 11 mai, puis enchaînera son périple de tous les festivals (Dour, Les Francos...), au cours de cet été. Ne les manquez surtout pas et n’hésitez pas à acheter ce cd : c’est du bon et c’est du belge, une fois de plus !!!
La carrière de ce jeune guitariste afro-américain est assez extraordinaire ; mais ce parcours, il le doit en bonne partie à Randy Chortkoff. Et pour cause, peu de temps après la mise en route des Mannish Boys, c’est-à-dire en 2005, le boss de Delta Groove a engagé Kirk, au sein de son écurie. Originaire de Californie, Fletcher est âgé de 34 ans. Il y a près de 15 ans, il avait été remarqué par Al Blake du Hollywood Fats Band. Ce dernier lui avait présenté Junior Watson et Kim Wilson. De bonnes rencontres assurément ! Dans un passé plus récent, il a milité au sein du backing group de Charlie Musselwhite, lors des tournées du natif de Kosciusko. Il y est resté 3 ans. Rien que de solides références pour notre gratteur à la peau d'ébène.
Kirk comptait déjà deux albums à son actif. Publié en 1999 et intitulé "I'm here and I'm gone", son premier elpee avait reçu le concours de Jimmy Morello à la mise en forme. Il était paru chez le label anglais JSP. Son deuxième, "Shades of blue", remonte à 2004. Pour concocter ce troisième opus, Kirk n'a pas fait appel à de grosses pointures pour le soutenir. Il a simplement sollicité son ami Michael Landau, pour le coproduire. Le gratteur californien s’est cependant également investi à la six cordes.
Instrumental, "El Medio stomp" ouvre l’elpee. Fletcher embraie ensuite par le "Found love" de Jimmy Reed. Un blues flemmard, qu’il chante d’un timbre monocorde. L’instrumentation est très cool. Les cordes acoustiques (mandoline, banjo) sont distinctes, mais progressivement la guitare lumineuse de l’artiste se détache de l’ensemble. "Natural anthem" est une autre plage instrumentale. Signée Jesse Edwin Davis, elle est imprimée sur un tempo subtilement funky. Une compo trempée dans le roots rock et parcourue par la slide majestueuse de Dave Melton (NDR : ce musicien appartient au cercle d'amis proche de Kirk et de Landau). La voix de Fletcher est plus convaincante sur le "Ain't no way" de Jimmy Johnson, un blues dont le tempo enlevé est renforcé par les cuivres. Le titre maître est encore un instrumental. En fait, il ne sert qu’à étaler toute la dextérité du guitariste qui aborde froidement un mélange de rock et de jazz, en le teintant légèrement de psychédélisme. Une plage coécrite en compagnie de ses partenaires ; soit le bassiste Travis Carlton (le fils de Larry), le claviériste Luke Miller et le saxophoniste Paulie Cerra. La reprise du "Congo square" de Sonny Landreth est sans aucun doute une des meilleures compos de l’opus. Les arrangements sont soignés. Le jeu de cordes est chaleureux et inventif. Constituée de Bobby Tsukamoto et Tom Fillman, la section rythmique exerce un rôle essentiel dans le développement technique. Long instrumental atmosphérique, "Way back home" baigne dans le jazz funk. Les interventions aux cordes sont à la fois intenses et chirurgicales. Un morceau issu de la plume du saxophoniste Wilton Felder, le fondateur des Crusaders. Encore un instrumental : "Blues for Antone". Un blues lent signé par le Texan Clifford Antone, le patron du plus célèbre club de blues d'Austin. Cette version lui rend hommage. Sculpté dans le pur funk, "Let me have it all" est une compo issue du répertoire de Sly Stone. Le cri de Kirk est vigoureux. Il décoche au passage une superbe sortie sur les cordes. Mr Fletcher achève cet elpee par son "Continents end". Ses accords de guitares atmosphériques rappellent inévitablement le mythique Jimi Hendrix, une légende adulée par Kirk.
Un album d’excellente facture ! Et pour que votre info soit complète, sachez que Michael Landau devrait publier sous peu un long playing, chez Tone Center. Le disque s’intitulera "Renegade creation" et a bénéficié de la participation de Robben Ford.
Nous avions évoqué, dans notre rubrique ‘news’, la décision surprenante du groupe hollandais Greyline de ne vendre son nouvel album qu’en version vinyle. Nous l’avions bien compris, ce choix avait un caractère plus esthétique que commercial. Greyline avait tout de même pensé à tous ceux qui s’étaient débarrassés de leurs platines, tourne-disques et autres juke-boxes en proposant généreusement « Behind The Masquerade » en téléchargement gratuit, sur son site internet.
Si par hasard vous n’avez pas encore décidé de profiter de cette offre généreuse, nous ne pouvons que vous conseiller vivement de la saisir ; car, après avoir écouté cet opus à de nombreuses reprises, nous pouvons vous affirmer haut et fort que « Behind The Masquerade » est un album qui tient la route.
Une petite visite sur http://www.greyonline.nl/ vous permettra, dans un premier temps, d’obtenir la version digitale gratuite de l’album ; et, si par la suite, vous désirez l’acquérir, il ne vous en coûtera que la modique somme de 10 Euros pour recevoir cette magnifique pièce de collection, soit une version 33 tours limitée à 500 copies, recelant, en outre, en bonus, une version cd promo (NDR : ces Bataves ont vraiment pensé à tout).
« Behind The Masquerade » a été mixé par Phillip Cope (Baroness, Kylesa) et mastérisé par Scott Hull (Agoraphobic Nosebleed). Il réunit neuf titres ultra-puissants d’un rock-métal sombre et barré où se côtoient post rock (« Nomads On The Run », « Riget »), métal groovy-hardcore (« Diamonds In Our Dreams », « Ravens Ahead»), stoner (« Where Death Do Us Start », « Knives & Smiles »), space rock (« Mirrors »), et même, parfois, country rock burné (« Flooding The Mountain », « Hunt Of The Coyote »).
Le son étonnamment limpide pour ce type de musique permet d’apprécier chaque instrument à sa juste valeur. Lourds ou hypnotiques, acoustiques ou sauvages, les accords de guitare sont parfaits. Quant à la basse, elle ronronne, bourdonne, en réponse aux rythmiques précises et parfois surprenantes de la batterie. Seuls les vocaux de Jabe Piter Faber, parfois un peu nébuleux, pourraient en rebuter plus d’un.
Si vous aimez Mastodon, Baroness, Poison The Well et Neurosis, et après écoute de la version mp3 gratuite, il serait étonnant que vous n’investissiez pas dix euros pour obtenir le produit fini.
« In The Wake Of Evolution » constitue le dixième album de Kaipa. J’avoue, à ma grande honte, être passé à côté des neuf premiers. Il faut dire, à ma décharge, que le groupe n’évolue pas vraiment dans mon domaine d’expertise et que ses cinq premiers elpees, parus entre 1975 et 1982, étaient chantés en suédois ; autrement dit, plutôt réservés au marché local. Pourtant, à l’écoute de ce nouvel opus, je ne peux m’empêcher de penser avoir raté quelque chose.
Kaipa est un groupe de rock progressif fondé par Hans Lundin (claviers/chant), en 1973. Roine Stolt, futur leader des Flower Kings, y a effectué ses débuts en 1974, alors qu’il était âgé de dix-sept ans. Le groupe se sépare en 1982 pour se reformer vingt années plus tard. Pour ce retour, Kaipa a choisi d’interpréter ses textes en anglais, ce qui lui permet de jouir d’une distribution internationale. Quatre albums sont édités entre 2002 et 2007. Peu après la sortie de « Mindrevolution » (2005), Roine Stolt abandonne son poste de guitariste. Il est rapidement remplacé par Per Nilson, le très talentueux six-cordiste du combo métal progressif Scar Symetry. Morgan Ågren (NDR : notoire pour avoir joué de la batterie chez Frank Zappa), Jonas Reingold (aussi bassiste chez The Flower Kings et Karmakanic), Aleena Gibson et Patrik Lundström (Ritual) aux vocaux complètent le line-up.
La musique de Kaipa mélange parfaitement rock progressif classique des seventies et sa déclinaison ‘néo-progressive’ des années quatre-vingt. En clair, le fruit d’une rencontre entre la musique de Yes et celle de Pendragon (ou Marillion). Manifestement, les musiciens ne sont pas des manchots. « In The Wake Of Evolution » privilégie les longs passages instrumentaux et les démonstrations instrumentales de virtuosité, caractéristiques du rock progressif classique. Atmosphériques, les climats glissent allègrement du rock au jazz, en passant par le folk et même le reggae. Point d’orgue : la prestation de l’incroyable duo de chanteurs. Si le timbre dramatique de Patrik Lundström est plutôt rituel pour ce genre de musique, Aleena Gibson, son alter-ego féminin, séduit par sa voix délicieusement rauque. Cette alternance de vocaux masculins et féminins, plutôt rare dans le rock progressif, évoque même parfois Ayreon.
« In The Wake Of Evolution » devrait constituer une excellente surprise, pour tous les amateurs de rock progressif ‘old school’. A cause de ces cavalcades instrumentales impressionnantes et de ces long titres fleuves ambiancés (NDR : le titre « Electric Power Water Notes » dure presque dix-huit minutes). En tout, une heure et dix minutes d’une musique sophistiquée et riche en arrangements interprétée avec dextérité et subtilité. Une belle réussite pour ce groupe au pédigrée impressionnant.
Magnus Zingmark et Oscar Simonsson. Ces deux noms ne doivent pas vous dire grand-chose. Et pourtant, réfléchissez un peu. Ils constituent le duo Koop. De quoi, peut-être réveiller, en vous, quelques souvenirs enfouis. Dans la négative, cet elpee devrait vous permettre de découvrir l’univers cotonneux de la paire suédoise. Et pour cause, « Coup de Grâce (1997-2007) » procure un aperçu précieux et précis du parcours discographique accompli par les deux zigues, au cours d’une décennie ; soit en puisant chez « Sons of Koop » paru en 1997, « Waltz for Koop », en 2001 et « Koop Islands », en 2006.
En empruntant les mêmes anciennes pistes langoureuses, ils viennent ré-inoculer, à la goutte près, une solution jazz-electronica aux sonorités subtilement feutrées, jugée à l’époque, particulièrement érotique. En outre, Magnus et Oscar ont toujours eu le bon goût de bien s’entourer. Bénéficiant même parfois de la participation de collaborateurs prestigieux. Dont Anne Brun, Cecilia Stalin mais aussi le mystérieux Earl Zinger et la sublimissime Yukimi Nagano (Little Dragon, Gorillaz).
Tout au long de ce recueil, on se rend compte de l’amplitude prise par la musique du duo. Et de la multitude d’influences qui ont marqué leur parcours. Le plus souvent, on pense quand même à Stereolab (époque « Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night »), à Jazzanova ou encore aux Autrichiens de Kruder & Dormeister. A une époque où on met de l’électro un peu partout, il est intéressant de rencontrer des musicos dont ce recours à cette technique a encore un sens. Les mauvaises langues prétendront que le style à pris un coup de vieux. D’ailleurs si l’electro jazz est considéré comme rétro pour certains, ‘has been’ pour d’autres, perso, j’estime qu’il communique encore de belles émotions et est toujours très susceptible de ressourcer le mélomane ; et à ce titre, il serait ridicule de s’en priver. Enfin, si cette œuvre constitue pour le tandem, le « Coup de Grâce », pour ma part, la Koop n’est pas encore pleine (NDR : oui je sais, elle est facile), et j’en redemande encore.
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