Screamin’ Cyn Cyn and the Pons est une formation issue de Madison, dans le Wisconsin. Un quatuor excentrique voire humoristique responsable d’un mélange de punk et de power pop. Une caractéristique originale : la présence d’un ‘keytar’ (NDLR : Le keytar est un synthétiseur, claviers midi dans la pluparts des cas, se portant comme une guitare). La voix du chanteur semble calquée sur celle de Serj Tankian (System of a Down), mais en moins lyrique. Dans cet état du nord des States, l’hiver est plutôt froid. Alors, quand on se les gèle, il est préférable de se remonter le moral en rigolant. Pour prendre du bon temps et surtout rigoler, nos quatre lascars savent s’y prendre. Et autant ne pas aborder la vie avec trop de sérieux. Même pour enregistrer un elpee. Les lyrics de « Screamin’ target heart rate » sont souvent ironiques et abordent des thèmes aussi divers que le sexe, la bière et les plats préparés à base de petits pois carottes. Bref, de quoi faire la fête.

Sceamin’ Cyn Cyn and the Pons relève du label Crustacean Records, une écurie qui fait la part belle aux ensembles punk/rock. L’énergie dispensée par les drums, la ‘keytar’ bien présente et remise au goût du jour ainsi que les cris stridents vociférés par Cynthia Burnson (elle se consacre également à la guitare) entretiennent la constance de ce dynamisme survitaminé. La gueule de bois au réveil ? Une bonne dose et vous devriez retrouver vos esprits ; à moins qu’elle ne soit un peu trop speed… Pas de sujet digne de réflexion, peu de structure ni de recherche sur cet opus, mais vingt titres de la même trempe, parcourus de breaks presque identiques. De quoi laisser parfois perplexe. Mais bon, quand on est bourré, l’insouciance est à son comble et on ne craint plus qu’une seule chose : renverser sa bière. Santé !

Mark Ronson est un verni. Avec ses airs de Benjamin Biolay, ce beau gosse talentueux transforme en or tout ce qu’il touche. Il remplit ses poches et la liste de ses potes sans aucun problème. Mixeur, musicien, DJ, producteur, c’est en manifestant un flegme purement britannique qu’il se détache de l’image hip hop lui collant aux doigts. Se frottant aux plus belles et aux plus talentueux du moment, il arrange des versions made in Ronson provenant de classiques appartenant à The Smiths (« Stop Me »), Zutons (« Valerie ») ou Britney Spears (« Toxic »), par exemple. Démoulant les mélodies pour les ré-enrouler dans un esprit plus dance et groovy, il les propose à différents artistes, tout aussi célèbres que les airs qu’ils reprennent. Ronson actualise ses cartons d’invit’ en conviant Ammy Winnehouse, Kasabian, Paul Smith, Lily Allen, et même Robbie Williams. Quoique ce dernier parvient à massacrer l’excellent « The Only One I Know » des Charlatans. Tout ce beau monde doit le changer du feu ODB (Old Dirty Bastard mort récemment d’une overdose) hantant ses studios. Le concept des reprises de covers est largement connu chez nous, grâce à une certaine Béatrice Ardisson ; mais la particularité de ces adaptations procède de la position des artistes mis en situation imprévue. Ainsi que de la qualité des remixes, nettement mieux soignés lorsqu’il sont passés entre les mains du petit Anglais. Commercial au possible, « Version » se répand à la vitesse de l’éclair. Ne soyez donc pas surpris d’entendre chez vos amis du Kaiser Chief à la sauce Lily Allen ou du Radiohead crucifié par Phantom Planet. Répondez d’un sourire complice, en ce moment c’est ‘has been’ de ne pas apprécier la déformation de l’indéformable.

I-tunes: http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=251312556&s=143446

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Classic Rock Productions avait aligné toute une série de DVDs consacrés à des légendes du rock. L’originalité ne procédait pas de l’immortalisation de concerts ou d’un historique de ces formations ou artistes, mais bien d’une analyse critique d’elpees parus au cours d’une période bien définie. Des musiciens, des critiques ou des journalistes musicaux avaient ainsi participé à ce projet. Cette nouvelle série s’intéresse à nouveau aux monuments de l’histoire du rock, mais sous une forme différente, puisque si l’un ou l’autre clip leur sont consacrés, l’essentiel de l’objectif est concentré sur l’audio. Pour Nirvana, on a ainsi droit au célèbre live KAOS FM radiodiffusé le 17 avril 1987. Remasterisé, il est ici reproduit en intégralité ! En bonus figure également le fameux concert ‘Saturday Night Live’ enregistré aux Etats Unis en 1992 et 1993. Il recèle des versions proposées en avant-première des albums « Nevermind » et « In Utero », à la fois sous forme audio et vidéo. Le CD est inséré dans un magnifique livret de 72 pages dans lequel figurent une biographie historique et une analyse approfondie titre par titre de tous les albums studio de Nirvana ; le tout enrichi de nombreuses photographies pratiquement introuvables. Un opus indispensable pour tous les fans de la bande au défunt Kurt Cobain !

Lorsqu’on évoque Stevie Nicks on pense immédiatement à Fleetwood Mac. Une formation fondée en 1967 et dont le patronyme est inspiré de deux membres fondateurs : le batteur Mick Fleetwood et le bassiste John McVie. Pratiquant à l’origine un blues typiquement insulaire, cette formation a transité par le folk avant de se convertir au pop/rock de type californien. Faut dire que le line up du groupe a subi de multiples modifications au cours de son histoire et que la plupart des membres du groupe ont émigré vers l’Ouest des Etats-Unis au beau milieu des années 70. Ils y rencontrent le couple Lindsey Buckingham/Stevie Nicks et les invitent à les rejoindre. Le résultat de leur rencontre est fulgurant, et fin des seventies, Fleetwood Mac devient un groupe extrêmement populaire. En 1977, il grave « Rumours », un disque dont le succès commercial sera énorme. Une popularité que la formation va conserver jusqu’au début des années 80, moment choisi par Buckingham, Nicks et Christine McVie pour embrasser des carrières en solitaire. Celle de Stevie Nicks sera la plus fructueuse. Elle va même atteindre une notoriété immense aux States. A contrario de l’Europe qui semble l’avoir presque oubliée. Dès 1981, elle enregistre ainsi « Bella Donna », un opus dont seront tirés les tubes « Stop Dragging my Heart Around » et « Leather and Lace », deux plages qui figurent sur cette compile. Un recueil partagé entre morceaux studio et live. Les compos issues des eighties ont très mal vieilli. Les morceaux enregistrés ‘live’ ont conservé tout leur charme. Et je pense tout particulièrement à la reprise bien enlevée du « Rock and Roll » de Led Zeppelin. Enfin, de cette compilation, je retiendrai surtout « Edge of Seventeen ». A cause de la voix magnifique de la chanteuse et puis de ce riff ahurissant qui ouvre la chanson. Ce fragment figure d’ailleurs sur la bande originale du film « School of Rock » à qui Stevie Nicks rend hommage dans les notes de la pochette. Cette galette survole quarante ans de carrière de la vocaliste. Mais derrière l’aspect verni et propret de l’ensemble, il est difficile de se rendre compte des multiples fêlures qui ont émaillé son existence : ses déboires amoureux, ses conflits avec les anciens membres de Fleetwood Mac et son addiction à la cocaïne…

Il est impossible de parler de Mad River sans parler des Witches Valley. Tout au long de l’histoire du rock, les bons groupes qui ont splitté sont légion. Né au début des eighties, ce groupe psychobilly frappadingue s’est séparé assez rapidement. Dans les années 90. Au grand dam de ses fans dont je faisais partie. Après avoir concocté un premier album mémorable mais unique intitulé "Extreme return to the source". Aux commandes de cet OVNI, Jeremy Prophet insufflait une réelle folie au projet. Les prestations scéniques étaient mémorables, et on avait parfois plutôt l’impression de fréquenter un asile psychiatrique qu’une salle de concert. Kim Ohio, ex-bassiste des Witches Valley, milite désormais au chant et à l’orgue chez Mad River. Quinze années plus tard, Jeremy s’est installé à Schaerbeek. Devenu papa, il sévit aujourd’hui au sein du groupe Hydra (à l’affiche du festival ‘Chantons Français’ de ce 29 septembre), un combo davantage contaminé par le rap oriental. C’est donc manifestement Kim qui a repris le flambeau au sein de Witches Valley.

Infiltré discrètement par un orgue farfisa avant de partir en trombe lors du refrain, toutes guitares dehors, « Down by the river » ouvre l’opus. Cette tension envahit l’ensemble de l’œuvre et lorsque le déluge sonore commence à s’abattre, on en demande et redemande encore et encore, pour le plus grand plaisir de nos oreilles. « Concrete Criminals » constitue manifestement le somment de l’elpee. Une compo au cours de laquelle, comme chez ces groupes bruyants de nanas (PJ Harvey, Breeders) les breaks impérieux donnent le vertige. De la vallée des sorcières à la folle rivière, il n’y a qu’un pas.

Il est de ces disques que l’on sait excellents avant même de les introduire dans la platine laser. Il s’agit tout simplement de ceux dont plusieurs rédacteurs se disputent l’acquisition avec acharnement. « Not Fade Away » de David Kitt est le dernier en date à avoir subi ce ‘traitement de faveur’. C’est donc sur les genoux, la sueur au front et le visage ensanglanté que l’on s’est délecté du cinquième ouvrage (sixième si on compte « Misfits, vol. 1 ») de l’Irlandais. Initialement publié en octobre 2006, « Not fade Away » n’a trouvé officiellement le chemin des bacs belges que bien plus tard. De quoi forcer l’auditeur à rattraper le temps perdu en écoutant la splendide plaque en boucle, jour et nuit. Accompagné de Lisa Hannigan sur « Don’t Fuck With me » et une moitié de The Magic Numbers sur les excellents « Guilty Prayers, Pointless Ends » et « Up to You », David Kitt plonge nos tympans au cœur d’un chaleureux paysage sonore où chaque note semble avoir été étudiée minutieusement, où inspiration rime avec enchantement. Fignolant actuellement son projet electro, Sleepy Walker, en compagnie de son frangin (il participe d’ailleurs ici au morceau « Nothing Else »), David Kitt a réussit une fois de plus à ravir sans effort, nos conduits auditifs.

Les Insomniacs nous viennent de Portland, dans l’Oregon. Une nouvelle formation qui trempe dans le jump et le swing blues. Elle est dirigée par le jeune chanteur/guitariste/compositeur Vyasa Dodson (25 ans à peine). Son style s'inscrit bien dans le West Coast contemporain, célébré par le regretté  Hollywood Fats, Junior Watson, Kid Ramos ainsi que Little Charlie and the Nightcats. Vyasa est épaulé par le bassiste Dean Muller, le batteur Dave Melyan et le claviériste Alex Shakeri. Tous les titres sont signés Mr Dodson.

Manifestement nos insomniaques ont bien saisi le west coast style. Et ils le démontrent dès l'ouverture. Un "Stick around" qui évolue au sein d’une atmosphère assez jazzyfiante. Le timbre vocal de Dodson est encore quelque peu juvénile, mais qu'est-ce qu'il est éclatant sur les cordes. Il ne dispense que les notes nécessaires et plaque ses accords comme un Hollywood Fats des grands jours. Une ouverture chargée de promesses. Cette manière parcimonieuse de jouer des six cordes prouve la maturité déjà atteinte par le soliste. Séduisant, "Serves me right" est tapissé par l'orgue Hammond tandis que les cordes sont un régal pour nos oreilles. Nos musiciens reprennent en chœur le refrain contagieux du rock’n roll "Watch your mouth" pendant qu’Alex se démène derrière son piano. "Struttering" nous ouvre les portes d'un cabaret de nuit. L'atmosphère est enfumée. Les couples s’enlacent sur la piste de danse. La musique se fait tendre et très alanguie. Dave effleure les peaux de ses balais. La douceur du piano nous enivre. Vyasa a revêtu son costume de T-Bone. Ce blues nous pénètre insidieusement. Instrumental enjoué, "Crime scene" est conduit par une guitare débridée. Cette plage pourrait servir de bande sonore pour un film d'action. Empreinte d’une grande simplicité, "Wrong kind of love" met surtout en évidence l’orgue de Shakeri. Son jeu est ici inspiré par Jimmy Smith et Jimmy McGriff. L'uniformité n’est pas au dico musical des Insomniacs. "I'll treat you right" émarge franchement au jazz. Les quatre membres participent à l’entretien de ce rythme nerveux. "Shake the chandelier" observe un même schéma. Cette compo est à nouveau caractérisée par des échanges de classe entre les deux solistes, des échanges soutenus par une base rythmique qui swingue naturellement. Blues classique, I'm not sorry" est imprimé sur un tempo indolent. Une plage très dépouillée au cours de laquelle les cordes de Dodson emportent à nouveau la partie. "I got money" emprunte quelque peu les rythmes percussifs, joyeux et festifs de la Nouvelle Orléans. Le piano prend toute son importance pendant que notre leader se met à attaquer ses cordes vigoureusement comme le ferait Jimmy Vaughan. Ce superbe album s’achève par un "Be quiet" dont les éclats instrumentaux évoluent dans le style jump le plus pur. Mais l’elpee n’est pas terminé, puisqu’il recèle deux bonus tracks. "Serves me right", déjà servi en début d'album et un tonique "No wine, no women", irradié par une guitare enchanteresse. Deux morceaux enregistrés ‘live’ à l'Avalon d'Hollywood, en mars dernier. Les Insomniacs prouvent ainsi de la plus belle des manières, qu'ils sont tout à fait au point face au public. A travers Une formation à suivre de très près!

Rainbow Quartz n’en finit plus de produire. Succédant au très remarqué « Complicated View » des Deleted  Waveform Gatherings, “The Holy Ground” émane tout droit de leur antichambre. Un EP 4 titres tout frais et particulièrement savoureux. Après « Desiderata » (EP 2003), « A New Devotion » (LP 2003), « Fields In Glass » (EP 2004), “War of the Wakening Phantoms” (LP 2005), « The Holly Ground » constitue le cinquième essai de The High Dials, l’enfant protégé du label new-yorkais. Ce groupe canadien d’origine, peut se targuer d’évoluer calmement mais sûrement sur la scène pop américaine en déversant une solution sonore pop/rock/garage, méchamment souillée d’esprit 60’s. Profitant des premières parties de Brian Jonestown Massacre (leur set étant sans doute plus long que celui des Jonestown eux-mêmes), The Zombies ou Supergrass, ils colorent leurs mélodies entraînantes et chaleureuses de finesse et de malice. L’ouverture de l’EP s’opère par le titre maître. Propulsée par un accord de guitare sèche, cette plage est enrichie progressivement de distos flottantes et des drums soutenus. Deuxième plage, « Sing For Loveless Seasons » est une ballade. Elle se bistourne au fil de son cours pour laisser pénétrer à sa suite « Picture of a Fading Man ». Morceau que la formation doit sans soute jouer les pieds joints en balançant la tête, comme à la belle époque des Beatles, tant la mélodie, infiltrée par l’orgue Hammond de Rod Argent affiche des propriétés semblables. Tout comme la voix de Travor Anderson qui reproduit fidèlement le ton simple et entraînant. The High Dials n’est donc pas constitué d’une bande de débutants, même si les compostions proposées sont loin de manifester une qualité exceptionnelle. Malgré leur air de bricoleurs, ils ont peut-être trouvé le meilleur moyen de nous propulser 40 ans en arrière. Dommage que ce ne soit ici qu’un EP, on aurait aimé prolonger le voyage.

Echappée de Broken Social Scene et en vacances de Metric, Emily Haines oublie les joyeusetés de l’electro-pop au profit des doux plaisirs de la combinaison piano-voix, enveloppée d’un joli voile de cordes. Accompagnée d’une sélection d’amis réunis sous un sobriquet choisi par la jeune femme elle-même, The Soft Skeleton, Emily Haines nous entraîne sur une route à la fois rocailleuse et brumeuse, sur laquelle on s’aventure prudemment, par peur de réveiller quelques êtres malicieux, toujours prêts à jouer un mauvais tour à quiconque les aura dérangés dans leur profond sommeil. On s’y promène sur la pointe des pieds, suivant le chemin tracé par la Canadienne. Malheureusement, au bout de quelques mètres, la route paraît de plus en plus laborieuse et le paysage donne l’étrange impression de tourner en rond. Aussi vrai que “Knives Don’t Have Your Back” soit un premier essai assez bien fignolé, il souffre néanmoins d’un manque de variation qui porte préjudice à l’ensemble. Intéressant le temps d’une séance d’écoute rapide, l’essai semble limite soporifique dès la deuxième. Charmant mais loin d’être impressionnant.

Du paysage musical italien, on connaît surtout Eros Ramazzotti, les chansons napolitaines, la tarentelle et bien sûr grand ténor Luciano Pavarotti, dont toute la botte pleure la disparition depuis le 6 septembre dernier. Mais au pays de la pizza, la variété n’est pas seule maître à bord. La face cachée ou si vous préférez underground est également très active. Et permet régulièrement à tel artiste ou tel groupe de remonter à la surface. A l’instar de Fuck Vegas. Un combo originaire de Lombardie responsable d’un stoner rock teinté de psychédélisme et de noise et dont les principales influences lorgnent vers Queen of the Stone Age et Fu manchu. Trois garçons et une fille qui semblent s’entendre à merveille. « Fuck Fuck Vegas » crève le mur du son pendant plus ou moins trente minutes. Six titres sanguinaires, bruyants et acides constamment susceptibles de déraper dans l’improvisation. D’abord encerclés par « Drop a line », puis emprisonnés par l’excellent « The real show » vous devrez affronter un jugement ultime tout au long de l’énergique ‘I didn’t mean it… it’s a crime’.