Comme l’indique le titre de leur dernier album, les Woodpigeon sont canadiens. Ils nous viennent de l’ancienne cité olympique de Calgary. Composé de huit membres, le petit orchestre est dirigé par Mark Hamilton, chanteur, guitariste et principal compositeur. Grand amoureux des oiseaux et des pigeons en particulier, il a plus qu’influencé le choix du patronyme du groupe… « Treasury library Canada » constitue leur second album. Il fait suite à l’unanimement acclamé « Songbook », sorti l’année dernière en Europe, mais déjà publié en 2006 aux Etats-Unis.

Encore des Canadiens me direz-vous ! Et oui… c’est maintenant officiel, la musique la plus excitante du moment nous vient de Montréal, Toronto et maintenant de Calgary ! Pourtant dans le cas du gang de Mark Hamilton, les débuts n’ont pas été faciles. Etabli alors en Ecosse, le groupe, était alors baptisé Woodpigeon Divided By Antelope Equals Squirrels et se contentait de produire une banale musique instrumentale, tant Mark Hamilton doutait des capacités de sa voix. Le retour salvateur (pour nos oreilles en tout cas…) au Canada, débarrassé de ce nom interminable, a permis à Hamilton de prendre confiance. Classique et classieuse, la musique de Woodpigeon est souvent comparée à celle d’autres orfèvres de la pop actuelle. Et notamment Sufjan Stevens, Grizzly Bear et Belle and Sebastian. Un cran en-dessous peut-être, mais juste en-dessous. Mark reconnaît, en outre, pour influence littéraire, Ray Davies des Kinks.

Les 14 chansons de ce copieux opus n’accrochent pas instantanément l’oreille. La superbe voix d’Hamilton bien. Son timbre caresse la musique de ces pigeons des forêts qui roucoulent doucement. Impeccablement orchestrés, les arrangements sont soignés et l’univers boisé de Woodpigeon n’est pas éloigné de celui du barbu d’Iron and Wine. Des moments forts ? « I live a lot of place » et sa mélodie imparable. L’intro au piano du judicieusement intitulé « Piano pieces for adult beginners ».

Mais pourquoi réunir huit musiciens pour dispenser une pop pastorale qui semble apparemment couler de source aussi facilement. Une abondance de moyens ? Ne vous fiez pas aux apparences, car dans l’univers sonore de Woodpigeon tout est calculé et subtilement fignolé. Parfait pour accompagner ces premiers jours du printemps ou pour un rendez-vous romantique ! « Tresury library Canada » ne devait être qu’un petit passe-temps bricolé à la sauvette. Ce qui explique peut-être son manque d’originalité. Mais aussi récréatif que puisse être le projet, on peut tout de même parler de belle réussite. Le prochain elpee du groupe est déjà prévu pour la mi-2009. Il sera baptisé d’un curieux titre germanique : « Die stadt muzikanten ». Encore quelques semaines à attendre…

Dans un monde ou rien n’est pris au sérieux, Kid Acne serait Roi. Fier de son parcours précédent dans l’art urbain, il tente à nouveau de recouvrir des murs de ses peintures criardes. En effet, il est une époque où la peinture en bombe était son seul instrument de communication. Mais à présent, à défaut de briques, c’est sur des surfaces sonores qu’il balance ses fatcap. Rappeur, producteur, poète des banlieues, il décharne un rap qu’il trouve un tantinet mollasson, pour lui insuffler une bonne dose de rock à la limite du punk. Sur ce deuxième elpee, l’Anglais fort en gueule veut nous faire comprendre que l’âge de la maturité est arrivé pour lui, et qu’il à délaissé ses bouteilles de Biactol. Sur 11 plages, Kid Acne déverse sa rage à grandes doses d’irrévérences mais pas exempte de références. Basculé de gauche à droite sur des beats couillus, « Romance Ain’ t Dead » a le don de vous écorcher les sens sans trop de difficultés. Pourtant, cet album n’est pas facile à assimiler ; et plusieurs écoutes sont nécessaires avant de pouvoir s’imprégner des courtes 30 minutes englouties à pleines bouchées. Stratégiquement, la durée de la galette est parfaite. Assez longue pour faire sortir les yeux des orbites, mais trop courte pour leur laisser le temps de regagner leurs orifices béants. Si vous êtes fans d’expériences sonores, de rap et que le punk hardcore ne vous laisse pas indifférent, vous ressentirez les mêmes émotions qui m’ont parcouru lors de l’écoute. Un véritable retour en arrière, mais jute pour prendre de l’élan, et sauter loin, plus loin encore que vous ne l’auriez imaginé.

Dès qu’il se met à chanter, on reconnaît son timbre de voix particulier. Quant aux mélodies, elles sont toujours aussi légères et émouvantes. Dick a du métier. Et sa carrière de plus de 30 ans en est la plus belle illustration. Véritable ovni de la chanson francophone, l’homme surprend encore et toujours, par sa justesse, ses ambiances décalées mais toujours confortables. « Soleil du Soir » tape encore dans le mille. Annegarn ferme un œil pour se concentrer sur sa cible. D’éléments sonores en rondeurs de textes, il se décale d’un pas et nous projette en plein cœur, des flèches construites dans un bois fantastique et intemporel. En poète avisé, Dick s’épanche sur des textes parfaitement fignolés et nous invite à les partager sur des airs folk, blues voire country. Ne vous attendez cependant pas à être plongés au sein d’une quelconque ambiance saloon-western, mais plutôt à partager une chaleur et une énergie susceptible de se dégager de ce genre musical. Jamais avare de bonnes idées, l’ami Annegarn dépeint constamment des scènes magnifiques où il nous a réservé une place, sur laquelle nous nous asseyons en toute confiance. De « D’abord un Verre » à « Décadons », on se laisse bercer par les onze plages de l’album en toute quiétude, mais sans se rendre compte de la perte de nos moyens. Modeste et fidèle, Mr Annegarn n’oublie pas ses pères, et se laisse même aller à la dédicace en proposant « Jacques », clin d’œil respectueux et plein d’amour à un autre grand monsieur : Jacques Brel. A l’instar de ses précédents opus, « Soleil du Soir » est une œuvre de toute bonne facture et quiconque ayant encore cette petite flamme qui brûle dans son cœur, ne peut que succomber à son charme. Et tant qu’on y est autant en rajouter une couche : ce disque frôle la perfection.

Cinquième album pour cette formation australienne fondée à Perth en 1998. En un peu plus d’une décennie, le line up a connu toute une série de changements ; le dernier en date remontant à 2006, lorsque Dan Luscombe a remplacé Rui Pereira à la seconde guitare. Parce de l’électricité, The Drones n’en est pas avare. Ce qui explique aussi certainement son patronyme. Gareth Liddiard est l’autre gratteur. Mais aussi le leader et le lyriciste. Et en général ses textes sont plutôt trempés dans l’acide, traitant aussi bien de Dieu, de la mort, du divorce, de l’interracialité (un thème récurrent), de la pornographie sur internet que de la politique. Des lyrics qu’il chante d’une voix nasillarde, abrasive, parfois déclamatoire, empruntant parfois des inflexions à Mick Jagger. L’intensité sonore de The Drones est, en général, très impressionnante. Tantôt on pense au Crazy Horse de Neil Young, aux Scientists, à Birthday Party, Sonic Youth, Green on Red, Leather Nun ou encore Died Pretty. Mais ce sont les compos les plus hymniques qui sont aussi les plus irrésistibles. A l’instar de « The minotaur », « I am the supercargo » et « Careful as you go », trois plages absolument remarquables et terriblement contagieuses. Et le reste de cet “Havilah” ne manque pas d’allure. Il y a bien un zeste d’acoustique, un chouia de festif (le final « Your aching’s like the end of the world »), histoire de reprendre son souffle ; mais le bain d’électricité est garanti. D’ailleurs si vous aimez la conjugaison vivifiante, venimeuse, épique, cinglante, sauvage, torturée des guitares, vous ne pouvez passer à côté de cet album…

Les mordus de drum’n’bass se souviennent certainement de Tim Exile, un personnage responsable d’un drôle d’album, intitulé « Pro Against », paru sur le label Planet Mu. Un disque qui a manifestement marqué les esprits. Faut dire que ce Britannique, désormais installé à Berlin, est… très versatile. A un tel point, qu’il est incapable de fidéliser le moindre fan, tant il change de style à chaque nouvelle réalisation. Son précédent elpee, « Nuisance Gabbaret Lounge », était encore sorti chez Planet Mu, en 2006. Depuis, le fantasque Tim a signé chez Warp et nous propose ce « Listening Tree ». S’il demeure quelques traces de drum’n’bass, ce disque baigne dans une électro-pop ténébreuse. Tim Exile chercherait-il le chaînon manquant entre Aphex Twin et Depeche Mode ? Une chose est sûre, la radicalisation de son concept sonore passe mal la rampe. Et il faut craindre que sa nouvelle orientation ne le dirige droit dans le mur. Bien sûr, la mise en forme est irréprochable. Mais sa voix ne colle pas du tout à ses compos déstructurées. On ne comprend d’ailleurs pas pourquoi il veut se la jouer au héros pop, alors que cet électronicien est bien plus doué derrière ses machines que dans les vocalises. La plaque recèle bien quelques moments electronica intéressants, dont « Pay Tomorrow », une des rares plages au cours de laquelle, le chant de Tim est correct. Mais pour le reste, la déception est à la hauteur de nos espérances. « Listening Tree » fait donc un peu tâche d’huile dans son parcours ; mais comme ce touche-à-tout retourne sa veste, dès qu’il sent que les circonstances ne lui sont pas favorables, il est bien capable de revenir en force dans un futur proche. Et pourquoi pas dès son prochain album. Enfin, je l’espère !

Jason Falkner n’a jamais vraiment brillé par un quelconque succès et sa discographie demeure un secret bien caché. « Can You Still Feel ? », son second recueil publié en 1999, aurait pu être celui de la reconnaissance mais, malgré de bons échos journalistiques, le public n’a pas suivi. Deux ans plus tard, Falkner délivrait « Bedtime With The Beatles », un album-concept reprenant quelques-uns des plus grands tubes de la bande à John Lennon (« Across The Universe », « Michelle », « Blackbird »…) retravaillés sous forme de berceuses instrumentales et dépouillées. Une œuvre d’Easy Listening écoutée et approuvée par McCartney mais auquel le public n’adhère toujours pas. Et l’histoire pourrait se répéter avec ce « Bedtime With The Beatles (Part 2) » dont les mélopées feront essentiellement les beaux jours des jeunes parents en quête de moyens pour assommer leur progéniture à l’heure du coucher. 

Falkner s’attaque ici aux inoubliables « Lucy in the Sky With Diamonds », « Yesterday », « Here Comes The Sun » ou « Penny Lane » sans leur apporter une quelconque valeur ajoutée. Bien au contraire, « Bedtime With The Beatles (Part 2) » réduit les tubes de la formation culte à de banales ébauches lobotomisantes. Une belligérance telle que ce « Hey Jude », parcouru d’un fredonnement ultra irritant, assure à lui seul l’échec éventuel de ce recueil. La gloire n’est pas encore prête à frapper à la porte de Jason Falkner…

Plus jeune, Thomas Fersen furetait sur les brocantes. Parmi un lot de bric et de broc en tout genre, il acheta une valise. Il ne s’en doutait pas encore, mais c’était celle de Mary Poppins. Remplie d’ustensiles hétéroclites, elle dévoila assez rapidement ses pouvoirs surnaturels. Depuis cette époque, cette valoche ne le quitte plus ; et après sept albums, on se demande quand même s’il n’a pas abusé de ses pouvoirs. A chaque création, il l’ouvre et découvre de nouveaux compagnons pour parfaire son univers abracadabrantesque. Pour ce « Trois Petit Tours », Fersen y va à la grosse louche et nous balance de l’ukulélé gondolant, du banjo farceur, voire même une fanfare complète ou une batterie de casseroles. Tout est bon pour faire du bruit et l’homme n’est pas avare d’expériences à partager. Son univers sonore fleure bon le fantasmagorique, surtout que les textes pondus par le Français sont écrits à la lueur d’une chandelle magique. « Trois Petits Tours » est du Fersen pure souche, reconnaissable entre mille ; un opus qui devrait ravir ses fans et exaspérer ses détracteurs. N’étant ni l’un ni l’autre, il aura fallu que je tende une oreille distraite et manifeste un brin de naïveté pour parvenir à m’enfiler l’intégralité de l’elpee. Définitivement ‘too much’, Fersen dépasse les bornes, mais c’est apparemment sa marque de fabrique. A la limite il est saoulant. Les premières impressions d’ivresse sont cependant fort sympathiques, mais à force, provoquent des maux de crânes inopinés… Une bonne âme aurait-elle un alka-seltzer à me filer, par hasard ?

Est-il encore nécessaire de présenter ces Ecossais dansants, après les succès fulgurants de leurs deux premiers albums ? La trajectoire parfaite de ces anciens étudiants, ayant fréquenté la Glasgow School of Art, est en effet quasiment connue de tout amateur de pop. Formé en 2001, à l’initiative de Robert ‘Bob’ Hardy et Alex Kapranos, le groupe a exécuté ses premières répétitions au désormais mythique ‘Château’. Franz Ferdinand y a d’ailleurs, depuis, installé ses quartiers généraux. L’endroit accueille même des soirées multiculturelles. Et c’est au sein de ce bouillon de culture ‘warholien’ qu’ont été concoctés les deux premiers albums : l’unanimement acclamé « Franz Ferdinand » ainsi que le très réussi « You could have it so much better », deux elpees finalement fort proches.

« Tonight : Franz Ferdinand » constitue donc leur troisième essai ; et le groupe ne semble pas souffrir de la moindre baisse de régime. Même si la plaque n’atteint pas le niveau du premier opus, elle vole un cran au-dessus de la mêlée de la discographie contemporaine. Et si à ses débuts, l’objectif d’Alex Kapranos était de faire danser les filles, force est de constater qu’il y parvient une fois encore tout au long de ce disque. Les douze compositions ont été enregistrées sous la direction du producteur Dan Casey (CSS et Hot Chip). Ce qui explique la présence de légers accents électro, pimentés tout au long de l’opus. Bref, une légère évolution dans leur musique, même si le combo ne renie pas ses racines. On n’en est pas cependant à un changement radical de cap, comme le groupe l’avait annoncé avant la sortie de la plaque. Car hormis la longue outro de « Lucid dreams », la métamorphose et plutôt discrète.

Bonne nouvelle, les singles sont à nouveau légion. Ces mini-hymnes, disponibles sur chaque album, constituent d’ailleurs la principale force des Franz Ferdinand. Saupoudré d’un subtil accent électro, « Ulysses » fait instantanément mouche ! C’est une certitude, les rois de la pop n’ont pas perdu leur sens mélodique et leur science des refrains pop fédérateurs ! Kapranos a déclaré s’être mis à l’écoute des ‘Ethiopiques’ et ça s’entend sur le très réussi « Can’t stop feeling ». Deux titres réminiscents de leur travail antérieur, les dansants « No you girls » et « Live alone », constituant, à mon humble avis, les meilleures plages de « Tonight ».

Mention spéciale également à l’image illustrant la pochette. Après s’être inspiré du Bauhaus et du constructivisme, le quatuor s’est ici plongé dans les photographies de Weegee, un artiste qui avait immortalisé sur pellicule les fameuses scènes de crime perpétrées dans le New-York des années 40 et 50.

Toujours signé sur l’excellente maison Domino, « Tonight » confirme tout le bien que l’on pense des Franz Ferdinand. L’œuvre est une réussite même si elle n’atteint pas la quintessence du tout premier elpee. Et je crains fort que le combo ne parvienne plus jamais à reproduire une telle performance. Serait-ce le coût à payer pour un chef-d’œuvre ? La question reste posée…

Ghinzu marque, en ce début de printemps, l’un des retours les plus attendus de la scène rock belge. Cinq ans après avoir délivré l’incontournable « Blow », le quintet reprend les armes. Première constatation : rien n’a changé. L’énergie du combo est restée intacte et sa capacité à concocter des mélodies imparables risque à nouveau de faire des jaloux. « Mirror Mirror » est composé de douze morceaux taillés sur mesure pour les foules déchaînées et les radios. Les influences manifestes de Muse, Radiohead et The Strokes ne sont jamais loin (« Take It Easy », « Mirror Mirror », « Dream Maker », « The War Is Silent »…) même si Stargasm et ses potes tentent de les couvrir par un décalage et une décontraction propres à la formation.

Seconde constatation : quelque chose à changé. Les arrangements sont bien plus propres sur eux. Les chevaux de « Blow » ont laissé place aux pépiements des « Birds In My Head ». L’attaque cérébrale provoquée par « Til You Faint » est remplacée par les quelques salves synthético-spatiales inoffensives de « Interstellar Orgy ». « Mirror Mirror » tient essentiellement sa force des morceaux les plus puissants (« Cold Love », « Mirror Mirror », « Kill the Surfers ») mais se perd quelquefois dans une recherche mélodique un peu trop réfléchie (« Mother Allegra », « This Light »). Au Ghinzu posé, on préférera le côté obscur et crade du miroir, surtout lorsqu’il balance une tuerie comme « Je t’attendrai ». Un disque qui risque fort de prouver son efficacité sur scène, essentiellement.

Lien vidéo "Take it easy" : http://www.dailymotion.com/user/ghinzutv/video/x9jsl6_ghinzu-take-it-easy_music

Big Flame est un trio mancunien qui a sévi entre 1983 et 1986. Pratiquant un punk rock indie, il constitue une des influences majeures pour le Manic Street Preachers. Enfin, à se débuts. Lorsque Big Flame splitte, Alan Brown décide de former The Great Leap Forward. En 1987. En fait, il s’agit davantage d’un projet solo que d’un véritable groupe. Ce qui n’empêche pas le line up de s’étoffer lors des performances live.

A moins d’être né à Manchester, non loin d’un fish & ships, difficile d’apprécier un tel album. Condition un peu légère et trop catégorique ? Peut-être. Mais ce petit fossé culturel explique sans doute pourquoi, je ne suis pas parvenu à comprendre toutes les spécificités de cette musique typiquement anglaise…

Le contenu est engagé. Les lyrics doivent probablement toucher un public préoccupé par des questions sociopolitiques. J’imagine mal que ce soit leur musique. La lecture de différents passages semblent corroborer mon point de vue. Morceaux choisis : ‘Workers of the world/Unite/you have nothing to lose but your chains’ ou encore ‘We’ll grow on food mountain and manage our water/Control the resources that belong to the people/For these lands made for you and me’. Le message est donc clair et militant, mais il ne me concerne pas. Passe encore, si la musique était à la hauteur. Ce qui est loin d’être le cas. Les compositions d’Alan Brown rivalisent de banalité et d’insipidité. Et sa voix est plus que limitée, quand il ne chante pas carrément faux. Vingt ans que Brown n’avait plus sorti d’album pour son projet. Je doute fort qu’il ait manqué à grand-monde. Qui est, en effet, intéressé par cette pop eighties poussiéreuse ? Oui, c’est exact, l’art est difficile, la critique facile. Pourtant, suffit d’écouter les horribles « It’s your business to say NO » et « Calls to arms », morceaux qui figurent en fin d’album, pour être mis au parfum. Personne ne m’a obligé à me farcir cet album pour en faire une chronique ; aussi je ne pousserai pas le bouchon en vous invitant à vous taper l’audition des onze plages qui le compose…