Originaires d’Amsterdam, Björn Ottenheim et Daan Schinkel reviennent trois ans après avoir concocté « The Sound Of zZz », une première œuvre qui hante encore nos platines. Dans la droite lignée de son prédécesseur, « Running With The Beast » fait à nouveau la part belle à une new-wave à la Sisters Of Mercy, des vocalises obscures façon Ian Curtis et un orgue sorti tout droit de la discographie des Doors.
Et zZz nous entraîne une nouvelle fois à courir avec La Bête. L’auditeur prend part, malgré lui, à un rituel satanique au cours duquel une vierge blonde et un nouveau né sont dépecés au beau milieu d’une foule en transe. Les maîtres de cérémonie se meuvent étrangement sous leurs toges et entraînent leurs partisans à exécuter les mêmes mouvements, malgré eux. Avant même qu’ils ne s’en rendent compte, ceux-ci auront commis une série d’actes innommables excluant jusqu’à la volonté d’un éventuel retour à une vie, un temps soit peu normale. Condamnés à vivre sous l’emprise des grands papes de zZz, les disciples finiront tôt ou tard par accepter la situation et vivre en harmonie avec leur mal intérieur. Entrez dans l’univers de zZz à vos risques et périls.
Nouvelle signature chez Touch & Go, All The Saints est un trio originaire d’Alabama. « Fire On Corridor X », son premier essai, est une mosaïque d’influences, parmi lesquels figurent Jesus & the Mary Chain (« Leeds »), Stone Roses (« Regal Regatta »), My Bloody Valentine (« Hornett ») ou leurs contemporains Black Rebel Motorcycle Club (« Farmacia »). Les morceaux à la fois sombres et bruitistes d’All The Saints font souvent l’effet d’un bulldozer, même si l’ensemble manque parfois de cohérence. Produit par Ben H. Allen (Animal Collective…), « Fire On Corridor X » passe en effet du slow-core (« Shadow, Shadow ») à un rock garage (« Sheffield ») avant de s’abandonner à des délires stoner (« Outs ») ou noise-pop (« Fire On Corridor X »), sans ménager l’auditeur. De plus, à moins d’en être fan, il faut parfois passer outre des vocalises à la ‘Oasis’ pour pouvoir apprécier l’ensemble de la plaque.
A écouter parcimonieusement.
Petar Dundov est aujourd’hui un des producteurs les plus respectés en Croatie, dans l’univers de l’électro. Il y est même considéré comme un vétéran. Faut dire que depuis le début des 90’s, il multiplie les expérimentations. Néanmoins, il faudra attendre 2008 pour le voir atteindre une certaine reconnaissance sur la scène internationale. Après la sortie de son deuxième album, « Escapements », ce DJ originaire de Zagreb a donc décidé de passer à la vitesse supérieure.
Bref, pour les amateurs de sonorités synthétiques ; et en particulier pour celles et ceux qui se plaignent, pour l’instant, de ne pas avoir grand-chose à se mettre dans le tuyau acoustique, cet « Escapements » est une bonne nouvelle. Beats ‘ambient’, loops voltigeurs, on est ici en présence d’un disque particulièrement novateur. Bien qu’originaux, les huit titres proposés sur cette plaque ne manquent ni de douceur, ni de séduction. Des influences ? Oui, mais elles sont difficiles à déceler. Parce que, sans doute, trop bien digérées. Citons, quand même, entre autres, Jean Michel Jarre, Depeche Mode ou encore Kraftwerk. Mais pour le reste, Petar Dundov mène tranquillement sa barque tout en prenant un malin plaisir à brouiller les pistes. C’est sans doute la raison pour laquelle il a intitulé son elpee « Escapments »…
A ma droite, French Cowboy, quatuor français qui n’en est pas à son coup d’essai puisqu’il réunit d’anciens membres des mythiques Little Rabbits. A ma gauche, Lisa Li-Lund, singer-songwriter franco-suédoise et, accessoirement, petite sœur de la famille Herman Düne. Au milieu, une rencontre providentielle survenue lors d’un concert en 2007. Ensemble, ils enregistrent plusieurs morceaux dont quatre sont signés par Federico Pellegrini, tête pensante de French Cowboy, cinq autres par Lisa Li-Lund et un dernier par… Depeche Mode (la version –très– retravaillée de « Little 15 »).
De ce mélange de talents est né « Share Horses », un recueil de dix morceaux marqué essentiellement par le labeur de Lisa Li-Lund qui, tant par ses écrits que par sa voix, vole la vedette à ses collaborateurs. Tandis que les compositions de Pellegrini s’abandonnent dans la léthargie et lorgnent souvent du côté de Calexico (« The End Of the Story », « Sleep Baby Sleep »), celles de la jeune femme confèrent un aspect pop irrésistible au recueil (« 12 000 Waves », « Deserted Whale », « Asian Brides »). Le mariage des styles respectifs de ces artistes débouche malgré tout sur un résultat cohérent et convaincant. Les cowboys français peuvent dire merci à leur cavalière.
Bob Hall est un vétéran du blues anglais. Pourtant, il était juriste. Il avait même acquis une certaine réputation dans le traitement des dossiers relatifs aux brevets industriels. Depuis qu’il est retraité (NDR : il est âgé de 66 balais !), il profite au maximum de sa passion : celle de musicien. Faut dire que l’artiste est considéré comme un des plus grands pianistes de boogie woogie et de blues anglais. Son père était également doué aux ivoires. Hall a très rapidement été contaminé par le blues. Il a opéré ses débuts au sein des Dollarbills, lorsqu’il était encore étudiant à Londres. La formation va cependant changer de patronyme en se rebaptisant Groundhogs, un combo au sein duquel va également militer le chanteur guitariste Tony McPhee. Le groupe aura même le bonheur d'accompagner John Lee Hooker et Howlin' Wolf ! Bob va également participer à l'aventure du Savoy Brown et participer à l’enregistrement de leurs meilleurs elpees. Une aventure dont le succès sera lié au British blues boom. Bob n’a cependant jamais voulu abandonner sa carrière professionnelle, bien plus rémunératrice, préférant jouer pour son plaisir… Et ce boogie woogie ainsi que le blues qu'il adore, il va le perpétuer au travers d'aventures diverses ; notamment Brunning Sunflower Blues Band, Tramp, Blues All Stars, Rocket 88, De Luxe Blues Band, le Blues Band, et la liste est loin d’être exhaustive… Il a également accompagné de nombreux bluesmen noirs en tournée : Lowell Fulsom, Eddie Taylor, Snooky Pryor, Homesick James, JB Hutto, Lazy Lester,… Au cours des dernières années, il a également apporté son concours à sa compagne Hillary Blythe, une chanteuse folk, mais aussi une bassiste. Enfin, Bob a participé à la confection de plus de 120 albums, dont quelques uns sont parus sous son patronyme. Et "What goes round" est son tout dernier.
Bob prend la température ambiante sur le rythme du boogie woogie. L’allure est modérée tout au long d’"I can't get my ass in gear", un titre amusant signé par son compatriote Tex Comer pour le Blues Band. Il chante d’un timbre nasillard. La rythmique est puissante. En fin de parcours, des accords brefs, acerbes et amplifiés s'échappent de la guitare de… Kim Simmonds. Le partenaire des premiers jours d’existence du Savoy Brown (NDR : on en revient toujours à ce blues boom de la fin des sixties) est bien présent. Les sessions d’enregistrement se sont même déroulées au sein de ses propres studios d'Oswego, dans l'Etat de New York. En outre, il assure la production.
Les six cordes réverbérées de Kim balisent l'envol de "Road of no return", une jolie ballade écrite et chantée par Bob. "Running with the blues" est un blues imprimé sur un tempo très élevé. L’Américain Pete McMahon apporte son concours à l'harmonica et aux backing vocals. Pete a milité chez les Kingsnakes et le Savoy Brown (NDR : phase yankee !), pendant quelques années. Les interventions de Bob sur les ivoires sont frétillantes. Il y manifeste déjà une classe naturelle et remarquable. Blues lent classique, "Bloodhound blues" est issu de la plume de Victoria Spivey. Les cordes acérées de Simmonds, le saxophone de Chris Sawyer et la voix éthérée de la douce Hilary entretiennent un climat typiquement anglais. La voix de Hall manque de passion, c’est exact. Pourtant, il semble de plus en plus apprécier son rôle de vocaliste. Aussi, il remet le couvert tout au long de l’indolent "What goes round comes back". Kim sort sa slide guitare pour attaquer "The All Star medecine show", une plage entraînante au cours de laquelle Bob injecte fougue et passion, dans ses accords. Son toucher et son style sont très caractéristiques. La slide monte progressivement en puissance. Miss Blythe interprète le célèbre "Backwater blues" de Bessie Smith. Mais son timbre de folk singer manque un peu de chaleur et de vécu. Bob revient chanter "Alone with the blues", un morceau dont il est l’auteur. La plage baigne au sein d’une ambiance de bon vieux british blues. Le doigté de Kim est aussi subtil que discret. Un parfum réminiscent du Savoy Brown flotte dans l’atmosphère. Pour "What goes round", il égrène ses notes en manifestant beaucoup de retenue. On dirait presque qu’il les économise pour en accentuer la sensibilité. Il signe "One more road", une complainte folk destinée à sa compagne, dont le timbre, ici proche de celui de Joan Baez, prend toute sa dimension. En fait, Hilary se sent comme un poisson dans l’eau dans ce style musical dépouillé. Bob ne s’est réservé qu’un seul instrumental : "Back on the valley". Etonnant pour un musicien de sa dimension. Beaucoup de délicatesse émane de ce disque qui s’achève par "Same old place", un autre blues rocker léger qui bénéficie de la participation de son vieil ami Kim, à la slide bien électrique. Pour votre info, sachez que ce dernier vient de graver un nouvel album acoustique, intitulé “Out of the blue”, sur le label Blue Wave.
A vouloir être généreux, on en fait peut-être parfois trop. C’est en tout cas ce que l’on peut reprocher à Jewel. Afin de célébrer la grande tournée promotionnelle qui a suivi la sortie de son cinquième ouvrage, « Goodbye Alice In Wonderland » (2006), la chanteuse publie un Dvd live bien fourni. Même trop bien fourni. Destiné essentiellement à ses fans hardcore, « The Essential Live Songbook », retrace sa carrière en deux Dvd pour une durée totale de plus ou moins 4 heures !
Le premier disque est consacré à un concert enregistré en compagnie de son groupe à Dallas et dont la majorité des extraits sont tirés de « Goodbye Alice In Wonderland ». Vêtue d’une charmante petite robe bleue, la blonde interagit souvent avec son public mais apparaît bien trop statique pendant son show pour susciter l’envie de s’envoyer l’entièreté du Dvd. On saluera cependant son interprétation de « Intuition », single très moyen extrait de « 0304 », son plus mauvais ouvrage, mais que les arrangements ‘live’ sauvent de l’oubli.
La seconde partie est constituée d’un best of acoustique, enregistré au Rialto Theater. Accompagnée en partie par un orchestre de chambre, Jewel y apparaît à la fois simple, fragile et délicate ; les qualités même qui ont fait de « Pieces Of You », son premier et meilleur recueil, une œuvre inoubliable. Un concert beaucoup plus intéressant et captivant que celui reproduit sur la première plaque, bien que la dernière partie composée de reprises soit tout à fait dispensable.
Un beau cadeau pour les fans, mais pour les vrais fans uniquement.
Bobby est originaire de la Louisiane. Pas étonnant qu’il ait appris à chanter le gospel à l’église. En 59, il émigre à Chicago. Il y fréquente les clubs de blues du Southside. Et en particulier le Pepper's Lounge ainsi que le Theresa's. Il va connaître son heure de gloire en remplaçant le légendaire Junior Wells au sein des Aces. Faut dire que Junior venait de décrocher un hit, baptisé "Messin' with the kid". Mais il retombe assez rapidement dans l’ombre. Il n’opère son retour que bien plus tard. Plus exactement au cours des années 90. A cette époque, il aligne plusieurs albums de soul music. En 2007, lorsque les Mannish Boys entrent en studio pour enregistrer leur elpee "Big plans", le pianiste Leon Blue rapplique en compagnie de notre ami Bobby. Ce qui explique pourquoi ce dernier figure parmi les collaborateurs, sur cet opus, ainsi que sur le suivant, "Lowdown feelin".
Aussi, lorsque Delta Groove lui offre l'opportunité de concocter un album en solo, les Mannish Boys au grand complet décident de lui renvoyer l’ascenseur. En outre, pour la circonstance, il a reçu le concours de grosses pointures issus de la côte ouest. Tout d’abord, le bassiste Ronnie James Weber et le drummer Richard Innes. Une fameuse section rythmique ! Et puis, excusez du peu, Kirk Fletcher, Franck Goldwasser, Kid Ramos et Jr Watson aux cordes. Sans oublier Al Blake, Lynwood Slim et Randy Chortkoff qui se partagent l'harmonica et le pianiste Fred Kaplan. Toutes les plages ont été réalisées en studio, aux mêmes dates que celles réservées par les Mannish Boys pour "Lowdown feelin".
Dès le début de la plaque, on est littéralement envoûtés par le timbre profond de Jones. Manifestement, c’est un ancien chanteur de gospel. Il ouvre l’elpee par le "She's the one" de Hank Ballard. Au cours de ce morceau très Memphis R&B, Eli Fletcher s’autorise déjà une sortie brillante aux cordes, dans le plus pur style d'Albert King. Parfaitement huilée, la section rythmique est soutenue par la guitare de Paris Slim. La voix n’a aucune peine à s’adapter au Chicago southside blues. Le "Two headed woman" de Willie Dixon en est une belle démonstration un morceau au cours duquel le traitement des cordes opéré par Goldwasser est très orignal. "I must be crazy" trempe dans le R&B authentique. Woody Woodford souffle dans son sax ténor. Les accords de Kaplan aux ivoires sont très subtils. Watson se charge des cordes et Al Blake de l'harmonica. "Come in out of the rain" implique Tom Leavey à la basse. Il embrasse ici le style alerte de Jimmy Reed. Randy Chortkoff (NDR : le boss !) vient souffler comme le Reed des grands jours. Kid Ramos est à l'affût. Aussi, il ne tarde guère à prendre son billet de sortie. "Get it over baby" est l'une de ces multiples plages rythmées écrites par le grand Ike Turner. Jones se fait shouter. Woody est possédé par son sax et le génial Jr Watson nous étale toute sa classe dans le style jump. Pourtant, je préfère Bobby Jones lorsqu’il évolue au sein d’un climat musical davantage dépouillé. Des conditions qui lui permettent alors de mieux mettre en évidence l’étendue de ses capacités vocales. Et "I don't know" en est une très belle illustration, une plage au cours de laquelle Kaplan et Al Blake se mettent au service du brillant vocaliste. Jones s’adapte à une multitude de registres. Il est même éblouissant dans le style Memphis blues de BB King. Ainsi, il manifeste de la puissance et du swing pour interpréter ce "Tired of your jive", soutenu par l'orgue Hammond de Fred Kaplan, pendant que Kid Ramos réincarne BB. Le "Cry for me babe" de Mel London, est le théâtre d'une solide bataille entre les deux maîtres du style aux cordes : Eli Fletcher et Paris Slim. "Three handed woman" baigne au sein d’une atmosphère californienne. Toute en swing, cette compo met en exergue Lynwood Slim à l'harmonica et enfin, notre Ramos. La cover assez classique du "Mystery train" de Junior Parker permet à Chortkoff de s'éclater les poumons, pendant que les vocaux passionnés sont partagés entre Bobby et Finis Tasby. En finale de ce superbe opus, figure un slow blues somptueux. Signé Ike Turner, il s’intitule "How long will it last". Jones chante à nouveau comme un BB King survitaminé. Sa sensibilité est à fleur de peau. Les musiciens qui l’accompagnent sont au sommet de leur art ; et en particulier, Fred Kaplan et Kid Ramos…
Des Smashing Pumpkins du début, il ne reste aujourd’hui que deux figures de proue. Accompagnés de trois nouveaux membres ‘jetables’, Billy Corgan et Jimmy Chamberlain ont opéré, il y a deux ans, un retour fructueux qui s’est traduit par la confection de ce recueil intitulé « Zeitgeist » et a débouché sur une grande tournée de ‘réunion’. Ces événements sont à l’origine de « If All Goes Wrong », un double Dvd de près de 4h, indispensable à tout fan qui se respecte.
Le premier disque épingle un documentaire narrant les circonstances du grand retour des Smashing Pumpkins. Il retrace le long chemin de fortune emprunté par Corgan durant les sept années qui ont séparé le split du quatuor originel de cette reformation. La toile est tissée autour de compositions inédites qui donnent le ton de chacun des thèmes évoqués dans un documentaire qui jouit de la participation prestigieuse de Pete Townshend, guitariste du Who. Billy Corgan et Jimmy Chamberlain y donnent la parole aux nouveaux membres du groupe, à d’autres musiciens mais également aux fans, qui occupent une part centrale dans ce film.
En bonus, des aficionados racontent tout le bien qu’ils pensent de la formation et Pete Townsend (The Who) accorde une petite interview supplémentaire.
La deuxième partie est consacrée à un concert de près de deux heures enregistré au Fillmore à l’aide de pas moins de douze caméras. Le show fait la part belle aux inédits mais également aux compositions les moins évidentes de la discographie des Smashing Pumpkins. Aucun hit, donc. Bien que le son y soit quasiment parfait, ce second Dvd souffre d’une image ‘cracra’. Une explication ? Probablement la faute à la couleur dominante des spots : le bleu. Ce qui communique à l’ensemble un aspect sombre pas toujours agréable. En bonus, on retrouve Billy et ses acolytes durant les répétitions qui ont précédé le concert.
Bien qu’il s’adresse avant tout aux fans, « If All Goes Wrong » devrait également plaire aux profanes soucieux de découvrir, côté coulisses et/ou côté scène, l’univers et la biographie des Smashing Pumpkins, sans se fatiguer.
‘Tour de chauffe’ est un dispositif d’accompagnement aux pratiques amateurs mené avec le soutien financier de LMCU par trois structures culturelles de la métropole lilloise : La Maison de la Musique, le Centre Musical les Arcades de Faches Thumenil, le Nautilys de Comines ainsi que la Maison Folie-Ferme d’en haut de Villeneuve d’Ascq.
Cette opération a permis à 18 groupes de la métropole de bénéficier, durant l’année 2008, d’un diagnostic scénique mené en partenariat avec l’ARA, d’un résidence de travail scénique, d’un enregistrement professionnel de 2 titres, d’une aide à la structuration administrative et à la communication, et de formations diverses et variées (législation du spectacle, MAO, mise en scène, etc.) Un festival dans les trois lieux et un double cd compilatif concluent cette année de travail. Une compile sur laquelle nous allons nous pencher…
Neuf groupes par plaque. Sur la première, on navigue de la pop ‘beatlenesque’ (NDR : les mélomanes contemporains parleront plutôt des Kooks) et allègre des Lensois de The Meeting Room au multi-instrumentiste Delbi, alias Romain Delebarre, dont l’alt indie blues chargé de groove fait la parfaite synthèse entre Keziah Jones, M et Jeff Buckley (NDR : mon coup de cœur pour cette volée) en passant par le collectif Koutoux et son cocktail excitant de jazz/electronica secoué par une bonne dose d’afro beat (et en particulier ghanéen), le grindcore concis et dévastateur de H.O.Z qui débarque ( ?!?!?) de Dunkerque, Siamese, combo artésien dont l’expression sonore évolue entre pop mélancolique, introspective (l’écurie madrilène Acuarela n’est pas loin) et prog atmosphérique (NDR : enfin sur les deux morceaux ici proposés), le duo acoustique lillois Dos de Mayo, responsable d’une musique minimaliste, mais aussi arty, dont l’originalité procède du contraste entre mélodie et dissonances, infiltrée par des vocaux sinusoïdaux. Des artistes plutôt complets puisqu’ils sont également impliqués dans l’univers des créations plastiques. Ce qui explique sans doute le choix de leur patronyme (NDR : une peinture de Goya, si vous l’ignoriez !) Reste encore l’électro-acoustique de Sim#6 (NDR : encore des Lillois) aussi fragile et esthétique que celle de Lali Puna, le jazz pop de G Quartet, sis quelque part entre Sade et Isabelle Antena pour les parties les plus mélodiques, quoique susceptible de virer à l’expérimentation, dès que l’instrumental prend le dessus et enfin Exposive Potatoe (Wazemmes-Lille) dont le ska festif mais aussi revendicateur est influencé aussi bien par le hip hop, le blues, le rock, le metal, le punk que le reggae.
On en arrive à la deuxième plaque. Qui s’ouvre par le reggae/dub/roots de Utopians et s’achève par Joe et la Machine, alias Jonathan Rabany, qui malgré son attirail technologique (pédales, sampler, sequencer) puise manifestement son inspiration chez Louise Attaque, Mano Solo et Noir Désir, en passant par le collectif hip hop engagé (NDR : teinté d’un zeste de folklore celtique sur « Bordel sans sommation ») Tribunal Poursuite, OSNI dont l’expression sonore baigne au sein d’un climat shoegaze infecté de surf, Osiaws qui se faufile entre swing, cabaret, reggae, musette, valse, tango, flamenco, soul et rock, le néo prog versatile de RFA, au cours duquel tant le violon hanté par le spectre de feu Jean-Luc Ponty (NDR : celui de Mahavishnu Orchestra ?) que l’accordéon argentin peuvent se relayer sans pour autant se froisser, le skacore de Mister Jingle, l’électro power rock de Bzz et enfin la rencontre entre swing et poésie française (Jacques Higelin ?) célébrée par Barbara Rose.
Pour plus d’infos : http://www.tourdechauffe.fr et http://www.myspace.com/tourdechauffe
Quatre longues années après l’excellent « Some Cities », les Doves font enfin leur retour. Le quatrième opus de la formation débarquera le 6 avril dans les bacs et sera intitulé « Kingdom of Rust ».
Le premier single à en être tiré sera la plage-titre, « Kingdom Of Rust ». Un autre extrait, « Jetstream » est téléchargeable gratuitement sur le site officiel du groupe : http://www.doves.net/
Tracklisting :
Jetstream
Kingdom of Rust
The Outsiders
Winter Hill
10.03
The Greatest Denier
Birds Flew Backwards
Spellbound
Compulsion
House of Mirrors
Lifelines
Les Grammy Awards, équivalent musical des Oscars, ont eu lieu ce dimanche 8 février. Les grands gagnants sont Robert Plant & Alisson Krausse avec trois Grammys ainsi que Adèle, Daft Punk et Coldplay récoltant deux récompenses chacun. Voici un apercu des principaux résultats :
Album de l’année : Robert Plant & Alisson Krausse « Raising Sand »
Chanson de l’année : Coldplay « Viva La Vida »
Meilleur(e) nouvel(le) artiste : Adèle
Meilleur album pop : Duffy « Rockferry »
Meilleur album electro : Daft Punk « Alive 2007 »
Meilleur album rock : Coldplay « Viva La Vida »
Meilleur album alternatif : Radiohead « In Rainbows »
Meilleur album R’n’B : Jennifer Hudson « Jennifer Hudson »
Meilleur album Rap : Lil Wayne « Tha Carter III »
Meilleur Remix : MGMT « Electric Feel » (Justice Remix)
Meilleur Clip : Weezer « Porks & Beans »
Producteur de l’année : Rick Rubin
Pour prendre connaissance de l’intégralité des résultats : http://www.grammy.com
Le septième ouvrage de Cursive s’intitulera « Mama, I’m Swollen ». Le disque atterrira dans les bacs le 10 mars, via Saddle Creek et contiendra des titres aussi joyeux que la pochette (« Mama, I’m Satan », « I Couldn’t Love You », « We’re Going To Hell »…)
Tracklist :
In The Now
From The Hips
I Couldn’t Love You
Donkeys
Caveman
We’re Going To Hell
Mama, I’m Satan
Let Me Up
Mama, I’m Swollen
What Have I Done ?
Ryan Adams ne chantera plus avec ses Cardinals. Il quittera le groupe après son actuelle tournée afin de se concentrer à nouveau sur sa carrière solo. Une info à prendre avec des pincettes, le chanteur étant de nature lunatique.
Il publiera, via I-Tunes uniquement, un EP intitulé « Extra Cheese ». Dédié aux amoureux, il sera disponible un peu avant la Saint-Valentin, soit le 10/02, et contiendra quelques unes des meilleures ballades du bonhomme, plus un titre inédit.
Tracklist :
Two
Blossom
Answering Bell
Evergreen
My Love For You is Real
Desire
Hey There, Mrs. Lovely (inédit)
Le quatrième ouvrage de Phoenix s’intitulera « Wolfgang Amadeus Phoenix ». Il sera publié via Loyauté, le label du quatuor et distribué par V2. Il sera produit par Phillipe Zdar (Cassius) et devrait atterrir dans les bacs le 25 mai.
20h15, début des festivités dans la liesse générale. Lors des premières projections précédant le spectacle, on peut lire des slogans comme : ‘Join The Movement’, ‘No More Humans’ ou ‘Stop The Human Farce’. Sur la scène, on retrouve le même dispositif que lors des concerts précédents. Une toile sombre de la hauteur d’un homme est tendue. Elle recouvre la scène. Le nom du groupe y est imprimé en blanc, au cas où certains spectateurs l’ignoreraient encore ou seraient atterris, par hasard, à l’Orangerie.
Les premiers accords de « Take Me On right » mettent fin à l’attente, et déclenche des vivats soutenus. Frogga entre en scène. Le public est aussi bouillant qu’une fricadelle sauce samouraï. Il fait ‘soif’ et ‘piquant’. Impossible de garder la veste ou le sweat. C’est le ‘désapage’ général ! Snuggles the Bunny et Mr. Maloke apparaissent à leur tour et s’agitent comme de beaux diables. Les morceaux« Meet The Fables », « Animals », « Do The Swamp », « Clones », « Permission To Freak »,… sont balancés plein pot, et toute l’artillerie lourde y passe. Les scènes se suivent, les jokes s’enchaînent. Ce guignol pour adultes ravit le public de grands enfants que sommes. Impossible de ne pas succomber à son charme. Le light show est clairement à la hauteur. Son et lumières entretiennent une ambiance à faire danser Freddy Krueger. Tout semble possible. Comme d’habitude, les Allemands, coiffés de perruques grotesques, débarquent sur le devant de la scène en plein milieu de leur show, pour entonner « Sneakerboots ». Cette apparition ‘humaine’ booste un peu plus les troupes, et crée l’hystérie générale. Le thermomètre monte encore d’un cran, comme si les cinquante degrés de température ambiante ne suffisaient pas. De retour derrière leur rideau, la troupe rechausse ses marionnettes pour continuer leur histoire. Malheureusement, il apparaît assez rapidement que ce show est une copie un peu modifiée des autres, auxquels nous avons assisté l’an dernier. En notre for intérieur, on espérait pourtant, vu la sortie d’un nouvel elpee fin 2008, un spectacle différent. Mais en y réfléchissant bien, il faut aussi comprendre que la tournée « Rider The Takeover Tour » s’échelonne entre 2008 et 2009. Et toute modification opérée en cours de route a dû plus que probablement se solder par des complications. La troupe va nous réserver, du dernier opus studio, « Take ME on a Ride », « Mephistopholes », « Reservoir Foxin », « Permission to Freak » « Spelbound », « Animals » « Primeministaz Of Puppetry », « Puppets On The Moon » et « Meet The Fablez ». Dommage donc, de réentendre les mêmes plaisanteries formulées au même moment. De revoir l’apparition de l’œuf et sa destruction, avant l’apparition d’une marionnette de Yoda, pour la troisième fois, en trois concerts. Ce qui n’enlève en rien le charme et l’extraordinaire ambiance que Puppetmastaz parvient à instaurer. Le public est complètement acquis à leur cause, dès les premières notes, et suit le rythme en levant les bras. Hurlant sur les méchants quand ils apparaissent dans le décor et encourageant les gentils sous des cris de joie, l’Orangerie semble rentrer dans une autre dimension à chaque nouvelle intervention de la troupe. De l’eau est balancée de gauche à droite et des appareils photos qui dépassent de leur décor viennent flasher le public tout azimut. Une trentaine de morceaux seront joués au cours des 2 heures de spectacle. Une véritable prouesse pour les Allemands, qui réussissent à chaque show une mise en abîme : en passant la soirée les bras en l’air dans les entrailles de leur personnage, ils arrivent à faire vibrer les nôtres tout en nous poussant à soulever les bras avec eux…. Les véritables puppets, ce sont nous, en fait…
Organisation Botanique
Lux Interior, de son vrai nom Eric Lee Purkisher, est décédé ce 4 février 2009, à l’âge de 62 ans. Il s’est éteint des suites d’une insuffisance cardiaque dans un hôtel de Glendale, sis à 15 kilomètres de Los Angeles, en Californie. Il était le chanteur et showman du groupe mythique les Cramps, qu’il avait fondé en compagnie de sa compagne et guitariste Poisin Ivy Roscharch. Une formation newyorkaise née en 1975 et responsable d’un style qu’on va appeler le psychobilly, style née d’un mélange de rockabilly, de psychédélisme garage, de surf, d’énergie punk ainsi que d’imagerie de films de série B et de films d’horreur. Changeant de label à pratiquement chaque album (les Cramps ont commis 13 elpees en tout !), le combo jouissait d’une réputation scénique sulfureuse. Uniques et dévastatrices, les prestations s’achevaient parfois dans un chaos indescriptible, Lux n’hésitant pas à se fondre dans le public, micro à la main, lorsqu’il n’entrait pas en transe comme s’il était possédé par un esprit vaudou. On retiendra également quelques uns de ses singles qui ont marqué l’histoire du rock’n roll, comme « Garbage man », « The way I walk » et puis l’incontournable « Human fly ». Enfin, pour votre info, sachez que Lux et Posoin nous avaient accordé le privilège d’une interview en 1998. Voici le lien de cet article : http://www.musiczine.net/fr/index.php?option=com_alphacontent§ion=2&cat=12054&task=view&id=1274&Itemid=36
Toujours à l’affût, DFA a encore fait sensation en signant Capracara alias Jonathan Burnip. Ce Londonien est déjà illustré en composant deux titres acides pour le label Soul Jazz Records. Cette fois-ci, il revient avec un single intitulé « King Of The Witches ». Electro primitive, house et beats endiablés, voilà la recette de cette petite merveille. Disponible en édition vinyle, la deuxième face n’est autre qu’un superbe remix de la paire newyorkaise, Thomas Bullock et Eric Duncan, plus connus sous le nom de Rub ‘N’ Tug !
http://www.myspace.com/capracara
Le groupe noise rock extrême Tombs publiera son deuxième album, ‘Winter Hours’ chez Relapse le 23 février. L’influence d’Unsane se fait toujours sentir. Le combo new-yorkais a également dévoilé une vidéo online sur Pitchfork.TV pour le titre « Gossamer (http://www.MySpace.com/TOMBSbklyn)
Tracklist :
01. Gossamer
02. Golden Eyes
03. Beneath The Toxic Jungle
04. The Great Silence
05. Story Of A Room
06. The Divide
07. Merrimack
08. Filled With Secrets
09. Seven Stars
10. Old Dominion
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/tombsbklyn
Tout un programme afin d’illustrer le quatrième album des cybergrindeurs d’Agoraphobic Nosebleed. Sortie prévue pour le 20 avril prochain pour cette collection de 13 chansons. Première livraison du groupe avec leur nouveau chanteur, Kat (Salome). ‘Agorapocalypse’ a été enregistré dans le studio Visceral Sound de Scott Hull par ANb’s.
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/agoraphobicnb
Le label DFA en collaboration avec Rong Music, vient de faire signer Woolfy, groupe électro de Los Angeles. « Oh Missy » est le titre de leur nouveau single et s’annonce être une petite bombe à écouter sans modération ! Si vous aimez les beats à la Hercules & Love Affair et le funk génial de Holy Ghost !, je vous conseille vivement ce Woolfy qui arrive et risque de tout casser sur son passage ! Jetez donc une oreille sur ce lien :
‘Salut à vous. Surfant régulièrement sur Musiczine, j’aimerais vous faire parvenir mon album. J’espère que ça vous plaira assez pour apparaître sur le site. Merci pour votre attention. Aurélien’. Eh bien Aurélien, un de tes souhaits vient déjà d’être exaucé : nous en parlons. Composé, produit, mixé et masterisé par Aurélien Atkins, cet « Au-delà des Mots » a donc attiré notre attention. L’artiste nous vient du Nord de la France et se revendique vierge de toute formation musicale. Ce qui en soit est courageux. Derrière l’austérité (ou la sagesse) de la pochette, figurent treize plages instrumentales (NDR : ce qui explique le titre de l’elpee) de bonne facture. Sans le moindre excès, elles voguent sur un down tempo hypnotique. Elles s’enchaînent… mais se ressemblent un peu trop, aussi. Les beats hip hop imprimés sur de la lounge, se mordent un tantinet la queue. A la limite, cette suite de compos pourrait servir de bande sonore pour la B.O. d’un documentaire. Pourtant, manifestement, l’artiste a accompli un travail de recherche conséquent. Mais il y a encore un peu de pain sur la planche au Français pour espérer percer. Les petits trucs qui manquent ? Les surprises. Et puis, l’auditeur a trop souvent l’impression d’être installé au sein d’un univers confortable, propice à l’assoupissement. « Au-delà des Mots » détend, réchauffe mais ronronne un peu trop au bord du feu. Donc, Aurélien si tu nous lis, sache que tu as accompli de jolis débuts ; mais la prochaine fois, n’oublie ni les développements, ni la pêche et surtout les surprises…
Lydie Experience est une tentative brouillonne et moyenne, mais en tout cas osée. Elle vient réinterpréter le répertoire de Jimi Hendrix au travers d’une pop psychédélique et électronique instable. Le modèle s’insinue quelque part entre Stereolab et Goldfrapp, mais rien n’est moins certain. La voix est souvent plus parlée que chantée, tantôt doucereuse, tantôt glamour-cabaret, mais toujours sur le fil du rasoir. Dérangeante, un peu hypnotique aussi, Dieu ou Diable, candide et hantée. Un passage chaud laisse place à des vapeurs givrées. Au secours ! On voudrait trancher ou faire cesser l’écartèlement. Lydie Brice, diplômée en improvisation vocale du conservatoire de Strasbourg, ne freine aucunement ses ardeurs expérimentales. C’est si vacillant qu’on attend indéfiniment que la boucle se referme sur une mélodie, un timbre, une tonalité. Disons, un parti-pris quelconque. Mais le chemin reste incertain, ouvert, instable, hésitant entre les tentatives louables (« Button belly window », « Voodoo child ») et celles parfaitement insignifiantes. Une chose est sûre, à l’issue de l’écoute de ce disque, on fronce les sourcils en éprouvant un léger tournis.
Fondé en 2002, Twage est une formation originaire du Val d’Oise. Elle s’immisce dans la scène rock/metal ‘à la française’ en proposant cet Ep cinq titres, enregistré par Sylvain Biguet. On lorgne ici sérieusement du côté d’Aqme, d’Enhancer et de Mass Hystéria… Pas vraiment notre tasse de thé. Ne soyons cependant pas persifleurs et reconnaissons que la production est particulièrement bien soignée. Le quintet n’hésite pas à passer d’un titre au texte grave (« Guerre Sainte ») ou à un autre plus léger (« Luxure et excès »). Il s’attaque même à une ballade acoustique (« Pardonne-moi ») particulièrement pleurnicharde. C’est dire si nous sommes convaincus… Vite, glissons le dernier SUP dans notre lecteur !
Révélée il y a à peine 3 ans, Ayo était de passage à Bruxelles pour présenter son 2ème album studio « Gravity at Last » (UMI). Une grâce absolue. Ayo rayonne et transmet une joie contagieuse si bien qu’elle n’a aucun mal à très vite installer une ambiance ‘Peace and Love’.
L’auteure-interprète-compositrice nous a complètement immergés dans son monde. Un monde d’humilité et de douceur. Pendant et entre chaque morceau, elle nous dévore des yeux. Impossible de nous le cacher : Ayo est sensible et généreuse. Elle donne et s’adonne même à la signature de quelques autographes avec les fans du premier rang.
Elle est entourée sur scène par des musiciens américains qui ont accompagné en studio "Quincy Jones" ou "The O'Jays". Ensemble, ils ont débuté cette tournée de promotion début janvier. Ils passeront notamment par la France, la Suisse, la Pologne et le Maroc. Une autre date en Belgique n’est pas à l’agenda mais il est fort probable qu’elle sera programmée dans l’un ou l’autre de nos festivals cet été. Ouvrez les yeux, il serait dommage de rater ce doux mélange de soul/folk/reggae.
Ah oui, on vous invite à découvrir les photos de cet événement…
Prod. UBU
Un sans faute pour Winterpills. Après le splendide éponyme et le non moins bon « A Light Divide », le quintet propose un troisième essai résolument pop. L’optimisme que l’on reprochait au second essai de la formation prend ici tout son sens et s’allie parfaitement à la beauté des arrangements. Sans atteindre l’éclat de « Winterpills », « Central Chambers » semble être le disque le plus abouti de Philip Price et de ses compagnons. Flora Reed et ses vocalises somptueuses y tiennent d’ailleurs une place prépondérante, renforçant le pouvoir magnétique des compositions de Winterpills.
La formation n’en démord pas, son influence principale demeure Elliott Smith mais elle lorgne cette fois également du côté de leurs contemporains tels que Arcade Fire (« Wire ») ou encore Low (« Everything »). Les majestueux « What Makes Me Blind ? », « Immortal », « Secret Blue Thread » et « Beesting » confirment le talent d’écriture de Philip Price qui, après avoir fait ses armes dans de nombreuses et obscures formations, s’est déniché une famille fiable et soudée. Ne reste plus au public que de découvrir enfin ce génialissime combo qui, bien plus que d’autres, mérite une certaine reconnaissance…
‘Yoko Sound est une jeune chanteuse bruxelloise’. La première phrase mentionnée sur la bio suscite déjà l’envie. Du moins, en ce qui me concerne. Définies comme un mélange entre trip hop, ballades folk et électro, les références associées au projet ont de quoi intriguer, voire même aiguiser ma curiosité. Beaucoup s’y sont frottés, et bien souvent s’y sont royalement plantés.
Dès que les premières notes de « Not Enemy » s’égrènent, on sent en effet les influences de Bristol. On pense assez rapidement à Massive Attack, Tricky ou Portishead. Une première écoute de l’album ne révèle donc pas de véritable surprise. Néanmoins, ne pas appuyer sur la touche ‘replay’ serait trop facile. Parce que pour y déceler toutes ces richesses cachées, il faut impérativement insister sur les dix plages de la galette. « Not Enemy » a une âme. Conduite par de très bonnes compos au piano, elle nous enveloppe d’une aura sensuelle, si on lui en laisse le temps. De son timbre suave, Yoko Sound parvient à égratigner un bout de notre carapace et nous piège par ses appels à la tendresse. Les rythmes entrecoupés par des plages chuchotées ont de quoi apaiser nos moments de détresse, et élever une envie de bien être avec un naturel étonnant. On apprécie assez la sensation intimiste et calfeutrée que « Not Enemy » apporte. Enivrant comme Ms John Soda, léger comme Morcheeba, cet album est loin d’être l’ersatz d’un style maintes fois proposé. Il en serait même la suite. Délicat (« Berlin »), drôle (« N’importe Quoi ») et entraînant (« Skin in The Night ») à la fois, cet elpee constitue une agréable découverte bien de chez nous. Et loin d’un chauvinisme primaire soyons fiers de compter Yoko parmi nos troupes.
Publié pour la première fois en septembre 2007, l’œuvre introductive de A Place To Bury Strangers était, à l’époque, passée quasiment inaperçue. Et pour cause, le recueil n’avait été tiré qu’à 500 exemplaires ! Encouragé aujourd’hui par le renouveau du Shoegaze, ainsi que par une fructueuse tournée en première partie des incontournables MGMT, le trio édite enfin à grande échelle son excellent éponyme. En 2006, les Suédois de 120Days remettaient le shoegaze au goût du jour. Depuis, aucune autre formation du genre n’avait réussi à tirer son épingle du jeu. C’était sans compter sur A Place To Bury Strangers, qui reprend plus qu’honorablement le flambeau, allant au-delà des limites que 120Days s’étaient imposées.
Enrichie de cinq nouveaux morceaux, cette première œuvre constitue une véritable ode à Jesus & the Mary Chain, circa « Psychocandy ». Les compos sont marquées par l’alliance parfaite entre la puissance sonique des distorsions et les chants contemplatifs à la Joy Division. Imposant, cathartique et captivant sont les mots d’ordre de morceaux tels que « I Know I’ll See You », « Another Step Away », « Missing You », « To Fix The Gash In Your Head » ou les très ‘Cure-esque’ « Half Awake » et « Sunbeam ». Bien qu’ils soient relativement moins commerciaux et accessibles que leurs compagnons de MGMT, les trois gaillards de A Place To Bury Strangers méritent le même succès que ceux-ci.
Jane Birkin n’a jamais été à proprement parler, une avare. Plus jeune, elle nous a déjà permis de partager sa plastique, entre les doigts jaunis de son pygmalion à la tête de chou. Elle a ensuite rangé ses mini-jupes pour nous parler de ses émotions tout en entamant le chemin de la notoriété, seule au micro. De sa voix fragile, presque chuchotée, elle trouve toujours le moyen de nous toucher, grâce à sa douceur, au fin fond de nos cœurs. A 61 ans, et une belle carrière derrière elle, Jane nous revient plus intimiste encore que jamais, en proposant pour la première fois, des textes issus de sa plume personnelle. A travers sa vision des événements, elle nous parle de son univers où la famille et les souvenirs tiennent une place énorme. Elle a décollé les images de ses albums photos de famille pour s’en servir comme visuel de sa dernière création. Bref, elle nous entraîne dans son jardin privé. Cette démarche n’est pas destinée à nous faire croire que son herbe est plus verte qu’ailleurs ou que ses fleurs ont des couleurs qu’on ne trouve nulle part ailleurs. Il s’agit simplement d’une invitation sur le pré pour parler du bon temps et des moments heureux de sa vie, de ses enfants, de sa passion. Elle a aussi reçu le concours d’Edith Fambuena, d’Alain et Pierre Souchon, de Franck Eulry, d’Alain Lanty et d’Hawksley Workman pour écrire certaines des compos de cet opus. Des chansons dont l’empathie et l’altruisme parviennent à nous cajoler. On épinglera également une dédicace au prix Nobel de la Paix Aung San Suu Kyi, lors d’un un morceau qui porte son nom. Une vraie humaniste qu’on vous dit, cette Jane.
The Soul of John Black est en réalité le projet d’un seul artiste : John ‘JB’ Bigham. Pour la plupart des bluesmen, c’est un inconnu. Pourtant, il a composé et a joué des percus pour Miles Davies. Il a également milité pendant huit années au sein de Fishbone, un groupe de fusion réputé pour son mélange de rock, de funk et de ska. Il y jouait de la guitare et des claviers. En fait, cet artiste puise son inspiration chez les pionniers du blues et de la soul. Originaire de Chicago, il a beaucoup écouté Muddy Waters, Howlin' Wolf et John Lee Hooker. Mais John a surtout une ligne de conduite : refléter ses émotions à travers une expression musicale empreinte de beauté et de liberté. Paru l’an dernier, son premier opus, "The good girl blues", relevait franchement du blues! Sur ce nouvel opus solo, il a cherché à célébrer l'héritage musical afro-américain.
L’elpee démarre en force par "Black John". Résolument funk, ce morceau autobiographique bénéficie d’arrangements et d’une mise en forme particulièrement soignés. C’est d'ailleurs John qui assure la production de cette œuvre. Tout est parfaitement en place : la guitare, les percussions d'Oliver Charles et de Davey Chegwidden, les claviers d'Adam McDougal ainsi que les synthés de Chris Thomas. Cependant, Black John domine l’ensemble de sa voix autoritaire. Après cette mise en bouche, on imagine entrer dans un espace sonore funk aussi percutant que celui de Kool & the Gang voire du funk/soul sophistiqué de Temptations. Il n'en est rien. L’univers de Black John est éclectique. Plage séduisante et instantanée, "Betty Jean" concède des accents exotiques. A cause de l'orgue Hammond très ‘Memphis’, des chœurs féminins et de la voix qui emprunte quelque peu le phrasé reggae. Ce "Betty Jean" est aussi paru en single. Un hommage à la chanteuse de funk rock Miss Betty Davis, l'épouse de Miles Davis. Balayé par un piano électrique, "Ever changin' emotions" baigne également au sein de cette ambiance chaleureuse, proche des Caraïbes. Le rayonnement de cette musique est immédiat. Grave et brûlante, la voix maîtrise son sujet. La guitare de John est susceptible de délirer, mais également de vagabonder nonchalamment sur des rythmes participatifs et franchement funkysants. La rythmique jamaïcaine contamine à nouveau "Bottom chick". Sur "Last forever", sa guitare à la sonorité métallique nous achemine jusqu’au Delta. Un Delta blues funk, volontairement primaire. John s’associe aux chœurs féminins, assurés par Kandace Linsey et Laura J. Jones. John aime mêler blues, folk, funk, country, rock, soul, gospel et world music. Il apprécie également les rythmes dansants. Tout au long d’"I knew a lady" il adopte une trame blues rock parfois proche de John Lee Hooker ; mais il a le bon goût de lui conférer un profil bien personnel. "White dress" puise également dans le Delta originel. A cause du recours aux vocaux hypnotiques, proches des ‘worksongs’ ancestraux. Ce qui n’empêche pas la slide acoustique de se fondre dans les sonorités de l’orgue. "Never givin' up" est caractérisé par une mélodie émouvante. Les vocaux s'échangent des répliques. Ballade rock majestueuse, "Better babe" conjugue cordes électriques et acoustiques. John en profite pour libérer sa slide au beau milieu de ces harmonies vocales éternelles. "Push into the night" est un blues rock contagieux, marqué d’une empreinte indélébile par Black John. D’excellente facture et d’une qualité constante, cet elpee s’achève par "Thinking about you", une plage sculptée par deux guitares acoustiques, et raffinée par un vocal empreint d’une grande tendresse. Attention, ce disque nécessite plusieurs écoutes avant d’être pleinement apprécié à sa juste valeur.
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