Vous êtes à la recherche du chaînon manquant supposé relier Belle and Sebastian, The Thrills et Arcade Fire ? Ne vous cassez plus la tête, The Format est la pièce manquante de ce puzzle. Habillé d’une pochette cartonnée assez élégante (des chiens, découpés soigneusement et superposés), leur « Dog problems » donne franchement l’envie d’être découvert.
Pourtant l’entrée en la matière est plutôt laborieuse. A cause de la compo intitulée « Matches » et puis de l’interminable « I’m actual ». Après ce début loupé, la plaque prend un virage à 180°. « Time bomb » opère ainsi un savant mélange entre percussions, violoncelle et autres cuivres. Savoureux ! « She doesn’t get it » se révèle encore plus pop et abordable. Un single potentiel. A cause de sa durée (3’50) et de son refrain contagieux. Et au plus on avance dans le disque, au plus on rencontre de bonnes surprises. « Pick me up » et ses guitares plus tranchées évoquent Superchunk (NDR : curieux, le quatuor issu de Chapel Hill avait sorti un album intitulé « Come pick me up » en 1999). Le titre maître épouse un ton franchement cabaret. On se rend alors compte que ce groupe a le don de passer d’un style à l’autre, tout en continuant à maîtriser son sujet. Et les cinq dernières plages en sont la plus belle illustration. Les références des formations susvisées prennent tout leur sens et au final on se demande si on ne vient pas de faire une découverte. Une chose est sûre, ce quintet issu de l’Arizona gagne à être connu et découvert en live.
Onze années déjà que notre ami Bill s'en est allé. Mais Jeannette Lodovici Clarke, la veuve de William, a décidé de lui rendre un hommage permanent. En alimentant régulièrement sa discographie posthume. Ce concert a été enregistré live en Allemagne. Le disque est sorti depuis un certain temps déjà mais il mérite le détour. Nous retrouvons William Clarke lors de l'une de ses nombreuses tournées européennes accomplies à la fin du siècle dernier. Très probablement en 1988, quelques jours avant ou après qu'il soit monté sur les planches du Handzame Blues Festival, événement organisé ici, dans le plat pays qui est le nôtre. Il était pour l'occasion accompagné de sa fidèle section rythmique composée du bassiste Willie Brinlee et du drummer Eddie ‘Lips’ Clark, ainsi que du fabuleux John ‘Marx’ Markowski à la guitare. Maître incontesté du swing, ce musicien inventif était aussi à l'aise dans l’univers du jazz que blues. Alors, pour les nombreux amateurs d’harmonica blues, cet opus est indispensable! William est le souffleur que je préfère. Je le considère comme le meilleur de tous les harmonicistes. Il n’a certes pas tout inventé, mais ses sujets étaient maîtrisés par une technique irréprochable. En outre, il manifestait une vitalité débordante, une puissance de feu, un souffle incroyable, une inventivité inégalable. La prise de son est impressionnante et nous nous retrouvons au cœur du public en compagnie de musiciens extraordinaires.
"Blowin’ like hell" ouvre l’elpee. Un instrumental qui préfigurait déjà son futur premier elpee pour Alligator. C’était également son titre maître. Ce brûlot incandescent porte, en outre, très bien son nom. Clarke avait la voix de son souffle : intense et modulée. Le "She's dynamite" de Tampa Red nous emporte dans un tourbillon. "Lookin' in the future" est un brillant Chicago shuffle. La puissance rythmique de l'ensemble soutient l'instrument diatonique et pousse le leader vers les sommets. Marx est un musicien talentueux. Il anime depuis longtemps les jam sessions du club Cozy, dans la San Fernando Valley, à Los Angeles. "I cried all last night" lui est réservé lors de ce concert. Une compo signée Charles Brown. Très jazz, la guitare manifeste beaucoup de douceur, de quiétude et de fraîcheur. Marx se réserve également le chant, mais c’est son travail sur les cordes qui nous séduit. Il nous plonge ainsi dans un bain de west coast inspiré par T-Bone Walker. William revient des loges, les poumons bien aérés. Il s'attaque à deux titres de Muddy Waters. Tout d’abord, le classique "All night long". Le public teuton est pris à la gorge, mais il participe. Le WCB ralentit le tempo et dispense un "Iodine in my coffee" très ‘west coast’. La dose de jazz inoculée est évidente. Tout en donnant une nouvelle leçon sur l'instrument chromatique, il adresse un clin d'œil à son vieil ami George Smith. La machine bien huilée poursuit sa démonstration. Une nouvelle intervention de Marx irradie "Educated fool". Et elle est brillante ! Elle est suivie par l'envol de William dont la montée sur les planches se soldait irrémédiablement par cette manière très caractéristique de jouer tout en rythmique. Très entraînant, le "Been around the world" de Big Walter Horton est un autre Chicago shuffle. Le swing n'est jamais très loin. Et bien ancré dans le style jump pratiqué dans l'état californien, le cœur de la musique bat au rythme de "One room country shack". Lors de finale, William reproduit ses inévitables cris de guerre, sorte d’aboiements volubiles et détonants. Les musiciens nous réservent cependant encore quelques exercices de haute-voltige instrumentale tout au long de la cover du "Lollipop Mama" de Roy Brown. Un excellent album.
A l’instar de Madrugada, Cadillac nous vient de Norvège. Un quatuor responsable de trois albums à ce jour. « Magnetic City », son troisième, a été enregistré aux States, dans le Connecticut, sous la houlette de Rich Robinson, le fidèle producteur des Black Crowes. Un opus qui fait la part belle au métal. Mais un métal qui ne manque ni d’originalité, ni de groove, lorgnant même parfois vers le post punk voire la cold wave. Et la reprise d’« Arabian knights » de Siouxsie & The Banshees en est la plus belle illustration. Mais encore le titre maître, plage ténébreuse au cours de laquelle Per Borten emprunte les inflexions de Paul Banks, le chanteur d’Interpol. Car en général, le timbre vocal de Per est plutôt rauque et lorgne manifestement vers celui de Josh Homme. Et puis « Side by side », un morceau qui évolue dans un registre fort semblable. Sans oublier le titre final, « Morning star », hanté par des chœurs spectraux et surtout caractérisé par un riff de guitare à la fois meurtrier et envoûtant. Cet art du riff est d’ailleurs une des forces de Cadillac. Rappelant tour à tour Led Zeppelin, At The Drive In ou Queens of The Stone Age. Mais aussi la ligne de basse grondante, viscérale, menaçante, réminiscente du défunt et mythique groupe australien Hunters & Collectors. C’est d’ailleurs aux Antipodes que Cadillac semble avoir puisé le reste de son inspiration. Et en particulier chez Hoodo Gurus et les New Christs. Leur intensité électrique peut ainsi se révéler tour à tour menaçante, malsaine, féroce, frénétique, sordide, malveillante, sauvage, chatoyante ou contagieuse. Vous comprenez dès lors mieux pourquoi leur musique libère un groove aussi phénoménal. Seul « Michael Francis », superbe compo par ailleurs, frôle l’univers énigmatique de leurs compatriotes, Madrugada. Une excellente surprise !
Fondée en 1994, cette formation londonienne était appelée à devenir aussi notoire que les Oasis, Blur, Pulp, Supergrass et consorts. La britpop était alors à son apogée. Responsable d’un hit single en 1995 (« Slight Return »), puis d’un excellent album l’année suivante, « Expecting to Fly Slight Return », The Bluetones a pourtant fait illusion jusqu’en 1998, moment choisi pour sortir leur second opus, « Return To The Last Chance Saloon », caractérisé par ses effluves mexicains. Et puis le combo a vécu une longue traversée du désert ponctuée de trois elpees studio, passés complètement inaperçus. Sauf, sans doute, pour les inconditionnels. Faut dire qu’en s’obstinant à pratiquer le même style musical, le quatuor ne pouvait que végéter dans la zone crépusculaire de l’underground. Cooking Vinyl vient de les repêcher. Et de les signer. Le grand retour ? Seul l’avenir nous le dira. En attendant, la formation insulaire nous propose une sorte de best of avant l’heure, réunissant des démos inédites, des raretés et même trois plages enregistrées ‘at home’, à leurs débuts. Dont la version 7 inches du fameux « Slight return ». Et puis des petites pop songs contagieuses comme « Are you blue or are you blind » ou encore « Time and again ». Le son n’est pas toujours de très bonne qualité, mais le résultat donne une bonne impression du style pratiqué par les Bluetones, il y a maintenant plus d’une décennie. Qui a dit c’est daté ?
Responsable d’un superbe album en 2004 (“If we can´t trust the doctors”), Blanche a failli splitter. En cause, l’emploi du temps du chanteur, Dan Miller, davantage préoccupé par ses aventures au cinéma que par la musique. Il avait ainsi, notamment, joué le rôle du bassiste de Johnny Cash, dans le film « Walk the line », consacré à feu ce king de la country. Finalement, tout semble rentré dans l’ordre, puisque la formation de Detroit vient de sortir son deuxième opus. Un disque qui s’inscrit parfaitement dans la lignée du premier, malgré la production confiée à Mark Nevens (Lambchop, Will Oldham) et David Feeny (le joueur de pedal steel du groupe). Une forme de country gothique, mais surtout sudiste, qui doit autant à Johnny Cash (of course !), 16th Horsepower que The Handsome Family. Surtout que si les lyrics ne manquent pas d’humour, ils traitent prioritairement de l’amour, de la foi et de la rédemption. Et sous la forme de contes autant sinistres que visionnaires. Parfois, on a quand même l’impression que la musique est hantée par le Wall of Voodoo ; notamment lorsque la voix de Dan épouse les inflexions nasillardes de Stan Ridgway. A moins que ce ne soit par Lee Hazlewood et Nancy Sinatra quand les époux Dan et Tracee Miller conjuguent leur duo sous la forme de questions/réponses. Pour enregistrer « Little amber bottles », Blanche à reçu le concours d’Isobel Campbell. Elle meurtrit de son violoncelle le ténébreux « No matter where you go… ». Et puis Little Jack des Raconteurs (et de Greenhorns). Il se charge même des vocaux et du banjo, tout au long de « O death, where is thy sting », une compo manifestement interprétée dans l’esprit de Gram Parsons.
En 2002 paraissait « Blackened Sky », le premier album de ce trio insulaire sorti de nulle part. Tout de suite, le choc. A la fois harmonique et déconstruit, ce disque était une des meilleures surprises de l’année. Depuis, le trio a perdu pied et n’a jamais réussi à égaler le charme de « Blackened Sky ». Beaucoup moins efficace car trop brouillons, « The Vertigo Of Bliss » (2003) et « Infinity Land » (2004) n’auront dû leur salut qu’à leurs singles et le relatif succès public et critique de ces derniers. Il aura ensuite fallu trois ans aux Ecossais pour donner une suite à leurs idées. Le résultat, « Puzzle », nous arrache, avec une aisance déconcertante, un énorme cri de soulagement. Le retour au son qui avait fait la particularité de « Blackened Sky », conjugué à une inspiration renouvelée, font de ce quatrième essai un véritable petit bijou d’emo-pop à l’anglaise. Il prouve une nouvelle fois que l’emo-pop made in USA est désespérément pauvre et a énormément de leçons à apprendre de son équivalent britannique. « Puzzle » est un condensé d’énergie et de sincérité, aux textes souvent sombres comme en témoignent « As Dust Dances », un « 9/15th » apocalyptique, « Machines » ou encore le single au titre éloquent, « Living Is A Problem Because Everything Dies ». Seule faiblesse, le trio se la joue parfois un peu trop à la Foo Fighters (les singles « Saturday Superhouse » et « Semi-Mental ») et, par conséquent, perd légèrement de sa fraîcheur. Toutefois, ce retour gagnant aidera le trio à reconquérir l’ensemble de ses fans. Sans aucun mal.
Ce “Life was the answer” nous réserve quelques surprises! La guitare sèche et l’irrésistible voix de Jullian Angel constituent les deux éléments dominants de cet opus distribué par le label indépendant Another Record. Les plages baignent au sein d’une atmosphère paisible, planante mais jamais soporifique. En effet, l’artiste a le don de nous transporter dans des univers aériens susceptibles de stimuler le corps et l'esprit sans pour autant verser dans une mystique inaccessible. Et puis les accents rock d'un “Born on the seventh day” ou d'un “Fragments” subliment le timbre de Jullian Angel, évoquant celui de Jeff Buckley. Si les morceaux imprimés sur un rythme plus soutenu s’avèrent les plus brillants, l'exercice difficile de la chanson à la mélodie intimiste sur fond de guitare semble ne pas être vain. Surtout à l’écoute de “Some dead survive”. L’œuvre s'essouffle en fin de parcours mais n'en reste pas moins un moment très agréable à traverser...
Fin du mois d’août, la Belgique prend l’eau. Vu le temps, c’est presque devenu une habitude. Les parapluies sont de sortie, les gouttes inondent le bitume. Pourtant, il en faut plus pour décourager les fans des Tellers, venus en nombre, en cette fin d’été mouillée, fouler le pavé pour se procurer ‘Hands Full of Ink’ (traduisez : ‘Les mains pleines d’encre’), le graal, le premier album de Ben Baillieux-Beynon et Charles Blistin. Véritable phénomène, The Tellers est le groupe du moment, la formation attendue au tournant. Sur disque, le duo s’en sort avec les éloges : des chansons décontractées, plantées, comme si de rien n’était, sur des mélodies folk-rock à siffloter. Sous la pluie, forcément.
Assis sur la banquette d’un café du centre-ville bruxellois, les Tellers gobent un sandwich à l’arrachée. En les voyant engloutir une dernière becquée entre deux interviews, on se dit que même pour manger, tout va très vite pour ces gars-là. « C’est certain », acquiesce Ben en déglutissant poliment. « Après le succès inattendu de notre mini album, notre label nous a fixé des échéances. On n’était pas en avance. En plus, on traîne toujours un peu les pieds. Si bien qu’en arrivant en studio, on n’avait pas suffisamment de morceaux. Alors, on nous envoyait régulièrement dehors pour composer de nouvelles chansons », explique-t-il. Enregistré dans l’urgence des délais imposés, ‘Hands Full of Ink’ respire la spontanéité et la simplicité. « On est très content du résultat final ! Même si le son de certains morceaux aurait, selon moi, gagné à être plus sale, plus crasseux », glisse Charles. « Cependant, on devait sortir ce disque assez vite. Alors voilà, c’est fait. » Mais c’est bien connu, la vitesse n’effraie pas les Tellers. Formé en 2005, remodelé à plusieurs reprises en 2006 suite au retentissement du single ‘More’ et du titre ‘Second Category’, utilisé pour une publicité internationale (celle de la nouvelle imprimante Canon), le groupe semble enfin se stabiliser. « Au début, avec Charles, on privilégiait la formule duo. Face à la multiplication des dates de concerts et l’élargissement de la taille des scènes, on s’est vite présenté en quatuor. Ça n’a pas été simple de trouver le line-up idéal », explique Ben. Cette fois, les Tellers semblent pourtant avoir trouvé leur équilibre. Après quelques changements de personnel, on retrouve François Gustin à la basse et Kenley Dratwa derrière les fûts.
Des filles et des mélodies
C’est indéniable, l’album des Tellers fait souffler un vent de fraîcheur sur les ondes, petit air léger qui dépasse déjà nos frontières. France, Allemagne, Pays-Bas, Italie, Scandinavie, tous les pays d’Europe succombent au charme d’‘Hugo’, nouveau single tiré de ‘Hands Full of Ink’. « Suite à la sortie de notre mini album, notre label a signé un accord avec ‘Cooperative Music’, un département du label international ‘V2 Music’ », indique Charles. « C’est une chance incroyable de pouvoir diffuser sa musique aussi loin », poursuit-il. Le couronnement médiatique de leurs chansons ne doit cependant rien au hasard. La prouesse des Tellers, c’est d’être parvenu à canaliser une énergie, venue de Grande-Bretagne, de l’intégrer et de la servir sous un jour nouveau, léger et décontracté. « Dès nos premiers morceaux, on nous a comparé aux Libertines, à Pete Doherty. Sa musique nous a motivés, c’est indiscutable », affirme Ben. « Mais notre nouvel album marque une évolution. D’une certaine façon, on peut dire que nous sommes en train de nous affranchir de cette référence. Les chansons et notre personnalité s’affirment. Bientôt, je crois que les journalistes ne nous poseront plus la question. Même si on ne niera jamais l’impact de Doherty sur nos débuts », commente-t-il. Sur album, le point fort des Tellers repose sur l’art de broder des mélodies d’une troublante efficacité. « J’amène toutes les parties instrumentales », souligne Charles. « Et moi tous les textes ! », renchérit Ben. Les deux font la paire et se complètent à merveille. Comme si le destin avait, depuis le début, décidé d’une rencontre entre ces deux-là. Et puis, le tout est chanté dans un anglais irréprochable. « Je n’ai aucun mérite ! », lance Ben. « Ma mère est d’origine galloise. Alors, forcément, ça aide… » En attendant, son timbre heurté, vaguement râpeux, fait des ravages. Lors des concerts, les Tellers déchaînent les foules, les filles surtout. A chaque sortie du quatuor, les cris des groupies pilonnent leurs joyeuses mélopées. « Ça ne nous dérange pas vraiment », rétorque Charles, « Au contraire, c’est plutôt agréable ! On n’explique pas cet engouement du public, cette exaltation. Mais c’est une bonne chose ». « Même si ce n’est pas toujours évident à gérer auprès de nos copines respectives », rappelle Ben. En attendant, le groupe signe un bel album, une jolie collection de chansons prêtes à enflammer l’assemblée. « Notre réussite est parfois gênante », explique encore Ben. « On passe souvent pour des types arrogants, des chieurs. Pourtant, on n’est pas des méchants… On rencontre parfois l’hostilité de techniciens qui s’énervent sur nous sans aucune raison », ajoute-t-il. « Après, nous devons apprendre à gérer toute cette attention. Et ce n’est pas facile », dit Ben. « Je comprends d’ailleurs le sentiment de jalousie que certaines personnes peuvent ressentir à notre égard. Certains artistes galèrent pendant des années pour parvenir à se faire entendre. Pour nous, ça va vite : on a beaucoup de chance ! De ce point de vue, la jalousie est un ressentiment naturel finalement. C’est tout à fait humain et fort compréhensible. »
Prince Charles
Les Tellers, c’est d’abord une passion commune pour la musique, pour ces petits détails qui, au final, font toute la différence. « La chanson ‘Another Coin For…’ a été enregistrée de façon artisanale, à la maison, dans la salle de bain », raconte Ben. « Si on écoute bien, on peut même entendre une porte qui claque en bruit de fond », sourit-il. Les détails et les anecdotes forgent donc l’état d’esprit de ‘Hands Full of Ink’. Il y a aussi des sonorités qu’on pensait oubliées, comme celles amenées par l’harmonica sur ‘He Gets High’. « Ce n’était pas du tout prémédité », raconte Charles. « J’ai pris l’harmonica et, quelques minutes plus tard, on avait une nouvelle mélodie. » Petit prince des arrangements et des instrumentations, Charles Blistin laisse ici entrevoir l’étendue de son talent. « J’ai même écrit une chanson à son propos », rigole Ben. « Elle s’intitule ‘Prince Charly’. Mais je ne veux pas en dire plus ! ». Mystère et confidence appuient la tendance : ces deux-là sont faits pour s’entendre.
“This gift” le second album de Sons and Daughters est annoncé pour le 28 janvier 2008. Il a été produit par Bernard Butler, le guitariste de Suede. Il sera précédé du single “Gilt complex”, dont la sortie est prévue pour le 29 octobre.
Pour regarder la vidéo du single :
http://uk.youtube.com/watch?v=BkzppTTrUMk
Pour plus d’infos : http://www.sonsanddaughtersloveyou.com
L’album de Plain White T’s, « Every Second counts », paraîtra le 15 octobre. Il s’agit du premier opus chez un major pour ce groupe yankee et comprendra un disque audio et un DVD live.
Tracklisting :
Disc 1 (audio) :
Our Time Now
Come Back to Me
Hate (I Really Don't Like You)
You and Me
Friends Don't Let Friends Dial Drunk
Making a Memory
So Damn Clever
Tearin' Us Apart
Write You a Song
Gimme a Chance
Figure It Out
Let Me Take You There
Hey There Delilah [*]
Hold On [*]
[CD-Rom Track]
Disc 2: DVD (Live)
Our Time Now
Revenge
All That We Needed
Stop
Friends Don't Let Friends Dial Drunk
You and Me
Come Back to Me
Write You a Song
Tearin' Us Apart
So Damn Clever
Let Me Take You There
Hate (I Really Don't Like You)
Hey There Delilah
Take Me Away
En attendant vous pouvez toujours visionner le hit single « Hey There Delilah », pour l’instant numéro 1 du Billboard Hot 100 aux USA.
http://www.youtube.com/watch?v=h_m-BjrxmgI
http://www.wat.tv/playlist/467571/video/656937/attitude-PLAIN-WHITE-T-S-HEY-THERE-DELILAH.html
Pour plus d’infos : http://www.plainwhitets.com
‘X’, le premier album de Kylie Minogue en quatre ans paraîtra le 26 novembre. Il contiendra 13 nouvelles compos enregistrées entre Londres, Stockholm et Ibiza.
Outre cet opus, un documentaire filmé par William Baker sera projeté à travers le monde en octobre et la version Dvd (double) sera commercialisée en décembre. Double, le deuxième dvd est consacré au Showgirl Homecoming Live immortalise à Melbourne en décembre 2006.
Tracklisting :
2 Hearts
Like A Drug
In My Arms
Speakerphone
Sensitized
Heart Beat Rock
The One
No More Rain
All I See
Stars
Wow
Nu-di-ty
Cosmic
Pour regarder la vidéo du single « 2 Hearts »
http://www.youtube.com/watch?v=h3gYAP_uTnM
http://www.wat.tv/playlist/660434/video/674952/attitude-Kylie-Minogue-2-Hearts.html
Et celle de "In my arms"
http://www.wat.tv/playlist/621225/video/824197/kylie-minogue-in-my-arms.html
http://www.youtube.com/watch?v=RE8EAqneUbM
http://www.wideo.fr/video/iLyROoaft5hM.html
Et la vidéo de « Wow » :
http://www.youtube.com/watch?v=LnTrZYHK_II
http://www.wideo.fr/video/iLyROoafY8Nk.html
http://www.wat.tv/video/kylie-minogue-wow-l9pl_iedf_.html
Et encore de la vidéo :
EVN11224-h264-300.mov http://del.interoute.com/?id=f2e049cd-1e6f-4590-b32c-f9867f3729aa&delivery=stream
EVN11224-h264-34.mov http://del.interoute.com/?id=948da682-d02e-4c84-96e7-86c35d9a622b&delivery=stream
EVN11224-h264-700.mov http://del.interoute.com/?id=93ed1d57-93ce-493b-8e01-e8279a1e1875&delivery=stream
EVN11224-real9-300.rm http://del.interoute.com/?id=7541a9f8-f8ac-49e9-a991-80ee2b2ad841&delivery=stream
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Pour plus d’infos : http://www.kylie.com
Okkervil River nous vient de New Hampshire. Fondée à la fin des 90’s, cette formation est drivée par Will Sheff. Il en est le compositeur, le chanteur et le guitariste. Leur cinquième album vient de paraître. Il s’intitule « The stage names » et fait suite à « Black sheep boy », un disque qui avait reçu une excellente critique de toute la presse. Plus pop, le dernier opus n’en est pas pour autant moins intéressant. D’autant que ses textes sont toujours aussi inspirés, à la limite de l’autobiographie. Will nous en explique la raison…
« L’autobiographie ? Je l’adapte. J’y inclus de la fiction. Ce qui est intéressant dans cette démarche c’est ce qu’elle te procure. Beaucoup d’autobiographies se complaisent dans l’apitoiement ou à la complainte. Par contre, si tu lui apportes de l’imaginaire, tu enrichis ton récit. Et cette pratique devient une opportunité. L’opportunité de te sublimer. On arrive ainsi finalement à une autobiographie factice. Depuis l’album ‘Back sheep boy’, je parviens à écrire comme je le souhaite. C’était alors la première fois. Et lorsque nous avons commencé à enregistrer ce nouvel album, j’avais la sensation de pouvoir m’adapter. En très peu de temps je me suis senti pousser des ailes, parce que j’étais dans mon trip. » Tout au long de cet opus, on rencontre des références au cinéma, au théâtre et à la littérature. Mais finalement, Sheff, c’est un réalisateur de film, un poète ou un musicien ? « Je suis musicien. Je n’ai pas envie de devenir réalisateur de film. Oui, il est vrai que j’ai effectué une tentative dans cet univers, mais c’était un challenge. Ce n’est pas ce que je recherchais. Au départ, j’étais même intimidé. Pourquoi ? Parce qu’il faut de l’argent. Et beaucoup de temps. Et pour arriver à un résultat, des années de travail sont nécessaires. Ce job exige trop de dépense d’énergie et entraîne si peu de satisfaction. Finalement musicien me convient mieux. Ce qui n’empêche pas que je sois tombé sous le charme du cinéma. Mais ma préoccupation première, c’est d’écrire des chansons… Ce nouvel album, je le voulais différent. Lui conférer une tonalité moderne. Et le meilleur moyen d’atteindre ce but était de le plonger dans le monde du divertissement. C'est-à-dire la TV, le cinéma et en particulier les films d’horreur, les chansons pop qu’on entend à la radio. Tout en le rendant intemporel. Archaïque. Comme dans l’univers du conte… » On en vient enfin à la littérature. Ainsi Sheff aurait vécu son enfance comme un solitaire entouré de davantage de livres que d’amis. Il confesse. « J’ai dit ça moi ? Probablement que c’est vrai. Je me sens souvent proche des écrivains qui sont partis dans l’autre monde. C’est émouvant. J’ai toujours eu ce sentiment de partage et de proximité avec eux. Mais finalement, tu te sens bien auprès des personnes que tu ne connais pas. D’ailleurs, lorsque tu as l’opportunité de rencontrer des personnes que tu admires, tu es souvent déçu. A cause de la différence entre l’image que tu projettes et la réalité. Mais tu peux aussi rencontrer des êtres humains malheureux, perturbés. Il y a quelque chose de touchant, de bouleversant et de triste de se dire qu’on est plus proche d’auteurs et d’écrivains et de films que de la réalité présente. C’est ce sentiment de proximité (film, auteur, etc.) que je voulais introduire dans mon album… » Mais qui est la principale source d’inspiration de ses lyrics ? Henry Miller ? « Pas la principale. En fait, je partage chez Miller, et beaucoup de monde pense la même chose, son aptitude à brosser un portrait susceptible d’embrasser toutes les facettes de la société. Depuis le beau jusqu’au laid. Il les dépeint avec un caractère joyeux. Dans la laideur, il trouve quelque chose de beau. Il existe un espace de langage surréaliste, flamboyant, dans ces descriptions. Les émotions qu’il recherche sont destinées à ouvrir l’esprit. Que tu sois intelligent, stupide, beau ou sale. Et tout ça dans l’allégresse. Entre la beauté et la laideur, il existe quelque chose de commun. J’aime ce manque de rigueur, cette absence de structure, ce désordre… » Et pourtant, certaines compos de Will sont devenues des prédictions. Il s’explique : « Il est vrai que j’ai écrit des chansons à propos d’événements qui se sont déroulés par la suite. En quelque sorte, j’ai anticipé sur le futur. Et pour pimenter le tout d’un peu d’humour, j’ai annoncé à mes potes que j’allais consacrer une compo à ma future notoriété. Donc, c’est devenu une plaisanterie entre nous. Mais cette situation est quand même curieuse. Tu projettes un événement dans ton esprit, alors qu’il n’existe pas. Et puis il se produit. C’est très excitant pour moi… »
Quelques chansons de son denier album ont suscité la controverse. Tout d’abord ‘Plus ones’, un fragment au cours duquel Will utilise des titres de chansons célèbres écrites notamment par les Commodores, REM, Paul Simon, ? & The Mysterians et les Zombies. « Pas tellement une controverse, mais disons qu’elle a fait couler pas mal d’encre. En fait, il s’agit d’une chanson radicalement différente de ce qu’on avait pu faire jusqu’alors. Nous voulions réaliser une compo à la fois amusante et légère. Qui tranche avec tout ce qu’on avait pu concocter dans le passé. Un peu idiote même. Ce n’est pas de l’humour très subtil, mais il a le mérite de faire rire. Tu sais Dylan avait ouvert la voie sur ses albums ‘Blonde on Blonde’ et ‘The Basement tapes’. Ce sont des albums bourrés d’humour mais qui dissimulent un message. Et un gag peut aussi cacher une idée très sérieuse… » A l’instar de ‘John Allyn Smith Sails’. La formation y pastiche ‘Sloop John B’, un traditionnel immortalisé par les Beach Boys mais aussi les Byrds de Roger McGuinn. Et Will y a intégré des textes du poète américain John Allyn Smith. La version est tellement sinistre, qu’elle en devient hilarante (NDR : évidemment, pour percevoir ce type d’humour, il faut bien comprendre la langue de Shakespeare). « Tiens c’est curieux, la plupart des journalistes me parlent des Beach Boys et peu de Roger McGuinn. C’est une chanson célèbre. Au départ, je n’avais pas l’intention de la reprendre. Mais j’ai changé d’avis. Parce que c’est comme si je pénétrais dans une pièce et que je rencontrais quelqu’un que je n’attendais pas. C’est ce qui s’est produit pour ‘John Allyn Smith Sails’. Et j’entre dans la chanson. Ce sont deux compos qui s’entremêlent et finissent par fusionner… »
Les arrangements opérés sur ‘The stage names’ sont assez riches. Parfois tapissés de cordes et même de cuivres. Un peu comme chez Calexico et Arcade Fire. Will ne partage pas cet avis : « Je connais trop peu ces groupes. J’apprécie Calexico, mais si leurs cuivres sont stimulants, ils appartiennent à l’univers des mariachis. En ce qui concerne Aracade Fire, enfin de ce que j’ai pu en écouter, nous n’évoluons pas du tout dans le même registre. J’ai parfois l’impression que la formation canadienne superpose tout. Elle amoncèle une quantité d’ingrédients de haute qualité, mais sans en soigner les arrangements. Et à la longue, ça devient ennuyeux. Je n’aime pas trop cette technique. Et leur ‘Neon bible’ m’a fortement déçu. Dans ce domaine, je préfère Scott Walker à Arcade Fire… » A ce jour, Will a pu réaliser ses rêves. D’une part, il a échangé un duo avec Daniel Johnston sur ‘Don’t fall in love’. Et puis il a joué en première partie de Lou Reed, un des artistes qui constitue une de ses influences majeures. Il a même pu le rencontrer. « Oui, c’était absolument génial de pouvoir parler avec lui. C’est un type extraordinaire. J’adore sa manière d’écrire, son œuvre. Il est difficile de parler de choses qui nous rendent heureux, parce que vous ne pouvez qu’utiliser des termes dithyrambiques… » Par contre, il ne faut pas lui parler d’alt country. C’est un sujet qui fâche. « J’aime la musique country, mais aussi la soul et le rock’n roll. En fait, je joue de la guitare acoustique, et il y a neuf ans, lorsque tu jouais de la sèche, de la steel ou du banjo, les médias te collaient cette étiquette. Le pire, c’est qu’à cette époque, ce mouvement alt country était détestable. Aussi je refuse d’y être associé. Je n’ai jamais rien eu à voir avec cette scène. Je ne suis pas allergique à la country, je l’apprécie même beaucoup, mais Okkervil River ne joue pas de la country… »
Will n’est pas toujours satisfait de sa voix. Pourtant, parfois, ses inflexions peuvent rappeler Robert Plant. Surtout lors des ballades. Mais n’a-t-il jamais pensé à partager un duo avec une voix féminine ? « J’adore le Led Zeppelin et cette comparaison me flatte. Tu sais, notre musique a quelque chose de rock classique (NDR : il aime Dylan, Leonard Cohen et Joni Mitchell, entre autres). Ce quatuor mythique n’est pas une influence, mais il est vrai que nos compos les plus paisibles peuvent rappeler le climat d’un ‘Going to California’… Maintenant, ma voix n’est pas très puissante ni accessible, pas comme celle de Bono ; et c’est peut-être un problème. Une faiblesse. Donc on s’est cassé la tête pour qu’elle puisse s’intégrer dans notre musique. Pour que le groupe l’accepte. Mais quelque part cette faiblesse est une force en soi… En ce qui concerne un duo avec une artiste féminine, c’est une idée qui me plait beaucoup. C’est une formule élégante et romantique. Mais par convention, mon entourage me déconseille vivement de la concrétiser. Donc je vais m’y risquer, parce que si l’idée est ringarde, c’est un défi à relever… »
Merci à Vincent Devos.
La sixième édition des Nuits du Soir se déroulait, à nouveau, au Cirque Royal de Bruxelles. Organisé conjointement par le quotidien Le Soir et le Botanique, cet événement est destiné à mettre en avant le talent d’artistes ou de groupes belges. Et il était à nouveau sold out !
Lourde tâche d’ouvrir ces ‘Nuits du’ Soir devant une salle encore à moitié vide. Début de programme, donc, face à un public clairsemé ; mais il en faut plus pour impressionner les dIPLOMAT. Distribution de flyers de présentation, ouverture remarquée par une bande de petites hôtesses habillées tout en blanc. Les dIPLOMAT proposent un rock brut et énergique pimenté d’une voix aux accents pop ; et même si le set est ‘un peu court’ -aux dires de Fabrice, leur chanteur- il ravit le public du Cirque Royal. La salle finit quand même par se remplir, et les retardataires accrochent immédiatement. Groupe à suivre pour la qualité de ses prestations scéniques, et sur album, puisque la rumeur colporte qu’ils ont désormais signé un contrat chez un label.
Après l’excellent accueil réservé à leur premier album, les Tellers continuent à tourner. Sur scène, les deux guitaristes sont rejoints par un drummer et un bassiste pour donner plus de rythme à leurs compos, et par Fabrice, le ‘grand frère’ ; sans oublier la chorale de potes conviée lors du morceau qui clôt le concert. Attitudes de jeunes stars Rock ‘n’ Roll ce soir pour Charles et Ben, qui nous avaient habitués à plus de désinvolture. Le public est constitué, en majorité, d’adolescents. Profitant du congé du lendemain, celui-ci étonnamment calme par rapport à la réaction suscitée par certaines prestations précédentes du combo. Le nouvel album « Hands Full Of Ink » complète cependant très bien les titres de l’EP qui a fait connaître les Tellers : les chansons « More » et « Second Category » sont déjà des classiques de la formation.
Depuis la sortie de ”Music and chocolates”, un large public commence à s’intéresser à Joshua. Présentant leur spectacle comme une invitation à danser (mais ils devraient davantage montrer l’exemple…), leur prestation programmée à la suite des Tellers ne peut que faire bouger le Cirque Royal, maintenant plein comme un œuf. Un show enlevé, comme toujours, ponctué d’une reprise du « Riders on The Storm » des Doors, et qui s’achève, comme il se doit, par le hit « Kill Your Own Army » scandé devant une foule de bras levés. Les sons funky et hip-hop de Joshua ne renient jamais le caractère rock qui est à la base de leur musique.
Arid se trouve, aujourd'hui, à la veille d'une nouvelle aventure : après une séparation et la reformation suite au concert 0110 de Gand, le premier single « Words » vient d'être édité, et il précède la sortie prochaine d’un nouvel elpee. Ensemble à la croisée des chemins, Arid propose un tracklisting composé de nombreux tubes. Leur énergie et les envolées vocales de Jasper Steverlinck sont maîtrisées de bout en bout, et le public ne s’y trompe pas : il est conquis par le groupe ‘belge’ de la soirée. Et il se surprend même à danser au son de leur pop-rock, qui par moments évoque Keane. Surtout en ‘live’ ; ce qui, pour ceux qui ont pu les voir, signifie un compliment…)
Hollywood P$$$ Stars constituait manifestement le clou de cette Nuit du Soir. Comme ils le définissent eux-mêmes, leur style passe du ‘pop-indie’ au ‘rock guitare’. Il capture immédiatement l’audience. Forts de leur dernier album « Sattelittes », les Liégeois ouvrent dans une relative douceur avant d’asséner leurs hits les plus énergiques. Puis ils laissent retomber la pression, le temps que le public reprenne son souffle ; mais ce calme augure la tempête, car ils terminent en force. Excellents sur disque, les Hollywood P$$$ Stars n’en demeurent pas moins des bêtes de scène. A voir absolument en ‘live’.
Org: Botanique et Le Soir, Bruxelles
Le sludge metal semble avoir le vent en poupe ces derniers temps ! Après la claque engendrée par le nouvel album de Rammesses et le récent engouement inattendu pour l’ensemble de l’œuvre d’Electric Wizzard, dont on s’arrache les albums sur le net, voici de nouveaux drôles d’oiseaux dont on entendra le ramage au-delà des frontières de leur Caroline du Nord. Notons tout d’abord que c’est Steve Albini (Nirvana, High On Fire…) qui a pris place derrière les consoles pour donner un son à « God Luck and Good Speed ». Imaginez l’importance de cette collaboration pour un groupe de sludge, courant sous médiatisé et dont les géniteurs ont pour noms Eyehategod, Cluthc ou Crowbar. Au niveau des textes, tout ou presque tourne autour de ‘l’herbe qui fait rire’. Musicalement, imprimé sur un mid tempo, le son bien crade dégouline de disto. Plébiscités par Jello Biafra et les membres de Mastodon, les trois lascars de Weedeater ont écumé durant le printemps dernier, les clubs les plus sordides de Californie, en ouvrant pour The Sword, The Hidden Hand et même pour Corrosion of Conformity ! Du bien gras arrosé de bourbon et de chili con carne. La bio précise : à conseiller aux fans de Buzzoven, Orange Goblin, ZZ Top et Electric Wizard. Nous approuvons !
New York nous a déjà offert quelques surprises intéressantes sur le plan du blues ; d’ailleurs personne n’a oublié l’ogre Popa Chubby, pape du blues-rock de la Grosse Pomme ! Du côté du Lower East Side, TK Webb évolue dans un style totalement différent. Après l’unanimement acclamé « KCK » paru sur le label indé The Social Registry en 2005, il poursuit son œuvre loin des longues démonstrations instrumentales lors d’un second elpee inclassable, fruit d’un mélange de folk et de blues rugueux. Jouissant d’une excellente section rythmique, les compositions reposent sur des rythmes extrêmement laid-back, soutenus mais très ‘cools’, lents mais au sens ‘lancinant’ du terme. Un style de jeu souvent négligé aujourd’hui…
D’un point de vue vocal, TK Webb nous épargne les grotesques imitations de Howlin’ Wolf auxquelles se livrent beaucoup de bluesmen blancs ; sa voix un peu haut perchée a quelque chose de ‘dylanesque’, à l’instar du morceau « Lesser Dude » qui n’aurait pas dépareillé sur l’album « Highway 61 Revisited » ; mais lorsqu’il s’attaque au blues aride comme sur « Wet Eyed Morn », celle-ci se fait soudain rocailleuse et usée, comme tout droit sortie d’un gosier du Mississippi.
Aucune surproduction mais une orchestration d’une grande finesse (les touches fantomatiques de lap steel sur « Phantom Parade, le piano de « Lesser Dude »…) Au final, un résultat inclassable et coloré, beaucoup de talent et de l’authenticité à revendre. Une musique de cœur et de tripes.
Nouvelle signature de l’ébouriffante écurie Sub Pop, Tiny Vipers calme nos ardeurs et clame le bonheur éprouvé par les écorchés. Car, c’est une certitude, Jesy Fortino a le cœur en berne. Mais elle s’en porte plutôt bien. Cachée sous le patronyme Tiny Vipers, elle livre « Hands Across The Void », une œuvre intimiste où mélodies et émotions copulent pour accoucher de chansons élégiaques, pas drôles mais jamais patraques. Inévitablement, on pense à Cat Power pour ce sens subtil de la mélodie gracile, à Julie Doiron pour la sobriété de l’ensemble et à Karen Dalton pour son insoumission folklorique. Etrangement, on songe également au premier enregistrement de Turin Brakes. En sept titres, Tiny Vipers parvient à faire le tour de la question, épuisant le folk par tous les moyens. Par l’entremise d’un final bruitiste étourdissant (« Forest On Fire »), de textes angoissants au possible ou d’un superbe marathon acoustique (« Swastika »), Tiny Vipers prend le temps d’imposer ses atmosphères. « Hands Across The Void » nous emmène ainsi à la rencontre des ténèbres. Et on ne craint pas de s’y perdre. Car ces chansons sont belles à crever. Rien ne peut donc nous arriver.
Epoustouflant ! Le premier album des trashers de Trouble Agency s’affiche comme la meilleure production belge en matière de metal survitaminé depuis la dernière livraison de Channel Zero. « Moneycracy » replonge l’auditeur au beau milieu des années 80, à l’époque où Exodus, Death Angel, Testament et Voivod donnaient naissance à un nouveau style : le trash métal. Didier Vancopenolle et Larry V. de Rostyne savent y faire lorsqu’il s’agit de composer des riffs tranchant comme un scalpel. Si le combo originaire de Soignies a parfaitement bien appris sa leçon et utilise tous les codes du trash, il évite, par un savant tour de passe-passe, de nous plonger dans la lassitude. Pourtant tout est là : la voix hargneuse, les breaks assassins, les tempos infernaux, les textes revendicatifs… et une production ultra professionnelle, signée Dirk Miers. Récemment, en ouverture du concert d’Anvil au Negasonic d’Alost, Trouble Agency a démontré à un public, médusé par tant de dextérité, que ses prestations scéniques sont à la hauteur de cette petite bombe à fragmentation baptisée « Moneycracy ». Sur certains titres, plus techno trash, on pense beaucoup à Coroner (une référence !) et même à leurs compatriotes de Celtic Frost. La voix de Didier Meeus évoque parfois l’organe de Thomas Gabriel Warrior, et certains riffs sont aussi lourds qu’un « Dethroned Emperor ». Les gars ont à coup sûr perforé leurs tympans en écoutant « To Mega Therion » et « Cold Lake ». Le groupe, cela se sent, croit dur comme fer en ce qu’il crée, en ce qu’il joue. Et il ne se trompe pas. Des titres tels que « 08/06/1945 », « Moneycracy » ou « The King of Blood » ont l’étoffe d’un « Bonded by Blood » ou d’un “Black Fuel”, rien que ça !
Après le succès éphémère de Cyclone dans les eighties et le sabordage de Channel Zero à la fin des années 90, Trouble Agency a pour périlleuse mission de défendre les couleurs du trash ‘Made in Belgium’. Que le Dieu métal leur accorde pérennité !
Connus surtout grâce à certaines de leurs compos utilisées en toile sonore de nombreuses séries américaine à succès (« Grey’s Anatomy », « The 4400 », l’excellent « Rescue Me », le pathétique « Bones »…), Thirteen Senses nous propose son second recueil. Surproduit, ce « Contact » est presque en tous points similaire au premier. Vu ses faux airs de Mew, le quatuor aurait facilement pu tirer son épingle du jeu. Mais, souffrant d’une trop large carence en subtilité et originalité, il épouse, encore plus que sur « The Invitation », le profil d’émule insipide et carrément rasoir de Keane. Certains iront jusqu’à citer Coldplay. Mais il s’agirait d’une insulte envers ces derniers. Car leur inspiration est incomparable avec celle, quasi inexistante, du sujet de cette chronique. On en aurait presque envie de vous livrer une review des séries susmentionnées plutôt que de s’étendre sur le cas de ces Anglais. Ironique que ces quatre jeunots aient l’audace de dénommer leur formation ‘Treize sens’, leur ouïe ayant certainement du s’égarer quelque part en chemin vers le studio…
La Suède est un pays incroyable. Là-bas, les musiciens écoutent leur cœur et, souvent, le rythme s’emballe. Quand le froid scandinave nous dégèle les tympans, on ne peut généralement s’empêcher de s’enthousiasmer. Pourtant, on doit bien consentir que la pop proprette et trop soyeuse de The Concretes nous avait laissé de glace. Alors, en apprenant que Victoria Bergsman, la chanteuse et fondatrice de la défunte formation, se relançait aux commandes d’un nouveau projet, on pensait replonger dans un ennui popisant, dénué de grands moments. Grave erreur car, depuis sa participation au tube « Young Folks » de ses compatriotes Peter, Björn & John et son intronisation subite au panthéon de la pop, la jeune femme a endossé ses plus beaux apparats et nous laisse goûter aux joies des promenades au bois par l’entremise de Taken By Trees. Premier album, coproduit par Björn Yttling (celui qui trône entre Peter et John), « Open Field » est un condensé d’élégance, d’hymnes fragiles entortillés de mélancolie et de nostalgie. Mais étrangement, l’album de Taken By Trees n’est pas triste. Au contraire, c’est un ravissant rayon de soleil perçant les feuilles dorées des grands arbres en cette période automnale. Comment les fondus d’Au Revoir Simone et de Belle & Sebastian pourraient-ils passer à côté des charmes de ces douces mélopées ? En s’exilant au Mexique, peut-être. L’album n’y est pas encore distribué…
Première frayeur à la vision de la pochette qui a tout de la parodie de l’affiche d’un Indiana Jones. Deuxième froncement de sourcils après avoir lu la bio : le producteur de ce trente-troisième album des ‘kings’ du hard boogie n’est autre que Pip William, dont la triste réputation n’est plus à faire. L’homme excelle lorsqu’il s’agit de lisser la musique, de gommer toute aspérité, d’enrober le rock d’une bonne couche de miel. Status Quo demeure une légende, et ses dernières prestations scéniques, au Schwung ou à Forest National, ont laissé les plus sceptiques sur les rotules ! Les vieux routards ont toujours la banane, et les classiques sont joués avec une pêche d’enfer. Mais de classiques, il n’est guère question sur ce bien insipide « In Search of the Fourth Chord ». Et si le groupe nous balance un xième best of dans dix ans, aucun titre de cette nouvelle plaque n’y figurera. Status Quo s’est forgé une réputation en délivrant à la chaîne des singles diablement efficaces. « Beginning of the End », sorti il y a quelques semaines, donnait l’eau à la bouche. A cause de son refrain entêtant. C’est ce titre qui ouvre le nouvel opus, et c’est le seul qui retiendra notre attention. Mais où sont passées les popsongs graisseuses qu’on fredonnait sous la douche ? Pourquoi ajouter un quatrième accord de guitare alors que les trois autres réjouissent les tympans des Quo maniacs depuis quatre décennies ? Il y a bien quelques boogies classiques qui font taper du pied, mais il s’agit davantage d’un réflexe pavlovien que d’une réelle envie de communier avec le duo Parfitt/Rossi. Un album qui n’ajoute rien à la légende. Une parenthèse dans la vie du combo. Pas un naufrage, mais gare aux icebergs !
Pas facile pour un artiste d’évoluer en solo, à fortiori lorsque l’on traîne l’étiquette ‘épouse de…’. Pour Patti Scialfa, le titre de Madame Springsteen peut dès lors s’avérer un fardeau encombrant. Mais la choriste et guitariste du E-Street Band n’en a cure, et ce troisième opus solo ne fait que confirmer un talent existant parfaitement hors de l’ombre de son Boss de mari.
Malgré une pochette façon Patti Smith (analogie d’initiales ?), ce « Play It As It Lays » évolue dans un style très Americana, entre blues, soul, country et folk. Fort bien introduit par l’excellent « Lookin’ For Elvis », il évolue entre harmonica cradingue, slide acoustique, touches électriques et belles harmonies vocales. Les arrangements fort bien léchés ne sont jamais envahissants, à l’image des fins licks de guitare de « Play Around » –fruits de son talentueux complice du E-Street Band, Nils Lofgren– ou des chœurs de « Rainy Day Man ». La voix rauque et haut perchée de Patti Scialfa sert parfaitement un songwriting plutôt inspiré. Elle est soutenue par l’efficace charpente rythmique des Whack Brothers et, on s’en serait douté, bénéficie de la participation du Boss en personne, venu discrètement poser quelques notes de guitare ou d’orgue Hammond.
La production assurée par Steve Jordan et Ron Aniello –en compagnie de Patti elle-même– assure lustre subtil à l’ensemble, très propre sans être surproduit comme c’est souvent le cas dans ce style musical. Si la surprise n’est pas particulièrement au rendez-vous, la voix et la plume de la dame la placent déjà au dessus du lot. De plus, le choix des morceaux s’avère salutaire, offrant dix très bonnes chansons pour une quarantaine de minutes quasiment sans déchet.
Patti Scialfa sur MSN:
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=5&catno=OD2DI6193540
Patti Scialfa sur i-tunes:
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=261289199&s=143446
Willie Salomon est né en Allemagne. A Straubing, très exactement. De mère teutonne et de père yankee, il a cependant conservé ses racines américaines. Il compte aujourd’hui 53 balais. Dès son plus jeune âge, il est séduit par le blues authentique. Celui qui était célébré avant la grande guerre. Il a bien étudié le répertoire des créateurs de la guitare (NDR : du blues, bien évidemment) et en a intégré les éléments essentiels. Il apprécie tout particulièrement Mississippi John Hurt et Robert Johnson. Mais également un artiste contemporain comme Louisiana Red, qui vit par ailleurs depuis fort longtemps en Allemagne. Ce musicien est un pur et dur. Il n'utilise que des instruments d’époque. Ceux qui reproduisent un son recherché : des vieilles Gibsons et Resonators. Ce nouvel opus est consacré à la guitare acoustique des années 20 à 40. Blues, of course ! Il mêle ici des compositions personnelles à des classiques écrits par des grands bluesmen aujourd'hui disparus. Il est aussi et surtout l'ami de longue date du bluesman blanc, John Long. Issu de Denver, dans le Colorado, il est une des influences majeures pour Salomon. Son premier enregistrement date de 1981. Un elpee intitulé "Moon goin' down". Il est devenu plus productif, au cours des dernières années. Il a ainsi commis "The Basement sessions" en 2001 et "Country blues & More" en 2004, deux disques déjà parus chez Acoustic Music.
Dès l’ouverture, Willie manifeste un feeling impressionnant. Une cover du "Country boy" de Muddy Waters. Il chante en faisant glisser son bottleneck le long des cordes de sa vieille National 1930. Sa présence est remarquable. Il interprète d’un ton autoritaire le classique "Catfish", comme Muddy à ses débuts. Celui qu’il pratiquait dans le Mississippi! Salomon est aussi un spécialiste du style fingerpickin'. Il est même brillant. Il le démontre tout au long de son adaptation du "Mountain Jack blues", une compo qui figurait au répertoire de Reverend Gary Davis et de Blind Boy Fuller. Ou lors de "Cherry blossom rag", une plage qui exhale une chaleur sonore intense. Son style est très coloré. Il insuffle une touche très hawaïenne à "Rainy day blues". Il devient quasi manouche et gypsy sur "Savannah". Ces enregistrements ont été réalisés dans son appartement de Regensburg. Le son est d’une grande pureté. C’est vraiment impressionnant. Mais la production de Peter Finger y est sans doute pour quelque chose. Lorsque Willie chante "Back on the road" (NDR : un country blues !) on l’imagine devant nous. A deux mètres. Et encore ! Le son réverbéré de sa ‘résonator’ 1936 vibre au plus profond de nous lorsqu’il exécute le "Goin' to Brownsville" de Furry Lewis, une compo que l’auteur lui avait personnellement apprise. Willie embraie immédiatement par "Jitterbug swing". Salomon peut également nous réserver des moments exquis. A l’instar de "Dreams", une ballade romantique et visionnaire. Autre surprise lorsqu'il saisit son rack et souffle dans l'harmonica, tout en grattant ses cordes, lors d’une adaptation très personnelle de "St James infirmary", rebaptisée pour la circonstance "Gambler's blues". Il passe derrière le piano pour chanter "Pressure cooker 'bout to blow". Un hommage à son ami John Long réalisé avec le même bonheur. Cet album très riche dans sa diversité s’achève par "Memphis boogie". Tout au long de ce boogie woogie, Willie se montre convainquant sur les 88 touches en ivoire. Willie possède une extraordinaire collection de guitares. Vous pouvez les admirer sur son site. Un excellent album !
A l’instar de Styx, Kansas, Journey ou Boston, Reo Speedwagon fait partie intégrante de la mouvance hard fm US des années 70 et 80, qualifiée aussi de scène AOR. Difficile donc de ne pas jouer les anciens combattants quand on a sorti son premier album en 1971. Le combo de Kevin Cronin devra cependant attendre dix ans avant d’atteindre la renommée internationale, en concoctant l’excellent « Hi Infidelity » et bien sûr son hit interplanétaire « Keep on Lovin you ».
En 2007, Cronin plus maigre qu’un canari anorexique, et peroxydé comme une vieille mère maquerelle, rappelle ses complices Bruce Hall et Neal Doughty pour enregistrer une nouvelle galette. Il en profite pour accorder quelques concerts sur le Vieux continent. Le set concédé lors du dernier Schwung festival à Roeselaere a fait forte impression chez les amateurs de hard US mélodique. Le groupe pétait la santé, et les quelques nouvelles compos offertes au public pour l’occasion laissait entrevoir le meilleur !
« Find Your own Way Home » est un bon album de Reo, sans être un chef d’œuvre. Il recèle des titres bluesy un peu plus faibles (« Lost on the Road of Love ») et des morceaux apparemment datés (« Run away Baby »). Mais on y rencontre surtout des plages irrésistiblement mélodiques aux refrains hymniques tels « I Needed to Fall » ou « Let My Love Find You ». Plus soul, « Born to love you » fait retomber la pression. On épinglera toutefois la performance vocale de Bruce Hall sur ce titre aux réminiscences d’un certain Donal Fagen. Mais c’est la plage maîtresse qui deviendra le hit FM du Speedwagon cru 2007. A déconseiller aux fans de Cannibal Corpse !
Avez-vous déjà tressailli en faisant ricocher vos sentiments sous l’effet de la peur ? Vos frissons vous semblaient-ils alors motivés par le son d’un carillon enrayé, voire mieux par les mélodies enfantines d’un piano désaccordé ? Si cette sensation provoque en vous de diaboliques turpitudes, mais qu’au hérissement du moindre poil de votre corps vous y puisez une jouissance honteuse, c’est certain, Parenthetical Girls est dans vos cordes. Vos sentiments mi-peur mi-joie, serviront d’aimant afin de suivre le chemin qui vous sépare de lui. Habillé d’une pochette aux tons pastels, « Safe As Houses » est chaleureux et accueillant et surtout déroutant. On est rapidement englouti dans ses méandres tout en partageant avec lui, ses ritournelles infectées par le parfum d’une désillusion cruelle. Un xylophone omniprésent influence l’air léger pendant que la voix nasillarde altière survole la désolation des lieux. Il sert à la fois de guide, de lumière et d’effroi. Mon dieu que c’est bon d’être attiré vers les murs. De frôler l’humidité et se sentir malgré tout serein, guidé par un corbeau aveugle qui narre des histoires de familles atroces tout le long du chemin. Mon dieu que c’est honteux d’aimer ce type de situation. Savourer chaque partie de l’elpee, rehaussant notre sensibilité à chaque étape. Sortir un seul morceau de l’album pour l’expliquer, viendrait à rompre la chaîne. Le tout s’écoute d’une traite, de « Love Connection » ballade rassurante mais piégée jusqu’aux yeux, en passant par « I Was The Dancer » cruelle, voyeuse et perverse conclusion. En effet, « Stolen Children » constitue l’enterrement final des 10 chansons. Atteinte de gigantisme, cette grand-messe orchestrée clouera votre culpabilité et votre morale au pilori des repentis, accusant la honte du plaisir acquis.
L’ennui. Il existe bien des façons de lutter contre ce mal dont on est tous victime à un moment ou un autre de notre vie. Ces choses là arrivent. Il ne faut pas se laisser abattre pour autant. Notre remède personnel est simple, efficace et tient en un nom : Josh Ottum. Pas de prescription nécessaire. Seul suffit un petit détour chez le disquaire du coin. Satisfaction garantie. Et même si ce n’est pas le cas, au moins vous aurez pris l’air. Mais on doute fortement que l’effet produit sur vous par ce bonhomme soit celui escompté. Emmené par « It’s Alright », un single des plus entêtants, le premier essai de Josh Ottum grouille d’agréables ritournelles gorgées de rayons de soleil. Dominée par une pop printanière à la Phoenix (« Pipe Dreams », l’obsédant « Who Left The Lights On ? ») et Ben Folds Five (« Having You Around »), « Like The Season » est une de ces plaques qui semblent si naturelles à l’écoute, de la première à la dernière seconde, qu’on l’adopte presque instantanément. Disponible en import depuis mars, « Like The Season » ne sera officiellement dans les bacs qu’en novembre prochain. Préparez-vous à chanter à tue-tête des journées entières. Fini l’ennui !
Chez Okkervil River et Shearwater on retrouve Will Sheff et Jonathan Meiburg. Seule différence au sein du premier groupe Jonathan est le boss et du second, Will. Deux projets forts intéressants au sein desquels le second rôle n’empiète jamais sur les prérogatives du leader et constitue le complément idéal. L’an dernier, Shearwater avait commis « Palo Santo ». Aujourd’hui, Okkervil nous propose son cinquième opus. Un disque dont le mixing a été confié au fidèle Brian Beattie et à Jim Eno, le drummer de Spoon. En 2005, le précédent elpee, « Black sheep boy » avait reçu une excellente critique de toute la presse. Et il devrait en être de même pour ce nouvel album, même s’il ne repousse plus les limites du folk punk mélancolique et impétueux pour embrasser une expression plus pop. Ce qui n’empêche pas les lyrics de se révéler toujours aussi torturés, acerbes et désabusés. Mais surtout très susceptibles de susciter la controverse. Comme la perte d’identité, le sacrifice, la folie, etc. Si le timbre vocal de Will semble camper un hybride entre Will Johnson (Centro Matic) et Win Butler (Arcade Fire), ses inflexions me rappellent curieusement celles de Robert Plant. Surtout sur les compos les plus douces et mélancoliques. A l’instar de « A girl in port » de « Title track » (drôle de nom pour le tire d’une chanson ») et surtout du délicat et intimiste « Savannah smiles », plage balayée de cordes atmosphériques et teintées d’accords particulièrement séduisants de xylophone. Des arrangements de cordes et parfois même des cuivres sont parsemés judicieusement tout au long de cet opus. Des cuivres plus Cake que Calexico sur le guilleret et ‘motownesque’ « A hand to take hold of the scene ». Et si l’instrumentation est très riche, la guitare et le piano tracent manifestement la ligne de conduite des mélodies. Les six cordes sont même percutantes sur le single contagieux « Our life is not a movie or maybe », abrasives ou déchiquetées tout au long de l’intense « Unless it’s kicks » et rythmiques dans l’esprit de Ron Wood des Stones lors de l’entraînant « You can’t hold the hand of a rock and roll man », même si en fin de parcours les cordes épousent des sonorités davantage ‘crazyhorsiennes’. Et les accords de piano le plus souvent plaqués par Jonathan Meiburg, transcendent littéralement ces mélodies. Deux morceaux curieux quand même. Tout d’abord « Plus ones », un fragment cours duquel Will utilise des titres de chansons célèbres écrites notamment par les Commodores, REM, Paul Simon, ? & The Mysterians et les Zombies. Et puis en final, un « John Allyn Smith sails » au cours duquel la formation pastiche le traditionnel « Sloop John B » immortalisé par les Beach Boys et les Byrds de Roger McGuinn. Et je ne vous en dirai pas plus, vous renvoyant à l’interview que Will Sheff nous a accordée.
Peu d’infos sur ce Jim King. Une chose est sûre, c’est un admirateur de l'Anglais Peter Green. D’ailleurs, la traduction du titre de l’album est éloquente. Non, ce n’est pas ‘Quand les blues ou les blues sont verts’, mais bien ‘Quand les blues sont (Peter) Green’, ou quelque chose dans le genre. Un nouvel hommage (après ceux rendus par Gary Moore, Bernie Marsden et bien d'autres) au plus talentueux des chanteurs/guitaristes de blues anglais. Lors de ses remerciements, il s'adresse à Peter Green à l’aide de mots simples : ‘Thanks for the music’. Jim est californien. Probablement issu de San Diego, il est également le guitariste des Aunt Kizzy'z Boyz, responsable de deux elpees à ce jour : "Trunk full of blues" en 2004 et "It's tight like that" en 2007. Pour concocter son premier opus solo, King a reçu le concours de trois musiciens : Chuck Kavooras à la guitare et à la slide, Ralph Carter à la basse et aux claviers ainsi que Toss Panos aux drums. Il interprète pas moins de sept compositions de Green, une de Danny Kirwan (autrefois chez Fleetwood Mac) et trois autres titres issus du répertoire de Peter.
Jim manifeste beaucoup de solennité pour entamer les hostilités. Le son gras et réverbéré de la Gibson Les Paul est immédiatement saisissable, et avouons-le, s’inscrit parfaitement dans l'esprit cher au Peter Green de la fin des sixties. Les notes concédées sont parcimonieuses et la sensibilité à fleur de peau. Ce "Sugar Mama" est ici attribué à Howlin' Wolf. Peter ne l'avait immortalisé sur aucun album officiel de Fleetwood Mac ; mais cette compo figurait bien dans son répertoire. Très british, la section rythmique n’opère guère dans la délicatesse. Plutôt écrasante, elle libère beaucoup d’intensité dramatique. La voix de King est excellente. Cependant, il ne s’agit pas d’une pâle copie du timbre de Peter, mais d’un organe fort proche d’un autre vocaliste issu du British Blues Boom : l'incomparable Chris Youlden de Savoy Brown. Issu de l’elpee "Mr Wonderful", "Rollin' man" constitue, à mon humble avis, une des meilleures compos de Green. Manifestement, elle mettait parfaitement en exergue son potentiel. Blues lent aux accents volontiers dramatiques, "Drifting" figurait sur l'album "The original Fleetwood Mac". King démontre ici qu'il a vraiment assimilé l'esprit énigmatique et introverti de Peter. Les silences sont importants. La voix impressionne. A cause de la sensibilité qui en émane. "Rattlesnake shake" a été écrit plus tard. Le choix de cette cover justifie la perception parfaite de l’intégralité du répertoire. Jim et Chuck Kavooras, son guitariste rythmique, conjuguent leurs talents ; mais ce dernier –également producteur– l’interprète d'une voix autoritaire. A l’instar de Peter quarante ans plus tôt, Jim chante "World keeps on turning". Un morceau lent au cours duquel il s’accompagne uniquement à la guitare. Parmi les reprises, on épinglera le "Lemon squeezer" de Jimmy Rogers, le "Coming your way" de Danny Kirwan, un autre guitariste du Mac, et "Need your love so bad". Signé Little Willie John, ce 45 tours avait décroché un énorme succès à l’époque. La voix de Jim est à nouveau très proche de celle de Youlden. L’œuvre recèle encore l’adaptation de deux des plus beaux blues lents issus de la plume de Peter Green : "Fool no more" et "Love that burns" (ce fragment figure sur le meilleur opus de Fleetwood Mac, "Mr Wonderful"). Ces deux plages exhalent un feeling incroyable. Des frissons vous traversent le corps et l'âme. Jim King n'a sans doute rien inventé mais il a bien compris le mal qui hantait le grand Peter Green. Pour être parvenu à le restituer, je le remercie et le félicite. ‘God bless you Jim, you sure have the blues inside!’
Contact : Jim King – P.O Box 890276 - Temecula - CA 92589 – USA
Actif depuis 15 ans aujourd’hui, Guster n’a jamais véritablement pris son envol. Et c’est peu dire. Même le brillant single « Airport Song », extrait de « Goldfly » (1996), leur deuxième essai, ne leur aura pas permis de faire partie de ce que l’on nomme les ‘One-Hit Wonder’. Et il y a peu de chance que le cinquième recueil de la formation parvienne à changer la donne. Malheureusement. Bien que joliment produit, « Ganging Up On The Sun » n’est en soi qu’un disque de folk supplémentaire et dispensable, risquant fort bien d’être noyé par l’énorme vague de nouveaux et excellents albums apparus dans les bacs en 2007. Guster puisera certainement à nouveau sa clientèle au sein des campus américains mais ne sera accueilli que très tièdement du côté de chez nous…
Elvis Presley est un véritable phénomène. Et on a pu de nouveau le constater lors de la manifestation organisée pour célébrer le trentième anniversaire de sa disparition. Pour rappel il est décédé chez lui, à Graceland, le 16 août 1977. Deux musiciens britanniques notoires ont voulu marquer d’une pierre blanche cet événement en enregistrant 15 chansons du répertoire du King : des classiques mais aussi des titres forts peu connus du grand public! Nos deux amis se sont donc réunis dans un studio de Nashville, pour la première fois depuis 13 ans.
L’opus s’ouvre par "A mess of blues", la flip side de "It's now or never". Gordon possède une superbe voix. Il est à l'aise dans tous les registres, à l’instar d’un certain Presley. Soutenu par les merveilleux chœurs des Jordanaires, il chante puissamment "I beg of you". Le son est superbe. Mais là où on prend une claque, c'est quand le grand Gordon se met à chanter le rock'n'roll ; et en particulier sur "I'm left, you're right, sh's gone" (un single de 1655), au cours duquel Spedding se révèle éclatant en soutien. Il peut aussi emprunter un timbre de baryton pour chanter le gospel au milieu des chœurs. Comme sur "Peace in the valley", une plage investie par le piano et l'orgue. Il y en a pour tous les goûts. Elvis le rocker lorsqu’il adapte "Don't be cruel" et "My baby left me", deux plages interprétées parfaitement dans l'esprit d'Elvis et des Jordanaires, au cœur des fifties. Elvis le sage, quasi crooner, lors d’un autre gospel : le tendre "Love me". Et puis enfin Elvis le bluesman, lorsqu’il chante sans ambigüité "Trying to get to you". Un très bon moment. Tout comme la version de "It feels so right". Mais la plage que je préfère est incontestablement "Lawdy Miss Clawdy". Evoluant sur un tempo très décontracté, très blues, Gordon se démène face à son quartet animé par le sombre Chris. Manifestement, il n’y a pas de déchet sur cet opus. On peut même affirmer qu’il s’agit d’un hommage de très bon goût au King. Spedding met de temps en temps le nez à la fenêtre, tout en demeurant mesuré et respectueux. A l’instar de "Too much". N'oublions pas le titre maître de cet opus. Beaucoup d'encre avait coulé lorsqu’Elvis avait chanté "O Sole mio". Mais sa voix était susceptible de s'adapter facilement à tous les genres. Ces musiciens n'ont rien inventé mais ils ont osé. Sans pour autant occulter le mythe Elvis Presley, ils ont opéré un exercice de style fidèle dans la reproduction. Et ils n'ont pas à rougir de ce témoignage de reconnaissance adressé au plus fabuleux des rockers du siècle dernier.
Considéré comme de l’Ambient par certains et du Post-Rock par d’autres, le projet de Matthew Cooper, Eluvium, est avant tout un intense voyage intérieur. Enveloppés d’une légère bulle d’oxygène, on se laisse emporter là où les splendides plages instrumentales de « Copia » nous entraînent, sans la moindre attache. On apprend enfin à respirer. On apprend enfin à ouvrir les yeux et, surtout, les oreilles. Les sons délicats du piano et des cordes d’Eluvium nous lavent de nos impuretés et nous absolvent de tous nos péchés, comme si le paradis avait ouvert ses portes et qu’il nous accueillait généreusement en son sein, l’espace d’une courte visite inopinée. Après nous avoir permis une petite mais essentielle remise en question de nos valeurs et de notre style de vie, le paradis referme délicatement ses portes et la bulle d’oxygène nous reconduit lentement sur terre. L’esprit sain et apaisé, on s’endort, satisfaits d’avoir enfin déchiffré le véritable sens de notre vie. Suite au magnifique « An Accidental Memory in Case of Death », Eluvium nous offre gracieusement une nouvelle expérience divine et atmosphérique à faire pâlir de jalousie Brian Eno. Alléluia !
Après plusieurs années passées à partager la scène en compagnie des plus grands noms du rock français (Aqme, Lazy, Superbus…), la formation Ed-Äke sort enfin son premier album. Certains magazines français le couronnent de ‘claque musicale de l’année’. Nous n’irons pas jusque là, mais tout en intensité et en émotion, ce premier elpee suinte le cambouis et puise ses racines dans l’essence même du rock n’ roll. La musique du combo véhicule une attitude plus proche des MC5, Led Zep et autre Lou Reed que des groupes de métal actuels. Paradoxe éclectique, le groupe allie la subtilité de Mars Volta à la puissance de Pantera. Un son construit autour de deux guitares acérées, d’une basse vrombissante, d’une batterie métronomique et d’un chant hypnotique. Douze titres entre rock déjanté et hymnes pop métal.
A suivre…
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