Les Veils sortiront leur troisième album ce 6 avril. Intitulé « Sun gangs », il a été enregistré sous la houlette de Graham Sutton (Jarvis Cocker / British Sea Power / Bark Psychosis) et de Bernard Butler (NDR : pour un titre*).
Tracklisting
1. Sit Down By The Fire*
2. Sun Gangs
3. The Letter
4. Killed By The Boom
5. It Hits Deep
6. Three Sisters
7. The House She Lived In
8. Scarecrow
9. Larkspur
10. Begin Again
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/theveils et http://www.theveils.com
Même si dans les grandes lignes on peut écrire que les programmations de l’Ancienne Belgique et du Botanique sont assez proches, en général, celle de l’AB se veut peut-être un peu plus éclectique. Du groupe confirmé au chanteur méconnu du public et à découvrir, les deux salles mettent un point d’honneur à éviter les productions trop commerciales. Une philosophie qui a conquis un public fidèle et confiant.
Le principe de l’‘ABBOTA’, est simple. Le premier soir, c’est le Bota qui propose une affiche de 4 groupes belges à l’AB et, le second, c’est l’inverse. Les habitués du Botanique se retrouvent à l’AB-Box et l’AB-Club le temps d’un soir. Et vice versa, le public de l’AB se retrouve à la Rotonde et à l’Orangerie du Bota. Un concept original lancé il y a 3 ans !
19h. papa dada ouvre le bal. L’ABClub convenait parfaitement à ce trio composé d’un claviériste/chanteur, d’un batteur et d’un bassiste. John Janssens chante dans un anglais irréprochable. Musicalement, les compos restent sobres. Une pop accueillante et sympathique. Quelques mots en néerlandais pour faire sourire l’audience néerlandophone, et le tour est joué ! Suite à cette mise en bouche, c’est Selah Sue qui nous attendait dans la grande salle du rez-de-chaussée.
Selah Sue, à peine 19 ans, surprend de sa voix à l’intensité déconcertante. Le répertoire de cette artiste fragile et souriante émarge manifestement à la soul. Une chaleur afro pour une belge qui a grandit à Leefdaal. Découverte par Milow, elle transporte sa guitare à travers tout le nord du pays et a joué en première partie de Jamie Lidell à Londres et Paris. Moins populaire en Wallonie, elle promet pourtant un avenir rayonnant.
Le troisième groupe, The Vismets, dont l’esprit électro-rockeur ne manque pas de vitalité, a donné un sérieux coup de fouet à la programmation ! Le line-up est passé du trio au quatuor. Tout en puissance, des titres comme « Ground Z » ou « Gasoline » sont tout aussi bons, voire meilleurs que leur hit « We are Professionals ». Une progression époustouflante très susceptible de se traduire en réussite dans le futur.
Pour terminer cette soirée, Jeronimo est apparu décontracté et souriant. L’humilité et la modestie se lisent sur son visage. Au fil des années, il a acquis une bien belle expérience. En outre, Jérome Mardaga est parvenu à séduire aussi bien les amateurs de chansons à texte que de musique rock. Pourtant, bien que sur le plan technique, ses compositions soient irréprochables et ses lyrics empreints de sensibilité et de vécu, le seul obstacle qui m’empêche de savourer pleinement son répertoire, reste sa voix. Son timbre est faible et discret. Un handicap pour des compos qui demandent du relief et de l’intensité.
Calmement, les convives terminent la soirée au bar. L’AB ferme ses portes et s’invite le lendemain à quelques centaines de mètres de là, au Botanique. Les groupes à l’affiche : The Sedan Vault, Barbie Bangkok, Maximus et Joshua.
papa dada – Selah Sue – The Vismets - Jeronimo.
Entre douceur et ardeur, Rachael Yamagata effectuait son premier (examen de) passage sur les planches belges. Celles de l’Ancienne Belgique. Dans un club à la limite du surbooking. Un succès de masse inattendu pour la jeune femme venue présenter son second ouvrage, le doublé « Elephants / …Teeth Sinking Into Heart ».
Fraîchement signée chez Warner, Rachael Yamagata a proposé au public un set réfléchi, parcourant à part égale « Happenstance » et « Elephants / …Teeth Sinking Into Heart ». Entamant son set par les délicats « Elephants », « Be Be Your Love» et « What If I leave », la jeune femme est soutenue par quatre musiciens. Elle a toujours le mot pour rire et conte ses déboires avec les hommes, principale source d’inspiration de ses textes. Après avoir demandé à l’assemblée ce qu’il y avait d’intéressant à faire sur Bruxelles après son concert, elle charmera d’ailleurs un certain Pierre. Ce petit veinard aura droit à une sympathique improvisation après lui avoir proposé un dîner en tête-à-tête. « Sidedish Friend », « Faster » ou « Accident », les chansons les plus pop-rock de son répertoire sont les plus acclamées mais également les moins passionnantes. Mais le band (composé de musiciens ayant accompagnés, entre autres, Beth Orton, Sophie B. Hawkins, Iggy Pop, Tom McRae ou encore Rufus Wainwright) tient la route et donne une dimension ‘live’ supérieure aux extraits de « …Teeth Sinking Into Heart ». Le set atteint son climax lors de l’interprétation cathartique d’un titre de 10 minutes extrait de « Elephants », en l’occurrence « Sunday Afternoon », clôturant un concert gracieux et généreux. Yamagata effectue un dernier retour sur scène, seule au piano sur « Reason Why ». 1h20 de pur bonheur.
Organisation : Ancienne Belgique.
La Cumbia est un style musical né au vingtième siècle, en Colombie. C’est un mélange opéré entre des courants musicaux européens et des rythmes afro-latins. La forme traditionnelle du Cumbia s’est imposée sur le continent sud-américain dans les années 60 et 70. Très mélodique, elle est portée par l’accordéon, les voix et les percus. Au cours des décennies suivantes, elle passe de mode… Fin de l’épisode. Car au cours des années 2000, des bidouilleurs mexicains (Toy Selectah et Control Machete) décident d’intégrer les sonorités Cumbia à l’électronique. Ils composent d’ailleurs « Cumbia Sobre El Rio », un tube qui va essaimer l’Amérique du Sud. Le phénomène gagne l’Argentine (NDR : où la Nueva Cumbia fonctionne très fort). Là-bas, elle se frotte au reggaeton, au crunk et au rap. Le phénomène atteint désormais l’Europe où beaucoup de magazines ont glosé sur le genre. « Arriba La Cumbia » se consacre donc à ce phénomène ; une compilation mixée par l’Anglais Russ Jones (Future World Funk). Quatorze plages partagées entre quelques très beaux morceaux de Cumbia ‘à l’ancienne’ et des plages plus électro concoctées par des pointures occidentales comme Basement Jaxx et Up, Bustle & Out ; mais aussi par les vrais représentants du genre, qui sont bien évidemment sud-américains (Toy Selectah, Los Galleros, Corraleros de Majagual). Un joyeux et frénétique bordel où on trouve des bribes de tango, de ragga, de hip hop, de dub et de reggaeton. Un disque à ressortir lorsque les rayons du soleil recommenceront à chauffer cette partie du globe. L’effet est garanti, le rhum aidant.
Johnny Cash n’est pas mort. Enfin, dans l’esprit de nombreux artistes. Et c’est ce que ce disque tente de prouver. En essayant de lui rendre hommage. Imaginée notamment par Snoop Dog et John Carter Cash (le fils de Johnny Cash et June Carter), cette compile intitulée « Johnny Cash Remixed » revisite toute une série de compos écrites par feu le chanteur/compositeur américain. Mais sincèrement, était-il vraiment nécessaire de remixer une partie du répertoire d’un artiste aussi mythique ? On veut bien que ces exercices de style aient été exécutés par des personnalités notoires issues de la scène contemporaine, qu’elles soient hip hop, rock ou électro. Mais pour quel résultat ? On n’est pas loin du massacre, en pure et due forme. Et à la limite, on pourrait presque parler de manque de respect vis-à-vis d’un tel monstre sacré. Le pauvre Johnny doit certainement se retourner dans sa tombe en entendant la nouvelle version d’« I Walk The Line », remixée par QDT Muzic. Déjà que la voix de Cash a été trafiquée, mais les quelques timides flows proposés par Snoop Dog, sont carrément pathétiques. Et le remix de « Sugartime » opéré par Kennedy, n’est pas mieux réussi. Une exception qui confirme la règle : l’exercice de style magistral effectué sur « I Heard That Lonesome Whistle Blow » par l’électronicien berlinois Apparat. Pour la circonstance, il est parvenu à planter quelques beats profonds dans l’expression sonore, sans pour autant la dénaturer. Mais une seule plage sur les douze que recèle l’elpee, c’est un peu maigre…
Pour son premier recueil concocté en solitaire, Dan Auerbach, moitié chantante des Black Keys, retourne aux sources de la discographie de sa formation originelle. Exit la production bien léchée de Danger Mouse caractérisée par « Attack & Release ». Auerbach renifle les terres du Sud, crache un bon coup par terre et déloge le diable terré dans sa guitare. Après une petite détente acoustique sur le porche de sa cabane (« Trouble Weighs A Ton »), le barbu s’en va-t-en guerre. Armé de sa gratte, sa basse et ses distos (« I Want Some More », « Heartbroken, In Despair »).
Sur son chemin, il tente de dénicher de nouvelles sources d’inspiration. Il croise sa protégée, Jessica Lea Mayfield. Ensemble, ils poussent une petite chansonnette (« When the Night Comes »). Mais la simple pensée d’avoir laissé en retrait Patrick Carney, son partenaire de toujours, l’empêche d’approfondir sa recherche de nouveauté. Il se cantonne alors à ce qu’il connaît et sait faire de mieux, comme si « The Big Come Up » et « Thickfreakness » étaient les seules plaques qui constituaient sa collection personnelle de disques. Si votre recherche d’une bonne collection de faces B des Black Keys demeure infructueuse, « Keep It Hid » constitue le substitut idéal.
Oubliez le Birdy Nam Nam tel que vous l’avez connu quand il était jeune et insouciant. Celui-là même qui s’intéressait de près au jazz, au trip-hop et aux bidouillages sans prétention. Au placard la modestie des premiers jours, la bestiole a depuis exécuté quelques pompes, ingurgité une bonne dose d’hormones, s’est envoyé en boucle toute la discographie de Daft Punk, Boys Noize et autres frangins chimiques, avant de se lier d’amitié avec les grosses têtes du show-biz electro made in France. Désormais, la bébête, établie dans des tranchées où on ne l’attendait pas, s’est transformée en machine de guerre et veut faire la révolution en martelant des beats bourrins et putassiers dans ta gueule.
Dissimulés derrière l’entité baptisée Birdy Nam Nam, les quatre mercenaires n’en ont rien à foutre si leur nouvelle décharge n’a rien d’avant-gardiste. Ce qu’ils veulent, c’est voir leurs proies disparaître au cœur d’une série interminable de mouvements spasmodiques, le regard vitreux, le souffle court et suant à grosses gouttes. Jusqu’à ce qu’elles soient à genoux ou que leurs pieds saignent. Blood on the dancefloor. Le but est atteint. Birdy Nam Nam est venu, a vu et a vaincu.
Avant la sortie de leur second ouvrage, prévu pour mai, Future Of The Left, formation née des cendres de McLusky et désormais signée chez 4AD, propose un disque enregistré en public lors de la tournée de promotion de leur excellent « Curses ». Foutraque, à l’image du trio, l’œuvre démarre sur un faux départ comblé par un discours décalé d’Andrew Falkous qui enchaîne, en compagnie de ses camarades, les morceaux de leur œuvre introductive, à la vitesse de la lumière. Les morceaux dépassent rarement les 3 minutes 30 et leur production est plutôt rudimentaire mais l’ensemble retranscrit à merveille l’ambiance et l’énergie punk d’un concert de Future Of The Left.
Le trio, qui avait foulé les planches du Recyclart ne mâche pas ses mots et encore moins ses riffs. « Last Night I Saved Her From Vampires » est un joli cadeau adressé aux fans. Néanmoins, la production approximative pourrait rebuter les néophytes à qui il est conseillé de pénétrer dans le monde de Future Of The Left par la porte principale, « Curses ».
Graham Dowdall s’est forgé une solide réputation en côtoyant des artistes aussi notoires que David Thomas (Pere Ubu), John Cale ou encore Nico. A l’origine, il était même drummer. Mais au plus profond de son subconscient se cachaient, en fait, d’étonnantes tendances électro. Il a même avoué vouloir devenir un créateur d’humeurs et de mélodies électroniques. Pour réaliser ses objectifs, il a donc fondé Gagarin. Il y a un peu plus de douze années.
Tout au long d’« Adaptogen », Gagarin nous entraîne dans un voyage atmosphérique, intergalactique, à la recherche d’une hypothétique quatrième dimension. Les nappes de claviers synthétiques et les beats simples servent de toile sonore à ces paysages visionnaires, destinés à relaxer le corps et l’esprit. On est manifestement ici dans une certaine forme d’ambient/electronica. Les mélodies sont légères et d’une troublante élégance. Les textures tout en nuances. Les downtempos particulièrement bien maîtrisés. Les longues plages instrumentales empreintes de charme.
Si on n’est pas en présence du disque de l’année, il serait vraiment dommage de passer à côté d’une œuvre aussi réussie. Je vous la conseille donc vivement…
Pour l’instant, Kim Wilson tourne régulièrement en compagnie du guitariste texan Johnny Moeller. Mais avant de sceller cette collaboration, il avait révélé un jeune et excellent gratteur, Troy Gonyea. Il l'avait d’ailleurs intégré au sein de ses Fabulous Thunderbirds, en 2002, pour succéder à Kid Ramos. Il y sévira jusqu'en 2004 ; et à son départ, deux guitaristes vont le remplacer : le blanc Nick Curran et le noir Kirk ‘Eli’ Fletcher. Troy avait apporté son concours à Kim Wilson, en 2001, lors de l’enregistrement de "Smokin' joint". Mais il va surtout se révéler début 2003, lors de la sortie de "Lookin' for trouble", paru sur le label MC. Pour la circonstance, Wilson avait d’ailleurs fait appel à toute la bande à Gonyea.
Troy est issu de la région de Boston. A l’âge de 20 ans, il fréquentait déjà et régulièrement les stars de la scène locale. Et en particulier les membres du Roomful of Blues ainsi que Jerry Portnoy, un ex-harmoniciste du Muddy Waters Band. Il lui arrivait même de seconder Sugar Ray Norcia au sein des Bluetones. Troy avait immortalisé quelques sessions studio sur une démo, afin d’étayer son cv. Elles datent de l'an 2000. Et ce sont ces sessions qui, quelques mois plus tard, ont tapé dans l'oreille de Kim Wilson. Elles ont été réunies sur cet elpee, qui ne bénéficie pourtant que d’une distribution fort discrète. A cette époque, Gonyea drivait un trio répondant au patronyme de The Premiers, impliquant le bassiste Jon Ross et le drummer (NDR : un ex-Bluestime de Jay Geils et Magic Dick) Steve Ramsey. Une des sessions a été réalisée par le combo et remonte à août 2000. L’autre date d’octobre 2000. Le line up bénéficie du concours de musiciens de Roomful of Blues, en l’occurrence le pianiste Mark Stevens ainsi que les saxophonistes Doug James (baryton) et Gordon ‘Sax’ Beadle (ténor).
Le trio ouvre l’opus par "Wonderin", un solide shuffle balisé par la section rythmique. La voix de Troy est plutôt juvénile, mais bien timbrée. La guitare trouve immédiatement sa place au sein de l’espace sonore, et se réserve même le devant de scène, en manifestant beaucoup de classe! Caractérisée par sa rythmique saccadée, la cover du "What have I done wrong" de Magic Sam Maghett poursuit dans un registre fort semblable, très Chicago westside. Les cuivres font leur apparition sur "Bad luck blues", un blues lent admirable signé Eddie ‘Guitar Slim’ Jones. Troy chante d’une voix énergique, mais chargée de feeling. Il laisse échapper quelques petites grappes de notes, après chaque phrase vocale. Stevens le talonne de près au piano. Notre jeune artiste aime le Chicago blues. Classique, notamment. Et il le démontre en empoignant sa slide pour attaquer son "Realize". Au passage, il emprunte le riff cher à Elmore James. "Tell me what's the reason" revient à une formule jump. Parfaitement huilée, elle libère énormément de swing. Mais aussi de groove. A cause de la basse acoustique de Jon Ross. Et les deux saxophones en profitent pour s’octroyer un billet de sortie. Après avoir écouté une telle plage, on comprend mieux pourquoi l'ami Kim a été séduit. Autre blues lent aux accents indolents, "Irene" opère un trait d'union entre le Texas et la Louisiane. La configuration du trio délivre à nouveau un maximum de groove tout au long du "Some other day, some other time" de Freddie King. Pour la circonstance, les percus de Steve Ramsey font la différence. Un climat qu’on retrouve sur le "Can't stand to see you go" de Jimmy Reed, une plage au cours de laquelle Gonyea double à l'harmonica. "This can't go on" constitue, à mon humble avis, le meilleur morceau de l’elpee. Un autre blues lent, issu de la plume de Troy. Soutenu par le piano de Stevens et le sax ténor de Beadle, il interprète cette chanson d’une voix bouleversante, débordant de passion. Le trio affronte "Suitcase blues" en trio. Un titre aux accents exotiques, au cours duquel la section rythmique domine parfaitement son sujet. Troy n'a alors d'autre choix que de sortir de sa réserve et concocter un solo savoureux. Pour le boogie rock 'n' roll "Mary Ann", Mark est passé derrière son clavier tandis que Troy prend beaucoup de plaisir au chant. Cet opus de toute bonne facture s’achève par une version intimiste du "Canned Heat" de Tommy Johnson, une adaptation intimiste et très respectueuse de la tradition.
Troy Gonyea milite aujourd’hui chez Howl. Encore et toujours sous la formule du trio. Une formation de rock, responsable d’une musique mêlant l'énergie punk aux accents psychédéliques, tout en s’autorisant les débordements aventureux des jam bands .
Essie Jain, un mystérieux patronyme pour une songwriter anglaise basée à New-York depuis plusieurs années. « The Inbetween » constitue son second elpee. Il fait suite à « We Made This To Ourselves », paru et unanimement acclamé en 2007. Pas de bouleversement dans son univers folk intimiste ; même si certains morceaux s’envolent, prennent du rythme. Essie Jain est toutefois parvenue à passer un pallier dans la profondeur de ses compositions.
A la fois pianiste et guitariste, sa voix reste néanmoins son plus bel atout. C’est d’ailleurs à travers les multiples variations de cette voix que se transmet une émotion omniprésente, tout au long de l’album. Sa musique est donc principalement basée sur ces trois éléments. Mais l’intervention judicieuse de cordes, d’une trompette, d’une contrebasse ou d’une batterie permet de diversifier sa palette sonore. Elle lui confère même un souffle supplémentaire. Comme cette petite touche jazzy à son folk épuré.
Plusieurs écoutes sont cependant nécessaires pour déceler les nuances de cet opus tout en apesanteur. Si la majorité des titres sont calmes et magnifiquement arrangés, certains se détachent du lot. « Eavesdrop » et son refrain chargé de mélancolie ou « You », petite comptine attachante. Mon coup de cœur ira néanmoins à « The Right ». Ce titre cabaret accrocheur et entraînant est également un single imparable. Mais il risque fort de ne pas rencontrer le succès mérité. Il est pourtant digne des compos proposées par les meilleures folkeuses contemporaines. Patrick Glynn a apporté sa collaboration à la confection de cette œuvre. A la guitare, à la voix (sur « I ask you ») et à la production. Un œuvre dont l’ambiance n’est jamais éloignée de l’univers de Portishead ou Alela Diane. Même si le résultat est moins aventureux et électronique que celui des maîtres de Bristol et plus noir que celui de la chanteuse californienne.
Introspectives, ses chansons vous toucheront au plus profond de votre âme, pour autant que vous vous laissiez le temps de vous en imprégner. A l’approche du printemps, ce disque hivernal vous aidera à oublier la tristesse de la saison. Jamais loin de Fiona Apple qui elle aussi nous avait accompagné lors des précédentes saisons froides. Bien plus qu’une chanteuse à piano de plus, donc…
Originaire du Limbourg, Johnny Berlin pratique un style musical évoquant Interpol, Cure, Joy Division et un peu les Pixies des débuts, surtout pour la voix du chanteur Paul Renner. Même si la formation ne propose rien d’original (si ce n’est quelques touches électro bien balancées), elle maîtrise plutôt bien son sujet. Les compos sont bien travaillées et la mise en forme très aboutie. Le mélange de rock énergique et de new wave mélancolique proposé par ce quintet issu de Saint-Trond s’adresse surtout aux adolescents romantiques… Outre la sensation d’uniformité émanant de “Find What You Love And Let It KillYou”, il manque à cette plaque la petite touche de folie et d’originalité pour la rendre excellente. Ce sera peut-être pour le prochain album…
Thieves est comme ces créations posthumes aussi profondément belles que frustrantes. Le soubresaut inattendu. Le couteau dans la plaie pour qui regrettait déjà amèrement la séparation des cinq Canadiennes. « Grab that gun » (2004) avait conquis par sa mélancolie électrique restaurant au féminin la grandeur des Smiths. Mais pas assez pour assurer la suite dans une industrie musicale hostile et formatée ; surmenage et discordes avec leur label Too Pure, diront-elles, ont brutalement balayé leurs illusions. Nos illusions. De pouvoir encore s’abreuver à cette sombre beauté qui fait si bien écho à nos vies aigres-douces. De pouvoir s’épancher en boucle sur cette énergie passionnelle traversée par le timbre androgyne de Katie Sketche.
Thieves approfondit ces mélopées ténébreuses mais illuminées à travers six titres en étoile filante (à peine 15 minutes). L’enregistrement lo-fi (dans un salon) ne fait que renforcer le tempérament et la beauté brute des morceaux. « Even in the night » et « Don’t be angry » touchent précisément par un dépouillement d’où résonne superbement cette voix profonde et troublante. « Oh What A Feeling » et « Fire in the ocean » l’emportent par une fièvre irrésistible coincée quelque part entre regret et détermination. Toujours guidé par le fameux orgue Hammond –d’où « The Organ » –, cet Ep d’adieu continue de tanguer délicatement entre la chaleur pop et la froideur new-wave. Et c’est au creux de ce paradoxe à visage humain que s’opère l’alchimie de The Organ ; ces mélodies simultanément puissantes et fragiles s’offrent pour sublimer la douleur et transcender le passé. S’en plaindront ceux qui se braquent face à l’anachronisme ; y plongeront sans réserve ceux que cette superbe catharsis éveille à la vie.
Pas la peine de perdre son temps pour présenter Simply Red. Après 25 ans d’existence, au cours de laquelle une multitude de musiciens ont transité, le ‘groupe’ de Mick Hucknall a décidé d’arrêter les frais. Une dernière tournée d’adieu est donc prévue pour cette année. Résumée logiquement en 25 titres, la carrière de la troupe de Manchester est émaillée d’une flopée de singles qui ont surtout marqué les années 80 et le début des années 90. Même si certains des plus gros tubes de Simply Red sont des reprises de groupes de soul ou reggae (« Money’s Too Tight (To Mention) », « If You Don’t Know Me By Now », « Night Nurse »), la formation a aussi réussi à imposer ses propres compos dans les ‘charts’. Tous les classiques figurent donc sur ce « Greatest hits », y compris « Stars », le meilleur du lot. Evidemment, certaines plages ont pris un coup de vieux ; d’autant plus que le son caractéristique des années 80 est ici omniprésent. Le fan transi sera d’ailleurs récompensé (?) par un inédit ; en l’occurrence le faiblard « Go Now ». Rien de bien nouveau à l’horizon, donc ; même si ce recueil devrait (on l’espère) clôturer la substantielle série de compiles déjà éditées par l’ami Mick Hucknall. Un personnage attachant, il faut le préciser ; ne fût ce que pour avoir financé l’excellent label de rééditions reggae ‘Blood & Fire’. Run it Red !
Très attendu, le premier album de ce duo féminin new-yorkais a été concocté sous l’égide de Dave Sitek, petit génie qui se cache derrière TV On The Radio. En circulation depuis 2006, Busy Gangnes et Melissa Livaudais se sont spécialisées dans le mélange des genres. Capables de pondre des titres très expérimentaux qui ne dépareilleraient pas sur une compilation ‘No Wave’, elles aiment aussi l’électronique et surtout le dubstep. Le dubstep semble d’ailleurs avoir été une grande inspiration dans la confection de ce disque, comme en témoignent les basses profondes et les rythmiques plutôt complexes (« Lights Go Down ») qui traversent ce disque. Pour enrober le chant naïf et adolescent des deux donzelles, Dave Sitek s’est amusé à bidouiller une série de synthés d’époque pour donner une coloration résolument ‘eighties’ aux neuf titres de « Dance Mother ». Sur « In your line », la rythmique évoque le Cure de la période « Faith », tandis que « Can’t Stand It » rappelle une des kilométriques intros de « Disintegration ». Robert Smith a dû en avoir les oreilles décollées…
Malgré son titre, « Dance Mother » est tout sauf dansant et il faudra à l’auditeur plusieurs écoutes pour apprécier cette tranche d’intellectualisme new-yorkais. Ce qui ne veut pas dire que ce disque soit de mauvaise facture, au contraire. « Chrome’s On It », le minimaliste « Lights Go Down » et le (presque) pop « Michael » constituent de très bons titres laissant entrevoir le potentiel du duo. Certes, l’elpee recèle quelques plages dispensables ou carrément crispantes, le chant boudeur (et un peu limité) du duo n’y étant pas étranger. A boire et à manger donc, mais pas inintéressant….
Ils étaient nombreux à attendre de pied ferme la venue du barbu dans nos contrées, longtemps ignorées par ce dernier. Initialement prévu à l’Orangerie du Botanique, le concert belge de Ray LaMontagne a par conséquent suscité une demande beaucoup plus grande que l’offre. Bye Bye l’Orangerie. Celle-ci a rapidement cédé sous la pression et laissé à son grand frère, un Cirque Royal Medium comble, l’honneur d’accueillir le singer-songwriter.
L’attachante Priscilla Ahn a ouvert la soirée de la plus séduisante des manières. Nouvelle recrue de la scène folk, la petite sœur spirituelle de Neko Case et Jenny Lewis a charmé le public en deux temps trois mouvements, entrecoupant les extraits de son prometteur premier ouvrage, « A Good Day », par de nombreuses interventions à la fois drôles et touchantes. Une artiste à tenir à l’œil.
Accompagné de cinq musiciens, Ray LaMontagne a démarré son set sans cérémonie. D’entrée de jeu, l’homme a dévoilé toute sa puissance vocale sur un « Henry Nearly Killed Me (It’s A Shame) » intense. Sa voix grave et éraillée est de celles qui vous traversent jusque dans les entrailles et vous touchent au plus profond de l’âme. Particulièrement lorsqu’il interprète les chansons les plus apaisantes de son répertoire, que ce soit en compagnie de son groupe (« Trouble », « Sarah », le céleste « I Still Care For You ») ou seul à la guitare (« Burn »). L’homme est venu pour chanter et rien d’autre, comme il le soulignera à un trouble-fête qui lui reprochait de façon peu courtoise son manque de communication avec le public. Sa communication, Ray LaMontagne la transmet à travers sa musique, un folk aux limites du blues et de la country (« Empty », « Three More Days ») parfois teinté de rock (« Meg White ») ou de soul (« You Are The Best Thing », « Hey Me, Hey Mama »). En clôture d’un concert remarquable de près d’1h30, Priscilla Ahn se glisse sur la scène afin d’accompagner LaMontagne sur le titre-phare de son dernier opus, « Gossip In The Grain ». Un duo fascinant précédé par une excellente reprise de Sam & Dave, « When Something Is Wrong With My Baby ». Une conclusion digne de ce nom pour un concert providentiel.
Organisation : Le Botanique
Le violent groupe de Deathgrind new-yorkais, Brutal Truth, vous invite à découvrir un de leurs nouveaux titres sur leur MySpace. Intitulé « Evolution through revolution », ce morceau donnera son nom à un nouvel album –le premier depuis 10 ans–, dont la sortie est prévue pour le 20 avril. Enregistré au sein des studios Watchman à New-York, il s’annonce aussi doux que ses précédents essais…
Tracklisting
01. Sugardaddy
02. Turmoil
03. Daydreamer
04. On The Hunt
05. Fist In Mouth
06. Get A Therapist, Save The World
07. War Is Good
08. Evolution Through Revolution
09. Powder Burn
10. Attack Dog
11. Branded
12. Detached
13. Global Good Guy
14. Humpty Finance
15. Semi-automatic Carnation
16. Itch
17. Afterworld
18. Lifer
19. Bob Dylan Wrote Propaganda Songs
20. Grind Fidelity
Pour plus d’infos : http://MySpace.com/BrutalFuckingTruth
Les hard-rockeurs australiens de The Butterfly Effect sont de retour avec un nouvel album. Clint Boge et sa bande viendront tester « Final Conversation of Kings » sur scène en Europe, dès avril. Aucun show n’est cependant annoncé en Belgique pour l’instant ; mais un petit déplacement à Amsterdam le 28 avril au Winston est fortement conseillé !
Tracklist:
1. Worlds On Fire
2. Room Without A View
3. Final Conversation
4. The Way
5. Window And The Watcher
6. ...And The Promise Of The Truth
7. In These Hands
8. 7 Days
9. Rain
10. Sum Of 1
Pour plus d’infos : http://www.thebutterflyeffect.com.au/final-conversation-of-kings
Le nouveau single des Britons s’appelle « Synthesize » et il est hallucinant ! A regarder sans avoir consommé de substances illicites !
Lien de la vidéo : http://www.youtube.com/watch?v=k8J4Qzt7sso
Mieux connu pour le duo qu’il partage en compagnie de Kruder, Richard Dorfmeister fait son retour sur la scène musicale et prépare la sortie d’un nouvel album, sans son acolyte ; mais bien au sein de Tosca, un tandem qu’il forme avec Rupert Evert. Il s’agit déjà de leur troisième galette, dont la parution est prévue pour le 20 avril 2004 sur le label K7. Pas de doute que les beats electronica house de ce « No Hassle » vont enflammer plus d’une piste de danse !
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/toscak7
Le super duo électro canadien MSTRKRFT (Masterkraft) annonce la sortie de son second opus pour le 27 mars 2009. Après avoir commis un excellent « The Looks » en 2006, les deux producteurs énervés nous proposent donc un elpee intitulé « Fist Of God », un disque qui a bénéficié de la collaboration de quelques featurings ; et notamment du rappeur N.O.R.E. , pour le titre « Bounce ». Inutile de préciser que l’œuvre baignera dans une ambiance dancefloor…
Tracklisting :
01. It Ain’t Love f. Lil Mo
02. 1000 Cigarettes
03. Bounce f. N.O.R.E. & Isis
04. Vuvuvu
05. Heartbreaker f. John Legend
06. Fist Of God
07. So Deep f. Jahmal (The Carps)
08. Click Click f. E-40
09. Word Up f. Ghostface Killah
10. Breakaway f. Jahmal (The Carps)
11. 1000 Cigarettes f. Freeway
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/mstrkrft
L’année ne fait que commencer ; et pourtant ce disque devrait déjà figurer parmi les meilleurs albums de l’année 2009. Il s’agit déjà de leur neuvième livraison. Panda Bear, Avey Tare et Geologist viennent ainsi de réaliser leur opus le plus abouti de leur pourtant déjà riche carrière. Et il devrait être celui de la consécration (NDR : tellement) méritée après avoir vécu de longues années dans un semi-anonymat. Les trois prodiges de Baltimore (Maryland) sont parvenus à réaliser, tout au long de « Merriweather Post Pavilion », l’équilibre idéal entre l’électro expérimentale des premiers elpees (NDR : notamment sur « Hollinndagain »), le psyché folk de « Feels » et les mélodies plus abordables de « Strawberry Jam ».
Au fur et à mesure de leur carrière, les trois génies américains ont marqué de leur sceau les scènes folk et rock alternatives. Des Anglais de Fuck Buttons aux Néo-zélandais de Ruby Suns, en passant par les Américains de Le loup, la musique d’Animal Collective a influencé un nombre impressionnant de groupes contemporains.
Une fois passée l’intro, vous vous retrouverez face à une explosion de sons destinés à titiller vos sens. Lorsque les voix de Panda Bear et d’Avey Tare entrent scène, c’est l’extase sonore. Jamais les trois musiciens n’ont paru aussi en phase entre eux. Les harmonies vocales s’enchaînent et sont soutenues par des beats posés de main de maître par Geologist. « My girls », « Glass Eyes », « Bluish » apparaissent comme autant de pépites rappelant les Beach Boys. Dynamisé par des beats afro, « Brothers Sport » est plus efficace pour se réveiller qu’une douche froide en hiver. Après avoir écouté les quatorze titres de l’elpee, il ne vous suffit plus qu’à les réécouter afin d’en découvrir les innombrables subtilités. Malgré une pochette d’un mauvais goût, ce disque est une véritable mine d’or. Chaque écoute vous révèlera de nouvelles et inattendues surprises.
Les premières parties suscitent rarement mon enthousiasme. Ce soir, ce n’est pas le cas. Il y a iLiKETRAiNS. Pour être honnête, j’ai longtemps hésité avant d’aller revoir Sisters Of Mercy ; mais la présence de ce supporting act m’a définitivement décidé.
Originaire de Leeds, iLiKETRAiNS pratique de la cold-wave proche d’Interpol. Tous les ingrédients sont bien réunis : le baryton mélancolique, la basse hypnotique et les accords de guitares chatoyants mais cinglants. Ce voyage en première classe transporte aussi bien les spectres de Joy Division, And Also The Trees et Nosferatu, parmi les influences 80’s, que de Swerverdriver, pour celles du début des 90’s (Swervedriver) ; et même de Silver Mt. Zion, pour les wagons post-rock. Cette formation est également responsable de textes soignés. Engagés aussi. Ainsi une compo comme « Beeching report » dénonce la décision prise par Richard Beeching, d’avoir restructuré (démantibulé ?) la British Railways. A l’époque des services peu rentables avaient été supprimés et des gares peu fréquentées fermées, à son initiative. Une décision impopulaire qu’il avait étayé à travers un rapport respectant aveuglément la philosophie libérale des States. Témoins de leur engagement, les membres d’iLiKETRAiNS déboulent en uniforme d’accompagnateurs de train. Le trajet est agréable. Les plages montent crescendo avant le déferlement final. Elles nous transportent, nous transcendent et nous libèrent spontanément, en nous incitant à pratiquer le headbanging. Très généreux, les cheminots britanniques nous gratifient d’un arrêt supplémentaire lors du titre « A divorce before marriage ». « A song we never played before » nous garantissent-ils. En l’espace de 6 ou 7 titres et d’une bonne demi-heure, cette première partie nous aura emballés, et les applaudissements nourris du public n’auront pas été usurpés.
Dur, dur par contre d’écrire une review enthousiaste après avoir assisté à la piètre prestation des Sisters of Mercy. Comme la grande majorité du public (NDR : des trentenaires et des quadragénaires), j’ai encore en tête les trois albums (« First, Last and Always », « Floodland » et « Vision Thing ») écoutés en boucle à l’âge de 15 ans. Et les images du concert du Royal Albert Hall, le seul filmé officiellement en 85. Or, on est bien loin de cette ambiance londonienne : le groupe ne ressemble plus à rien, mais on le savait déjà depuis longtemps. Surtout depuis que deux des pions majeurs, Craig Adams et Wayne Hussey, se sont barrés. Ce soir, il y a bien deux jeunes loups qui tentent même de nous les faire oublier. Ils ont beau être convaincus de leur mission, leur performance est médiocre. Si les deux gratteurs originaux étaient dans la salle, ils seraient morts de rire, en regardant et surtout en écoutant ces deux guitaristes de foire… Andrew Eldritch campe aujourd’hui un look bourrin. Suffit de contempler son tee-shirt. Mais on le savait aussi, depuis qu’il a voulu se démarquer du style gothique. Bref, le résultat proposé ce soir ne ressemble plus à rien. Un spectateur averti s’est même décidé à écrire sur le forum de l’AB, que la formation ne vaut pas plus qu’un cover band de ducasse ! Pourtant, les Sisters of Mercy appartiennent à la famille des Artistes dits ‘classiques’ du Rock. Et malgré l’absence de nouvel album, depuis près de 20 ans, ils parviennent à remplir la salle de l’AB, deux soirées de suite. Même au prix exorbitant de 35 Euros ! Car oui, malgré ce tarif, le public n’aura droit qu’à 1 heure 20 de set, rappels y compris. Bon allez, pour ne pas froisser les quelques fans conquis (NDR : on serait tenté d’écrire aveuglés ou endoctrinés), je vous communique quand même une idée de la setlist du concert de ce soir. Mais s’ils reviennent, ce sera sans moi. Car trop c’est trop et la coupe est pleine (NDR : ou vide, c’est comme vous voulez…)
Organisation Live Nation
Les premières parties suscitent rarement mon enthousiasme. Ce soir, ce n’est pas le cas. Il y a iLiKETRAiNS. Pour être honnête, j’ai longtemps hésité avant d’aller revoir Sisters Of Mercy ; mais la présence de ce supporting act m’a définitivement décidé.
Originaire de Leeds, iLiKETRAiNS pratique de la cold-wave proche d’Interpol. Tous les ingrédients sont bien réunis : le baryton mélancolique, la basse hypnotique et les accords de guitares chatoyants mais cinglants. Ce voyage en première classe transporte aussi bien les spectres de Joy Division, And Also The Trees et Nosferatu, parmi les influences 80’s, que de Swerverdriver, pour celles du début des 90’s (Swervedriver) ; et même de Silver Mt. Zion, pour les wagons post-rock. Cette formation est également responsable de textes soignés. Engagés aussi. Ainsi une compo comme « Beeching report » dénonce la décision prise par Richard Beeching, d’avoir restructuré (démantibulé ?) la British Railways. A l’époque des services peu rentables avaient été supprimés et des gares peu fréquentées fermées, à son initiative. Une décision impopulaire qu’il avait étayé à travers un rapport respectant aveuglément la philosophie libérale des States. Témoins de leur engagement, les membres d’iLiKETRAiNS déboulent en uniforme d’accompagnateurs de train. Le trajet est agréable. Les plages montent crescendo avant le déferlement final. Elles nous transportent, nous transcendent et nous libèrent spontanément, en nous incitant à pratiquer le headbanging. Très généreux, les cheminots britanniques nous gratifient d’un arrêt supplémentaire lors du titre « A divorce before marriage ». « A song we never played before » nous garantissent-ils. En l’espace de 6 ou 7 titres et d’une bonne demi-heure, cette première partie nous aura emballés, et les applaudissements nourris du public n’auront pas été usurpés.
Dur, dur par contre d’écrire une review enthousiaste après avoir assisté à la piètre prestation des Sisters of Mercy. Comme la grande majorité du public (NDR : des trentenaires et des quadragénaires), j’ai encore en tête les trois albums (« First, Last and Always », « Floodland » et « Vision Thing ») écoutés en boucle à l’âge de 15 ans. Et les images du concert du Royal Albert Hall, le seul filmé officiellement en 85. Or, on est bien loin de cette ambiance londonienne : le groupe ne ressemble plus à rien, mais on le savait déjà depuis longtemps. Surtout depuis que deux des pions majeurs, Craig Adams et Wayne Hussey, se sont barrés. Ce soir, il y a bien deux jeunes loups qui tentent même de nous les faire oublier. Ils ont beau être convaincus de leur mission, leur performance est médiocre. Si les deux gratteurs originaux étaient dans la salle, ils seraient morts de rire, en regardant et surtout en écoutant ces deux guitaristes de foire… Andrew Eldritch campe aujourd’hui un look bourrin. Suffit de contempler son tee-shirt. Mais on le savait aussi, depuis qu’il a voulu se démarquer du style gothique. Bref, le résultat proposé ce soir ne ressemble plus à rien. Un spectateur averti s’est même décidé à écrire sur le forum de l’AB, que la formation ne vaut pas plus qu’un cover band de ducasse ! Pourtant, les Sisters of Mercy appartiennent à la famille des Artistes dits ‘classiques’ du Rock. Et malgré l’absence de nouvel album, depuis près de 20 ans, ils parviennent à remplir la salle de l’AB, deux soirées de suite. Même au prix exorbitant de 35 Euros ! Car oui, malgré ce tarif, le public n’aura droit qu’à 1 heure 20 de set, rappels y compris. Bon allez, pour ne pas froisser les quelques fans conquis (NDR : on serait tenté d’écrire aveuglés ou endoctrinés), je vous communique quand même une idée de la setlist du concert de ce soir. Mais s’ils reviennent, ce sera sans moi. Car trop c’est trop et la coupe est pleine (NDR : ou vide, c’est comme vous voulez…)
Setlist approximative :
Titres “inédits” (dont “We are the same Susane”)-
Ribbons –
Destination Boulevard-
Alice-
Marian-
Summer-
Flood I-
Giving Ground-
First, Last and Always-
On the Wire-
Dr Jeep-
Good Things-
Flood II-
Dominion/Mother Russia-
Lucretria my reflection-
Something Fast + solo guitar-
Vision Thing-
Temple of Love-
Organisation Live Nation
Les Anglais de My Vitriol se sont distingués en 2001 par la confection de « Finelines », un premier ouvrage acclamé par la presse, le public sans oublier de nombreux artistes dont certains allaient jusqu’à décrire le combo comme ‘le meilleur groupe rock du début de siècle’. Très discret, le quatuor a publié en 2002 une version double de sa plaque, réintitulée « Finelines / Between The Lines » avant de prendre l’étonnante décision de retourner dans l’anonymat. En 2007, la formation publie « A Pyrrhic Victory », un Ep inespéré, et annonce son retour. Mais il aura fallu attendre deux années supplémentaires avant les revoir sur scène. Chose faite ce lundi sur les planches du VK.
La première partie était assurée par Daktari, un jeune groupe belge officiant dans un rock plutôt standard et pas vraiment transcendant. La formation n’a d’ailleurs pas réussi à rassembler plus de 50 quidams dans la salle. Le moment idéal pour aller faire un tour au bar.
Un bar quasi désert. Ne serions-nous donc qu’une petite cinquantaine à s’être réunis pour fêter le retour des anglais de My Vitriol ? Ceux-ci attaquent la scène vers 21h30 et la salle s’emplit un tout petit peu plus qu’au moment de l’avant-programme. En tout et pour tout, une centaine de personnes seulement se sont donné rendez-vous dans la salle molenbeekoise. 8 ans d’absence, ça se paie. Ce qui n’a pas eu l’air de contrarier Som Wardner et ses collègues qui entament leur set sur une fausse note avant de se reprendre et envoyer un « Moodswings » surpuissant aux oreilles de l’assistance. My Vitriol joue fort. Très fort. Des boules Quiès auraient d’ailleurs été les bienvenues. Le quatuor interprète principalement des morceaux de « Finelines », leur premier ouvrage. Un classique qui n’a pas pris une ride même si la formation semble parfois un peu rouillée. A deux ou trois reprises, le quatuor dérape avant de se reprendre, très dignement et professionnellement. Entre deux tubes, il propose quelques nouveaux morceaux, promettant un second recueil à la hauteur de « Finelines / Between The Lines ». Les Anglais offriront également au public belge une reprise décente de « Hey Hey, My My », le classique de Neil Young avant de clôturer le set de près d’1h30 par un « Always : Your Way » très attendu.
My Vitriol a encore besoin de se roder sur les planches avant d’effectuer un retour digne de ce nom ; mais le show auquel les quelques fans fidèles ont assisté laisse présager le meilleur pour le quatuor.
Organisation : VK
Pour « I Feel Cream », son prochain opus qui paraîtra le 4 mai, Peaches s'est rameutée du beau monde. Soulwax, Simian Mobile Disco, Digitalism, Gonzales ou encore Drums Of Death participent tous à la plaque dont le premier single, double A Side, sera « Talk To Me / More ».
Tracklist :
01 Serpentine
02 Talk to Me
03 Lose You
04 More
05 Billionaire
06 I Feel Cream
07 Trick or Treat
08 Show Stopper
09 Mommy Complex
10 Mud
11 Relax
12 Take You Out
« The Spirit Of Apollo » est le titre du premier album de N.A.S.A., un projet hip hop prometteur derrière lequel se cache Squeak E Clean et DJ Zegon. Les deux hommes ont ainsi réussit à réunir sur un seul et même disque plus de 40 guests prestigieux dont, entre autres, Karen O et Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), David Byrne, Tom Waits, Kanye West, Santogold, M.I.A., Method Man, Ghostface Killah, Lykke Li, John Frusciante, Spank Rock, Lovefoxxx (CSS) ou encore George Clinton.
« The Spirit Of Apollo » sort cette semaine via Pias.
« Fork In The Road » est le titre du prochain Neil Young, à paraître le 31 mars. Le premier single, « Johnny Magic », sera disponible dès ce mardi sur les plateformes de téléchargement légal.
Tracklist :
01 When Worlds Collide
02 Fuel Line
03 Just Singing A Song
04 Johnny Magic
05 Cough UP The Bucks
06 Get Behind The Wheel
07 Off The Road
08 Hit The Road
09 Light A Candle
10 Fork In The Road
La formation d’Emily Haines publiera son quatrième disque le 20 avril. « Fantasies » fait suite à « Grow Up And Blow Away » (2007) et sera précédé du single « Help, I’m Alive ».
Tracklist :
Help I’m Alive
02. Sick Muse
03. Satellite Mind
04. Twilight Galaxy
05. Gold Guns Girls
06. Gimme Sympathy
07. Collect Call
08. Front Row
09. Blindness
10. Stadium Love
Avant de se produire en concert au cours de la soirée, O’Death avait déjà accordé un set l’après-midi. Un mini-concert quasi acoustique destiné aux enfants. Une initiative particulièrement intéressante et surtout éducative, imaginée par l’Aéronef. Une belle manière de préparer les futurs mélomanes aux spectacles et surtout les plonger dans l’univers de la musique. Le tout s’opère dans une atmosphère ludique et sous la surveillance des parents. Actuellement ces événements se déroulent une fois par mois et sont gratuits. Attention, les parents ne sont admis que s’ils accompagnent leur progéniture. Profitons-en également pour féliciter les artistes qui acceptent de participer à ce type de spectacle, en adaptant leur musique à cette audience enfantine.
Mais revenons à la soirée, pour laquelle, 31Knots était prévu en première partie. Un trio issu de Portland qui déménage, c’est le moins que l’on puisse dire. Grand, vêtu d’un costard blanc, Joe Haege déboule sur la scène, mais en venant de l’arrière de la salle. Il porte une valise à la main, qu’il dépose sur le podium. Il commence alors à se dévêtir, laissant alors apparaître une succession de costumes, en un temps record. Mais plus jamais, il ne revêtira son trois-pièces immaculé. Il change d’ailleurs de fringues tout au long du spectacle. Et lorsqu’il n’en a plus assez, il les puise dans sa valoche. Le strip-tease s’arrête cependant au caleçon long. Et le déguisement s’achève par un uniforme de G.I. en permission. J’allais oublier l’essentiel, c’est aussi et surtout le chanteur/guitariste. Jay Winebrenner, le bassiste, est coiffé de son habituel bonnet sibérien. Il l’enlève très rarement. Et passe à la guitare, lorsque Joe se concentre uniquement au chant. Derrière, Jay Pellicci, cogne ses fûts avec une détermination et une précision jamais prises en défaut. La musique de 31Knots n’est pas facile à encaisser, les changements de tempi fréquents, oscillant du très rapide à l’extrêmement lent, en passant par le spasmodique ; mais elle est bigrement bien ficelée et très puissante, surpuissante, à la limite assourdissante. Joe est un showman hors pair. Il descend dans le public à plusieurs reprises, micro, pied de micro ou guitare à la main. Il titube, trébuche, se roule par terre, tombe dans les bras d’une fille ; et, en fin de parcours, nous gratifie d’un solo à la Carlos Santana. Jay, le suit une seule fois dans la fosse, pour s’y asseoir et continuer à gratter son manche. Et à l’issue de cette tempête, le public a réclamé un rappel. Que le trio a accordé. Une fameuse claque et déjà des acouphènes, avant de passer au groupe suivant…
En l’occurrence O’Death. Un quintet newyorkais dont le style campe un cocktail de country, de folk, de punk, de bluegrass et de rock, parfumé de saveurs tziganes, gothiques, jazz et roots. En outre, sur les planches, trois des musiciens (le bassiste, le violoniste et le drummer) ont un look de métalleux (NDR : les chevelures !). Après un morceau, ils sont d’ailleurs torse-nus arborant de magnifiques tatouages sur le corps. Le reste du line up implique un joueur de banjo, qui se charge épisodiquement de l’ukulélé tout en assurant la seconde voix et le chanteur/guitariste Greg Jamie. Et ce quintet va nous dispenser un set de brève durée, mais particulièrement entraînant, tourmenté, débordant de passion. Seul Jamie reste calme, impassible, au beau milieu de la tourmente, et de son falsetto bouleversant qu’il accompagne de sa sèche, il prend un soin particulier à soigner la mélodie. Tour à tour, Bob Pycior au violon et Gabe Darling (NDR : les cheveux roux, il ne peut qu’être de descendance irlandaise !) au banjo (dont la lanière est constituée de chiffons noués) se réservent un billet de sortie. Aux drums, David-Roger Berry participe également au show. Tantôt, il frappe comme un malade sur ses peaux. L’instant suivant, son drumming est plus souple ou allègre. Il a également l’art de faire tournoyer ses sticks entre les doigts. Parfois, il se lève, monte sur sa batterie, et empoigne la barre de jeux de lumières qui se trouve juste au-dessus de lui. Il a placé une chaîne sur une de ses caisses et remplacé un tom par une poubelle en plastique. Ses cymbales ont des kilomètres. Aussi, pour les renforcer, il fixe, de temps à autre, une seconde de plus petite taille, sur la plus grande. Lors des rappels, il va même accrocher un tambourin sous son pied droit. Enfin, beau gosse, Jesse Newman (NDR : il est roux également !) balise le groove de ses accès de basse. Mais chez cet ensemble, si les compos dérapent parfois dans la frénésie, leur technique n’est jamais prise en défaut.
Le combo va accorder deux rappels, et lors du second se fendre d’une superbe reprise du « Nimrod’s Song » des Pixies. Le public en veut encore, mais le groupe est cuit. Il est en fin de tournée européenne et David-Roger a d’ailleurs démantibulé sa batterie après le dernier morceau. N’empêche, on a vécu deux bons concerts, ce soir…
Organisation Aéronef.
Amadou et Mariam sont loin de se cantonner dans une world music classique et banale. Pour preuve, sur leur dernier opus, Dave Albarn était venu ajouter une discrète mais élégante touche électro, alors que Tiken Jah Fakoly s’était illustré en posant délicatement sa voix sur des accords reggae. Et Manu Chao avait apporté à certains titres de « Dimanche à Bamako », leur avant-dernier opus, un parfum sud-américain particulièrement séduisant. Cette date bruxelloise constituait déjà la quinzième d’une longue tournée baptisée ‘Welcome to Mali’, un périple qui a débuté à Reims, ce 21 janvier. Au cours de ce concert on s’est d’ailleurs rendu compte que le rodage de leur spectacle n’était pas encore achevé, et qu’il ne pouvait que bonifier au fil du temps. Une période qui devrait suffire pour être au top, entre le 10 et le 24 février, point d’orgue de leur tournée, puisqu’ils ont été invités par Coldplay (NDR : et oui, rien qu’eux !) pour assurer leur première partie aux States.
Mais revenons à ce set pour lequel nous sommes arrivés malheureusement trop tard, afin d’assister au supporting act. Faut dire que l’Ancienne Belgique a décidé de n’annoncer les horaires et le nom des artistes programmés en première partie, que le jour même, à partir de 12 heures ! Dans ces conditions, difficile d’être ponctuel. Surtout lorsqu’on passe l’avant-soirée dans un bistrot sympa de la capitale, fréquenté par Arno.
Bref, sur le coup de 20h50 (NDR : précises, chapeau à l’organisation !), nos Maliens montent sur les planches. Le début de concert est plutôt calme mais riche en émotions. On ressent toute la complicité et l’amour (NDR : pour leur couple, la musique, leur pays et l’humanité… n’ayons pas peur des mots !) partagé par le duo. Tout au long de la première partie, les chansons traduisent la générosité des artistes et véhiculent des thèmes fédérateurs de paix et de tolérance. Conquis, le public belge ne faillit pas à sa bonne réputation ; mais il a envie de bouger. Un souhait qui ne sera exaucé que lors du deuxième acte, grâce notamment aux chorégraphies déhanchées des deux charmantes choristes et aux rythmes endiablés d’un percussionniste venu mettre l’ambiance sur l’avant de la scène. Inévitablement, la température monte d’un cran au sein du public et un rayon de soleil africain vient nous réchauffer le cœur (et le corps !)
Lors du premier rappel, le duo décide de plonger toute la scène dans le noir, afin de sensibiliser la foule au travail des associations qui s’occupent des aveugles. Un moment de recueillement de brève durée, puisque les lumières se rallument progressivement, provoquant à nouveau l’enthousiasme de l’audience.
Et en second rappel, le couple nous délivrera « Senegal fast food », avant un dernier titre salvateur…
L’éclectisme rencontré tout au long de leur dernier opus a donc bien passé la rampe, sur la scène bruxelloise. Bien sûr, on aurait souhaité que le show s’enflamme davantage et puis de vivre un show de la trempe de ceux que leur pote a l’art de nous livrer (NDR : on parle bien ici de Manu Chao !) Ce sera peut-être pour la prochaine fois. C'est-à-dire lors de l’édition 2009 du Couleur Café, festival au cours duquel Amadou et Mariam sont d’ores et déjà programmés…
Organisation UBU.
Nederlands 
Français 
