Quand deux blancs becs débarquent au sein des mythiques studios Tuff Gong à Kingston, en ambitionnant d’y réaliser un album electro dancehall aux accents 80’s, le comité d’accueil qui les voit débarquer est goguenard. Comment deux zouaves peuvent espérer concocter quelque chose de cohérent, à leur sortie ? Le studio de la famille Marley est magique certes ; il n’en est quand même pas miraculeux. Oui mais ! Les deux ahuris à casquette défraîchie et au teint palot se prénomment Switch et Diplo ; ce qui vient changer considérablement la donne. Non contents de s’étouffer dans leur ambition, ils ont carrément l’idée de produire un univers plutôt qu’un simple son. Ils ont embarqué dans leur valise l’histoire de Major Lazer, ancien soldat jamaïcain qui s’est fait greffer un canon laser à la place de son bras droit. Membre qu’il a perdu lors de la guerre contre des vampires et qui le motive à poursuivre sa lutte sans relâche. Il y a fort à parier que l’Anglais et l’Américain ne se sont pas contentés de boire de l’eau ou de fumer la shisha en montant ce projet complètement barjot. Une citerne de vodka et une benne de sinsemilla ont probablement dû être livrés à domicile pour parvenir à écrire ce scénario digne d’une série Z. Le culot et l’arrogance propres aux deux producteurs permet pourtant à ce « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » de décaper sans équivoque, les papiers peints où viennent se fracasser les beats. Au rythme incalculable de pulsations effrénées, les plages s’enchaînent dans le stupre et la sueur. Se permettant même l’audace, d’embarquer dans leur folie des noms comme YBYZ Kartel, Mr Thing, Mr Vegas ou Santigold, Switch et Diplo suscitent instinctivement la curiosité. Mais jeter une oreille distraite sur l’album est peine perdue. Dès les premiers accords, les strings se tendent, les chaînes en or étincellent et les torses se bombent. La contamination est immédiate, et le popotin se trémousse sans se forcer. Parfois un peu ‘too much’, voire même un tantinet écœurant, « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » pourrait pêcher par excès tant le rythme est soutenu. A force de se dandiner, on finit par tomber à genoux, tout en suppliant de réduire le tempo. Complètement absorbé dans leur univers, les deux producteurs n’auront aucune pitié à l’instar de leur héros Le Major, et pousseront, plus loin encore leurs curseurs dans le rouge. S’ils n’ont pas de cœur, Switch et Diplo ont au moins, des cojones grosses comme des buildings.
Encore une formation signée chez Sub Pop, qui décidément n’en finit plus de dénicher de nouveaux talents. « King of Jeans » constitue cependant le second opus pour ce label, de ces natifs d’Allentown (NDR : c’est en Pennsylvanie) et le troisième à leur compteur. Il fait suite au très remarqué « Hope for Men », édité voici deux ans. Un disque qui s’inscrit parfaitement dans la lignée du précédent opus. Et pour cause, leur punk-hardcore n’a rien perdu de son intensité. De quoi continuer à mériter sa place auprès des Black Flag ou encore Jesus Lizard.
Enregistré sous la houlette du talentueux Alex Newport (At The Drive-In, The Locust, Sepultura,…), cet elpee est découpé en douze morceaux. Des morceaux que Pissed Jeans vomit littéralement. Le climat est malsain. L’agressivité permanente. La pression extrême. Les pulsions animales. L’odeur fétide. Même sur le languissant « Spent », fragment qui s’étale sur 7 minutes. Principal responsable : le vocaliste. Car chaque fois que Matt Korvette, ouvre la bouche c’est pour gerber la haine retenue en lui. A chacun de ses cris, on a l’impression qu’il va déchirer ses cordes vocales. Il ne chante réellement pas. Il hurle ou parle. Aux grattes, Bradley Fry et Randy Huth nous balancent à la figure une bonne dose de distorsion bien lourde pendant que Sean McGuiness frappe tel un dératé sur ses fûts. « King of Jeans » n’est donc pas conseillé aux enfants de chœur. Il ne vous restera plus qu’à ramasser les souillures…
Le ‘Rumble Club’ est un club plutôt fermé, puis qu’il ne comprend que quatre membres : le chanteur/guitariste Jack Corey, le guitariste rythmique Jay Clarck, le contrebassiste Kyle Curtis et le drummer Matt Hornsby. Originaires du Kentucky, ces quatre ‘joyeux drilles’ se sont donné pour mission de nous prouver que le rock’n’roll était encore une affaire de mauvais garçons. Et, « The Bad In Me », leur toute nouvelle galette argentée, est pour eux le meilleur moyen de nous passer le message. C’est donc à grands coups de décibels dans les oreilles qu’ils nous matraquent leur psychobilly original et inspiré. Jack Corey possède une voix caverneuse, qui tient à la fois de Johnny Cash et de Nick Cave, et qu’il utilise pour nous débiter de sombres histoires de hors-la-loi du Far West (« Sam Joe Harvey », « Lonesome Gunman Traveller »), de virées diaboliques en voiture (« Lindsay’s gonna drive », « Brakes are burning », « Gasser ») ou encore de science-fiction inspirée par le cinéma et les vieux magazines de ‘Pulp fiction’ des années cinquante (« Vampire Girls From Outer Space », « The Bad In Me »).
Comme c’est toujours le cas en matière de psychobilly, le disque est fortement inspiré du rock’n’roll des fifties et du punk des seventies. Rumble Club y insuffle aussi une bonne dose de rock gothique et, chose plus surprenante, de musique western inspirée par les films de Sergio Leone. Ce mélange engendre un style à la fois sombre et kitch qui donne un ton surprenant et appréciable à la musique de ces desperados du rock’n’roll. « The Bad In Me » est un disque à écouter absolument si vous aimez Les Meteors, Nick Cave, Elvis Presley, les Stray Cats, les films de Quentin Tarentino et les Western Spaghettis.
Cet album est probablement excellent. Malheureusement, il n’a pas trouvé en votre serviteur le public qu’il mérite. Mes connaissances en matière de ska sont plutôt limitées. Madness m’avait beaucoup fait rire dans les années quatre-vingt. Plus récemment, Ska-P m’avait plutôt scotché grâce à son Ska/Punk latino décoiffant, comme la musique que j’affectionne. En recevant « Grown », j’avais secrètement espéré que l’expression sonore de ce premier album du groupe bavarois The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra, taperait un peu dans la même catégorie ou du moins qu’elle m’amuserait autant que celle de Madness. Malheureusement (NDR : c’est à titre personnel, mais probablement pas pour le reste du monde), le groupe allemand vise plus le public des radios à grande écoute que celui des rockers en mal d’humour, en pratiquant un ska fortement teinté de pop. Cependant, ma propre déception n’est pas suffisante pour rédiger une chronique négative de ce disque, tant il est de grande qualité.
The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra n’a pas lésiné sur les moyens pour conquérir un public. Excellente production, chanteur à la voix magnifique et utilisation d’instruments aussi variés que les cuivres, les percussions, les guitares électriques, l’accordéon et la beatbox pour varier les ambiances au maximum. Ici, le ska est décliné à toutes les sauces. On glisse du ska/reggae au ska/pop, en passant par ska/polka, le ska/funk, le ska/hip-hop et même le ska tout court. Quelques riffs de guitare électrique opèrent même une apparition furtive afin que les rockers puissent justifier la possession d’un tel elpee dans leur discothèque. Tous les titres réunis sur « Grown » ont un potentiel commercial évident. Il suffirait d’un petit coup de pouce du destin pour que ce combo devienne énorme. On en reparlera. Probablement pas moi, mais on en reparlera, c’est sûr !
Le nom ne doit sans doute pas vous dire grand-chose. Et pourtant, cet auteur/compositeur vient de commettre son onzième opus. Près de quarante années que ce troubadour roule sa bosse sur les chemins du blues. Son tout premier elpee, "I'm a stranger too", date d’ailleurs de 1970. Pour son nouvel opus, il a reçu le concours de son ami guitariste David Goodrich et du batteur Zak Trojano.
Les trois premières plages du cd sont manifestement les meilleures. Et tout d’abord celle qui ouvre le disque "Don't call me stranger". Un morceau qui baigne au sein d’une ambiance relaxante. La voix paresseuse de Chris ainsi que la conjugaison des cordes acoustiques et électriques font immanquablement penser à JJ Cale au sommet de son art. Excellent ! Goodrich se révèle un gratteur très inspiré. La plage éponyme est une bien jolie composition dont les accents folk sont entretenus par deux guitares acoustiques aux tonalités différentes. Intimiste, la voix de Smither semble susurrer à notre oreille. Imprimé sur un tempo soutenu, "Surprise, surprise" est plus nerveux. La voix demeure sereine. Jamais d’ailleurs elle n’éclate. Par contre, les cordes acoustiques sont particulièrement volubiles. "I don't know" véhicule des accents subtilement latins voire même centrafricains dans les sonorités des cordes électriques, émargeant finalement à une sorte de world pétillante. Chris se libère quelque peu sur "I told you so", une plage pleine de verve dirigée par les cordes amplifiées de Dave. Le reste de l’elpee est beaucoup plus folk, intimiste. On a l’impression que l’artiste est juste à côté de nous. Ses cordes sont légères. Et souvent très élégantes. A l’instar d’"Old man down". Ou lors de ses reprises. Des covers que semble vivre Mr Smither. Celle du "It takes a lot to laugh, it takes a train to cry" de Bob Dylan en est une belle illustration ; comme le "Madame Geneva's" de Mark Knopfler, une jolie complainte celtique que Chris nous restitue à la manière sombre de Leonard Cohen. On épinglera encore une adaptation du folk blues traditionnel, le "Miner's blues" de Frank Hutchinson. Bref, cet album devrait ravir les amateurs de blues primitif…
Les membres de Super Furry Animals sont terriblement prolifiques. « Dark Days / Light Years » constitue déjà leur neuvième elpee en 13 années d’existence (NDR : sans tenir compte de leurs projets parallèles…) Malheureusement, cet opus risque fort de ne pas les extraire d’un relatif anonymat au sein duquel le groupe semble désespérément enlisé de ce côté de la Manche. La bande à Gruff Rhys pratique pourtant un pop/rock inspiré et mélodique. Alors une explication à ce manque de succès ? Sans doute la manière de placer la voix au même niveau que l’instrumentation. Et puis un penchant pour la structure bordélique. Ce qui pourrait expliquer en partie leur insuccès.
« Dark Days / Light Years » n’est peut-être pas leur meilleur album. Motif : il manque de fortes mélodies. Mais se situe toujours dans le haut du panier de la pop-rock anglaise. Pourtant, l’entrée en matière est plutôt indigeste. Et pour cause, « Crazy Naked Girls » est trop long et surtout agaçant. Mais la suite est bien plus intéressante, révélant une dizaine de morceaux de toute bonne facture, parmi lesquels j’épinglerai le très réussi « Helium Hearts » ainsi qu’« Inaugural Trains », une compo ‘eurodance’ imprévisible que Nick Mc Carthy des Franz Ferdinand soutient de ses vocaux dans la langue de Goethe. On finira par croire que Cardiff est devenue la capitale de la pop loufoque et bizarroïde. Une chose est sure, ces doux rêveurs ne doutent de rien et cherchent constamment à fuir les étiquettes. Autre certitude : des racines profondément ancrées dans la culture galloise. Très attaché à ses origines, le groupe achève d’ailleurs son album par deux morceaux interprétés dans ce dialecte. Vous pensiez peut-être qu’il n’existait pas de langue moins mélodique que celle de nos cousins germains. Après avoir écouté « Liliwau Llachar » et « Pric », vous reconsidérerez votre jugement, car cet idiome ne s’en tire pas mal non plus. Deux titres paradoxalement de toute bonne facture. Caractérisé par son crescendo électro et sa durée de 10 minutes, « Pric » lorgne manifestement vers Daft Punk.
Ce nouvel opus de SPA est agréable à écouter ; cependant, si vous connaissez mal Super Furry Animals, je vous conseillerai plutôt de vous procurer un « Best Of ». De manière à mieux cerner leur style, à travers des compos accessibles. Véritables stars dans leur Pays de Galles natal, les musiciens fous de Super Furry Animals demeureront probablement toujours aussi incompris. Et ce n’est pas la sortie de ce « Dark Days / Dark Years » qui changera leur statut. C’est bien dommage ; mais les secrets cachés ne sont-ils pas souvent les plus excitants ?
A 24 ans, Jon Hopkins avait déjà collaboré avec les plus grands : de Massive Attack à Brian Eno, en passant par David Holmes et King Creosote. En 2008, il coproduisait l’un des albums les plus vendus cette année-là, à savoir l’inévitable « Viva La Vida » de Coldplay. Aujourd’hui, du haut de ses 28 ans, le jeune homme à relégué le copinage au second plan et se concentre enfin sur sa propre carrière. Fruit d’un travail d’écriture long de trois années, « Insides » succède à deux œuvres publiées discrètement en 2001 et 2004. Les nouvelles excursions électroniques et ambient d’Hopkins, emmenées par une mise en bouche façon ‘soundtrack’ (« The Wider Sun »), ne présentent malheureusement pas le compositeur sous son meilleur jour. Le travail est certes soigné mais manque cruellement de substance.
Jon Hopkins parvient à éclairer le contenu sinueux de « Insides » par quelques trop rares moments d’éclats créatifs (« The Low Places », les dernières secondes de « Light Through The Veins », « Autumn Hill », « Small Memory »). Ces passages indiquent clairement que cet artiste brillerait bien plus s’il se consacrait à une carrière résolument tournée vers la musique de films. Pour Hopkins, « Insides » ne sera certainement pas le disque de la révélation.
La presse le présente comme le digne successeur de Miossec dont il assurera la première partie de la nouvelle tournée. Breton tout comme son aîné, Alan Corbel sortira son premier Ep le 19 octobre prochain.
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/alansongs
Le groupe de rock français Mademoiselle K était en mars dernier (NDR : les 16, 17 et 18) à l’Alhambra à Paris afin d’y enregistrer son premier Cd & Dvd live. L’album sera disponible dès le 5 octobre et sera suivi d’un concert exceptionnel le 17 au 118 à Paris. L’entrée sera gratuite pour chaque personne exhibant l’album « Live » à l’entrée (dans les limites des places disponibles) et inscrite sur le site de la formation. Enfin 4 000 € de prix sont prévus lors d’un concours destiné à réaliser le spot promo de l’album.
Avis aux amateurs…
Pour plus d’infos : http://www.mademoisellek.fr
« Underslept » le premier album de Systems Officer sera disponible dès le 23 novembre prochain. Il s’agit du nouveau projet de l’orfèvre pop et bassiste d’exception Zach Smith, membre de Pinback et Three Mile Pilot. Le Californien promet, à travers son nouveau projet, des chansons de pop complexes dont l’écriture a débuté il y a près de 5 ans. On aspire déjà au mois de novembre…
Tracklisting
1. Pacer (4:14)
2. East (3:35)
3. Quan (4:27)
4. Shape Shifter (3:58)
5. Oui (4:08)
6. In This World (4:54)
7. We Breathe Dust (4:51)
8. Sand I (4:00)
9. Sand II (5:44)
10. Deyos (5:14)
Pour plus d’infos : http://systemsofficer.com et http://www.myspace.com/systemsofficer
U2 annonce le prolongement de leur tournée européenne en 2010. Le ‘U2 360° Tour’ est un tel succès que les stars irlandaises ne pouvaient s’arrêter en si bon chemin… A la plus grande joie des fans belges, le groupe passera par Bruxelles. Trop d’argent en jeu ? La tournée sera en tout cas toujours sponsorisée par BlackBerry et produite par LiveNation.
Plus vraiment rock n’roll, la bande à Bono !
Préalablement prévue pour le 21 septembre, la date de sortie du prochain opus des Editors a été finalement fixée au 12 octobre. En voici le tracklisting
1. In This Light And On This Evening
2. Bricks And Mortar
3. Papillon
4. You Don't Know Love
5. The Big Exit
6. The Boxer
7. Like Treasure
8. Eat Raw Meat = Blood Drool
9. Walk The Fleet Road
Pour plus d’infos : http://www.editorsofficial.com et http://www.myspace.com/editorsmusic
autoKratz et le label français Kitsuné invitent les aspirants réalisateurs à la réalisation du prochain single du groupe « Speak In Silence » tiré de leur nouvel album « Animal ». Le concours est organisé en collaboration avec Daily Motion où les clips peuvent être déposés. Pas de règles quant à la réalisation. Liberté totale ! Le vidéo gagnante deviendra la vidéo officielle est sera diffusée en boucle sur le Net. Un bon moyen de débuter sa carrière dans le métier…
Le morceau peut être téléchargé ici : www.autokratz.com/comp/speakinsilence.zip
Username: director
Password: animal
Pour composer « Wind’s Poem », le nouvel album de Mount Eerie, Phil Elverum a passé plus de 2 ans à écouter le son des arbres la nuit… Tout un programme. Afin de reproduire cette sombre ambiance nocturne, il eu recours à des tas de distorsions, une multitude de synthés et des lignes de basses aux sonorités ténébreuses. Pour un résultat proche de l’univers du ‘Twin Peaks’ de David Lynch. Serions-nous en présence d’un nouveau pallier dans l’ambiant black métal ?
Pour plus d’infos : http://www.pwelverumandsun.com
Créé à Berlin en 2002 par DJ T (Thomas Koch), M.A.N.D.Y. (Patrick Bodmer et Philipp Jung) et Booka Shade (Walter Merziger, Arno Kammermeier et Peter Hayo), Get Physical est devenu un label incontournable. Une entreprise qui vise sur le long terme et la rigueur. Un peu dans l’esprit de Warp, qui fête aujourd’hui ses 20 années d’existence, alors que l’écurie en question ici en compte modestement 7. Ce qui n’a pas empêché cette boîte de marquer le coup en éditant une compilation fort intéressante. Et pour cause, elle a été sélectionnée parmi une centaine de singles et plus de 25 albums, concoctés au cours des trois dernières années. En outre, c’est M.A.N.D.Y. qui s’est collé au remodelage de ce recueil, un travail que la paire a brillamment et sobrement exécuté. Mais pas question de renier qui que ce soit au sein de la grande famille Physical ! Tout le monde est présent. Et à la fête ; depuis Damian Lazarus à DJ T, Italoboys en passant par Matthew Dear ! Essentiellement électro house et dispensées sur mode dancefloor, les 24 pistes s’écoutent sans prise de tête ! Et au sein de cet enchaînement de mixes opéré par M.A.N.D.Y., on épinglera de petites bombes comme le « Take Five » de Jona (NDR : ce célèbre hymne jazz avait été composé par le saxophoniste Paul Desmond pour l’album « Time Out » de Dave Brubeck), « Baléa », une pépite signée de Einzelkind Vs. Meat (NDR : ce morceau figurait déjà sur la compile « Full Body Workout Volume 4 »), l’excellent « Zinga » d’Italoboys ou encore le très remuant « Free To Ask (Body Language Exclusive Track) » de Matthew Dear ! En quelques titres, Get Physical est parvenu à écrire une belle page de l’électro ; et se pose en future concurrent pour le label Warp. Dans un autre registre, bien sûr, puisque si elle se révèle déjà essentielle, cette anthologie s’adresse avant tout aux amateurs de house…
‘Do you want to party with the Bonaparte?’ : une question scandée sur le morceau d’ouverture de « Too Much », le nouvel album de Bonaparte. Et après avoir écouté les 15 morceaux de cette plaque, je réponds par l’affirmative. Je connais très mal la scène helvète. Quoique ce soit seulement le leader qui est de nationalité suisse. M’enfin, j’avoue que je ne m’attendais à être confronté à un telle musique. Surtout de la part d’un personnage issu d’un peuple réputé pour son calme et sa pondération. Parce que Bonaparte est probablement un des groupes les plus déjantés de la scène contemporaine. Sur disque d’abord ; mais surtout sur scène. Fondé à Barcelone, le line up de Bonaparte s’est développé à Berlin. Et il réunit de véritables vagabonds cosmopolites (NDR : les membres sont allemands, polonais, brésiliens, panaméens ou néo-zélandais). Quant à leur expression sonore, elle est à l’image de ce groupe placé sous les ordres d’un dictateur helvétique dérangé : un véritable foutoir propice à l’euphorie !
Et quel type de musique nous livre donc l’empereur suisse ? Un électro pop-punk très contagieux et parfois irrésistible. L’album débute en trombe par la trilogie « Do You Want To Party », « Who Took The Pill » et l’immense single « Too Much ». Si un animateur radio avait l’audace de programmer cette compo sur les ondes, le carton serait immédiat tant le titre est accrocheur. En outre, les paroles sont aussi faciles que stupides ; mais après avoir écouté cette chanson, elles vous trotteront dans la tête sans que vous parveniez à les y déloger avant de longues heures. ‘You like Tolstoï, I like your voice. You like Baudelaire, I like your hair. You like algebra, but you wear no bra. You know politics, I know party chicks’. Très con mais parfait. Le reste de l’album est loin d’être du même niveau. L’intensité baisse graduellement au fil de l’opus, malgré la présence de quelques morceaux sympathiques (« I Can’t Dance » ou « A-A-Ah »). Notons quand même la très mystérieuse (et pas terrible) chanson « Ego » pourtant caractérisée par son refrain inquiétant.
L’elpee est accompagné d’un deuxième cd live. Il offre un bon aperçu des folles prestations du groupe exécuté sur la les planches. Ah, si Napoléon avait eu l’énergie de Bonaparte, il n’aurait probablement pas fini seul et triste sur l’île de Saint-Hélène. Cet album est une agréable et rafraichissante surprise. A découvrir! En live de préférence ! ‘Who want to party with the Bonaparte ?’ You probably! Même Tarantino a craqué…
Les Booze Brothers (NDR : A ne pas confondre avec le groupe français qui porte le même nom) proposent un cocktail plutôt enivrant de Rock’n’Roll cradingue rappelant le style des Anglais de Quireboys, de Folk imbibé à l’Irlandaise tel que le pratiquaient jadis les Pogues, de Punk et de Rockabilly. Le tout magnifiquement soutenu par la présence d’un piano à la Jerry Lee Lewis. Et le résultat est, ma foi, original. « Rock’n’Roll Mutiny », leur second album, est composé de 12 hymnes à la picole plus jouissifs les uns que les autres. Les Booze Brothers sont allemands, mais leur musique évoque l’ambiance des pubs peuplant les bas-fonds de Dublin plutôt que celle des fêtes de la bière Oberbayern. On ne s’ennuie pas une seconde sur cette plaque qui décline une trentaine de minutes de vitalité, de fun et d’énergie. Contrairement aux boissons dont il fait l’apologie, « Rock’n’Roll Mutiny » est à consommer sans modération.
Fondé à la fin des 80’s par le chanteur/guitariste Peter Aaron et le guitariste William Webbber, The Chrome Cranks a vu passer en son sein le bassiste Jerry Teel (Honeymoon Killers, mais pas la version belge), et surtout un ex-drummer de Sonic Youth et de Pussy Galore, Bob Bert. Il est d’ailleurs impliqué sur ce recueil pour 11 des 19 morceaux. Une compile qui réunit la quintessence de la discographie du groupe né à Cincinnati, mais également quelques morceaux immortalisés en ‘live’. Et fait, suite à la confection d’une autre compilation (« Diabolic boogie ») parue en 2007, éditée par le label Atavistic et réunissant des singles, des démos, des prises ‘live’ et des raretés, la formation a décidé de se réunir pour jouer quelques dates. C’était en 2008. Et on annonce même l’enregistrement d’un véritable opus.
Fruit d’un mélange fiévreux entre blues, punk, rockabilly et noise, la musique de The Chrome Cranks évolue à la croisée des chemins des Stooges, Cramps, Gun Club, Birthday Party et autres Scientists. Vocaux hurlés, incantatoires ou grognés, riffs de guitare surf, marécageux, chargés de feedback ou vibrants, tempo lancinant ou sauvage voire tribal et ligne de basse souterraine (NDR : parfois quelques accords de piano sonores) alimentent un climat ténébreux, menaçant et intense tout en forgeant un style bien trempé qui doit se traduire plus que probablement en concerts incendiaires. Pas encore prévu de date près de chez nous ?
A une certaine époque j’étais un grand fan de Daan. De son Dead Man Ray surtout ; et en particulier lorsque la formation nous avait légué son album, « Cago », un disque produit par Steve Albini. J’avoue que sa carrière en solitaire ne m’a jamais trop enthousiasmé. Pourtant, c’est en affichant un à-priori positif que je me suis lancé à l’écoute de « Manhay », son 5ème elpee solo commis depuis 1999. L’homme m’est, je ne sais pourquoi, sympathique. Le nom de sa nouvelle livraison me rappelle, de plus, son mythique ex-groupe ; même s’il s’agit en fait du nom du village ardennais où a été composé l’album. Il a d’ailleurs pris l’habitude d’intituler ses elpees en fonction de leur lieu d’enregistrement (« Cago » ou « Berchem »).
Caractérisé par son refrain très radiophonique, l’album débute d’élégante manière par le single « Exes ». « Brand New Truth » joue idéalement sur la dualité marquée entre le refrain et le couplet. La voix caverneuse (parfois proche de Leonard Cohen) de Daan est à n’en pas douter l’une des plus intéressantes de la scène musicale belge. Sur ses elpees précédents, Daan avait tendance à abuser de synthés et beats en tout genre. Ce n’est plus le cas pour « Manhay ». Il est moins électro et surtout moins électrotrash ; mais aussi, bien plus consistant à mes yeux et mes oreilles. Son côté plus rock le rapproche (à mon grand plaisir !) de la période Dead Man Ray. Le piano et la voix dominent la plupart des morceaux. On est plongé dans un climat intimiste, même si Daan Stuyven avoue avoir voulu davantage d’intimité. Les deux superbes ballades « Retriever » et « Your Eyes » démontrent le talent de l’auteur pour écrire des chansons au format classique, tout en y injectant une belle dose d’émotion.
Pas de single potentiel de la trempe d’« Addicted » ou de « Housewife » sur « Manhay », mais de solides compositions réunies sous ce qui est probablement le meilleur album de sa discographie, à ce jour. On ne s’y ennuie jamais. L’originalité est constamment au rendez-vous. Ce changement de cap augurerait-il une reformation future de Dead Man Ray ? On peut toujours rêver… Mais où se cache Rudy Trouvé ?
Un nouveau supergroupe de plus pour Jack White! L’orfèvre ne dort jamais. Après avoir mis en veilleuse sa collaboration avec Meg White et clôturé la seconde tournée promo de ses Raconteurs, White persiste et signe. Il s’entoure de Jack Lawrence, qui l’accompagne déjà dans l’aventure Raconteurs, et de deux nouveaux collaborateurs. Et pas des moindres. D’abord la délicieuse Alison Mosshart, majestueuse moitié de The Kills, qui reprend ici le micro. Ensuite Dean Fertita, des Queens Of The Stone Age, assigné aux guitares, au piano et autres synthés. Ensemble, ils forment The Dead Weather, un projet qui tient toutes ses promesses.
Publié sur Third Man Records, le label de Jack White, « Horehound » est né des suites de la tournée des Raconteurs durant laquelle The Kills assurait l’avant-programme. Le White Stripe, atteint d’une bronchite, avait été remplacé au chant par Mosshart, l’espace de quelques soirées. Le grand manitou, caché derrière sa guitare, a tellement été charmé par la donzelle qu’une potentielle collaboration en studio s’est rapidement révélée incontournable. Après avoir enregistré, à titre d’essai, une reprise du « Are Friends Electric? » de Gary Numan, le quatuor s’est mis au travail et délivre aujourd’hui un premier recueil en forme de claque dans la tronche. La voix d’Alison Mosshart y est plus que jamais imposante et White, relégué aux grosses caisses, se contente d’un second rôle qu’il assure à merveille.
« Horehound » est un pur produit rock. A tour de rôle, Mosshart fait appel à ses pulsions animales (« 60 Feet Tall », « Bone House ») pendant que White tranche dans le vif (« I Cut Like A Buffalo »). Dans un autre registre Fertita et Lawrence esquissent les contours de cieux menaçants (« 3 Birds »). Mais ensemble, ils mettent leurs ennemis à terre sans lever le petit doigt (« Treat Me Like A Mother »). Une nouvelle réussite pour l’increvable Jack White.
Si le duo aux rayures blanches n’avait pas marqué les esprits d’une empreinte indélébile en publiant son tube surexploité deux ans auparavant, nul doute que « Club Foot », publié en 2005, aurait allongé la liste des morceaux qui échappent à leurs géniteurs. Un mal pour un bien. A défaut d’animer les stades et les kermesses, Kasabian est resté maître de ses compositions et a donc fait un bout de chemin sans emmerder son monde. Après un premier opus éponyme regorgeant d’hymnes imparables (« Processed Beats », « Club Foot », « L.S.F. »…), le quatuor s’est légèrement planté à l’épreuve du second ouvrage. « Empire » recelait tout simplement bien trop d’effets pour un résultat plutôt moyen. Trois ans plus tard, les Mancuniens se ressaisissent et s’offrent les services, aux manettes, de Dan The Automator.
Porté par le remuant single « Vlad The Impaler », « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » surpasse les attentes et dévoile un Kasabian repensé avec justesse et habileté. La formation fait table rase du passé et mise sur la sobriété. Finis les tubes taillés pour les stades. « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » tape presque systématiquement dans le mille, qu’il s’agisse de capsules pop (« Where Did All The Love Go ? », « Fire »), psyché (« Swarfiga », « Secret Alphabets ») ou rock façon seventies (« West Ryder Silver Bullets », « Ladies and Gentlemen, Roll The Dice », l’énôôôôôrme « Fast Fuse »). Chaînon maquant entre Primal Scream et The Stones Roses, Kasabian reprend tranquillement sa place parmi les formations britanniques incontournables.
Le neveu du Grand Jacques, Bruno Brel, s’essaie à chanter quelques fabuleuses chansons de son non moins fabuleux oncle.
Par ‘respect’ pour son tonton comme il le dit, il ose reprendre une dizaine de titres en compagnie de Micheline Van Hautem. Cet album a été enregistré lors d’une tournée d’hommage au Maître, en Hollande et en Belgique, lors de l’automne 2008.
Et bien, franchement, on s’en serait bien passé. Le plus bel hommage qu’il aurait pu rendre à son oncle était de se taire et d’écouter le seul interprète capable de nous transmettre ses émotions, ses larmes, ses rires, ses colères même. Bref tout ce qui faisait l’authenticité de l’œuvre de Jacques Brel.
Là hélas, on tombe dans la caricature de bas étage. ‘A l’impossible, nul n’est tenu’ dit l’adage. Passez donc votre chemin… Circulez, y a rien à voir !
Il faut reconnaître que depuis quelques années, Placebo est en perte de vitesse. Après avoir sorti le peu convainquant « Meds » et dans la foulée opéré une tournée longue de deux ans, la formation a même failli splitter. Faut dire que Molko et le drummer, Steve Hewitt, se détestait de plus en plus. Et ce qui devait arriver arriva : ce dernier a reçu son C4. Il a donc été depuis été remplacé par un jeune Américain de 22 ans, Steve Forrest, en l’occurrence l’ex-batteur d’Evaline.
Pour enregistrer leur sixième opus, le trio a décidé de se rendre à Toronto. D’autofinancer les sessions et de changer de label. En outre, il a fait appel à David Bottrill (Tool, dEUS, Silverchair) pour le produire. Enfin, il n’a pas reçu le concours d’invités notoires, comme c’était souvent le cas, lors de la confection des opus précédents. Mais bien d’une large section de cordes et même des cuivres. Sans oublier le recours à l’électronique. Pas toujours très judicieux, il faut le reconnaître.
L’électronique, parlons-en. Elle ne colle vraiment pas à la musique de Placebo. Ou alors de manière discrète. Mais certainement pas sous une forme kitsch. A l’instar du banal « Bright lights » et de l’hymnique « The never-ending why ». Par contre lorsqu’elle s’intègre à l’instrumentation, elle passe beaucoup mieux la rampe. Et je pense tout particulièrement à « Come undone », ballade lente, parfois mid tempo, au cours de laquelle elle se fond dans les cordes de guitares vibrantes, duales.
Plusieurs compos sont enrichies d’arrangements symphoniques. Souvent somptueux. Tout d’abord sur le titre maître. Caractérisé par ses variations rythmiques et harmoniques et sa ligne de piano élégante, il lorgne manifestement vers Muse. Tout comme chez « Julien », encore une fois, amorcé par une intro synthétique du plus mauvais goût. Et enfin sur le délicat « Happy you’re gone ». Plus cold wave, traversé par des accords de xylophone (NDR : à moins que ce ne soit un piano trafiqué pour sonner comme tel) dans l’esprit de Cure. Une cold wave qui filtre souvent à travers les chansons. De manière remarquable sur le très pop « Speak in tongues ». Lorsque les plages ne sont pas carrément gothiques. Ainsi, le ténébreux « Devil in the details » nous replonge dans l’univers de « Black market music » voire de « Sleeping with ghosts ». Plus intéressant est ce retour dans le glam punk originel opéré sur « Breathe underwater ». Tout y est : les guitares vivifiantes, percutantes, sauvages et ce groove permanent. Mais le meilleur titre est celui qui achève la plaque : « King of medecine ». La très jolie mélodie imprimée sur un mid tempo, vient se poser des accords de guitare sèche et de piano sonore discrets mais indispensables, avant que l’instrumentation ne monte en crescendo, soutenue par les arrangements de cordes. On vous épargnera l’analyse du reste de ce « Battle for the sun », la luxuriance et la banalité n’y font pas bon ménage. N’empêche, si l’œuvre est loin d’être parfaite, elle laisse transparaître d’opportuns rayons de soleil. C’est sans doute la bataille que mène Molko.
En attendant la sortie de son elpee, Dizzee Rascal, nous propose un troisième single. Intitulé « Holiday » il précède donc celle de l’opus « Tongue N’ Cheek », prévue pour le 21 septembre. A l’instar des rayons de soleil, toujours aussi généreux en ce mois de septembre, il devrait également illuminer toutes les soirées ‘branchouilles’. Caractérisé par sa rythmique dansante, son flow impeccable et ses sonorités ‘mainstream’, il a bien sûr bénéficié du concours à la production (NDR : parfaite !) de Calvin Harris, mais également de Chrome, aux backing vocaux. Si son nouvel album recèle toutes des bombes de ce calibre, il risque fort de devenir une des sensations de cette fin d’année 2009 ! Faut dire que le emcee a beau être un des personnages contemporains les plus extravagants, il ne manque pas de talent. Le disque recèle également une version ‘extended’, une R’n’B et une autre très alternative intitulée « Live, Large n’in Charge » du titre maître. Plus que quelques jours à patienter avant la sortie du long playing… Yeah !
Si vous avez déjà eu l’occasion de voir le film de série B « Love and a .45 », mettant en scène Renée Zellweger, vous vous souvenez probablement du passage où le héros entre dans un bar dans lequel un trio rockabilly se démène sur scène. Ce groupe, c’est le Reverend Horton Heat. Leur apparition dans ce navet justifie à elle seule la location du film. Car Jim Heath (le Reverend) et ses deux compagnons, qui pratiquent le Psychobilly et le Rockabilly déjanté depuis 1985, sont de véritables bêtes de scène. Malheureusement « Laughin’ and Cryin’ With The Reverend Horton Heat», leur nouvel album studio, donne plus envie de pleurer que de rire. Mais qu’est il donc arrivé au rock’n’roll déjanté teinté de punk auquel les Texans nous avaient habitués depuis douze albums ? Le révérend aurait-il troqué sa banane pour un stetson ? Toujours est-il qu’il nous propose ici un album de country rock plutôt décevant. Seul l’hilarant « Death Metal Guys », où le groupe nous décrit, avec un humour corrosif son incompréhension du death metal, rappelle un peu la splendeur passée du combo. Un seul titre vraiment rock (même s’il est excellent) sur les 14 qui compose l’album, c’est peu maigre.
« Laughin’ and Cryin’ With The Reverend Horton Heat », est un donc album à écouter de préférence en camion ou à cheval en fumant une Marlboro.
« Rott In Pieces », le nouvel album des Berlinois de Ripmen semble être la réponse parfaite au dernier opus du Reverend Horton Heat. Alors que l’album du révérend est mou du genou et vire carrément au Country Rock, celui des Allemands entretient parfaitement la flamme hargneuse du Psychobilly. Si certains d’entre vous n’ont jamais entendu parler du Psychobilly (après tout, ce n’est pas le style musical le plus vendeur en nos contrées), sachez qu’il est l’enfant terrible du Rockabilly. Un peu comme si les Stray Cats étaient passés du côté obscur de la force. Une contrebasse, rageuse et speedée, une guitare punkysante et des lyrics inspirés par les films d’horreur de série B.
Disons le tout de suite, les Ripmen ne révolutionnent pas vraiment le genre. Si c’est ce que vous recherchez, allez plutôt voir du côté du dernier Cd des Français déjantés de Banane Metalik. Cependant, « Rott In Pieces » recèle d’excellents titres d’un rock’n’roll furieux aux paroles bourrées d’humour noir. Le disque est très bien produit et dégage un maximum d’adrénaline. Alors, si pour votre prochaine coiffure, vous hésitez entre la crête et la banane, cet album est fait pour vous. Parlez-en à votre coiffeur.
Ce 21 septembre est paru le nouvel opus d’Oai Star. Intitulé « Manifesta » il recèle 14 titres qui devraient, selon le groupe, constituer un grand tournant artistique. Oai Star est la version electro-rock du Massilia Sound System. Malgré la mort de Lux B, cofondateur et Mc du collectif en juillet 2008, les Marseillais sont prêts à remettre le ‘oaï’, c’est-à-dire la pagaille ! Lors des sessions d’enregistrement, la formation a reçu le concours de Dubmood, un DJ suédois spécialisé dans la ‘chip music’ (NDR : une solution sonore qui tire parti essentiellement des vieilles consoles Atari et des Game Boy.
Tracklisting
1. Sème Ton Chanvre Paysan
2. Je Veux Faire Brûler La Mer
3. Baleti Atomico
4. Feignant Et Gourmand
5. Saturé Nights Part 1
6. Fire
7. Are You From Mars ?
8. La Vie Qu'On Mène
9. Antifestif
10. Chéri(E)
11. Fonky Plomberie
12. La Boite Et Les Clous
13. Canadèr Love
14. Saturé Nights Part 2
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/oaistar
Voir aussi : http://www.dailymotion.com/video/xahswf_oai-star-cherie-feat-luciano-manife_music
A l’instar de sa visite précédente, en mars dernier, Josh Tillman laisse l’honneur à Zach, son frangin, d’ouvrir le bal. Seul derrière sa guitare, le cadet s’échine à transmettre toute l’étendue de sa passion au public. Un effort qui tombe à plat, tant la voix du jeune homme, aussi puissante soit-elle, est tout bonnement anodine. Idem pour la gratte. Son doigté est soigné mais ordinaire. Du haut de sa chaise, Zach Tillman apparaît comme le post-adolescent qui s’est entraîné toute sa vie entre les quatre murs de chambre pour rivaliser avec un grand frère talentueux. Mais le bon garçon ne parvient tout simplement pas à la cheville de ce dernier, ni même de n’importe quel autre ‘folkeux’ du même acabit.
Trois jours après une prestation au Leffingeleuren qui l’a manifestement marqué (NDR : il nous réserve quelques petites blagues bien senties sur l’organisation et la restauration du festival), J. Tillman investit la Rotonde pour la seconde fois cette année. L’homme, qui avait débuté sur les planches accompagné uniquement de sa guitare, est aujourd’hui flanqué de quatre musiciens. Au sein du line up milite Zach Tillman. Loin du micro. Donc bien meilleur. La première partie du set est essentiellement consacrée à « Vacillando Territory Blues », son excellent recueil précédent. La prestation souffre de quelques soucis techniques. L’un des amplis principaux fait des caprices ; si bien que Josh tente visiblement de se contrôler pour garder son calme. Exaspéré, il trouve la bonne parade en plaisantant tranquillement avec son public pendant que l’ingé-son limite les dégâts.
Avouons-le sans détour, la seconde partie du concert, axée sur « Year in The Kingdom », est tout simplement exceptionnelle. J. Tillman prouve, en l’espace d’une demi-douzaine de morceaux, qu’il est de ces artistes qui se bonifient au cours du temps. Les extraits du nouvel ouvrage se révèlent irrésistibles, entre folk classique et psyché déjanté. L’artiste et ses musiciens se déchaînent comme des diables sur leurs instruments et parviennent à faire vibrer les murs de la petite salle. Il est loin le temps ou le songwriter se dissimulait timidement derrière son micro. Après un concert pareil, Josh et sa troupe peuvent revenir chaque semaine. Et Dieu sait qu’on sera immanquablement au rendez-vous.
Organisation Botanique
(voir aussi notre section photos)
« A Loud Call » constitue le troisième elpee de la chanteuse/pianiste/guitariste/compositrice australienne. Pour enregistrer ce disque, Holly Throsby a reçu le concours de toute une série d’invités, dont son fidèle groupe The Hello Tigers, c’est-à-dire Bree van Reyk (drums, accordéon, glockenspiel, claviers) et Jens Birchall (violoncelle, basse, mandoline).
Après avoir concocté un premier opus très confidentiel en 2004 (« On night »), quasiment fabriqué secrètement et en ‘autarcie’, elle embraie par « Under the town », deux ans plus tard. Pour la circonstance, Holly Bree et Jens se partagent tous les instruments. Elle se fait cependant également aider de Tony Dupé qui apporte sa précieuse collaboration aux cordes, aux cuivres et à la production.
Pour ce troisième cd, elle a fait appel à Mark Nevers qui a enregistré une grande partie de l’album au sein des studios de Nashville. Néanmoins, la partie cordes et cuivres reste l’apanage de Tony, resté au pays.
Onze titres composent ce joli disque caractérisé par une musique pop soignée. Les guitares sèches sont très présentes, les cordes accompagnent élégamment la voix très légèrement rocailleuse de Hooly. De superbes ballades, bien léchées, entrecoupées de temps à autre (NDR : très rarement, si vous préférez) de titres plus rock (« A Heart divided », « One of you for me ») se succèdent tout naturellement (NDR : et sans le moindre heurt) sur les 40 minutes de cette plaque. Bref, une œuvre agréable susceptible de vous procurer un réel moment de plaisir musical et surtout de vous communiquer un sentiment d’apaisement.
Parmi les quelques ‘guests’ intéressants qui ont participé à la confection de cet album, on épinglera la présence de Bonnie 'Prince' Billy, Sarah Blasko, Glen Hansard (The Swell Season), Jack Ladder, New Buffalo, Hayden et Andrew Bird.
‘In The Fishtank’ est à l’origine un concept singulier proposé par le distributeur indépendant hollandais Konkurrent. Ce dernier ouvre ses studios à deux artistes ou deux groupes pendant deux jours. Une période au cours de laquelle divers artistes ont la liberté d’expression et d’expérimentation totale pour naviguer au sein des eaux sonores les plus pures…
L’aquarium est déjà fréquenté par 14 poissons hybrides : « Isis + Aereogramme » (Fish n° 14), « Sonic Youth + The Ex » (Fish n° 9), « Low + Dirty Three » (Fish n° 7)… Mais il vous est loisible de visiter l’intégralité de cette réserve musical sur http://www.konkurrent.nl/labels/fishtank.html
Christian Fennesz, maître autrichien du laptop, et Mark Linkous, leader de Sparklehorse, plongent ensemble ‘In The Fishtank’ pour réaliser le quinzième volet du projet musical. De la rencontre improbable entre le bidouilleur numérique et le guitariste shoegaze, est né un album de 40 minutes où les deux musiciens dessinent des paysages sonores dépouillés à l’extrême. Un monde de mutisme d’une rare limpidité où la voix de Mark Linkous vient briser le silence abyssal des compositions hypnotiques de Fennesz sur « If My Heart ». Le musicien autrichien utilise guitares acoustiques et ordinateurs pour bâtir des compositions à strates dans lesquelles s’enfouissent des mélodies pop sous des vagues d’effets d’electronica. Une merveilleuse union entre figures stylistiques IDM/Electronica et noisy/pop.
« In The Fishtank 15 » nous régale de sept plages aux mélodies silencieusement douloureuses et joliment métaphoriques (« Goodnight Sweetheart »). Fermez les yeux en écoutant « Music Box Of Snakes » et vous serez précipités dans un monde onirique peuplé d’êtres extraordinaires. Et sur « NC Bongo Buddy », Mark Linkous revisite les atmosphères de Slowdive tout en manifestant pleinement sa disposition naturelle pour le shoegazing de qualité.
Un Art électro/pop hautement atmosphérique qui risque cependant de sembler soporifique et insipide pour les uns, mais transcendant pour les autres. Quoi qu’il en soit, cet air de défi surréaliste est réussi pour ces deux excellents musiciens.
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