Joe est sans aucun doute le jeune chanteur/guitariste issu de la génération rock/blues contemporaine à rencontrer le plus de succès. Il n’a que 32 ans, et pourtant, sa carrière est déjà longue. « The ballad of John Henry » constitue déjà son neuvième elpee. A l’instar de ses deux précédents opus (NDR : c'est-à-dire "Sloe gin", un disque édité en 2007 qui est entré directement numéro 1 dans le hit parade blues du Billboard et le double live "From nowhere in particular", paru en 2008), il a été produit par Kevin Shirley (Led Zeppelin, Aerosmith, Black Crowes).

La plaque s’ouvre par "The ballad of John Henry". Une compo puissante et majestueuse qui rend une forme d’hommage à l'Américain moyen. Dès les premiers accords, on ressent la sophistication de la production. Chaque partie de l'espace sonore est bien exploitée. Les cordes acoustiques s'incrustent dès que le climat devient plus serein. D’autres cordes s’ajoutent pour assurer la transition entre le calme et l'orage. Une manière de procéder qui peut rappeler les mises en forme opérées par le Led Zeppelin, à l’époque de "Physical graffiti". La cover du "Stop!" de Greg Sutton (NDR : Samantha Brown, la fille de Joe et Vikki, en avait fait un succès populaire) baigne au sein d’un hard rock aux accents bluesy. Le climat est à nouveau majestueux. Le timbre vocal de Joe est à la fois posé, sérieux et grave. Enrichie par les cuivres, l’atmosphère est balayée par le flux et le reflux des cordes de la guitare. "Last kiss" est imprimé sur un tempo rapide. Constituée de Carmine Rojas à la basse, Bogie Bowles aux drums et Blondie Chaplin à la guitare d’accompagnement, la section rythmique est homogène et solide. A cet instant, Joe joue manifestement dans un style aussi féroce que Jimmy Page. La reprise du "Jockey full of bourbon" de Tom Waits est curieuse et très personnelle. A cause des accords de piano surannés en ouverture. Des vocaux soutenus par des cordes acoustiques et un violon. Et puis toujours de cette transition brutale vers les cordes amplifiées, ma foi, assez écrasantes. Les arrangements sont souvent complexes. Bien mise en forme, la musique est de toute bonne facture ; mais très souvent, elle évolue dans un univers typiquement hard rock. Et le très puissant "Story of a Quarryman" en est une nouvelle démonstration. "Lonesome road blues" nous recentre davantage vers le blues, mais un blues revu et corrigé par Whitesnake ou Bad Company, si vous êtes friands de références. Plus sobre, "Happier times" affiche une certaine classe. La mélodie est très belle. Les interventions aux claviers de Rick Melick vaporeuses. "Feelin' good" est une compo issue de la plume d’Anthony Newley. Il a écrit ce titre en 1965. Cette chanson a été reprise par une multitude d’artistes, dont Nina Simone, Sammy Davis Jr, George Michael et même les Black Cat Bones (NDR : cette formation issue du british blues boom, avait immortalisé sa propre adaptation sur l’elpee "Barbed wire sandwich"). Cette nouvelle version est excellente. Un blues rocker accrocheur, très bien chanté et ponctué par des interventions de slide royales. Nouveau changement de style pour "Funkier than a mosquito's tweeter". Une cover d'Ailene Bullock. L’approche funkysante, offensive, très cuivrée, est contrebalancée par les accords de piano acoustique. Excellent ! "The great flood" est plus douloureux, sinistre même. Il est vrai que cette composition ne reflète pas un moment heureux de la vie sentimentale de notre bon Joe. Sa détresse voile même son timbre vocal. La guitare est cependant plus fluide et paisible. C’est d’ailleurs dans ce registre que Bonamassa est le plus performant. "From the valley" se résume à un court instrumental acoustique. L'album s’achève par une reprise musclée d’"As the crow flies", une des compos les plus notoires de Tony Joe White.

L’idéal est un disque séduisant, dans son tempérament comme sa sensualité. Moins inhibée que sur « Les lys brisés » (2006), Barbara Carlotti impose ici son style, à prendre ou à laisser. Et on se laisse prendre aisément. C’est rétro sans l’être trop, nonchalant sans être négligent. Comme si sa voix chaude glissait doucement sur des mélodies voyageuses. Et pour cause, une production discrète mais impeccable sous l’enseigne toujours plus racée de 4AD (Pixies, Dead Can dance, Blonde Redhead, TV on the radio, etc.).

Les teintes sont ensoleillées, surtout lorsqu’il s’agit de refaire le monde idéal dans des lieux sublimes à lire, en sirotant l’alcool, des textes décadents (“L’idéal”). Même lorsque la belle s’épanche sur la morte saison, la ballade se tire du mélodrame par la chaleur de ses cuivres et l’élégance de sa poésie (“Changement de saison”). Son cœur prend des douches froides (“Bête farouche”), elle est lasse, en a marre d’être seule (“Le chant des sirènes”) mais jamais ces tribulations romanesques ne sombrent dans les travers larmoyants de la chanson française. Les amours déchus reprennent de l’assurance dans à travers des rythmes soutenus, des instrumentations variées et une voix soyeuse mais moderne qui rappelle Stereolab. Même susurrer “Kisses” dans un anglais maladroit lui va drôlement bien. Alors, si piano, violons et chœurs se font la réplique sur une superbe balade (“Vous dansiez”), les dernières résistances tombent instantanément.

Toujours délicate, parfois fantasque, Barbara Carlotti vient ici envelopper nos vies aigres-douces d’ironie et de douceur.

Ce jeune chanteur/guitariste anglais s'est forgé une solide réputation dans le milieu du rocking blues, un milieu au sein duquel se bousculent quelques fleurons outre-Atlantique : Jonny Lang, Kenny Wayne Sheperd ou encore Joe Bonamassa. Et ce n’est pas usurpé ! Dès ses débuts, opérés en 1999, il signe sur le label allemand Ruf. Il y a concédé cinq 5 albums dont un live, paru aussi sur Dvd. Il collabore également à la série Blues Caravan Pilgrimage, aux côtés de Ian Parker et d'Erja Lyytinen, projet concrétisé à ce jour par un elpee studio et un Dvd live. Lister semble délaisser peu à peu sa fibre blues pour adopter un power pop rock de bonne facture. Ce qui va sans doute lui permettre de drainer un nouveau public, mais aussi plus large. Son expérience la plus blues a été immortalisée sur l’elpee "Supakev & Pilchards", un disque paru en 2002. Une œuvre concoctée en solitaire. Et en live. Acoustique elle réunissait, pour la plupart, des reprises de classiques du blues.

Pour enregistrer cet "Equilibrium", Lister est soutenu par Robbie McIntosh et Simon Johnson. Ces deux musiciens alternent basse et guitare rythmique. Mais également par le drummer Paul Beavis et le claviériste Steve Darrell Smith. Aynsley ouvre l’opus par une compo déjà très rock, malgré son titre ("Soul"). Une plage au refrain contagieux, susceptible de rallier nombre de nouveaux admirateurs. Les guitares très rythmiques et l'orgue très présent peuvent rappeler le meilleur de Tom Petty and the Heartbreakers. L’homogénéité des compos est assez remarquable, surtout dans la conjugaison des cordes. "Time's up" nous replonge dans l’univers habitue de Lister. Un shuffle bien équilibré ( ?!?!), plus proche du blues/rock à la texane. "What's it all about" opère un retour dans la sphère rock. Une jolie ballade. Les vocaux sont excellents. Les interventions à l’orgue de Darrell Smith très subtiles. Lister en profite pour se réserver un de ces soli rarement entendu de nos jours. Les lignes sont simples, mais acérées. Elles s'accélèrent, montent en puissance avant d'exploser. Et pourtant, la sensibilité mélodique y est bien préservée. "Forever" évolue à un très bon niveau. Une plage pop/rock lumineuse susceptible de rappeler, mais sans les voix féminines, la meilleure période américaine du Fleetwood Mac. Ici encore, le leader se réserve une sortie éblouissante sur les cordes, toujours basée sur des lignes simples, mais tellement efficaces. Lister interprète "Crazy" en solitaire. Il s'est armé d'un instrument acoustique au son métallique. Une sorte de dobro. Il chante ce titre dans un style proche du Delta blues ; c’est aussi le seul de cet elpee qui ne soit pas issu de sa plume. Rock bluesy, "Big sleep" fait instantanément mouche. Les nappes d’orgue sont chaleureuses, elles sont déversées dans un style que n'aurait pas renié le Spencer Davis Group de Stevie Winwood. Aynsley en profite pour s'éclater une nouvelle fois sur ses cordes. Retour au pop rock pour "Running on empty". Attachante, caractérisée par des lignes de guitares démultipliées et une voix se détachant de l’ensemble, cette plage possède une dimension commerciale indéniable. Jolie ballade empreinte de douceur et de délicatesse, "Superficial" bénéficie d’une parfaite complicité entre vocaux et instruments. "Early morning dew" adopte un profil plus simple, voire dépouillé. En fin de parcours, le jeune Anglais se reconnecte à son blues rituel. Shuffle torride, "Running out on me" évolue dans un registre très proche du regretté Stevie Ray Vaughan. Lors du boogie tranchant, sans fioritures, agité, "Sugar low", Aynsley sort enfin sa slide. Et elle est acérée. Une slide qui opère une ultime sortie sur la finale "Hurricane", un rockin' blues puissant, subtil et accrocheur. Dans le style, c’est un excellent elpee.

Alias Soap & Skin, Anja Plaschg vient juste de fêter ses 18 ans. Elle est autrichienne. Et c’est la nouvelle sensation médiatique sur la toile. Formée aux Beaux-arts de Vienne, elle a plus d’une corde à son arc. Auteur, compositrice, pianiste, interprète, productrice, peintre… elle a également réalisé l’artwork de cet album.

Cet Ep est paru il y a quelques semaines. Il recèle quatre titres, dont un remix ambiant signé Fennez totalement dispensable. Mais venons-en au trois premières plages. Je dois avouer que dès les premières notes, il y a de quoi être impressionné. Pourtant, sa musique se résume à un piano et une voix. Et ses  mélodies profondes, glacées, ténébreuses, fragiles, torturées et mélancoliques vous touchent instantanément en plein cœur. Nico et Fiona Apple ne sont jamais très loin. Les compos sont celles que l’on attendait de Cat Power depuis « Moon Pix ». « The Sun » ou « Janitor of lunacy » sont de véritables petites pépites. Les mauvaises langues risquent peut-être de lui reprocher de remettre des clichés au goût du jour. Mais rarement des clichés auront été mis autant en valeur.

Ce disque est une belle introduction à son univers sonore! Réalisée par le jeune artiste, la production est parfaite. Soap & Skin est également branchée sur l’électro, paraît-il. On devrait donc découvrir cette facette de l’artiste, sur son premier album, dont la sortie est prévue pour le 16 mars. Jusque là, cet Ep devrait nous aider à patienter. Un bien beau savon pour purifier vos blessures de l’âme.

« Palermo Shooting » est le dernier long métrage de Wim Wenders, contant la romance à l’italienne entre un photographe allemand et une femme plus jeune. Le film, dont une sortie en salle dans notre pays est plus qu’incertaine, réunit à l’écran Dennis Hopper, Lou Reed, Milla Jovovich et… Campino, leader de la formation allemande Die Toten Hosen, dans le rôle principal. La dernière œuvre de Wenders, qui a soufflé un froid lors de la dernière édition du festival de Cannes, trouve sa force principale dans sa bande son qui réunit, à parts presque égales, classiques et inédits.

Ainsi les « Postcards From Italy » de Beirut, « The Rip » de Portishead, « Some Kinda Love » de The Velvet Underground ou « The Black Light » de Calexico côtoient des morceaux écrits spécialement pour « Palermo Shooting ». Parmi ceux-ci, deux inédits de Get Well Soon et Grinderman (dont un « Dream (Song For Finn) » au phrasé rappelant étrangement « One Love » de U2), trois instrumentaux du compositeur Irmin Schmidt (ancien membre de Can) ou encore une envoûtante ritournelle de l’allemande Sybille Baier. Seul un titre, l’italo-pop « Quello Che Non Ho » de Fabrizio De André vient gâcher l’ambiance installée par les autres artistes du tracklisting. A défaut de découvrir le long métrage critiqué de Wenders en salle, les fans du réalisateur peuvent se jeter les yeux fermés sur la bande son, un relativement bon petit lot de consolation.

Charlie ‘Hobo’ Winston jouit de l’un des premiers et plus gros buzz de l’année. Une attention particulière en Europe qu’il doit à son tubesque « Like A Hobo », soutenu par la majorité des médias, Canal + en tête (grosse campagne de promo sur l’incontournable émission « Le Grand Journal »). Sous son chapeau écorné, le frangin de Tom Baxter propose un cocktail enivrant de folk et de soul, survolé par une voix chaleureuse et exaltante. « Hobo » est partagé entre cartons radiophoniques évidents (un « Kick the Bucket » à la G. Love, « Tongue Tied », l’entêtant « Generation Spent », « Like A Hobo »…) et une dimension plus personnelle dévoilant un Winston généralement émouvant (« My Name », « My Life As A Duck », sans oublier le joli duo échangé en compagnie d’une certaine Liza Manili, « Soundtrack To Falling In Love »).

Charlie Winston doit également plaire à ces dames et n’échappe pas aux ballades clichés dont un « I Love Your Smile » évoquant bizarrement Randy Newman ou un « Boxes », aux escalades émotionnelles de bon aloi et dans lequel il partage le micro avec sa soeurette. Mais dans l’ensemble, « Hobo » est un ouvrage destiné à s’installer confortablement dans les hauteurs des charts et dans les mémoires.