Le verbe cru d’un chanteur sans concession déjà comparé à Renaud…
Le clip de « J’apprends le métier » :
http://www.dailymotion.com/jeansanteuil/video/4694307
http://www.youtube.com/watch?v=7f9uEwXm7Mw
http://www.wat.tv/playlist/467571/video/621031/attitude-Doremus-J-apprends-metier.html
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/benoitdoremus
Le deuxième opus de Band Of Horses paraîtra le 8 octobre. Il s’intitulera « Cease to begin ». Mat Brooke, un des membres fondateurs a quitté le line up pour se concentrer sur son nouveau projet : Grand Archives.
Tracklisting (l’ordre des titres n’est pas définitif)
01. Is There A Ghost
02. Ode to LRC
03. No One's Gonna Love You
04. Detlef Schrempf
05. The General Specific
06. Lamb On The Lam (In The City)
07. Islands On The Coast
08. Marry Song
09. Cigarettes, Wedding Bands
10. Window Blues
Pour plus d’infos : http://www.bandofhorses.com
Ces deux trentenaires semblent ne pas vouloir grandir. Peut-être est-ce par volonté de ne pas oublier, de ne pas s’éloigner de l’excellente qualité du hip hop des 80’s que le duo Zeph & Azeeem s’est associé. Deux personnages chaussés de ‘stan smith’, vêtus de costards noirs et coiffés de chapeaux de mafioso, tels leurs maîtres Run DMC de la belle époque. Dj Zeph, MC et producteur, propose une ribambelle de mixes comme terrain de jeu au slammeur fou Azeem. L’association d’idées et de respects pour leurs ‘ancêtres’ pousse notre petit duo à parcourir des sons à la fois familiers pour les auditeurs de leur âge, et super toniques pour réunir les générations restantes. Un son connu mais qui charme par ses beats élastiques, ethniques et carrément tranchés version mille feuilles. Originaires de San Francisco et plus précisément de la Bay Area (cette zone mythique du hip hop a enfanté DJ Q-Bert, Mix Master Mike et Mac Dre, entres autres), Zeph & Azeem métissent le reggae en le filtrant à travers des sonorités plus actuelles tout au long de « Time To Wake Up », font pleurer l’accordéon sur l’extraordinaire « Play The Drum » et relookent le disco en citant De La Soul ou Run DMC sur « Alpha Zeta ». C’est le label OM Hip Hop (Ladybug Mecca, Strange Fruit Project, E Da Boss,…) qui a signé nos lascars. Ces derniers profitent de trois morceaux pour s’associer avec quelques potes (dans leur jargon, on appelle ces interventions des featurings) tels Luv Fyah, Tut & DJ Teeko, entre autres... Le ton de l’elpee est bon enfant, sans message agressif, sans bombasses qui se déhanchent pour nous faire sortir les yeux des orbites. « Rise Up » emballe vite une ambiance, et vous incitera à remuer inconsciemment la tête pour battre la mesure. Amis trentenaires vous y retrouverez un parfum connu. Pour les plus jeunes, louper cet album équivaudrait à passer à côté d’un condensé d’influences qui servent actuellement la cause de pas mal de groupes beaucoup moins intéressants que ce duo.
Les sentiments de culpabilité et la bonne conscience de l’Occident sont une fois de plus récupérés en faveur du Darfour. Amnesty International souhaite récolter des fonds pour attirer notre attention sur les violences continuelles subies, depuis plusieurs années, par la population établie dans cette région du Soudan. Un problème complexe qui cache d’énormes intérêts économiques. Dommage que le copieux livret de ce double album, consacré aux reprises de John Lennon ne prenne pas la peine de l’expliquer correctement. On a donc demandé à une série d’artistes plutôt réputés (R.E.M, U2, Cristina Aguilera, The Cure, Lenny Kravitz et beaucoup d’autres) de revisiter les travaux solo d’un génie de la pop qui était aussi un grand idéaliste, avec toute la naïveté que cela suppose. Comme d’habitude, la formule se révèle plutôt anecdotique et dispensable. Il est difficile d’apporter davantage à des chansons déjà irréprochables. Ce qui explique sans doute pourquoi beaucoup d’artistes se contentent du minimum syndical. Pas de grosses surprises si ce n’est Aerosmith qui se met au reggae-ragga en compagnie des Sierra Leone’s Refugge All Stars ou Youssou’N’Dour inoculant du wolof dans « Jealous Guy ». En général, sur cet opus, les interprètes ayant repris les titres de façon plus intimiste et naturelle s’en sortent le mieux. On citera pour preuve The Raveonettes, Corinne Bailey Rae, Jack Johnson, Ben Harper et les Flaming Lips. Il aurait peut-être mieux valu résumer ces exercices de style sur un seul disque, le sentiment de culpabilité serait resté identique à ce qu’il est, mais la quantité de musique anecdotique aurait diminué de moitié.
‘Un groupe belge qui monte’ titre les journaux nationaux. Oyez citoyens de notre beau pays, ce groupe bien de chez nous, ce sont les p’tis jeunes de The Tellers. Et notre nationalisme artistique nous pousserait bien à les encourager. Ce sera donc l’esprit patriote que j’entamerai l’écoute de « Hands Full of Ink », signé chez 62TV Records (Girls In Hawaï, Malibu Stacy, Austin Lace,…) Ben et Charles, les acteurs du groupe, reconnaissent pour influences majeures The Libertines, Bob Dylan et Aracade Fire. Certains fans y voient même des ressemblances entre Doherty et sa bande et nos deux loustics issus de Bousval. Aidés -comme pour les Artick Monkeys en leur temps- par une célèbre plate forme musicale du web, tout semble aller très vite pour The Tellers, depuis la sortie de leur premier EP éponyme, un disque réunissant sept titres en 15 minutes. Tournant un peu partout dans les festivals européens, ils se sont payé le luxe d’astiquer le manche au Pukkelpop cet été. Festival de pointures reconnues s’il en est. D’après une paire d’oreilles qui m’est proche, leur prestation scénique ce jour là, laisse présager un futur prometteur. « Hands Full Of Ink » semble convaincre une bonne partie de ses auditeurs. D’ici ou d’un peu partout en Europe. La folk pop concoctée par nos compatriotes n’est pas de mauvaise facture. Elle souffre peut-être un peu trop de la pression. Ce qui explique sans doute pourquoi on a l’impression que certains morceaux ont été laissés en chantier. Et nous laissent perplexe. Parachuté sur les ondes par le titre « More », notre duo tente de prolonger l’exercice hertzien en proposant à présent un autre single extrait de l’album : « Hugo ». Même si certains morceaux sortent plus facilement du lot (« Penny » ou « He Gets High »), les 16 plages de l’elpee s’enfilent assez facilement, sans réelle surprise ni déception affligeante. Ce groupe très prometteur aurait donc, à mon humble avis, intérêt à soigner davantage la finition de ses compos, pour son prochain album.
New York est une ville riche pour sa culture et ses groupes musicaux. On y retrouve de tout : des bons… et des moins bons. Les Stalkers sont loin de réaliser une tuerie sur leur premier opus. Même si on ressent à travers le disque un effort pour la construction des mélodies, ce son punk rock a déjà été entendu à maintes reprises sur des compiles pour ‘teenagers’, à moins qu’il n’ait servi de bande sonore pour des jeux vidéo, à l’instar de « Tony Hawk pro skating ». Les Stalkers sont aussi capables de nous conter une ballade pseudo romantique (« I’m watching you ») que l’on peut très bien imaginer balancer aux kids lors de leur première boum, afin d’emballer une nana. Trop rock n’roll ! Bref, même si le quintette de Brooklyn aligne des influences oscillant des Beach Boys à Abba en passant par Jean- Sébastien Bach (selon leur MySpace), il ne nous fera certainement pas sauter au plafond. Pour les fans qui désirent voir les Stalkers à l’action, allumez votre TV et zappez sur la série « Dawson ». Si vous tombez sur un groupe en pleine action, il y a de fortes chances que ce soient eux…
En 1976, quatre mauvais garçons, un peu laids et franchement portés sur la chose, décident d’emboîter le pas aux Sex Pistols. Comme en attestent vos dictionnaires du rock et autres anthologies du mode binaire, The Pork Dukes ! n’a pas connu le succès foudroyant de la bande à Johnny Rotten. Pour des raisons diverses (absence d’un homme de l’ombre aussi influant que Malcolm McLaren, réactions négatives des radios, etc.), ils se contenteront des miettes et de quelques coups d’éclats en queue de peloton. En 1977, leur single « Bend & Flench » s’écoulera tout de même à près de 20.000 exemplaires. Cette vente record trouve son explication dans la légende : à ses débuts, le groupe tenait à conserver l’anonymat. Les rumeurs les plus folles ont alors commencé à circuler. Les bruits de couloir laissant même sous-entendre que la formation n’était autre qu’un projet parallèle de Led Zeppelin. On a même invoqué une incursion des membres de Fairport Convention sur la scène punk, avant d’affirmer que Keith Moon, en personne, était la voix des Pork Dukes! En définitive, ces ragots sont tombés les uns à la suite des autres et le groupe a tenté une percée à visage découvert.
En toute logique, la formation aurait dû jouer des coudes avec les protagonistes punks de l’âge d’or. Mais les habitudes déglinguées du quatuor ont finalement eu raison de leurs ambitions. Sur scène, The Pork Dukes! aspirait au chaos, trimballant une tête de cochon fraîchement découpée lors de ses sorties nocturnes, balançant tessons de bouteilles et autres broutilles (verres, seringues usagées) à la tête d’un public défoncé et toujours partant pour une bonne baston. Pour parfaire ce descriptif apocalyptique, on ajoutera que le groupe était pisté par de nombreuses associations féministes, furieuses d’entendre des paroles dépeignant la femme dans sa dimension la plus fonctionnelle. Sadomasochistes déguisés en punk, machistes convaincus, nos petits porcs se sont finalement séparés. Pour célébrer le 30ème anniversaire de l’album « All the filth ! », on profite aujourd’hui d’une réédition synthétisant les efforts du quatuor. Et, force est de constater qu’ils n’étaient pas moins doués que les Pistols... D’ailleurs, pour fêter ça, ils se reforment ! A bon entendeur...
Le talent ne suffit pas toujours à rendre une œuvre passionnante. Du talent, Pat Gubler n’en manque pourtant pas. Vocaliste aux intonations proches de James Taylor, songwriter inspiré et multi-instrumentiste, il nous propose son second album concocté en compagnie de la formation P.G. Dix titres d’une grande beauté. Les instrumentations sont parfaitement léchées, enrobées d’orgue Hammond, de piano électrique et de chœurs féminins.
Pourtant, si l’on n’est pas amateur d’un style globalement folk acoustique, on risque de s’ennuyer ferme ; pour résumer d’une façon un peu abrupte, c’est beau mais c’est très mou. L’enlevé « I’ve Been Travelling » semble réveiller un peu l’ambiance à mi-parcours mais le soufflé retombe immédiatement ; et même le « Sweet Music » final, au début très soul, ne décolle finalement jamais.
L’intérêt de ce disque n’est probablement pas là, mais plutôt dans les arrangements subtils de Pat Gubler ainsi que son jeu acoustique plein de délicatesse. Sans oublier des instants de grâce comme le très beau solo électrique réservé à « Strange Messages » ou encore « The End Of The Winter » au cours duquel la voix murmurante de Helen Rush communique quelques frissons. Une musique belle et lancinante mais à laquelle certains pourraient se sentir retors.
Affichant un ton neutre, la pochette d’« Ash Wednesday » semble solennelle, épurée de toute mise en forme mercantile. A l’intérieur du booklet, les titres et la longue liste d’artistes associés au projet d’Elvis Perkins précèdent la dédicace « For Berry ». Une dédicace simple, posée comme une rose sur la terre fraîche d’un sol détrempé. Berry, c’est Berry Berenson la maman d’Elvis, artiste photo réputée. Elle a disparu le onze septembre 2001 lors du vol 11 d’American Airlines qui s’est fracassé sur des tours aussi jumelles que tristement célèbres. Le sort semble s’acharner sur les géniteurs de l’Américain ; le papa de l’artiste n’étant autre que Anthony Perkins, égérie d’Hitchcock, décédé du sida dans les années nonante. Elvis Perkins jouit donc d’un patrimoine génétique assez sensible pour stimuler son besoin d’expression. A premier abord, on pourrait penser que cette œuvre sert d’ode à la tristesse, comme pour honorer la mémoire de ces blessures à vif, comme des déchirures que l’on recoudrait d’une marque de respect. Mais loin de là l’idée du fiston. En lieu et place d’une nostalgie lourde et lancinante, on prend plaisir à écouter une folk/pop légère, à l’instar du morceau « May Day ». Des ballades fraîches comme une rosée parcourant nos émotions servent d’exutoire, décrochant les étoiles à certains moments, nous invitant à nous coucher à même le sol pour écouter le monde avancer, à d’autres… Un fin mélange de pensées positives et de souvenirs touchants partagés en onze titres. « Ash Wednesday » est une pure merveille, c’est le partage d’un homme influencé immanquablement par les tragiques expériences qu’il a vécues, avec le recul et la sensibilité d’une dignité poignante. Les émotions nous envahissent dès la première plage. Un « While You Were Sleeping » qui vous forcera à interrompre toute activité en cours pour prendre part au partage et à la rêverie. Un album plus que recommandé, indispensable !
Ancien collaborateur de Manu Chao, le trompettiste sicilien Roy Paci est depuis plus de dix ans une des figures centrales de la musique underground et métissée en Italie. Pour ce quatrième album, il s’éloigne du ska/latino développé sur ses œuvres précédentes. Le reggae et le ska n’ont pas été gommés, mais les rythmes et programmations électroniques prennent une place prépondérante sur ce « Suono Global ». Roy Paci a aussi invité quelques uns de ses amis musiciens pour une longue collection de duos. L’invité le plus illustre est sans aucun doute Manu Chao. Il vient pousser la chansonnette sur « Toda Joia toda Beleza ». Ce n’est sûrement pas le meilleur titre du disque, mais il a déjà bénéficié d’une bonne diffusion radio sur les ondes italiennes. Les autres guests ont déjà collaboré aux projets de Roy, dans le passé. Ce sont des membres illustres de différentes scènes musicales italiennes. En général, ils relèvent du hip hop, comme les Romains de Cor Veleno et Caparezza. Dans le domaine ragga/reggae, le chanteur Raiz (des défunts dubbers napolitains Almamegretta) et le Sud Sound System viennent prêter main forte. Au rayon chanson et rock, les chanteurs des groupes Bandabardo et Negrita apportent leur concours. Tout ce beau monde chante en italien, sicilien, napolitain, espagnol, arabe, anglais et quelques idiomes non répertoriés. Les thèmes oscillent entre les peines d’amour (« Senza di te ») et les problèmes socio-économiques du sud de l’Italie (« Mezzogiorno di fuoco »). Même la banlieue française a droit à son rap : ‘Qu’est-ce qu’il se passe quand j’arrive sur la track ? C’est ça mon frère dehors il y a la merde, on a cassé tout, on a brûlé tout…’ Bref une sacrée tambouille au sein de laquelle le reggae est mélangé à toutes les sauces, de la salsa aux musiques traditionnelles du sud de l’Italie. A l’instar de tous les elpees de Roy Paci, le résultat n’est pas surprenant, puisque l’album est une nouvelle fois fortement inégal mais très attachant. Et surtout plutôt festif et ensoleillé. Par conséquent plus difficile à apprécier dans notre grise Belgique.
Faris Nouralah a un gros souci. Il ne peut concevoir un morceau sans être sûr qu’il soit parfait. Sans l’assurance d’avoir formulé précisément les sentiments nécessaires à sa conception. Ce qui explique pourquoi, à nouveau, il a découpé, allégé, recomposé, collé et trifouillé malicieusement toutes les plages de son dernier album. Pour les rendre, une fois de plus, par cette démarche, simples et efficaces. Tant puissantes que précises, les munitions de son artillerie visent juste la cible choisie, et frappent sans attendre. « Gone » constitue le cinquième opus en cinq ans de Faris Nourallah et le premier album distribué par Blog Up Musique. Tissée à l’aide de bouts de ficelles, la toile sonore réunissant les treize morceaux de cette œuvre ressemble à un laboratoire clandestin. Les sons semblent posés de manière distraite mais se révèlent très vite, pernicieusement disposés à des endroits stratégiques de l’émotion. Loin du cliché texan, l’Américain à troqué son stetson contre une aura proche du mysticisme. Décrochant par la même occasion le soutien d’un public croissant de jour en jour. Songwriter talentueux et productif, Faris propose selon sa bonne habitude un son pop, riche, entraînant et apaisant à la fois. Non content d’émouvoir musicalement, l’artiste a décidé de renoncer à ses royalties et chargé Blog Up Musique d’en reverser l’intégralité à deux ONG : ‘KNK’ (Kokkyo naki Kodomotachi) et ‘Enfants Sans Frontières’. Deux raisons particulières pour s’enquérir rapidement de « Gone » : la première étant la qualité et la deuxième l’humanisme. Un parfait duo qui motivera votre écoute.
Cartepostale Records nous revient sous la casquette de François Boulanger. A l’instar de Girls In Hawaï, My Little Cheap Dictaphone et Malibu Stacy, cet artiste liégeois est un membre actif du collectif « Jaune Orange », conglomérat de véritables amis souhaitant partager projets et événements musicaux divers. Figé derrière ses consoles et sampleurs magiques, « Kingfisherg » pratique de l’‘abstract hip hop/contemplative electronica’. Un style au nom barbare qui n’explique pas réellement le véritable sens que « Maverick Mouth » tente d’imposer. Sous une expérimentation de sons se dessinent des mélodies apaisantes, rythmées par des beats décomposés et recomposés de façon précise et répétitive. Electronique par sa composition digitale, il remplit son rôle d’aventurier sonore en lâchant un max de crédit dans la créativité. « Maverick Mouth » constitue la deuxième galette de l’artiste. Il avait déjà commis « The Heartspray », sur le même label. En 2005. Les 14 morceaux de ce nouvel elpee semblent venir de au-delà… à moins que finalement ils soient bien plus proches de nous. Marqué par les sons ‘8 bits’ des années 80, le vieux fan de jeu Atari qu’est François Boulanger a rencontré un partenaire à sa hauteur. En l’occurrence François Gustin. Il vient le rejoindre en ‘live’. Cartepostale Records (Hank Harry, Christophe Bailleau, Shelby Trashe,…) prouve une fois de plus son intérêt pour la liberté d’expression et son flair à dénicher des artistes fichtrement audacieux. Ben alors ça c’est cool dis donc…
Oreilles sensibles s’abstenir! On vous reparle de cette galette de The Invisible Frog sortie en 2005. Ce noise rock ne dure que 29 minutes mais fait du bien quand il s’arrête. La noise a toujours été un sujet de polémique, mais on tient à dire à tous les détracteurs de ce genre extrême que le duo bruxellois (guitare/batterie) nous proposait un florilège de grincements de guitare, de contretemps parfaitement adaptés et d’instruments totalement décalés. « Space Make Noise » libère des sonorités d’une subtilité à faire dresser les poils ! On découvre chez ce groupe né en 2003, deux musiciens particulièrement doués, dont l’inspiration oscille très souvent entre The Locust et Pink and Brown. Après plusieurs apparitions sur les scènes belges dont une auprès de Amen Ra et de TIF, le duo a été signé chez Amanita Records et enregistré « Space Make Noise », dans le studio de cette écurie à Biarritz, en France. Un opus qui ne décevra les grands amateurs de noise, freenoise, grindcore, etc. C’est certain, en affichant des représentants tels que TIF, Amen Ra et K-Branding (dont le guitariste actuel jouait dans TIF), la scène noise belge se porte plus que bien !
Dès les premières secondes de « The world is outside », ça sent le ‘fish and chips’ à plein nez ! L’Angleterre dans toute sa banalité s’est dénichée cinq délégués triés sur le volet. Ici, tous les risques sont calculés, les guitares régulées à satiété, les voix filtrées à souhait. On ose à peine évoquer la production boursouflée de cet album sensé raviver les belles heures de la pop britannique. Comment ose-t-on soumettre pareilles escroqueries au public ? Combien d’Air Traffic et de Keane faudra-t-il encore endurer avant de toucher au black-out ? Qu’essaie-t-on encore de nous faire croire ? Que nous tenons les nouveaux Coldplay ? En réalité, même Chris Martin doit aujourd’hui s’en vouloir d’avoir lancé cette surenchère de lyrisme aseptisé. Ghosts, ce sont les ectoplasmes de la Britpop. Même leur nom de scène fait peur ! Demandez à Casper... Seul lot de consolation de cette triste excursion : Ghosts porte bien son nom. Car, comme tous les fantômes, ils brassent du vide !
Composé sur l’écrin de George Orwell (cet écrivain anglais talentueux a préféré se tourner vers la poésie plutôt que de subir le confort de ses romans à succès), le Hollandais Emile Van Steen propose un excellent deuxième album, intitulé « Keeping The Aspidistra Flying ». Fuck The Writer reprend ici le titre d’un livre du sieur Orwell (publié en 1936) et commet un petit bijou au parfum lyrique enivrant. Voyageant de Londres à Amsterdam, les 13 morceaux s’amplifient, s’enrichissent, et se succèdent en mélangeant rustique, électronique et mélancolie touchante. Multi-instrumentiste, Emile Van Steen l’unique membre du band, est apparu sur une compile de Subroutine (« Big Things ») en 2006. Il avait, en outre enregistré « Maar Ik Dans Niet », en 2004. Un mini elpee découpé en huit titres. Explorant les sonorités, pour essayer de n’en garder que le fil fragile d’une émotion apaisante, ce dernier opus trace sur la route du Batave, un futur rempli d’expériences et de découvertes intéressantes. Reliant des cordes de cithare aux cliquetis des samples, les compositions parfois aériennes ne sont pas sans rappeler l’univers particulièrement riche et planant de l’excellent groupe Ecossais The Beta Band. Parsemées de bruits, d’échos et de distorsions calculées, les treize plages de la galette semblent s’amuser d’une rencontre au détour d’un chemin, où la légèreté s’étend à l’infini et la méditation est la meilleure des boussoles. Un chemin qui ne laissera pas indifférent les promeneurs chanceux détenteurs d’un plan pour y accéder.
Originaires de la ville de Resolven au Pays de Galles, ce quatuor inspiré par le rock psychédélique a été chapeauté par les Super Furry Animals : ce premier album est d’ailleurs paru en 2005 sur Placid Casual, le label des animaux à forte fourrure. La maison de disques Empyrean l’a réédité en 2006 pour le continent américain, avant de lui faire retraverser l’Atlantique mi 2007. El Goodo ne cache pas ses influences : les chœurs des Beach Boys, les Beatles (période « Revolver »), le Velvet Underground (« Here It comes » est un hommage/plagiat à/de « Heroin ») et Jesus & Mary Chain (« Honey »). Néanmoins, on sent que les gaillards ont un certain talent. L’écoute du disque est plutôt agréable, les mélodies assez inspirées et les arrangements (cordes, cuivres) très soignés. On pense beaucoup aux Bees, l’aspect soul music en moins. A suivre donc…
Cette galette devrait surtout plaire aux nostalgiques du label Creation dont les groupes du genre foisonnaient au cours des années 80-90 et parmi lesquels figuraient… Super Furry Animals. La boucle est bouclée, le karma est sauf.
Ce cd/dvd relate un concert accordé en 2004 par Manu Dibango et son groupe, le Maraboutik Big Band. Enregistré le jour de l’anniversaire de Manu (74 ans au compteur), le concert appartenait à une série d’événements consacrés à la musique de Fela Kuti. L’afrobreat n’est guère mis en évidence ici, mais plutôt le mélange de jazz, soul, funk et musique africaine exploré par Dibango depuis plusieurs décennies. Aux marimbas et au saxophone alto, il réadapte ses vieux tubes « Soul Makossa » et « Big Blow ». Il reprend aussi des compos de jazzmen comme Gerswhin, Lionel Hampton (virtuose du vibraphone) et Duke Ellington. Manu invite également quelques amis comme le saxophoniste Courtney Pine, le chanteur Sénégalais Baaba Maal et la chanteuse camerounaise Coco Mbassi. Il faut bien avouer que tout n’est pas exactement passionnant lors de ce set : les impros sont un peu tirées en longueur et le son est un peu trop lisse. Le témoignage visuel du concert n’apporte pas grand chose à la musique, mais les commentaires de Manu Dibango sont très intéressants. Autre bonus de choix, une longue interview de Manu qui revient sur son parcours de musicien (il est passé par la Belgique au début des années 60), ses rencontres musicales et la genèse de « Soul Makossa », devenu un tube quelques années après sa sortie alors que Dibango avait même oublié son existence. Un elpee destiné aux fans transis donc. On profite cependant de l’occasion pour vous recommander à nouveau « Africadelic », la réédition d’un disque psyché et funky de Manu, paru en 1972.
Concédant une demi-heure de bruit et de fureur, le premier album de ce trio issu de Rio de Janeiro, mais désormais installé à Berlin, emballe déjà les dancefloors européens. Marina, Pedro et Gorky sont des jeunes gens qui s’amusent à mélanger le baile-funk brésilien (la samba électro bien grasse aux paroles hédonistes) aux beats d’Afrika Bambaataa. Ils y ajoutent des grosses guitares heavy métal et rappent à propos de Viagra, de faire l’amour sur la plage ou encore en envisageant la réaction de la reine d’Angleterre si elle découvrait que James Bond était gay (« James Bonde »). Par sa crétinerie revendiquée, ce disque évoque les Beastie Boys des débuts. Cet esprit punk rock n’accouche certes pas d’un chef d’œuvre (écoutez l’affreux « Quero Te Amar » pour vous en convaincre) mais il recèle quelques petites bombes (« Dança do Zumbi », « Solta O Frango », « Marina Do Bairro ») susceptibles de bien animer vos soirées d’anniversaire.
Jeune, intelligent, plein d’allant, Dan Smith, le jeune prodige caché dans l’ombre de Begushkin, regarde la vie droit dans les yeux pour en soustraire toute la misère du monde. Sur « Nightly Things », son premier essai, il délivre huit complaintes, petits télégraphes mélancoliques chantés d’une voix fragile. En vingt minutes l’affaire est bouclée et le message est passé. Empruntant la tessiture de Will Oldham, Dan Smith brasse les ténèbres sous un éclat lunaire. Là, sous les astres, l’Américain convie l’héritage de Neil Young sans jamais oublier d’élargir ses horizons, toujours plus à l’est. Rencontre improbable entre traditions yankees (country, folk ou rock) et folklore soviétique (écoutez « Stroll With Mine », ses incursions d’accordéon et de violon), cet album pourrait être le préféré de Zach Condon (Beirut). Voilà donc une bien belle rencontre. Crépusculaire et inattendue.
Quel énergumène peut avoir l’idée saugrenue de faire cohabiter l’esprit des Beatles, de Howlin’ Wolf et des Pixies au sein d’un même groupe ? Le soleil d’Australie aurait-il tapé trop fort sur le crâne de Link ? Cet ex-membre des illustres Meanies, légendes du rock indé australien, réussit pourtant son improbable pari. Entouré de trois acolytes dont on ne connaîtra que les prénoms –Fiona, Ewan et Keiran, respectivement bassiste, batteur et guitariste– cette formation distille, au fil de ce second album, un cocktail explosif et savamment dosé où s’entrelacent blues rugueux, touches ‘popesques’ et dissonances typiquement indie-rock. Derrière ses fûts, Ewan, ex-accompagnateur de Dan Brodie, assure une rythmique précise, lourde et profonde mais jamais envahissante, a l’instar du très groovy « Walkin’ In My Shadow » où les guitares mordantes de Link et Keiran se complètent à merveille. Les chœurs plutôt soignés –voir l’irrésistible « Love Your Nation »– offrent un superbe contrepoint au chant de Link, littéralement nourri au gravier et contribuant largement à la coloration bluesy de cet elpee. Balancée entre inspiration sixties –« Butlerian Jihad » et ses guitares gorgées de ‘fuzz’ semble tout droit jaillir de cette glorieuse époque– et boulets de canon –le sauvage « D-Day »–, la musique des Bakelite Age possède une personnalité propre et laisse augurer, malgré quelques touches mélodiques plus pop, des performances scéniques brûlantes. L’art de génies maléfiques ?
Révélés au grand jour par l’entremise d’un tube (« Do The Whirlwind ») et d’un second album jouissif (« In Case We Die »), les Australiens d’Architecture In Helsinki se sont rapidement postés aux devants d’un rock lo-fi festif, naïf et délibérément délirant. Grand manitou de cette œuvre allumée, Cameron Bird amorçait une ère insouciante où les refrains se scandaient avec le sourire et où la musique restait l’affaire d’une bande de joyeux drilles. Aujourd’hui, on ne compte plus les formations qui se sont glissées dans cette brèche débridée (de I’m From Barcelona à Tilly and the Wall). Sur « Places Like This », leur nouvel album, les résidents de Melbourne relancent l’effervescence pop de leurs débuts (« Fingers Crossed ») et poussent la frénésie dans ses ultimes retranchements, parfois de façon simpliste et anecdotique (écoutez le faiblard « Hold Music » ou les vaines onomatopées de « Like It or Not »). Néanmoins, Architecture In Helsinki demeure indomptable lorsqu’il s’agit de lancer des feux d’artifice de pop moderne (l’excellent single « Heart It Races » ou « Debbie » pour se tortiller toute la nuit en dansant sur un pied). Si les Australiens ne signent pas le grand disque attendu, ils persévèrent dans l’allégresse et la bonne humeur. Et quand l’ennui pointe le bout du nez, « Place Like This » prend vite des airs d’arme de destruction massive.
Au premier jour, il y eut « The Fall Of Math ». Au second apparut « One Time For All Time ». Au troisième vint l’accomplissement. « The Destruction Of Small Ideas » est, à ce jour, probablement l’œuvre maîtresse des Sheffieldiens de 65daysofstatic. La destruction des petites idées au profit d’idées plus grandes et plus originales. Complexe, osé, barré, ce nouvel exercice de style virevolte entre math-rock classieux et expérimentations hyperboliques d’une précision à couper le souffle. Pourtant sans grande prétention, « The Destruction Of Small Things » atomise les standards du genre en douze morceaux à la fois apocalyptiques (« These Things You Can’t Unlearn », « The Distant and Mechanised Glow Of Eastern European Dance Parties ») et séraphiques (« Don’t Go Down On Sorrow », « Lyonesse »). Un must pour tous les mélomanes en quête d’authentique originalité.
Il n’est pas nécessaire de solliciter une boule de cristal pour prédire un avenir glorieux à ce cd. Outre une production de poids, cet opus bénéficie de l’omniprésence, à l’écriture des textes et au chant, de Jared Leto. L’acteur américain, vu notamment dans « Panic room », « American Psycho » ou encore « Alexandre ». Et pour nos lectrices, sachez qu’il est aussi connu pour ses talents de séducteur. Il a ainsi vécu une idylle auprès de Cameron Diaz et de Scarlet Johannson. A des époques différentes, bien sûr. Excusez du peu ! Enfin, je ne m’attarderai pas sur le côté ‘people’ du personnage car ce n’est pas le genre de la maison. D’autres médias s’en chargent au détriment du profil artistique et de l’analyse du contenu.
Mais venons-en à cet opus. Dès la plage d’ouverture, « Attack » le groupe nous balance un tube formaté sur mesure, une plage dont la durée oscille autour de 3 minutes 30. Le troisième titre n’est autre que « The Kill », une compo diffusée sur toutes les ondes FM. Et le single « From Yesterday » devrait connaître le même sort. Si ces compos sont accrocheuses, les mélodies ne sont guère originales. Et pour cause, elles évoluent à la croisée des chemins de formations yankees comme Funeral For A Friend, Nickelback ou encore Linkin Park. Honnêtement, je préfère l’acteur Jared Leto. Il tourne d’ailleurs pour l’instant « Mr Nobody », en compagnie de notre Jaco Van Dormael national. Un film à gros budget. Le plus onéreux du cinéma belge d’ailleurs. Reste aussi à voir ce que donnera en live, la défense de cet opus. Mais là aussi il faudra s’attendre à la grosse artillerie plutôt qu’aux petites salles intimistes. Une preuve ? A la rentrée, 30 Seconds To Mars est programmé dans la prestigieuse ‘Brixton Academy’ de Londres…
Projet du bidouilleur/emcee mexicain Camilo Lara, le Mexican Institute of Sound rappelle cette époque des années nonante où des artistes anglais comme Bentley Rhythm Ace ou les Wiseguys s’amusaient (avec un bonheur inégal) à télescoper les musiques les plus improbables sur des rythmiques hip hop. C’est un peu la même chose ici, sauf que Camilo Lara puise ses idées (et ses samples) quasi exclusivement dans les musiques populaires mexicaines. Une exception qui confirme la règle : « Hip Hop no Pares ». Cette compo repique, sans le créditer, le reggae classique de Marcia Griffiths, « Feel Like Jumping ». Camilo a reçu le concours de Holger Beier, la moitié du duo allemand Hammond Inferno, à la production. Chris Frantz (Talking Heads), les Japonais de Plastic Machine, le emcee germano brésilien Pat-C viennent prêter main forte à la voix ou aux instruments. En résumé, sur douze plages, quatre sont vraiment excellentes (« Hip Hop No Pares », « El Microfono » et les deux versions de « la Kebradita »). Le reste se révèle au mieux anecdotique, au pire franchement indigeste.
Icône absolue du mouvement Néo Métal, Korn continue d’expérimenter. Bien que son chemin tout tracé l’éloigne de ses premières amours, il a conservé sa marque de fabrique : une production toujours massive et saturée !
Le single « Evolution » s’inscrit dans la tradition des grands classiques du groupe ayant mis le feu au Graspop 2007, tandis que « Hold On » évoque furieusement l’hymne « Got the Life ». Cependant, l’ensemble s’écarte de la déjà bien solide discographie du combo dont la tête pensante demeure la rock star Jonathan Davis. Le batteur David Silveria s’en est allé, et l’intérim est assuré aujourd’hui par un des drummers les plus techniques de l’histoire du rock. Permanent chez King Crimson, Terry Bozzio est aujourd’hui âgé de 57 ans. Comme musicien de session, il a accompagné des noms aussi prestigieux que Frank Zappa, Steve Vai et même Fantomas. Sa collaboration à la nouvelle livraison de Korn n’est malheureusement pas à la hauteur de nos espérances. Bozzio s’est juste contenté de suivre les instructions de Davis, et n’apporte aucune touche personnelle à cette œuvre éponyme. Globalement, les tempos sont plutôt lents, et l’agressivité toute relative. Et dorénavant, le piano s’incruste dans le monde torturé de Korn, accentuant le côté sombre d’une musique mécanique, parfois bizarroïde et difficile à digérer. Mélangeant l’industriel et le heavy à des couplets lyriques, la sphère musicale de la formation est en parfaite adéquation avec la pochette particulièrement réussie de cet opus, une œuvre qu’il faudra apprivoiser au fil des écoutes. Accuser Davis n’ Co de se reposer sur sa gloire et se répéter serait bien de mauvaise foi, mais cette nouvelle remise en question risque de dérouter les fans les plus hardcore tout en séduisant un public en manque de ce que l’on dénommait à la fin des années 80, le métal fusion. Loin d’être un chef d’œuvre, le Korn ‘cru 2007’ mérite largement que l’on y prête une oreille attentive.
Pour les inconditionnels, nous ne pouvons que recommander la très luxueuse édition limitée qui, outre son très bon titre inédit, recèle un poster de l’artwork de l’opus, des cartes à l’effigie des membres du groupe, et un DVD plutôt sympa.
Une anthologie consacrée à Paul Simon est dans les bacs depuis quelques jours. Intitulée « The essential », elle contient deux cds audio et un cd vidéo :
Tracklisting:
Disque : 1
1. Mother and Child Reunion
2. Loves Me Like a Rock
3. Me and Julio Down by the School Yard
4. Duncan
5. Kodachrome
6. 50 Ways to Leave Your Lover
7. Slip Slidin' Away
8. Gone at Last
9. Something So Right
10. Late in the Evening
11. Hearts and Bones
12. Take Me to the Mardi Gras
13. That Was Your Mother
14. American Tune
15. Peace Like a River
16. Stranded in a Limousine
17. Train in the Distance
18. Late Great Johnny Ace
19. Still Crazy After All These Years
Disque : 2
1. Graceland
2. Diamonds on the Soles of Her Shoes
3. Boy in the Bubble
4. You Can Call Me Al
5. Under African Skies
6. Obvious Child
7. Born at the Right Time
8. Cool, Cool River
9. Spirit Voices
10. Adios Hermanos
11. Born in Puerto Rico
12. Quality
13. Darling Lorraine
14. Hurricane Eye
15. Father and Daughter
16. Outrageous
17. Wartime Prayers
Disque : 3
1. Me and Julio Down by the School Yard
2. You Can Call Me Al
3. Boy in the Bubble
4. Diamonds on the Soles of Her
5. Obvious Child
6. Father and Daughter
7. Mrs. Robinson
8. Loves Me Like a Rock (From Saturday Night Live)
9. Sweeney Sisters
10. Homeward Bound
Le nouvel opus d’Animal Collective paraîtra le 10 septembre prochain. Il s’intitulera "Strawberry Jam". La formation se produira également le 10 septembre au Botanique de Bruxelles.
Tracklisting :
1. Strawberry Jam
2. Peacebone
3. Unsolved Mysteries
4. Chores
5. For Reverend Green
6. Fireworks #1
7. Winter Wonderland
8. Cuckoo Cuckoo
9. Derek
En attendant, il vous est loisible de visionner le clip vidéo de "Peacebone" sur youtube :
http://www.youtube.com/watch?v=fxvGHQHiY70
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/animalcollectivetheband
Les deux tiers du défunt Mclusky Future Of The Left, c’est à dire le chanteur/guitariste Andy Falkous et le drummer Jack Egglestone ainsi qu’un cinquième de Jarcrew, en l’occurrence le frontman Kelson Louis Matthias ont fondé un nouveau groupe : Future of The Left. Leur premier opus, « Curses » paraîtra chez Too Pure le 24 septembre. La formation se produira également à l’AB le 5 octobre et d’autres dates devraient suivre en Belgique.
Ci-dessous le lien vidéo pour la compo de Future Of The Left, 'adeadenemyalwayssmellsgood'
Real Player:
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/toopure/futur/video/GB-141-07-00022_128.ram
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/toopure/futur/video/GB-141-07-00022_300.ram
Windows Media Player:
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/toopure/futur/video/GB-141-07-00022_128.asx
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/toopure/futur/video/GB-141-07-00022_300.asx
Il y a deux ans Hard-Fi sortait son premier album intitulé “Stars Of CCTV”. Ils sont de retour avec un nouvel opus. Son titre “Once Upon A Time In The West”.
Pour découvrir leur premier single “Suburban Knights”, il suffit de cliquer ici. http://streamos.warnermusic.com/wmedia/wmiuk/hardfi/SuburbanKnightsv_hi.asx
Si le lien ne s’ouvre pas, copiez/collez cette adresse dans une fenêtre web.
http://streamos.warnermusic.com/wmedia/wmiuk/hardfi/SuburbanKnightsv_hi.asx
http://streamos.warnermusic.com/wmedia/wmiuk/hardfi/SuburbanKnightsv_lo.asx
http://streamos.warnermusic.com/real/wmiuk/hardfi/SuburbanKnightsv_hi.rm
http://streamos.warnermusic.com/real/wmiuk/hardfi/SuburbanKnightsv_lo.rm
Tracklisting :
Suburban Knights
I Shall Overcome
Tonight
Watch Me Fall Apart
I Close My Eyes
Television
Help Me Please
Can't Get Along
We Need Love
Little Angel
The King
Pour plus d’infos : http://www.hard-fi.com
Le nouvel opus de Jack Peñate paraîtra le 24 septembre. So titre : « Matinée ».
Tracklisting :
1. Spit At Stars
2. Got My Favourite
3. Have I Been A Fool
4. Torn On The Platform
5. Learning Lines
6. Run For Your Life
7. We Will Be Here
8. Made Of Codes
9. My Yvonne
10. Second Minute Or Hour
11. When We Die
La vidéo du single 'Spit At Stars' :
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/xl/jackp/video/GB-141-07-00008_128.ram
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/xl/jackp/video/GB-141-07-00008_300.ram
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/xl/jackp/video/GB-141-07-00008_128.asx
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/xl/jackp/video/GB-141-07-00008_300.asx
Et celle de 'Torn At The Platform’ :
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/xl/jackp/video/GB-141-07-00024_128.ram
http://streaming.beggars.com/bgroup/rm/xl/jackp/video/GB-141-07-00024_300.ram
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/xl/jackp/video/GB-141-07-00024_128.asx
http://streaming.beggars.com/bgroup/wm/xl/jackp/video/GB-141-07-00024_300.asx
Pour cette dernière journée des 33èmes Lokerse Feesten, les organisateurs avaient choisi l’éclectisme en programmant à la même affiche le folk irlandais des Pogues, le grunge US des Lemonheads et le punk batave des Heideroosjes.
Chez les Pogues il faut s’attendre à toutes les surprises. Parfois aussi bonnes que les sensations d’une bonne Guinness portée aux lèvres dans la chaleur moite d’un pub irlandais. Mais souvent aussi mauvaises que les dépressions centrées au-dessus de l’île verte. Ainsi, la dernière fois qu’ils se sont produits au complet en Belgique, c’était en 1991… au Pukkelpop. Probablement la pire prestation accordée par leur chanteur Shane MacGowan. Quelques mois plus tard, son propre groupe n’hésitait d’ailleurs pas à le virer. Les fans se souviendront longtemps de ce show, au cours duquel les musiciens n’avaient de cesse de fusiller du regard un MacGowan imbibé d’alcool et sous l’emprise de substances illicites. Soutenu par son pied de micro, c’est à peine s’il pouvait encore fredonner l’une ou l’autre bribe de chanson. Le combo a ensuite poursuivi sa route sans son chanteur/compositeur. Plusieurs années de suite. Et circonstanciellement, Joe Strummer est venu leur prêter main forte. Comme lors d’un festival gantois auquel votre serviteur avait assisté. De son côté, Shane avait tenté péniblement de continuer en solo. Puis flanqué d’un nouveau groupe : The Popes. Sous cette formule il s’était produit au Vooruit en 1996, lors du Schwung festival à Roulers en 1998, mais avait annulé également à deux reprises : au festival folk de Dranouter (où les Pogues auraient pu être plus logiquement programmés cette année) et lors des Nuits de l’entrepôt du Luxembourg. Il est dès lors tout à fait compréhensible que la présence des Pogues (réunis) sur notre sol belge reste un événement attendu mais en même temps très hypothétique. Hypothétique, d’autant plus que la bande de joyeux lurons irlandais sont programmés à 23h45. Ce qui leur laisse beaucoup de temps pour déguster notre bonne bière nationale en coulisses… Alors viendra (et dans quel état ?), viendra pas ? Jamais deux sans trois ! Après les deux forfaits déclarés par Shane MacGowan, à la dernière minute… D’autre part, c’est la 13ème fois que j’assiste à un de leurs sets, ce soir. Ce chiffre devait bien me porter chance…
Sur le coup de 23h45, on a de quoi être rassuré : le band débarque et son chanteur suit, titubant à peine. Dès le début du show, il est évident que toute la troupe, y compris son leadeur, est en grande forme ! Le show débute par les traditionnels « Streams of Whiskey » et « If I should fall from grace with god ». De quoi faire bouger la foule. Mais aussi fredonner en chœur les « Broad majestic Shannon » et autre « Pair of brown eyes » qui s’ensuivent. Preuve de sa vitalité, Shane MacGowan ne s’assied jamais sur le tabouret sis derrière lui, si ce n’est pour y déposer son précieux breuvage ; et il ne quitte la scène que pour céder le relais à Spider Stacey pour « Tuesday morning » ou Terry Woods dans « Young ned of the hill ». Les pogos et autres farandoles s’enchaînent, entraînant jeunes et moins jeunes, Wallons et Flamands, fans belges et venus parfois de loin… Après une bonne heure de concert, et un « Sick bed of Cuchulainn » au cours duquel l’ambiance monte encore d’un cran, le band prend congé du public. Sans trop y croire, celui-ci réclame pourtant un rappel. Les Pogues sont dans un bon jour. Et ils vont même se montrer très généreux à l’égard de l’assistance en leur réservant un bon lot de surprises. Les musiciens changent tous de rôle. Shane passe au backing vocal, et c’est le batteur Andrew Ranken qui se réserve le micro pour interpréter « Star of the county down ». Deux titres plus tard, chacun y met du cœur sur un « Fiesta » clôturant définitivement un des meilleurs concerts accordé par The Pogues à ce jour. (NDR : avis unanimement partagé sur les forums de ses fans).
Les spectateurs de Lokeren, et son cadre bucolique, n’ont rien eu à envier ce soir à la Brixton Academy et aux précédentes réunions de Noël ou de Saint-Patrick. Et les nombreux aficionados venus d’outre-Manche garderont un tout bon souvenir de leur mini-trip en Belgique, d’autant plus que le show en Suède deux jours auparavant avait été qualifié d’exécrable. En outre, la prochaine date prévue dans un festival folk anglais était déjà pressentie comme annulée. Quand je vous disais qu’avec The Pogues il fallait s’attendre à tout ! Les absents de Lokeren ont manqué ce qui risque, à chaque fois, d’être la dernière bonne occasion (vu l’état de santé de Shane Mac Gowan) de revoir le groupe de référence de punk/folk irlandais.
Set List : “Streams of whiskey”, “If i should fall from grace with god”, “Broad majestic shannon”, “Turkish song of the damned”, “Young ned of the hill”, “A pair of brown eyes”, “Boys from the county hell”, “Tuesday morning”, “Kitty”, “Sayonara”, “Repeal of the licensing laws”, “Sunnyside of the street”, “Body of an american”, “Lullaby of London”, “Dirty old town”, “Bottle of smoke”, “Sick bed of Cuchulainn”
Encore : “Star of the county down”, “Sally MacLenane”, “Rainy night in Soho”, “Fiesta”
Plus tôt en soirée, ce sont aussi des survivants que l’on n’attendait plus : Evan Dando et ses Lemonheads ont foulé les planches flandriennes. Après avoir connu une période de gloire fin des années 80 et début des années 90, ponctuée par la sortie de l’incontournable album « It's a shame about ray », le groupe avait fini par s’éteindre vers 1996. Faut dire qu’il avait longtemps surfé sur la vague grunge. Evan Dando de son côté avait entrepris une carrière en solitaire. Dix ans et quelques changements de line up plus tard, Dando a reformé son band pour graver un opus sobrement intitulé « The Lemonheads ». Sur scène, le combo arbore (consomme) un look (style) grunge. Comme à ses débuts. Les influences de Nirvana et même de Dinosaur Jr (Jay Mascis a d’ailleurs collaboré à la confection de leur dernier opus) sont très palpables tout au long du set. Si sur disque les guitares laissent parfois la place à l’acoustique et aux ballades pop-folk, ce soir, à Lokeren, le ton est définitivement noisy/grunge voir punk. Epinglant quelques tubes comme « Into my arms » ou « It's a shame about ray », mais interprétés sous une forme plus que sauvage, les Lemonheads parviennent à capter l’attention de leur public… jusqu’à une certaine heure... Car visiblement, Evan Dando a sympathisé avec les Pogues en coulisses, et semble avoir abusé de l’apéro en leur compagnie. Et autant l’ancienne bassiste responsable des backing vocals, Juliana Hatfield, était agréable à regarder et à entendre jouer, autant son remplaçant chante manifestement faux. Au fil du temps, le show devient de plus en plus brouillon. Etait-ce voulu ou pas, une chose est sûre, cette détérioration du son a gâché ce qui aurait pu être un bon concert. Evan Dando a pourtant voulu revenir sur le podium en solo ; mais les organisateurs l’en ont empêché. Une situation plutôt fâcheuse lorsqu’on tente un come-back et que cette tentative se solde par un cuisant échec…
En tout début de soirée, la prestation de Heideroosjes ne m’a pas particulièrement bottée. La formation jouit d’une réputation qui va bien au-delà de leurs Pays-Bas et du Nord de la Belgique. Une preuve ? Ils sont signés par le célèbre label yankee Epitaph aux côtés de grosses pointures du genre comme Nofx, Bad Religion ou Millencollin. L’écoute de quelques titres suffit pour comprendre que leur punk navigue encore très loin de celui pratiqué par leurs compagnons de label. Et il manque surtout de finesse. A l’instar du vocaliste qui pense avoir trouvé la bonne punk-attitude en rotant entre chaque morceau… Heureusement, si lors de certains festivals, le public est obligé d’attendre (im)patiemment la suite des événements, Lokeren offre de multiples alternatives. De nombreuses festivités connexes sont organisées au cœur de la ville. Et si vous voulez vous éloigner quelque peu des décibels, il vous est loisible de visiter la ville, de vous promener le long du canal (Durme), de fréquenter ses pubs, sa foire ou encore d’assister à d’autres concerts gratuits sis à quelques pas du site. De quoi se reposer quelque peu les oreilles, avant de revenir vous plonger dans le vif du sujet, frais et dispos…
De Heideroosjes + The Lemonheads + The Pogues
Organisation : VZW Lokerse Feesten, Lokeren
Nederlands 
Français 
