Phoenix n’a pas fini de faire parler de lui. Fort d’un Grammy Award amplement mérité, les Versaillais proposent sur leur site un enregistrement live ‘pour pas un balle’. Enregistré à Sidney, cet EP live réunit 8 morceaux extraits de l’incontournable “Wolfgang Amadeus Phoenix” dont “Lisztomania”, “1901” et “Fences”. De quoi patienter (ou se consoler) avant le concert sold-out de ce samedi 27 à l'AB.
L’adresse du jour: www.wearephoenix.com/observer/
Update 27/03 : L'offre ayant été limitée dans le temps, l'EP n'est malheureusement plus disponible.
Le label allemand earMusic annonce la sortie du premier album solo de Jim Kerr. « Lostboy !Aka Jim Kerr » constitue le premier essai du leader de Simple Minds, sans son groupe, en près de 30 ans de carrière ! Attendue fébrilement par les fans du combo écossais, cette échappée solitaire paraîtra le 17 mai prochain. Mais dès aujourd’hui, le premier single, « Refugee », est disponible en téléchargement sur le site de l’artiste. Une tournée européenne est également prévue.
Eagle Rock Entertainement a signé un deal avec les Rolling Stones pour publier 2 DVD cette année ! Le premier, « Stones In Exile » immortalise l’enregistrement du mythique album « Exile On Main Street », en 1972, elpee qui sera d’ailleurs réédité cette année. Le second, intitulé « Ladies And Gentlemen… The Rolling Stones », est consacré à une vidéo d’un concert accordé la même année.
C’est Rock N’ Folk qui risque de s’emballer…
Le second album de Blood Red Shoes est paru ce 1er mars 2010. Et il s’intitule « Fire Like This ». Réputé pour ses prestations incendiaires, le duo de Brighton est réduit à un couple. A l’instar des Kills et des White Stripes. Steven Ansell se charge de la batterie et Laura-Mary Carter, la guitare. Ils se partagent les parties vocales. Steven et Laura-Mary (NDR : très belle fille !) se sont prêtés volontiers au feu des questions allumé par Musiczine…
Apparemment, vous êtes passionnés par le cinéma. Votre nouvel album s’intitule « Fire Like this », une référence, je suppose, au film de David Lynch, « Twin Peaks ». Est-ce que ce long métrage constitue un symbole pour vous ?
S. : En partie. Mais c’est une des raisons pour laquelle nous avons choisi ce titre. Il en existe cependant 25 autres. Le feu, c’est comme une passion créatrice. De la création et en même temps de la destruction. De l’excitation et du danger, aussi.
L-M. : Cette notion est illustrée par l’image reproduite sur la pochette ; une sensation de fièvre lorsqu’on se brûle les mains…
Vous aimez, semble-t-il, également les films d’horreur et les thrillers. ‘Jack l’éventreur’ et les histoires de vampires, je suppose. Bref, où il y a du sang, des couteaux, de la terreur et des meurtres. Etes-vous des disciples des Cramps ?
L-M. : A une certaine époque, j’étais vraiment une fan. Au fil du temps j’ai un peu décroché (NDR : Lux Interior est décédé l’an dernier)
S. : Ce qui m’a toujours plu chez eux, c’est leur attitude malsaine, sordide, agressive, un peu perverse…
Que représente le mouvement ‘Riot Grrrrl’ pour Laura ? Et je pense plus particulièrement à des groupes comme Blake Babes, Breeders ou Babes In Toyland ?
L-M. : Notre démarche n’a jamais été politique, ni féministe. Nous sommes davantage orientés vers la recherche des émotions.
S. : Bikini Kill était vraiment féministe. On est plus proche d’un Babes In Toyland. Un peu dans l’esprit ‘fuck you’.
L-M. : Leur attitude était vraiment punk ; mais je ne pense pas qu’elles se tracassaient beaucoup pour les lyrics. Elles privilégiaient le feeling…
Vous avez déclaré que vous véhiculiez une énergie destructrice en vous. Prôneriez-vous le nihilisme ?
S. : (rires). Mais non ! Par contre on pourrait trouver une explication dans le style du jeu de guitare, car notre inspiration vient du punk, du hardcore US des eighties ; et puis de groupes comme les Stooges, Nirvana ou encore Babes In Toyland. C’est notre musique qui libère cette énergie agressive et destructrice. Briser, fracasser, sont des actes cruciaux du concert. Et puis, nous sommes aussi prédateurs, parce que nous sabotons nos propres chansons. Certaines de nos mélodies sont contagieuses, accrocheuses, accessibles même ; mais nous ne voulons jamais qu’elles sombrent dans la facilité. Et c’est alors qu’intervient le carnage à la guitare. Et qu’on rentre dedans. On ne veut pas la perfection. C’est un peu comme si on voulait foutre la merde…
Oui mais pensez-vous que vous pourrez reproduire une telle énergie, en ‘live’, toute votre vie ?
M-L. : Ce n’est pas possible !
S. : L’être humain n’est pas capable de produire ce flux d’énergie éternellement. Mais comment fait-il Iggy Pop ? Je me vois mal tenir le coup aussi longtemps que lui, à ce régime…
M-L. : Il n’est pas si vieux !
S. : J’aimerais bien, à 60 ans, pouvoir continuer à faire du rock sur scène. Il faut donc l’imiter et continuer à boire…
Mais dans l’histoire du rock’n roll, quelle grande chanson symbolise le mieux Blood Red Shoes, le « Fire » de Jimi Hendrix, d’Arthur Brown, « I’m on fire » de Bruce Springsteen ou encore le « Light my fire » des Doors ?
S. : « I’m on fire » de Bruce Springsteeen ». Très évocateur pour moi. C’est une chanson à la fois belle et triste. Quand j’avais 7 ou 8 ans je voulais devenir Bruce Springsteen. Mon père était un fan et écoutait beaucoup sa musique. Dont le fameux « Born in the USA ». Cette chanson est sans doute mon premier souvenir d’enfance. Quand au « Fire » de Jimi Hendrix », son impact est plus émotionnel…
Mais au sein du couple, qui est l’eau et qui est le feu ? (rires et hésitations)
S. : Qui est froid et humide et qui est bouillant et dangereux ? On est un peu les deux. En fait quand je suis le feu elle est l’eau et inversement. Car on réagit chaque fois l’un à l’autre…
Mike Crossey se consacre à nouveau de la production. Apparemment, il est devenu un ami. Se chargera-t-il encore de la mise en forme des prochains albums ?
S. : C’est devenu un ami, c’est vrai. Il fait partie de notre cercle. Mais nous ne savons pas encore si nous allons poursuivre l’aventure ensemble.
L-M. : Ce n’est pas impossible. Mais rien n’a été décidé encore à ce sujet.
S. : Nous n’avons même pas encore écrit de nouvelles chansons. Il comprend bien la situation, d’autant plus que dans le passé, il n’a jamais accompli ce boulot pour deux albums d’un même artiste. Et il en a assuré des tonnes.
L-M. : La porte reste néanmoins ouverte…
Quelle est la différence majeure entre « Box of Secrets » et « Fire like this » ?
L-M. : L’écriture. On l’a améliorée. Puis on a acquis une certaine expérience depuis la sortie du premier. On a appris à devenir un groupe. On s’est bonifié au niveau des arrangements, des compos, de la maîtrise de nos instruments. C’est là que se situe la différence principale.
S. : C’est surtout notre compréhension de la musique qui a changé. Et ce nouvel album reflète très bien notre progression. Il y a plus de variation dans la chanson, dans les sonorités. Nos voix se sont également améliorées.
L-M. : Pour cet album, on a été beaucoup plus attentif aux détails.
S. : Lors du premier, c’était comme si on avait enregistré des chansons en ‘live’. Tandis que pour celui-ci on a accordé davantage d’attention aux atmosphères, au feeling, à la capture des émotions…
Etes-vous ouverts aux autres styles musicaux ?
S. : Oui, je l’ai déjà déclaré, nous sommes en pleine phase d’expérimentation. Nous cherchons à faire reculer les limites du genre, en incorporant de nouvelles idées. Maintenant, on n’enregistrera jamais un disque de reggae, ni de ‘fucking’ world music impliquant quarante drummers africains. Juste pour le fun. Ce serait stupide. Cela ne correspond pas à notre démarche.
L-M. : L’art musical consiste à absorber d’autres éléments…
S. : Mais nous on crée de nouvelles sensations, de nouvelles émotions. Elles viennent de manière naturelle. On ne peut pas tout contrôler. On ne se pose pas la question de savoir si c’est différent. Il faut laisser la musique arriver à maturation. Elle doit évoluer naturellement et on doit simplement s’appliquer à devenir meilleur musicien. A ce que l’album sonne mieux. Tu dois laisser grandir la musique dans son propre espace. On n’appartient pas à ces groupes qui pour se démarquer des autres, ajoutent un petit truc, mettent des chœurs, par exemple. Ca, c’est du calcul. Nous on ne calcule pas.
Apparemment, vous improvisez constamment. Rien n’est préétabli ? Est-ce le même processus en ‘live’ ?
L-M : Tout à fait !
S. : Une compo est davantage le résultat d’un accident ou d’un événement fortuit. On déconne ou on bricole, et puis c’est le hasard qui guide nos choix.
L-M. : Rien n’a jamais été balisé. Nous ne sommes pas déterministes.
Parlons un peu de votre nouvel album. J’ai remarqué la présence d’un violoncelle sur « Follow the line » ; et puis il y a ces ‘wow wow’ qui me rappellent quelque part Siouxsie & The Banshees. Tout comme lors de l’hymnique « One empty chair ». Des coïncidences ?
L-M. : Nous avons partagé la même affiche.
S. : Je connais très peu son répertoire, mais elle est vachement cool.
L-M. : Au sein de mon premier groupe, on disait que je chantais comme elle…
« Don’t ask » et « Colours fade » sont les deux chansons les plus pop de l’album. Soit la première et la dernière du cd. Vous envisagez de les sortir en singles ?
S. : Oui.
L-M. : Le premier morceau est déjà sorti en single et le second est prévu pour le printemps.
S. : Enfin, c’est plus que probable, mais rien n’a encore été décidé.
« When we wake » est une méditation sombre sur la mort. Que représente la mort pour vous. La fin ? Une nouvelle vie ? Croyez-vous à la lumière après la mort ? A un dieu ? Aux esprits ?
S. : Putain, c’est une question vachement profonde !
L-M. : Je ne crois pas en Dieu, mais je pense qu’il existe quelque chose après la mort. Je prie, mais pas de manière consciente. Je ne crois pas à l’influence divine. Ni à un quelconque sauveur. J’ai suivi une éducation dans un milieu catholique. Et on m’a enfoncé tous ces principes dans le crâne. Maintenant, je crois qu’il existe un état de conscience après la mort ; mais lequel ?
Vous ne disposez pas seulement de la musique comme corde à votre art. Vous vous intéressez également à l’art sous toutes ses formes. Dont la photo. A l’instar de PJ Harvey, vous avez ainsi posé nus. Partagez-vous le même concept ?
S. et M-L. (en chœur) : Wow !
S. : Justement j’en parlais hier à Laura hier soir, lorsqu’elle se déshabillait.
L-M. : Oui, on parlait de l’opportunité pour les pop stars de poser nus.
S. : Cette démarche peut être artistique, mais aussi commerciale, et une manière détournée de vendre son produit. On ne joue pas à poils sur scène ! Dans le monde musical, la nudité est plus commerciale qu’artistique. Il y a bien un album des Pixies dont la pochette est vraiment arty ; mais en ce qui concerne PJ Harvey, sa nudité était surtout destinée à promouvoir son album.
L-M. : C’est une véritable icône, mais elle est bizarre. Et puis tellement maigre.
S. : La nudité peut être artistique, mais la majorité du temps, elle ne l’est pas.
J’ai lu un article marrant racontant qu’à l’instar de Peaches, porter une fausse barbe était un phantasme pour Laura. Vous partagez les mêmes obsessions que la Canadienne ? (fou rire !)
L-M. : Et m****, qui a écrit un truc pareil ?
S. : Tu vois, on fait des tas d’interviews, on boit un coup de trop, on rigole et puis on raconte des conneries…
(Merci à Vincent Devos)
Ce jeudi soir, un nouveau blizzard venu du Nord frappait encore aux vitres du jardin des fleurs du Botanique pour y déposer, cette fois, deux radieux perce-neiges.
Découvertes à l’âge de 17 ans par Björn Yttling (Peter, Björn and John), les jumelles suédoises, qui ont choisi pour patronyme Taxi Taxi !, usent de leur jeune expérience scénique pour illuminer les murs du Witloof Bar de leur grâce d’enfance. Instant suspendu dans le temps, subitement éteint par la traversée furtive de deux petits elfes vêtus d’un clavier Roland et d’une guitare acoustique venus discrètement présenter leur premier opus : « Still Standing At Your Back Door » (NDR : duo accompagné d’une batterie subtile). Touche si délicate qu’on aurait presque cru qu’elle hésitait à déranger un public timidement présent. Moments d’introversion accrue par des silences longs entre les morceaux où règnent confusion et maladresse contagieuses. Alors, nous sommes envahis par une sensation d’inachevé qui touche au plus profond. Un sentiment de fragilité plutôt bouleversant. Le scénario cristallise l’attention du spectateur singulièrement lorsque les voix de Miriam et Johanna Eriksson Berhan s’élèvent et larguent l’âme dans l’océan étale de la limpidité. Deux voix cristallines vous guident au cœur de la fraîcheur des nuits d’été suédoises et l’orchestration maladroite importe peu.
Dix perles pop-folk qui posent un regard lent et obsédant, inspiré des ondulations sonores de la mer Baltique. Un set d’une étrangeté fascinante qui interroge l’oreille de l’auditeur et l’invite sérieusement à découvrir l’album… dont la critique figure dans la rubrique ‘Chroniques’.
(Organisation Botanique)
Les plus branchés ‘métal gothique/atmosphérique/à chanteuses francophile’ connaissent probablement déjà « Evasion », le premier Ep des Bordelais d’Atmosfairy, puisqu’il est en vente depuis plus d’un an. Quant à nous, il y a à peine quelques semaines que nous avons découvert ce petit bijou qui, comme le laisse pressentir le nom du groupe, est à la fois atmosphérique et féérique.
‘Féérique’ en premier lieu, parce que le sextet est composé de trois jolies jeunes fées (Vanessa au chant et aux claviers, Chloé à la batterie, Emilie au violon et aux chœurs) et d’un trio de princes presque charmants (Vincent à la guitare rythmique, JR à la lead guitare et Sylvain à la basse). ‘Atmosphérique’ ensuite, car c’est probablement le mot qui résume le mieux l’univers musical de la formation girondine.
Format Ep oblige, Atmosfairy ne dispose que de vingt-cinq minutes et de quatre titres pour convaincre. Il s’en sert plutôt bien en proposant une palette d’émotions variées et intenses. Comme mise en bouche, « Tombeau pour une Fleur d'Orient », tel un hymne à l’amour version gothique, dépeint l’histoire romantique du Taj Mahal. Sur ce titre, le violon d’Emilie combiné à la voix lyrique de Vanessa fait irrémédiablement penser aux premiers efforts de Tristania. Sur « Pantin de bois », où le groupe revisite à sa manière le conte de Pinocchio, les atmosphères mélancoliques proches du rock progressif de Lazuli prennent le pas sur la tristesse du gothique. « Follow Me » glisse soudainement de la langue de Molière à celle de Shakespeare. Une invitation un peu plus métallique à un voyage au pays des fées et des elfes. Sur les parties instrumentales, les dialogues opérés entre le violon et la guitare électrique tiennent presque du merveilleux. A l’instar du « Run To The Hills » d’Iron Maiden qui décrivait la conquête de l’Ouest du point de vue amérindien, les lyrics de « Jérusalem » révèlent le point de vue musulman sur la libération de la ville sainte, à l’époque des croisades. Un sujet propice à la réflexion et qui permet au groupe d’insérer quelques influences orientales dans son expression sonore.
Le Cd d’« Evasion », bien qu’il s’agisse d’une démo autoproduite, est de qualité quasi professionnelle. Le son est plutôt de bonne facture et les illustrations du livret sont superbes. Il ne nous reste plus qu’à espérer une suite un peu plus conséquente à ce disque. Et surtout qu’Atmosfairy se remette bientôt à l’ouvrage…
Vingt ans. 20 ans déjà que Benjamin chante. Sa carrière, il l’a en effet commencée en 1991. C’est dire s’il est resté discret depuis. Passant de démos aux petites scènes, l’Avignonnais regarde le temps passer sans grands moyens et sans jamais s’inquiéter beaucoup pour sa carrière. Il est vrai que la vie est difficile pour des tas d’artistes maintenus dans l’anonymat, faute de pouvoir se dégoter un producteur digne de ce nom et susceptible de croire en leur étoile.
Mais tout arrive à qui sait attendre. Christian Morfin endosse le rôle de la bonne fée pour Ben, près de 20 après ses débuts. Il lui monte un band de toutes pièces, tel un puzzle. Il emmène dans ses bagages ‘Le 7ème rêveur’ à la batterie et Richard Vecchi aux claviers. Rejoignent le band, quelques amis proches de Ben : Sidonie Richard à la basse, Pierre Walther à la guitare acoustique, Christian Pruneau à l’harmonica, les frères Parmentier aux guitares et ‘The Hippie’, préposé à tout sauf la batterie. Une dizaine de personnes en tout afin de lancer enfin une vraie carrière, d’enregistrer un véritable album.
« Empreintes digitales » est paru début de cette année. Quatorze chansons ‘peuplent’ la réalisation tant espérée. De la pop song bien fraîche, bien faite. Les mélodies sont faciles, accrocheuses, bref agréables. Les textes sont intelligents et actuels. Ils traitent de tas de problèmes qui contaminent notre monde. « Empreintes digitales » porte bien son nom. Chaque chanson est une trace de vie, un passage par lequel est visiblement passé Benjamin ou qui a laissé sur lui une ‘empreinte’… A vous de juger !
Octobre 2000. L’auteur-compositeur britannique arpente les scènes internationales, fort d’un premier album brillant et unanimement salué par le public et les critiques musicales. Un pop-rock aux structures classiques, optimisé d’une voix surprenante et la plume authentique d’un songwriter. Les deux premiers elpees (« Tom McRae » et « Just Like Blood ») le propulse sur les scènes des festivals les plus prestigieux (Meltdown, Transmusicales…) et l’invitent à des collaborations francophones cocasses (Autour de Lucie, Bashung, Miossec, Françoise Hardy ou Dominique A).
Cet artiste, devenu depuis lors l’un des chefs de file d’un certain pop-rock ‘pleurnichard’, n’est cependant pas reconnu par ses frères de larmes et ne fait assurément pas l’unanimité dans l’univers indé. En outre, les trois derniers opus du chanteur anglais pataugent lamentablement dans une musicalité qui radote. Sénilité juvénile qu’il comptait soigner en proposant son dernier opus, « The Alphat of Hurricanes ».
Quatre albums plus tard, Tom McRae envahit l’espace du Cirque Royal armé de titres sensiblement plus orchestrés et munis de revendications écologiques. Un homme crie les injustices climatiques. Attention : préparez vos mouchoirs !
Ce virage artistique n’a cependant aucune raison d’affoler les fans de la première heure. Le chanteur british connaît son public, sait jongler avec son répertoire et aurait trop peur de le déranger. Rien d’expérimental à l’horizon mais une multitude d’instruments qui viennent (trop) légèrement bousculer l’univers frileux de McRae. Guitares, banjo, ukulélé, batterie, violons, claviers, clarinette, accordéon (…), viennent tour à tour soutenir légèrement la voix sans jamais l’étouffer. Guitare et piano étoffent discrètement son timbre sur « Summer of John Wayne ». L’orchestration n’est jamais que prétexte à la mise en valeur de la voix, certes splendide mais redondante, du chanteur anglais. Seul « Please » s’offre le luxe d’une explosion rythmique et polyphonique digne d’un combo.
Les réactions vives du public se feront d’ailleurs entendre principalement sur les anciennes compos (« A&B Song » et « The Boy With the Bubblegum ») du fidèle artisan. Les nouvelles sombrant désastreusement dans une mièvrerie inouïe. Le talent de l’artiste d’outre-Manche n’est nullement remis en cause. Par contre, l’originalité et la créativité devront attendre quelques années encore.
De l’ouragan alphabétique annoncé à travers ce dernier opus, il ne subsiste qu’une larme infime perdue dans un océan pop-rock suffisamment pollué.
Vraisemblablement responsable de la confection d’un des meilleurs albums pop-rock de cette année 2010 (« The Tragic Tales of a Genius »), « MLCD » (feu « My Little Cheap Dictaphone ») s’explique. Discussion relative à un opéra pop soigné pendant trois longues années, traçant l’ébauche d’un bateau ivre sillonnant prodigieusement tous les grands fleuves artistiques : la musique, le théâtre, le cinéma, la littérature… Une schizophrénie musico-visuelle qui prendra vie sur les planches du Cirque Royal, ce 8 mai prochain, dans le cadre des Nuits Botanique. Concert à ne rater sous aucun prétexte !
- Votre nouvel album s’intitule « The Tragic Tale of a Genius ». Qui est ce mystérieux génie ?
- En fait, j’ai lu plusieurs autobiographies d’artistes qui m’ont inspiré un peu l’histoire. Il y avait, parmi d’autres, celle de Tom Waits, Johnny Cash et de Brian Wilson. L’important n’est pas tant de s’attacher à un personnage précis que de raconter le parcours d’un artiste. Cependant, c’est indéniablement Brian Wilson qui colle le plus à ce que je raconte.
- Pourquoi aborder la vie de Brian Wilson ? Quel regard portez-vous sur cet artiste ?
- C’est en lisant son autobiographie que j’ai eu réellement l’idée de réaliser cet album. L’histoire se déroule au début des années 80. Il est cloué sur son fauteuil, pèse 150 kg et n’est plus sorti de chez lui depuis un an… Il nous confie, au début du bouquin, qu’il s’est fait virer des Beach Boys, a tout perdu.
- C’est le personnage qui t’inspire de la tendresse ou plutôt la musique ?
- Les deux. Son parcours nous bouleverse pour les raisons que je viens d’évoquer. Alors on s’interroge : comment après avoir été le plus grand créateur de la pop, chez les Beach Boys, peut-on en arriver à ce stade ? C’est ça qui m’intéressait. La lecture de son livre a été réellement décisive et a inspiré l’orientation particulière de mon récit.
- Tu t’arrêtes sur la biographie de Brian Wilson et il y a deux ans d’écriture, ensuite…
- Plus ou moins… En fait, tout le processus, s’est fait en parallèle : le texte, l’histoire, la musique... Et a évolué au fil du temps.
- Quel parcours avez-vous suivi avant que l’album-spectacle ne tombe dans les bacs ? (l’écriture, les studios…)
- De nouveau, tout s’est fait en parallèle. Il y a eu cette idée de concept ; mais, au début, nous ne pensions pas à un opéra rock ou plutôt, pop, comme il est décrit. Au départ, on voulait juste créer un univers, un concert un peu ‘scénographié’, y inclure un peu de visuel pour guider le spectateur, l’introduire dans un univers singulier. Alors, nous avons fait quelques rencontres décisives. Dont celle d’Eve Martin qui s’est chargée de réaliser le spectacle. Elle nous a demandé : ‘Alors, comment est-ce qu’on va raconter cette histoire ?’ Et, comme il n’était pas question pour nous de jouer –on voulait juste que ce soit leur concert tout de même– alors, on s’est dit qu’on allait tourner des vidéos pour raconter l’histoire, puisque c’est un langage universel…
- Comment pouvez-vous décrire cet univers musical ? Ce nouveau MLCD ?
- Je ne sais pas comment décrire notre musique… On a voulu sortir du schéma habituel, de la façon dont on compose d’ordinaire de la musique. Avant, c’était généralement moi qui arrivais avec une chanson que j’avais déjà écrite en grande partie à la maison. Ensuite, on la travaillait en groupe. Dans ce cas précis, on a commencé de bosser, un peu de la même manière. Puis, Louis nous a rejoints au piano. Peu à peu, on a ressenti une envie impérieuse de sortir de ce canevas classique guitare/piano/batterie ; et en ce qui me concerne, de cesser d’écrire de mon côté. Le nouveau concept qui s’est ainsi profilé, insinué au sein du groupe, impliquait une réponse radicalement collective. Alors, pour créer collectivement ce nouvel album, on a loué des chalets dans les Ardennes, du côté de Vielsalm.
- Et l’enregistrement s’est réalisé aux Etats-Unis, c’est ça ?
- A Amsterdam. C’est le mixage qui a été effectué aux Etats-Unis.
- Où précisément ?
- Au Texas, à Dallas, en compagnie de John Congleton, dans son studio à Austin (et à Liège aussi).
- Comment parvient-on à rencontrer et à collaborer avec Jonathan Donahue ?
- Tout simplement. Je lui ai envoyé un mail, en y joignant ma chanson et voilà…
- Tu m’as dit que tout s’était fabriqué en parallèle mais ce projet présente une véritable trame narrative, je trouve… Il y a le titre (…), était-ce étudié ?
- Oui, bien sûr, c’était un peu voulu que soit un tout. Tout y contribue : aussi bien la musique, que le décor, la façon dont on est habillé, les vidéos, le clip vidéo… Il est important que tous les éléments s’inscrivent dans une continuité.
- La pochette de l’album et les affiches évoquent le cinéma US des 50’s-60’s. Tout particulièrement la période américaine Hitchcock, que je ressens très fort. Et plus précisément encore, du long métrage « La mort aux Trousses ». Mais quel rapport MLCD et le cinéma entretiennent-ils, au juste ?
- Oui, Alfred Hitchcock, notamment, dont on a parlé tout à l’heure. C’est quand même l’une des influences majeures pour tout ce qui était visuel justement… « La mort aux Trousses » ? Par exemple. Ou « Vertigo ». Il est vrai qu’on est déjà fan du 7ème art, à l’origine. C’est pour cette raison qu’on s’est dirigé vers une équipe de cinéma pour travailler, plutôt que de théâtre. On se sent plus proche de cet univers filmique que du monde de la comédie, peut-être un peu plus statique, où la possibilité de montrer, de jouer sur les images, justement, est plus restreinte. Le théâtre repose davantage sur un jeu d’acteur, talent que nous n’avons précisément pas.
- Pouvez-vous nous donner un descriptif de votre ‘concert-spectacle’ programmé ce 8 mai prochain au Cirque Royal, dans le cadre des Nuits Botanique. Y aura-t-il une réelle synchronisation entre musique et images ?
- Oui, bien sûr, c’est exactement ça. On joue les morceaux et, simultanément, pendant qu’on les interprète, les vidéos sont projetées. Pas sur toute la longueur du morceau mais… En fait, les clips ont été conçus pour permettre au public de comprendre les thèmes généraux abordés dans les morceaux, pour qu’il puisse suivre le fil l’histoire et se laisser imprégner de l’atmosphère de l’album.
- En vrai schéma narratif, donc …
- Oui, oui, bien sûr… D’ailleurs, tous les arrangements symphoniques utilisés ont précisément été conçus pour narrer l’histoire, pour renforcer les moments dramatiques ou joyeux ou…
- D’autres surprises pour le premier concert… ?
- Il y aura l’orchestre déjà.
- Combien serez-vous sur scène ?
- Une quinzaine de musiciens, les voix … en tout, une vingtaine.
- C’est le ‘combo’, quoi ! Et, principalement, quoi ? Des cordes, des cuivres … ?
- Essentiellement les cordes : 6 violons, 3 altos, 2 violoncelles, 4 harmoniums.
- Quelles sont vos attentes …
- On ne sait pas exactement. On a réellement vécu la conception de cet album comme un nouveau départ. Nous avons même songé à changer le nom du groupe. C’est un peu une renaissance au niveau du style, de l’équipe, de tout. Notre travail s’est déroulé suivant un rythme propre. On a essayé de soigner chaque point, chaque détail sans se fixer de délai. On a décidé de prendre le temps qu’il fallait pour arriver au bout du projet, que ce soit dans l’écriture des textes, l’enregistrement en studio, la préparation du spectacle… et voilà ! On se rend compte, enfin, nous, My Little Cheap Dictaphone, qu’on a bossé presque 3 ans dessus quasiment tous les jours. On était un peu découragé parfois mais, bon, on espère que l’accueil sera positif, que le public comprenne un peu ce qu’on a voulu faire, qu’il y ait de l’engouement… (?) les projets semblent se développer…
- Et vous avez collaboré avec qui, justement, pour les vidéos, etc. ?
- Et bien, Eve Martin et Nico Bueno se sont chargé des vidéos, sous le nom de Bubble Duchese… Eve, également de la mise en scène. Elle a constamment collaboré à mon travail d’écriture. Je me suis rendu également en Norvège pour travailler sur l’histoire, en compagnie d’une écrivaine norvégienne qui s’appelle Yan Vatnoy… Durant ce séjour, nous nous sommes longuement penchés sur les chansons, sur le récit. A vrai dire, ce n’est pas vraiment une histoire qui retrace la vie d’un personnage. Ce qui importe réellement, c’est son évolution psychologique. C’est de ce point de vue que l’on a concrétisé le projet. Il s’agit de saisir le ressenti psychologique du personnage. Cette fêlure qui lui vient de l’enfance, comment va-t-il en faire un don ? Et, comment définir son pôle artistique par rapport à ce contexte ? Comprendre pourquoi et comment, tout au long de sa vie, il va se sentir sans cesse mal à l’aise dans ses baskets, toujours un peu en marge de la société. Comment il va évoluer à travers le succès, la déchéance, les excès de rock-en-roll, etc.
- Peut-on facilement raconter la vie chaotique de Brian Wilson en un récit linéaire ?
- Oui, c’est un peu chaotique. Mais le récit respecte tout de même le fil chronologique de toute destinée : d’abord l’enfance, puis la création du groupe, puis le succès, les excès ; ensuite le pétage de plombs… enfin, dans la deuxième partie de l’album, le passage à vide, la nausée, le naufrage dans la folie, la schizophrénie… Nous avons voulu capter le chaos qui le cerne, rendre audible et visible la déchirure éblouissante qui le disloque, draguer le fond vertigineux de ses luttes intestines. Car telle est la question : comment peut-il affronter ses démons intérieurs ? On incarne cette descente aux enfers à l’écran par la représentation du combat avec le diable. C’est un peu lui-même, son ombre obscure qu’il combat. Il se livre à une lutte sans merci contre lui-même pour vaincre l’armée des démons intérieurs.
- (…) vous, comment définissez-vous votre opéra pop ?
- Il m’est difficile de le définir précisément… On avait juste envie que le spectateur plonge dans un univers pendant une heure comme s’il allait au cinéma, qu’il rentre dans notre histoire, vibre au son de la destinée du personnage, soit touché par les chansons, ressente des émotions à travers ce personnage, la mise en scène, les vidéos, à travers nous… C’est surtout ça qui nous guidait.
- Encore un mot, quelle est la participation exacte de Jonathan Donahue sur le dernier LP ?
- Il chante sur une chanson, on se partage le chant…
José James est un mec talentueux. Il est à peine âgé de 14 ans, lorsqu’il entend pour la première fois l’hymne jazz « Take The A Train » du grand Duke Ellington. Il en est profondément marqué. Et il abandonne ses partitions de hip hop pour se consacrer au jazz. Au fil du temps, sa palette d’influences s’enrichit. Lester Young, Billie Holiday ou encore Charlie Parker servent alors de guides au jeune Américain. Mais son succès, il le doit à « Equinox » (2007), une compo signée John Coltrane (NDR : devenu depuis sa référence principale) que le New-yorkais retravaille, de manière ingénieuse, en y posant sa voix douce comme le miel. A l’âge de 17 ans, James se produit dans les clubs ; et le public est de plus en plus impressionné par son talent. La suite est presque déjà tracée dans l’histoire du jazz. En 2006, alors qu’il participe à un concours de jazz à Londres, José est repéré par Gilles Peterson, fondateur de toute une série de labels, dont Acid Jazz et Talkin’Loud, et animateur à la BBC. Il le signe sur une autre de ses écuries, Brownswood Recordings. Et notre yankee de publier publie son premier opus, « The Dreamer ». Un disque unanimement apprécié par la critique spécialisée. Le succès est déjà au rendez-vous. A seulement 28 ans, José James, déjà comparé à Gil-Scott Heron, détient alors les clés qui ouvrent les portes d’un jazz contemporain, un jazz teinté de soul et de hip hop.
Pour son second album José James ne s’est pas planté. Pourtant, après avoir écouté le premier morceau, « Code », sur lequel Flying Lotus (oui, oui, celui de Warp) est venu apporter son concours à la production, on était en droit de se poser des questions. Et pour cause, trempée dans le R&B, cette plage flaire un peu moisi. Mais le reste, ce n’est que du bonheur ! Rapidement, son jazz chaud, urbain, limpide, rythmé et tendre comme du marshmallow refait surface ! Sa maîtrise vocale est stupéfiante. Il pose ainsi son timbre fluide sur une texture hip hop (« Lay You Down »). Il prend son pied en abordant le jazz plus classique aussi (« Touch »). Ou encore en adaptant à la sauce jazzyfiante le classique dubstep de Benga, « Emotions » (« Warrior »).
Outre Flying Lotus, Moodyman et DJ Mitsu se sont partagé la production de « Blackmagic ». Une œuvre de jazz contemporain, qui pourrait se révéler rapidement intemporelle. A presque 30 ans, José James semble avoir atteint la pleine maturité. Il n’est pourtant qu’à l’aube d’une brillante carrière. Et franchement, déjà, il impressionne. Il se produira ce 24 mars à l’AB de Bruxelles, mais c’est déjà sold out. Pas étonnant…
Le dernier album du jeune groupe flamand Just Like Rainbows est un petit bouquet printanier. Une basse, deux guitares et une batterie, jouées par quatre larrons qui chantent leurs textes en anglais, pour une virée sympathique en pays onirique.
Le disque s’ouvre sur un beat légèrement rockabilly, dans l’esprit de Claps Your Hands Say Yeah, et évolue vers des rythmes tantôt plus doux, tantôt plus nerveux, toujours enjoués. On pourrait évoquer les Kings of Convenience pour la douceur des guitares et la complémentarité des voix, Eels pour certains arrangements et la qualité lo-fi de l’ensemble. La voix principale est féline, un peu rauque ; elle miaule, à l’instar de chanteuses comme Joanna Newsom, un type d’inflexion peu courant chez leurs comparses masculins. Il y a aussi une spontanéité dans la façon de chanter, presque indolente, pas trop soignée, goguenarde même lorsqu’ils s’y mettent à quatre pour lancer un ‘lalalalalala’ malicieux, comme le ferait une bande de gamins.
Les textes, surprenants, comme dans le titre « In a room » racontent ‘je suis dans une chambre, tout est blanc, je suis étendu sur un lit, je ne peux pas sortir, la porte est fermée à clé. L’infirmière entre me dit : prends ces pilules mon ami, elles vont t’emmener dans ton lieu heureux, au plus profond de ta tête. Et je tombe, je tombe inconscient. S’il vous plaît emmenez-moi chez un médecin, chez un médecin que je connais bien. Je vais dans les étoiles Je ne suis pas une abeille, je suis un héro. Je suis en mission pour trouver un monde heureux où tout le monde sourit (…) Et tout le monde rit, la folie me gagne, est-ce que quelqu’un peut entendre le bruit que je fais est-ce que c’est normal ? S’il-vous-plait, sortez-moi d’ici. Emmenez-moi chez un médecin ! »
L’album porte bien son nom, c’est mignon, sympathique. Un peu court (six titres seulement), un poil trop poli, et dans un style de pop anglaise manquant parfois d’originalité, mais l’énergie dégagée manifeste une belle sensibilité. Et de l’humour, de l’amusement, ce qui n’est déjà pas si mal.
« La récréation » constitue le troisième album du Tournaisien Guillaume Ledent. Après avoir accompli des débuts ‘traditionnels’ au conservatoire de Tournai (formation de musique classique), il tente l’aventure en groupe. Tout d’abord chez Whose Garden, au sein duquel le folk rock est privilégié, puis Con Amores, un combo davantage orienté vers un style baroque et ancestral. Et avant d’embrasser une carrière solo, Guillaume tente encore un dernier essai en compagnie de Dîne à Quatre, une aventure ponctuée d’un maxi, en 2001. Mais à partir de 2005, il décide de quitter le nid pour voler de ses propres ailes…
Le premier elpee de Guillaume est éponyme. Il s’en suit une tournée qui passe notamment par les Francofolies de Spa (2005), le Rallye Chantons Français (2005) et Mars en Chansons (2007). « Ton océan », son second opus, paraît en 2008. Il est mieux accueilli que le précédent ; ce qui lui permet d’ouvrir quelques portes au sein de l’Hexagone, et notamment à Lille et Paris.
Non seulement Guillaume publie deux disques en trois ans, mais il décide également de faire appel à son ami Benoît Chantry, compositeur et chef d’orchestre. Collaboration qui débouche sur la création d’un spectacle musical baptisé « Un petit orchestre dans un grand ».
Douze gros mois nous séparent de ce dernier projet, et le Hennuyer se fend déjà d’un troisième essai. Intitulé « La récréation », il a entièrement été écrit et composé par Guillaume. Onze plages qui alternent le bon et le moins bon. Les meilleures bénéficient de textes solides et bien charpentés, soutenus par des mélodies accrocheuses ou tout simplement agréables à écouter (« Silence », « Pas sûr », « Fils de personne », « Princesse », « J’veux pas »). Les dispensables nous incitent à zapper rapidement, par manque d’intérêt. On épinglera quand même la présence de quelques collaboratrices. Trois voix féminines, très exactement. Claire Jau sur « Pas sûr », Sophie Galet pour « Mélancolie Amélie » et Anoo tout au long de « Silence ». L’elpee est enrichi d’un bonus track : « C’était pas moi ». Un texte écrit collectivement par les internautes. On s’en serait bien passé ! Désolé pour les collaborateurs…
Inégal, cet elpee m’a laissé sur ma faim. La conséquence d’une surcharge de travail ? Car côté production, difficile de taxer Guillaume Ledent de flemmard. Il est même plutôt prolixe… Ceci explique sans doute cela !
Claudine Muno n’est pas vraiment belge. Mais bon, elle ne vient pas de très loin puisqu’elle est née et vit au Grand-duché de Luxembourg. Son origine, elle la revendique par ailleurs en la chantant. Née en 1979, la jeune femme touche un peu à tout : littérature, théâtre, dessin et musique. Pas surprenant dès lors que ses compositions et les textes soient de son apanage.
Claudine nous propose ici son second album. Le premier, « Petites Chansons Méchantes », était paru en 2007. Fort remarqué pour ses textes un peu bizarres, ses petites histoires peuplées de créatures étonnantes, ce disque avait été concocté en compagnie de sa complice Sandra Cifani.
« Noctambul » lui succède donc trois années plus tard. Sur cet opus, Claudine nous sert quatorze chansons où elle alterne l’interprétation en anglais (majoritairement) et en français. Elle nous propose même un titre dans son idiome natal, le luxembourgeois, « Blummen ». Elle est toujours soutenue par ses Luna Boots qui l’épaulent depuis 2003, soit Thierry Kinsh à la guitare, Matt Dawson à la pédal steel, John Schlammes à la basse, Menni Olinger à la batterie, Claude Schaus au piano et Sandra Cifani au chant. Claudine elle-même assure la plus grosse partie des chants mais touche également un peu à tout : piano, guitare, basse, …
Tantôt pop, tantôt folk, les 14 morceaux s’égrènent lentement, des titres toujours mélodieux, agréablement soulignés par une voix toute fine. De très jolies ballades paradoxalement hantées par des textes parfois étranges, parfois choquants. Il suffit d’écouter « La révolution des poissons rouges » ou « Mauvais sang » pour s’en convaincre.
On épinglera cependant sur cet opus, une très jolie reprise du « Blackbird » des Beatles, une adaptation bien desservie par la très jolie voix de Claudine et les chœurs tout en douceur de Sandra et des Lunaboots…
Un petit album sans prétention mais plein de justesse, de fraîcheur et de délicatesse.
Comme nous vous l’avions annoncé plus tôt cette année, ear music/edel a eu l’excellente idée de s’associer au vocaliste/claviériste Jon Oliva afin de rééditer la discographie intégrale du génial combo power progressif yankee, Savatage. Une collection qui sera, bien sûr, remastérisée et relookée. Pour mettre l’eau à la bouche des aficionados, le label allemand publie une alléchante double compilation de 23 titres, intitulée « Still The Orchestra Plays - Greatest Hits Vol. I & II. ».
Le souci récurrent de ce genre de compiles, c’est que personne n’y trouve jamais vraiment totalement son compte. La sélection est rarement idéale. Et de toute manière subjective. Certains titres y figurent et on se demande pourquoi, d’autres pas, alors qu’ils le méritaient. Pour Savatage, le problème est moindre puisque les Américains n’ont publié que d’excellents albums et que donc, chacun des titres de leur conséquente discographie aurait le droit de figurer sur un ‘best of’.
Si, par conséquent, il est impossible de contester le choix des morceaux figurants sur « Still The Orchestra Plays - Greatest Hits Vol. I & II », il faut tout de même regretter que le groupe ait fait l’impasse sur des albums importants de sa carrière. Impossible, par exemple, de comprendre pourquoi aucun des titres de « Sirens », le fantastique premier opus du combo, ne se retrouve ici. Un ‘greatest hits’ de Savatage sans « Holocaust », « Sirens » ou « I Believe » ? Pas vraiment crédible ! Idem pour l’Ep classique « The Dungeons Are Calling » dont chacune des plages pourrait manifestement revendiquer une place sur une compile. Ces morceaux auraient en tout cas beaucoup mieux représenté l’œuvre du combo que les trois (très dispensables) titres acoustiques figurant in fine du second Cd (« Anymore », « Not What You See », « Out on The Streets »). Des morceaux réenregistrés par Jon Oliva seul (et donc pas par Savatage), et dont le seul but probable est d’inciter les collectionneurs à se procurer ce ‘greatest hits’.
Néanmoins, ce « Still The Orchestra Plays » n’est pas dénué d’intérêt puisqu’il propose une large palette de tous les styles au sein desquels Savatage s’est illustré. Que ce soit le power métal rugueux des débuts (« Power of The Night », « Hall of The Mountain King »), le prog métal symphonique (« Gutter Ballet », « When The Crowds Are Gone »), l’opéra rock (« Ghost In The Ruin », «I Am») ou le métal grandiloquent inspiré par Queen (« Handfull Of Rain », « Morphine Child »), tous les styles successifs du combo y sont représentés. Les deux grandes ‘périodes vocales’ du combo américains sont illustrées de manière identique. Autrement dit, autant de titres sont chantés par Jon Oliva ou Zak Stevens.
Ce recueil constitue sans aucun doute une excellente introduction pour toutes celles et tous ceux qui désirent découvrir Savatage. Remastérisé, le son est excellent et booste vraiment les titres les plus anciens ; ce qui donne une furieuse envie de découvrir l’intégrale retravaillée. Vivement la suite.
Signalons pour terminer qu’une édition spéciale contient une version Dvd du célèbre "Japan Live 94" qui jusqu’alors n’était sorti qu’en VHS.
Duo originaire de Londres, Turin Brakes avait cassé la baraque en 2001, suite à la publication d’un premier essai tout en finesse. « The Optimist LP », salué par la critique, mettait en avant la prédisposition de Gale Paridjanian et Olly Knights à engendrer des mélodies instinctives et limpides qui se consomment d’une traite. Boosté par les hits « Average Man » et « Painkiller », « Ether Song » (2003), le second recueil suit une même ligne de conduite. Mais l’adage jamais deux sans trois ne se reproduit pas chez le duo coupable, en 2005, de la confection d’un « JackInABox » en dents de scie. Et pour cause, Turin Brakes a abandonné la pop acoustique spontanée à laquelle il avait habitué son public, pour embrasser des sonorités plus policées et donc plus radiophoniques. Equivalent sonore du chou blanc, les ambitions de « Dark On Fire », le quatrième labeur des Londoniens, va se charger d’achever les troubadours primesautiers.
Turin Brakes n’est effectivement pas une formation dont on attend la révolution ou la redéfinition d’un genre. « Outbursts », le cadet discographique, constitue donc une assez bonne surprise, puisqu’elle ramène enfin le duo à ses premiers amours. Knights et Paridjanian délivrent une œuvre bien léchée, sans prétentions inaccessibles. Le disque démarre d’ailleurs sur un « Sea Change » inspiré, accrocheur et percutant. Et ce, sans user d’aucune instrumentalisation accessoire. D’autres titres, comme « Paper Heart », « Never Stops », « Embryos » ou « Apocolips » atteignent leur cible sans le moindre effort. S’il ne subsistait pas un côté urgent et tourmenté dans les écrits des deux hommes, on pourrait sans aucun doute parler d’un Kings Of Convenience à la sauce anglaise. « Outbursts » réintègre Turin Brakes au sein de la grande famille des formations discrètes mais diablement efficaces.
« Le pop 5 » compile 16 chansons relevant de la ‘nouvelle scène française’. Outre quelques pointures déjà confirmées, telles que Biolay, Delerm, Matthieu Boogaerts et autres Mickey [3D], on y recense une dizaine d’artistes en devenir. Certains bénéficient de l’appui d’un parrain idéal. Julien Doré pour Mélanie Pain. Ou d’une marraine de choix. Vanessa Paradis pour Albin De La Simone, par exemple. Ce recueil est sensé cibler le marché allemand. Oui oui !
Si la démarche commerciale est compréhensible, il est quand-même difficilement imaginable de voir nos voisins teutons s’intéresser à un style musical inhabituel pour leur culture, et à des textes qui leur sont complètement étrangers. La commercialisation d’un tel produit aurait par ailleurs beaucoup plus de chances d’intéresser des non initiés francophones. En effet, ce long playing recèle quelques découvertes très très intéressantes ; et en particulier Naïm Amor, Bastien Lallemant et Armelle Pioline, Chat, Holden ou encore Olive et Moi.
Un produit à conseiller donc aux amoureux de découvertes, et surtout aux amateurs de l’émission ‘sacré Français’ de Pure FM, programmée le dimanche de 11 à 13 heures.
Laura Veirs jouit d’une solide notoriété. Et pour cause, elle compte sept albums à son actif en près d’une décennie de carrière. Des œuvres qui ont, pour la plupart, reçu d’excellentes critiques de la part de la presse spécialisée. Et en particulier celle qui est branchée sur le folk. Rêveuse, la native de Colorado Springs aime la nature. Pourtant, difficile d’imaginer que cette néo-hippie a milité au sein d’un groupe punk féminin, au cours de sa jeunesse. Ni même qu’elle a grandi au milieu des buildings et des pots d’échappement. En fait, c’est après avoir passé ses vacances annuelles en camping, en compagnie de ses parents, qu’elle a succombé aux charmes de la dame nature.
Pour composer ce septième elpee (NDR : publié aux States, sur son propre label Raven Marching Band), Laura Veirs s’est enfermée, seule, dans sa maison de Portland. Un seul compagnon : sa six cordes. Et avant de s’y cloîtrer, elle s’était rendue dans une ferme voisine, pour y acheter des pêches de la variété July Flame. Ce qui explique probablement le choix du titre de ce dernier long playing.
Colin Meloy, le leader de The Decemberist, a récemment déclaré que « July Flame » constituait déjà un des meilleurs albums de folk, parus en 2010. Et il est vrai que Laura y est au sommet de sa forme. De quoi faire oublier la déception provoquée par « Saltbreakers », son précédent opus. Outre le soutien de son band, elle a bénéficié du concours de quelques collaborateurs. Dont Jim James, le chanteur/compositeur/guitariste de My Morning Jacket. Pour plusieurs morceaux, dont l’excellent « Where Are You Driving ? ». On épinglera encore le minimaliste « Sleeper In The Valley » et l’orchestral « Summer Is The Campion » (NDR : superbe, par ailleurs !) Un œuvre brillante dont le sommet est atteint par le morceau maître. Le charme et la profondeur de sa voix envoûte. Le tempo s’élève crescendo pour s’achever au milieu de chœurs et de battements de mains. Remarquable !
Toujours produit par l’inamovible Tucker Martine, cet elpee n’est pourtant pas révolutionnaire. Il propose du Laura Veirs de la meilleure veine. Et rien que pour cette raison, cet opus vaut le détour.
L’acoustique c’est bien joli. Mais chez Musiczine, le Borknagar, nous l’aimons électrique. Après la semi-déception causée en 2006 par un « Origin » acoustique et mollasson, nous désespérions voir le combo reprendre du poil de la bête. Quatre longues années plus tard, c’est enfin chose faite ; car, en ce début d’exercice, Borknagar a rebranché ses instruments pour revenir au top de sa forme, et nous propose un tout nouvel opus intitulé « Universal ».
Pour celles et ceux qui auraient loupé le début, un petit résumé des épisodes précédents s’impose. Le six-cordiste Øystein G. Brun est le seul survivant de la formation qui édite, en 1995, un album (éponyme) musicalement orienté vers le black/viking métal. En 1997, le groupe recrute le génial bassiste/chanteur Simen Hestnaes alias ICS Vortex (Arcturus, Dimmu Borgir) et évolue, pour son second disque (« The Olden Domain »), vers un style musical, toujours extrême, mais teinté de nombreuses connotations progressives. En quinze années d’existence, le line-up ne cesse d’évoluer. Les albums se suivent « The Archaic Course » (1998), « Quintessence » (2000) et les musiciens –célèbres ou pas– défilent. L’arrivée de Lars ‘Lazare’ Nedland (Solefald) aux claviers et le départ de l’ami ICS Vortex (trop occupé chez Dimmu Borgir) et son remplacement par le non moins excellent Vintersorg (Vintersorg, Havayoth, Fission, Cosmic Death, Waterclime, Cronian, Otyg) sont les points les plus déterminants de l’évolution du line-up depuis 2000. Paraissent ensuite les albums « Empiricism » (2001), « Epic » (2004) et « Origin » (2006). En 2008, le contrat qui lie Borknagar à Century Média depuis ses débuts prend fin. Un nouveau deal est conclu auprès du label norvégien Indie Recordings. Dans la foulée, Asgeir Mickelson, batteur ancestral abandonne le navire pour rejoindre l’ex-Emperor ‘Ihsahn’. il est remplacé par David Kinkade (ex- Malevolent Creation).
Si le retour de l’électricité est plutôt une bonne surprise, il serait cependant présomptueux d’affirmer qu’« Universal » est un album surprenant. Si vous connaissez le groupe depuis ses débuts et surtout l’arrivée de Vintersorg sur « Empiricism », vous ne serez pas déroutés par l’orientation musicale. Et c’est tant mieux ! Car, après tout, c’est dans ce style que Borknagar excelle. Un black métal violent et cependant progressif, avant-gardiste et folk à la fois. Les parties heavy décapantes sont entrecoupées de passages acoustiques relaxants. C’est le Borknagar que nous aimons. Le petit plus d’« Universal » émane de l’orientation prog rock seventies initiée par Lazare et son utilisation plutôt intensive de l’orgue Hammond. Comme toujours, Vintersorg brille aussi bien au chant clair que lors des vocaux extrêmes. Cependant, le retour surprise d’ICS Vortex sur le titre final de l’album (« My Domain ») nous rappelle combien le géant norvégien, plus encore que Vintersorg, méritait à sa place au sein de Borknagar.
Une fois de plus Øystein G. Brun et ses sbires ont accouché de l’œuvre parfaite. Pas meilleure que leurs réalisations précédentes, mais certainement pas moins bonne. Une constance dans l’excellence que lui envient probablement beaucoup de formations.
Presque deux années se sont écoulées depuis la sortie du premier album de Clare & The Reasons, « The Movies ». Un premier essai qui avait obtenu d’excellentes critiques. Pour la circonstance, Clare avait reçu le concours de son époux et du compositeur français Olivier Manchon ainsi que de la formation The Reasons. Un opus qui avait surtout marqué les esprits par le timbre vocal doux et suave de la New-Yorkaise, ainsi que par les arrangements particulièrement réussis. Un bémol : l’absence de folie. Ce qui au fil de l’écoute se traduisait en un ennui poli.
« Arrow » constitue donc le second elpee de C.&T.R. Le timbre vocal de Clare Muldar est toujours aussi exquis. Les arrangements sont à nouveau impeccables. Si les cordes acoustiques (NDR : particulièrement envoûtantes tout au long de « You getting me ») et les accords de piano dominent l’instrumentation, la diversité des climats déjoue le piège de la morosité. On a même droit à des cuivres sur la cover du « That’s All » de Genesis. Le spectre de Joanna Newsom plane parfois. A cause du côté baroque des compos. Mais en plus cool et surtout en plus printanier. Clare interprète également une plage dans la langue de Molière (NDR : serait-ce un clin d’œil adressé à son mari ?) Véritable hymne à la capitale de la France, « Perdu à Paris » baigne dans une expression sonore qui aurait pu servir de fil conducteur à une chanson de Jacques Brel. « Melifera » libère une certaine forme d’allégresse ; mais elle aurait pu se muer en grâce si cette compo avait été enrichie de chœurs. Néanmoins, cet elpee s’avère de toute bonne facture. Léger, ensoleillé, il répand des effluves printaniers auxquelles on aspirait depuis de longs mois.
William est considéré come un des plus grands souffleurs du blues. Un des génies de l'harmonica chromatique, et sans doute le meilleur élève de Georges ‘Harmonica’ Smith ; n'en déplaise à Rod Piazza ! Hélas, son cœur l'a lâché le 3 novembre 1996. Il n'avait que 45 ans. Sa veuve, Jeannette Lodovici semble avoir surmonté l’épreuve de sa disparition ; et une chose et sûre, elle dirige d’une main de maître la carrière posthume (si l'on peut dire) de Clarke, en compagnie de leur fille Gina. Elles nous avaient déjà légués plusieurs brillants témoignages discographiques consacrés à l’artiste, dont un superbe "Live in Germany", "Now that you've gone", "One more again" et deux volumes de "The early years". Sans oublier "My last goodbye", une vidéo lui rendant hommage. La source semble inépuisable, puisque vient de paraître "Live bootleg cassette Anthology". Pas vraiment un bootleg, puisqu’il est édité sur le label Watchdog de Miss Jeannette. Des prises ‘live’, immortalisées sur de modestes enregistreurs à cassette. Ce qui n’empêche pas le charme d’exercer son effet.
Sur les onze plages, huit sont issues d’un concert accordé à San Francisco, en 1991. Les trois dernières de sa toute dernière tournée accomplie 1996. Nous sommes à San Francisco. Bill est planté au milieu de la scène. Comme d’habitude, il est entouré de musiciens brillants : Zach Zunis et Rick Holmstrom aux guitares, Will Brinlee à la basse et Lee Cambell aux drums. Après une brève introduction, il attaque "Walked all night long". Et on entre instantanément au sein du fabuleux univers nocturne de Clarke. Le tempo est vif. William crache déjà des phrases assassines sur son harmo. L'ensemble libère un groove pas possible. Parfaitement huilé, le band peut hausser le rythme. L’attaque perpétrée sur le "Lollipop Mama jam" de Roy Brown est incisive et directe. Cette compo ouvrait "Blowin' like hell", le premier elpee, paru en 1991, chez Alligator. Les cordes de Holmstrom explosent dans un style digne du Hollywood Fats Band au sommet de son art. Ce west coast jump évolue en première division. Les poumons de William sont gonflés à bloc. A cette époque, il pétait encore la santé. Une compo qui atteint un véritable sommet, même si le son n'est pas hi-fi. Et puis tant pis ou tant mieux! Les deux gratteurs conjuguent leurs talents à merveille, tantôt en soliste, tantôt à la rythmique ; mais toujours au service du leader. L'introduction de "Telephone is ringing" est percutante et tonique (NDR : ce titre figurait sur "Groove time", et impliquait Kid Ramos à la guitare!) Mr Clarke entame enfin un blues lent, "Must be jelly", un hommage appuyé à son maître Georges Smith, au cours duquel Bill aligne des notes invraisemblables. Bref mais percutant, "Trying to stretch my money" campe un shuffle californien, un morceau caractérisé par le rôle des guitares rythmiques qui poussent sans cesse leur leader vers l'avant. "Lonesome in my bedroom" est un blues lent. Le type de compo au cours de laquelle Clarke injectait toute sa passion, au point où parfois il était au bord des larmes. Ce cri d'amour et de désespoir est vraiment bouleversant. La fin du concert approche ; et le présentateur le remercie. Mais c’est avec un pincement au cœur que nous écoutons religieusement "Bill's last tune… Goodbye".
Au beau milieu de la plaque, figurent trois plages extraites d'un concert accordé lors de son dernier périple accordé en 96. Paul Bryant se réserve les cordes, Rick Reed la basse et Brian Fahey les drums ; mais seul Mr Clarke se libère comme soliste. Se succèdent ainsi l’émouvant, mais prémonitoire "My last goodbye", un blues lent qui transpire le vécu. Un morceau au cours duquel on a l’impression que l'harmonica chromatique reste collé à ses lèvres. Puis deux plages plus rythmées. "Home is where the heart is" et un "Loose your life", marqué par ce riff à la Bo Diddley, une compo au cours de laquelle le maître s’autorise une sortie remarquable sur son instrument. Un riff signé Paul ‘Pops’ Bryant, c’est-à-dire plus que probablement le dernier guitariste à avoir accompagné Clarke sur la route ; un chemin parcouru depuis la fin 94 jusqu'au 20 octobre 96, à Abilene Texas. Deux semaines plus tard, William quittait ce monde. Repose en paix l'artiste!
Wallace Records est une écurie italienne indépendante dont les artistes militent dans l’alternatif de l’alternatif de la noise, du folk, de l’électro-rock, du post-rock, du free jazz, et j’en passe. Mattia Coletti y est hébergé. Un jeune musicien du cru, âgé de 25 ans, responsable de 3 albums, à ce jour, pour l’écurie transalpine. « Pantagruele » n’est pas un nouvel elpee, mais un Ep 6 titres, dont la durée n’excède pas les 22 minutes. Déjà que je ne suis pas trop branché sur la variété issue de la botte méditerranéenne et encore moins par sa scène métal (NDR : et ici je pense tout particulièrement à l’atroce Linea77), mais ce n’est pas ce type de musique qui va faire avancer le schmilblick.
Partagé en 6 plages, dont une en fin de parcours ressemble plus à une divagation bruitiste, cet Ep sensé tremper dans folktronica lo-fi est d’un ennui mortel. Au fil de l’écoute on risque même de tomber en état de léthargie. Rarement une petite demi-heure ne m’aura parue aussi longue. Les compos n’ont aucun relief, même lorsque Coletti y pose sa voix. Son cocktail de cordes acoustiques et d’effets électro ne décolle jamais et très souvent s’égare dans des interludes dissonants et totalement inutiles. J’ai pu lire que sa musique recelait des traces psyché héritées de Syd Barrett voire Vincent Gallo. Désolé, mais cette réflexion fait injure à la folie douce sonore manifestée par le regretté leader de Pink Floyd. Alors quelle utilité réserver à cet Ep ? Un fond sonore pour la relaxation ? Peut-être. Ou en mangeant des antipasti. Bref, un zéro pointé musical sur toute la ligne. N’est pas Tex La Homa qui veut.
Mattia a peut-être impressionné la ‘mama’ mais son œuvre aurait assurément dû rester confinée au sein de la ‘famiglia’. Analogies italiennes inutiles formulées sous forme de clichés, me répondrez-vous ? Peut-être. A l’image de sa musique, alors…
Les Finlandais de Deathbound ne sont pas vraiment des perdreaux de l’année puisque Twighlight, la première mouture de ce groupe brutal death/grindcore, a vu le jour en 1995 et que deux de ses trois membres (Petri ‘Pete’ Seikkula à la guitare et Sami Latva à la batterie) sont aussi impliqués au sein du groupe black métal expérimental Havoc Unit (connu jadis des amateurs de black métal sous le nom d’… And Oceans). Quant à Kai ‘Kaitsu’ Jaakkola le vocaliste, il n’est pas non plus inconnu des amateurs de musique extrême puisqu’il place ses borborygmes gutturaux au sein, entre autres, de The Duskfall.
Vous dire que Deathbound est le groupe le plus original du monde serait un mensonge éhonté. Au contraire, vous ne trouverez rien ici que vous n’ayez pas déjà entendu ailleurs. Par contre, si le brutal death est votre style de prédilection et que vous n’avez pas peur de la redite, « Non Compos Mentis » pourrait très bien trouver une place de choix au sein de votre collection de rondelles argentées et sanguinolentes. Car, dans le style, il faut avouer que Deathbound est plutôt efficace. En proposant quatorze titres pour seulement une trentaine de minutes de musique, on se doute bien que le power trio ne s’encombre pas de détails pour aller à l’essentiel de sa démarche. Un death métal ultra-speedé dont les sonorités rappellent autant l’œuvre d’Entombed que des premiers albums d’Hypocrisy, le tout gonflé d’une brutalité que ne renieraient pas Napalm Death ou Nasum. Dans les grandes lignes, c’est ce que vous réserve « Non Compos Mentis », si d’aventure, vous décidez de vous l’enfiler dans vos feuilles de chou blindées.
Les premiers pas en solitaire de Thomas Dybdahl remontent déjà à huit ans. Huit années au cours desquelles le Norvégien s’est forgé une solide réputation, mais a également trusté une multitude de récompenses, attribuées à l’un des Scandinaves les plus célèbres de la sphère folk/rock. Son timbre androgyne, tour à tour glacial ou bouleversant, est souvent comparé à celui d’Antony Hegarty, de Rufus Wainwright ou encore de Nick Drake. Un organe qui lui permet de communiquer une palette particulièrement large d’émotions. Une voix qui balise une texture sonore très soignée (NDR : ces arrangements !), mais jamais grandiloquente, au cours de laquelle les subtils arpèges de guitares se fondent subtilement dans les nappes de cordes.
Au cours de ces huit années, Thomas Dybdahl a concocté quatre elpees. Son meilleur ? « …That Great October Sound ». Le moins bon ? « Stray Dogs ». Pourquoi ? Des compos parfois un peu trop indolentes. Surtout sur son second opus. Bref, une remarque qui n’affecte pas cette plaque, puisqu’il s’agit d’un ‘Best Of’. Et manifestement, ce recueil réunit les meilleures chansons de Dybdhal. Les douze morceaux sont tous plus beaux les uns que les autres. Depuis « I Need Love Baby, Love, Not Trouble » à « Cecilia », en passant par « One Say You’ll Dance For Me New York City », toutes les facettes du songwriter norvégien sont ici dévoilées. Et en un seul album !
Si vous ne connaissez pas encore l’artiste, ce cd constitue la meilleure manière de l’appréhender. Par contre, si vous êtes fan, pas la peine de vous le procurer, toutes les compos sont déjà parues sur l’un ou l’autre disque...
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