En février 2004, le public de l’AB découvrait, en première partie de Damien Rice, un petit mec sans prétention venu présenter « Golden Age Of Radio », un second essai touchant mais quelque peu maladroit. Après avoir charmé le public belge par sa simplicité, Josh Ritter aura parcouru un sacré chemin, publiant des « Hello Starling » et « Animal Years » assez bien produits et au sein desquels il semble avoir enfin trouvé ses marques. Marques qui se définissent davantage et de manière plus délicate sur ce nouveau recueil. Même si l’on est toujours loin d’être surpris, l’originalité n’étant pas vraiment le point fort du jeune homme, « The Historical Conquest of Josh Ritter » n’en est pas moins un énorme pas en avant. Polarisant l’attention beaucoup plus aisément qu’auparavant, Ritter célèbre ouvertement ses influences, de Springsteen (« Right Moves ») à Dylan ou Cash (« Next To The Last Romantic »). L’album de la maturité sera également celui de la révélation.
Au rendez-vous des big boss, Shape Of Broad Minds n’a pas attendu qu’on leur désigne un siège pour s’assoir. C’est même sans pousser des épaules que la foule s’est écartée afin de laisser passer ces capos de l’alternatif underground. ‘Chez moi quand les hommes parlent, les gonzesses se taillent’ écrivait Audiard pour les Tontons Flingueurs. Il en est de même pour les beats de malades au parfum électro/soul finement ciselés servant de base rythmique à « Craft Of The Lost Art » : quand ils débarquent tout le monde s’écrase et en prend plein les dents. L’univers décliné par les artistes (qui se payent le luxe d’inviter au projet Count Bass D, Madlib, MF Doom,…) est des plus aguicheurs. Derrière la façade hip hop à paillettes que l’on aurait vite fait de leur coller, il y a des bombes. De véritables mines antipersonnelles susceptibles d’exploser dès l’enclenchement de la première piste « Gorilla Mash ». Dévastatrices, ces mines pulvérisent au fur et à mesure de leur avancée et massacrent à échelle démesurée nos tympans ravis. Tel Attila, des morceaux comme « Budaffly Away », « Let’s Go » « 12C » ou « Rhere 4 Me » laissent derrière eux des terres détruites où tout est à reconstruire après leur passage. Où l’herbe ne repoussera plus faute d’avoir été fumée, où les branleurs de platines baissent définitivement les yeux et feraient mieux d’aller se mettre au tricot. Loin, très loin du hip hop conventionnel, cette expérience sonore marquante est une bombe. HH ! A moins que ce ne soit HR : Highely Recommanded !!! « Craft Of The Lost Art » est plus que ‘de la balle’, c’est carrément tout le chargeur et l’arsenal qui suit. Tout est qualitatif, tant le son que l’emballage graphique qui l’entoure sont peaufinés à l’extrême. Signés chez Lex Record (FOG, Neon Neon, Subtle,…) ce premier elpee de Shape Of Broad Minds tue !! point barre !!
Ecouter Sekunden, c’est comme être fasciné en admirant les plus belles œuvres du plasticien Sol Lewitt. Car il existe un point commun entre ces deux noms : un minimalisme dont la douceur est susceptible de vous procurer une multitude de frissons lorsque vous croisez leur route.
Berlin. Nous sommes en 1991. Oliver Doerell et Stephan Wohlmann se rencontrent. Probablement un des plus beaux jours pour la musique néoclassique expérimentale. Responsable de la composition de bandes sonores pour pièces de théâtre ou encore de films, Swod sort son premier album en 2004 : « Gehen ». Il faudra attendre trois ans avant de voir paraître leur second essai. Mais on peut comprendre pourquoi il a fallu attendre aussi longtemps, tant Swod s’est transcendé pour concocté ce « Sekunden ». Moins répétitive, cette œuvre (filmique, bien sûr) flirte avec la perfection. Les variations mélodiques et harmoniques sont plus présentes. Tout comme la guitare et la basse ; ainsi que la présence circonstancielle de drums feutrés. Ce qui n’empêche pas la présence de samples vocaux et de discours fragmentés. Une chose est sûre, City Center Offices, label allemand aux tendances electronica, aura visé juste en signant le duo berlinois. Il se produira le 12 novembre au Recyclart à Bruxelles. Ne les manquez sous aucun prétexte !
Pour élaborer le projet “Bole 2 Harlem”, le producteur américain David Schommer (Baha Men, Donna Summer) a puisé son inspiration lors d’un voyage accompli en Ethiopie. En effet, déçu que les hip hop-ers locaux se contentant d’imiter l’Occident au lieu de puiser dans leur riche passé musical (bien illustré par les excellentes compilations « Ethiopiques »), il a décidé de rendre hommage à la musique éthiopienne.
De retour à New-York, Schommer a rassemblé quelques amis : la chanteuse Tigiist Shibabaw (sœur de Gigi), le emcee américano éthiopien Maki Siraj, le percussionniste Davi Vieira, le bassiste Henok Tenesgen et le joueur de kora Balla Tounkara. Ensemble, ils ont retravaillé en clé moderne quelques thèmes traditionnels éthiopiens. Plutôt bonne sur papier, cette idée ne convainc que par intermittence. On démarre bien par le reggae hip hop du titre maître. ET le funk africain de « Hoya Hoye » ainsi que « Home » passent bien la rampe. Mais on s’enfonce très vite dans des programmations électroniques un peu faciles. Et cette volonté de plaire à tout prix déforce les qualités musicales présentes tout au long de la plaque. Néanmoins, si vous aimez Transglobal Underground, vous devriez apprécier cette compile…
Enregistrée il y a 37 ans, cette collection d’adaptations de traditionnels mexicains était depuis plusieurs années un objet de culte chez les amateurs de ‘rare groove’. A l’époque, le chef d’orchestre vénézuélien Aldemaro Romero souhaitait produire un disque de ‘Onda Nueva’ : un style qu’il avait créé. Caractérisé par des guitares bossa, des arrangements vocaux étranges et des rythmiques complexes en 3/4, il touillait dans le jazz. Cet opus réunit donc la crème des musiciens mexicains et la chanteuse chilienne Monna Bell. Une œuvre curieuse enregistrée en vingt jours qui laisse une belle part à l’improvisation. D’une grande qualité, la solution sonore flirte parfois avec le désuet, mais est aussi susceptible de verser dans le pur psychédélisme, surtout les arrangements vocaux complètement délirants. Les traditionnels mexicains (« La Bamba », « Guadalajara », « Cucurrucuccu ») sont donc propulsés sur une autre planète, proche des ‘tropicalistes’ brésiliens et surtout de Luiz Eça Y La Familia Sagrada, responsable d’un autre disque très bizarre. Réédité l’an dernier par… Vampisoul, il s’intitule… « La Nueva Onda ».
Chin Chin évolue dans un style directement inspiré par Herbie Hancock et plus récemment Plantlife. Groupe à suivre pour l’instant sur la scène électro/funk, il réunit Jeremy Wilms, Wilder Zoby et Torrbit Schwartz. Trois compères qui sortent tout droit de différentes universités de musique et n’hésitent pas à partager leur connaissance en matière de jazz, de soul, de rock et de R’n B. Fondé en 2001, ce trio est issu de New York City. A l’origine, la formation était destinée à épauler les chanteurs et MCs à Brooklyn. Et puis le combo s’est rendu compte de son potentiel et a décidé de composer ses propres morceaux. Dès que leur répertoire a été forgé, ils ont commencé à recruter des musiciens issus de la scène de Williamsburg.
On connaissait le groupe pour la qualité de ses arrangements de cuivres et le dynamisme constant des musiciens lors de leurs performances live. Ils viennent de démontrer qu’ils avaient suffisamment de bouteille (NDLR : ‘tchin, tchin !’) pour faire la différence en studio. Leur opus éponyme a été signé sur le label français très en vogue en matière de soul et d’electronica, Dialect Recordings. Un album tout en couleurs susceptible de nous plonger dans une ambiance très ‘seventies’ (« Miami ») ou de privilégier la douceur et la finesse (« Appetite »), une compo au cours de laquelle la voix excentrique de Wilder Zoby tire parfaitement son épingle du jeu. A moins que ce ne soit pour adopter un profil robotique sut le ‘hancockien’ « Don’t you see ». Un futur grand groupe !
Issu du Mississippi, ce quartet sent bon le delta roots. Il s’est établi à Hattiesburg, la Hub City. Dave Allen se réserve la guitare, Tate Thriffiley la basse, Joey Odom les drums et Keith Kujath la seconde gratte. Leur musique est très pétulante. Elle est déjà le fruit de la génération née après le cyclone Katrina, en suivant les berges du Mississippi de Memphis à la Nouvelle Orléans. Au passage, elle puise sa richesse dans les racines de cette région qui a tant donné au blues. Il faut dire que Hattiesburg est à une bonne heure de route seulement de la côte du Golfe et de la Nouvelle Orléans. De nombreux musiciens s'y sont d’ailleurs retirés.
Une atmosphère bien lourde et bien humide plombe "Carpetbagger" lorsque les éclats d’une slide bien poisseuse entrent en lice. L’expression sonore me fait alors penser à George Thorogood flanqué de ses Destroyers lorsqu’ils sont inspirés par les rivages du Delta! "White folks" baigne au sein d’un climat plus feutré, jazz, très swing. Le chant est presque récitatif. La guitare sort enfin de sa réserve et construit un excellent solo. "Vodka baby" pénètre dans l’ambiance des juke joints. La rythmique est implacable, la voix très rugueuse. L’attitude très volontaire et brutale prélude la façon assez rudimentaire d’hurler dans la musique à bouche, prétexte à la libération des cordes. "Hoodoo gal" paresse le long des berges du Mississippi. Le chanteur murmure ‘It’s a long to the Delta from New Orleans’, et pousse un cri avant que les cordes ne prennent le large. "Possum blues" est un grand moment de cet opus. Il libère une puissance de feu phénoménale. La slide de guerre est déterrée. Les accents métalliques prennent le dessus. La voix demeure graveleuse et conquérante. Les Deltamatics prennent ici toute leur dimension! Joey fait rouler ses peaux pour célébrer une musique bien louisianaise. Nous sommes proches des accents allègres du zydeco. Les musiciens nous invitent à déguster ces "Cat head biscuits". Les Matics aiguisent encore notre appétit tout au long d’"In Mississippi", en nous exposant la liste des plats que l’on peut déguster dans les juke joints locaux. Titre signature, "Deltamatic" est imprimé sur un tempo bien entraînant. Les musiciens sont chauffés à blanc. Le heavy delta blues se mue en rock’n’roll soutenu. Une rythmique pondérée, répétitive, hypnotique balise "Hub City hustlin'". La voix est bien articulée pour réciter ce blues du Delta. Il la pousse pour aborder "Chocolate City". Introduite par une guitare rythmique plus puissante, cette plage est renforcée par une trompette à la sonorité quelque peu étouffée. Ils franchissent alors la frontière pour rejoindre la grande cité louisianaise de New Orleans. Les Deltamatics aiment appuyer cette rythmique. C’est leur marque de fabrique. "She's allright with me" nous embarque dans ses délires. Le chanteur conserve cependant la maîtrise et l’équilibre de son ensemble. Une réelle unité lie les musiciens du groupe et peu de place est laissée aux envols des solistes. Ces derniers privilégient l’esprit du combo plutôt que de mettre en exergue leurs talents individuels. Mais lorsque l’harmonica éclate, il nous secoue bien les tripes plutôt que de refléter l’image d’un énième disciple de Little Walter. Un fort bon album!
Escortée de ses vieux potes de chez Eric’s Trip, Julie Doiron délivre 10 splendides nouveaux morceaux, expédiés en à peine 29 minutes 59 secondes. Enième effort de la Canadienne, « Woke Myself Up » est l’archétype même du recueil vite fait bien fait. Surtout bien fait. En témoigne les excellents « Dark Horse », « The Wrong Guy », « I Woke Myself Up » ou encore un « No More » qui colle à la tête comme un chewing-gum sous une table. Les 10 ballades folks de ce disque s’écoutent d’une traite, calé dans le fauteuil à contempler le vide, sans se poser de questions. La courte durée de « Woke Myself Up » en fait cependant un maigre en-cas qui risque fort bien de laisser les auditeurs sur leur faim. En attendant que la demoiselle nous serve enfin le plat principal, c’est toujours ça de pris…
Dix huit titres sur la nouvelle compile consacrée à Robert Zimmerman. Evidemment, il est toujours subjectif d’imaginer avoir concocté le meilleur ‘best of’ d’un artiste auteur de plus de 600 titres et d’un peu plus d’une quarantaine d’albums. Fatalement, il y aura toujours un mécontent pour contester cette sélection. Personnellement, j’estime qu’elle tient la route. Bref, celle-ci reprend “Blowin' In The Wind”, “The Times They Are A-Changin'”, “Subterranean Homesick Blues”, “Mr Tambourine Man”, “Like A Rolling Stone”, “Maggie'S Farm”, “Positively 4Th Street”, “Just Like A Woman”, “Rainy Day Women # 12 & 35”, “All Along The Watchtower”, “Lay Lady Lay Knockin' On Heaven'S Door”, “Tangled Up In Blue”, “Hurricane”, “Make You Feel My Lov”, “Things Have Changed”, “Someday Baby” et “Forever Young”.
Un bonus cd propose une version du “Most likely you go your way (and I'll go mine)” de Mark Ronson et la version originale du Zim. Producteur notoire aux Iles Britanniques, Ronson est reputé pour ses remixes de classiques du rock qu’il traduit en hits pour les pistes de danse. Pensez au "Stop Me If You Think You've Heard This One Before" des Smiths. Il a, en outre, bossé en compagnie de Lily Allen et d’Amy Winehouse. C’est la première fois que Dylan autorise un remixe d’une de ses chansons.
Ces deux titres feront l’objet d’un concours à partir du week-end prochain. Des 7inches à gagner. SonyBmg vous offrira donc cinq vinyles reprenant ces deux titres. Une opportunité offerte à nos internautes, à l’occasion de la sortie du ‘Best of’ de cette légende vivante.
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=263463251&s=143446
MSN
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=5&catno=OD2DI6211944
Youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=oCeKkJlMJDQ
Le East River Blues Band nous vient de New York City. Un quartet qui réunit le chanteur Dan Cumberland, le guitariste Ken Hughes, l’harmoniciste Tom Brumley et le bassiste Bill Acosta. "Hig Tide" constitue leur second opus, et il fait suite à un premier elpee éponyme paru en 2001. Le ERBB signe la majeure partie de son répertoire. La plume de Cumberland, le vocaliste, est d’ailleurs particulièrement prolifique.
"Closing time" démarre en force. Chargée de swing, la formule jazz/blues implique des cuivres, et notamment les saxophones de Gary Topper. Don chante "Lovin' girl". Il a une bonne voix. Cette plage nous entraîne dans le country blues. Ken joue du dobro et Tom tire déjà son épingle du jeu sur son harmonica acoustique, en s'inspirant du génial Sonny Terry. Cette configuration acoustique est reproduite sur l’excellente et tendre cover du "Police dog blues" d'Arthur ‘Blind’ Blake, un des grands noms du préwar blues. Une bien agréable parenthèse ! Tom est un souffleur tonique. Il ne manque pas de ressources. Originaire du Colorado, il a milité au sein du Big Head Todd & the Monsters. Il émigre ensuite dans le Nord Ouest où on le retrouve chez les Red Beans and Rice. Puis à San Diego avant de mettre le cap sur à Brooklyn où il s’est fixé depuis. "Independant woman" emprunte les accents de la Nouvelle Orléans. Le piano de David Cohen, les percussions chaleureuses de Towner Galaher, les cuivres et les voix reprises en chœur entretiennent ce climat. Ken met le nez à la fenêtre sur ses cordes. Il se sent inspiré par ses maîtres : Jorma Kaukonen, Mike Bloomfield et Robben Ford. Instrumental, "Blue Midnight" est un slow blues écrit par Little Walter. L'harmo de Brumley introduit brillamment cette plage. Il y maîtrise parfaitement son trop plein de sensibilité. "East River rats" baigne dans le R&B. Ken Hughes interprète d’un timbre enflammé ce parcours accompli dans les quartiers populaires de Brooklyn et de Queens. Gary Georgette siège derrière son orgue, tandis que Tom reste le maître de cérémonie. Tous les musiciens chantent à l’unisson l’allègre "Running home to Brooklyn". La section de cuivres est au complet, mais Brumley se réserve un solo époustouflant. Percutant et inventif, il entraîne dans son sillage la guitare de Hughes. Ce dernier jouit d’une excellente technique. Il se révèle particulièrement à l'aise sur les cordes acoustiques. Et il le démontre sur "Subway blues" et "Candy store", deux compos ponctuées par quelques ‘whoopin’ accordés par Tom! "Hasta La Vista" est un autre moment fort de l’opus. Une compo jazzyfiante, rythmée, au cours de laquelle Galaher se retrouve en pole position derrière sa batterie pendant que l'harmoniciste déambule tout au long de l’horizon sonore avec un réel bonheur. Piqué par le virus de Carlos Santana, Ken Hughes effectue une apparition tout à fait convaincante. "Bleeding" est un long blues lent. Plus de 8' ! L’intro à l’harmonica est belle à pleurer. Tom y insuffle son mal de vivre. Et cet épanchement de sensibilité nous remue les tripes. Cet album de bonne facture s’achève par l’instrumental "Fiona's shuffle". Sculpté dans le jazz acoustique ce morceau met en exergue les cordes, l'harmo et les baguettes de Gary Georgette.
Que les poilus s’épilent et les ventrus serrent les abdos. Il est l’heure de rouler les mécaniques en compagnie des ‘Dieux du Bombardement’, j’ai nommé Gods Of Blitz ! Quatre (plus trop) jeunes gens (pas trop) dans le vent sévissent sur leur deuxième album, et nous font subir l’assaut de leurs rythmes endiablés. Dégoupillée façon grenade d’entrée de jeu, la détonation de la basse trace une onde de choc agréable, soutenue par ses camardes d’armes : batterie et grattes empoisonnées. Les chants de Sebastian Barusta (qui est aussi vissé à la basse) sont repris en chœur par les autres acolytes, comme au bon vieux temps de la chorale de Gorilla Biscuit. En cherchant à extraire un style rock classique pour le déposer sur une composition plus actuelle, il naît une zizanie, et cacophonie un rien déroutantes. Ni vraiment innovant, ni trop vieux jeu, on aurait du mal à dater les treize morceaux que composent « Reporting A Mirage », tant elles planent entre deux eaux. L’album débute très chaleureusement par des morceaux comme « New Wave Wipe-Out », « Reporting A Mirage » « In Know That I Know », mais lasse progressivement, plombant un peu l’ambiance festive. Nous incitant carrément à zapper les pistes, afin de retrouver l’énergie et la fanfaronnade du début d’album, la manœuvre s’avérant inutile. L’ensemble s’ensable petit à petit et ne laisse que le souvenir d’une continuité loupée. Influencés certainement dans la manœuvre par un quelconque Maxïmo Park, l’esprit des compositions se retrouve finalement plus proche de Twisted Sister, réputé pour le port de pantalons zébrés moule bite et l’utilisation de guitares en forme d’éclair. Bon allez, c’est cocasse quoi !
Le kitsh a des limites. Gravy Train!!!! les franchissent sans mal et sans gêne. Après « Hello Doctor » et « Are You Wigglin’ ? », deux albums relativement délirants, le quatuor revient en ressassant les mêmes chansons, les mêmes rythmes, les mêmes textes graveleux mais un peu plus de guitares qu’auparavant. Super… Bref, ils ne se seront pas creusé la cervelle très longtemps pour concocter ce « All The Sweet Stuff », drôle pendant dix minutes, lourdingue sur la longueur. Tant qu’à écouter de la pop queer, on jettera plutôt notre dévolu sur Le Tigre ou encore les excellents Hey Willpower qui, eux, ne se foutent pas de la gueule de leur clientèle.
Le monde énigmatique et mystérieux du Canadien Neil Young est difficile à percer. Mais à Bordeaux, dans les années 90, deux étudiants se découvrent une passion commune et décident de s’y introduire. Julien Garnier et Julien Gaulier recrutent un bassiste et un batteur pour former Hey Hey My My, un groupe destiné à naviguer quelque part entre pop et folk. Tout en puisant, bien sûr, leur inspiration dans le répertoire de Monsieur Young. Ils gravent tout d’abord une démo. Elle servira rapidement de base à l’enregistrement de leur elpee éponyme. Le groupe est alors signé chez Sober and Gentle, un label français au sein duquel militent notamment Cocoon et Porn Groove. Et enregistre cet opus. Découpé en quatorze titres, il recèle de superbes mélodies qui font la part belle aux guitares acoustiques pendant que les deux Julien conjuguent la tendresse de leurs voix.
L’opus s’ouvre par le très beau « Merryland ». Contagieux, « I need sometimes » dévoile l’admiration que porte également le groupe aux pop songs des Beatles. A siffloter sous la douche ! « Your eyes when we kiss » est une ballade d’une beauté sincère et touchante. « A true story » clôt ce disque, mais cette plage prélude probablement une histoire vraie, celle d’un quatuor combinant tous les éléments essentiels pour vous mettre de bonne humeur ou voir la vie en rose. Selon !
Le combo se produira au Botanique le 28 novembre à Bruxelles. Désormais on connaît Bordeaux pour ses grands crus. Un autre arrive, mais celui là s’appelle Hey Hey My My !
« Eva destruction ». En guise d’introduction de son dernier opus, John Kruth nous en martèle le titre dès la première chanson. De quoi se faire une overdose expéditive. Mais alors qu’à l’agonie on sent venir la fin de notre capacité à la tolérance, arrive, salvateur, le deuxième titre « Mrs Chagall ». La rencontre insolite entre Mrs Chagall et Mrs Magritte a de quoi faire oublier ces douloureux premiers instants. Mais le répit est de courte durée. Cruel, John Kruth nous assène « Another Dimension », intermède à la voix qui semble tout droit sortie des entrailles de la terre (ou sont-ce les siennes ?) C’est au tour de « Majestic Ganesh » de faire office de preux chevalier pour nous tirer des serres crochues de ce vilain morceau. Vient ensuite « Dinner music for the mob », titre purement instrumental qui, à lui seul, vaut la découverte de cet album. Et la surprise ne s’arrête pas là ! « Poor Friedrich » (Nietzsche), « Locomotive » et « Goudla’s gypsy dance » valent, eux aussi, le détour! De tout, donc, sur cet album où le bon et le mauvais s’entrecroisent. Mais le meilleur vaut bien la peine de se farcir le pire.
Bloc Party à la fâcheuse tendance à publier des singles indisponibles dans leurs albums en court, pour le plaisir de rééditer ces derniers accompagnés de CD bonus. Histoire de gonfler le compte en banque ? Après « Two More Years », qui n’a été mis à disposition du public que dans une seconde mouture de « Silent Alarm », c’est au tour de « Flux », absent de la tracklist de « A Weekend In the City », de faire son apparition dans les bacs. Produit par Jacknife Lee, ce single sera disponible digitalement dès le 12 novembre. Une nouvelle version du dernier disque de la formation devrait certainement suivre peu après.
Pour ceux que cela intéresse, le prochain album de Britney Spears, prévu pour le 13 novembre, s’appelera « Blackout » et sera produit par la même équipe derrière le très bon « Futuresex/Lovesounds » de Justin Timberlake. Après sa désastreuse prestation aux MTV Music Awards et la perte de la garde de ses enfants, « Blackout » semble, en effet, être un titre tout à fait désigné…
Daft Punk sortira son premier album live le 19 novembre. Intitulé « Alive », Il reproduit le show accordé au Palais Omnisports de Paris-Bercy, le 14 juin 2007, devant 18 000 personnes. « Alive » contiendra 27 morceaux, dont les tubes « One More Time », « Aerodynamic », « Da Funk », « Technologic » ou encore « Around The World ». Il sera double, le second étant réservé à 5 morceaux supplémentaires issus de ce spectacle. Le premier single extrait de cet opus reproduira une version ‘live’ du “Harder, Better, Faster, Stronger”, une compo qui figurait sur l’album “Discovery” en 2001.
Tracklisting
CD 1
“Robot Rock” / “Oh Yeah” / “Touch It” / “Technologic” / “Television Rules the Nation” / “Crescendolls” / “Too Long” / “Steam Machine” / “Around the World” / “Harder, Better, Faster, Stronger” / “Burnin’” / “Too Long” / “Face to Face” / “Short Circuit” / “One More Time” / “Aerodynamic” / “Aerodynamic Beats” / “Forget About the World” / “Prime Time Of Your Life” / “Brainwasher” / “Rollin’ And Scratchin’” / “Alive” / “Da Funk” / “Daftendirekt” / “Superheroes” / “Human After All” / “Rock’N’Roll”
CD2
“Human” / “Together” / “One More Time (Reprise) / Music Sounds Better With You” / “Stardust (Instrumental)”
Quelques jours auparavant, le 5 novembre, paraîtra « Discovered : A Collection Of Daft Punk Sample » qui, comme son nom l’indique contiendra quelques uns des titres originaux que Daft Punk a dépouillé pour nous faire danser. On y retrouvera notamment l’immense « Release The Beast » de Breakwater, quasi plagié sur « Robot Rock » ou encore Tata Vega dont le « Give It Up For Love » a été utilisée comme base pour « Da Funk ». A vos portes-monnaies.
Pour plus d’infos :
http://www.daftpunk.com et http://www.myspace.com/daftpunk
Mais aussi http://bms.daftalive.com/fr
Le huitième album de Lenny Kravitz est annoncé pour le 4 février 2008. Il s’intitulera « It is time for a love revolution ». Lenny Kravitz s’est réservé la majorité des instruments. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées dans son studio des Bahamas ainsi qu'à New York, Miami et Paris.
Tracklisting :
1. Love Revolution
2. Bring It On
3. Good Morning
4. Love Love Love
5. If You Want It
6. I'll Be Waiting
7. Will You Marry Me
8. I Love the Rain
9. A Long and Sad Goodbye
10. Dancing Till Dawn
11. This Moment Is All There
12. A New Door
13. Back in Vietnam
14. I Want To Go Home
Pour voir le clip du single « I'll be wainting »
Quicktime
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Windows Media
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Pour plus d’infos : http://www.lennykravitz.com
Rendez-vous était donc pris ce jeudi 4 octobre au bar ‘La Quarantaine’, à quelques encablures de la place Flagey. En fait de bar, ‘La Quarantaine est plutôt une librairie achalandée en livres, Cds et Dvds plutôt underground. On me demande si partager l’interview avec une autre journaliste ne me dérange pas trop. Je réponds par la négative, mais suis un peu déçu quand même. Pour faciliter la rencontre, un Dvd relatant une interview vidéo très intéressante (NDR : il retrace le parcours de Comelade) a été transmis aux journalistes en même temps que le CD promo de « Mètode de Rocanrol ». La première question concerne donc cette vidéo.
S’agit-il un moyen d’éviter les promotions ?
Il s’agit d’un produit promotionnel… je me souviens du tournage…
Il existe une dimension humoristique dans ta musique. Eprouves-tu une aversion pour la musique triste ?
C’est une question de caractère. C’est aussi la question de savoir où on place son nombril. J’ai eu le temps de relativiser en 30 ans de carrière. Je sais exactement ce que je fais et où je vais. Je ne suis pas dans la situation d'un type en train de construire une carrière. J’ai 52 ans. Je vis de ma musique et mon besoin de représentation est très léger. C'est une musique instrumentale, totalement anonyme, qui doit se suffire à elle-même. Je suis beaucoup plus proche du musicien de jazz, de musique traditionnelle ou de musique classique. Je n'ai pas de posture pseudo-intellectuelle. Je garde mes idées sur la cuisine et la politique. Je suis capable de parler du processus d’écriture de ma musique, de son histoire, des gens que je côtoie. Les événements sont d'une simplicité infantile. Je les aborde d'une façon très humaine. Je jouis d’une certaine réputation, même si elle est très réduite. J'estime vivre dans un luxe. Tu te rends compte, pour éditer ce disque, je n'ai pas dû rechercher une maison de disques. Je n'ai jamais concocté de maquettes de ma vie. A cause de mon passé, et parce que j'ai marné pendant vingt ans.
Est-il plus facile, pour un artiste, de se faire connaitre aujourd'hui?
Il y a beaucoup plus de poudre aux yeux aujourd'hui. Regarde les castings : il y a 25 000 gamins qui se battent pour être la star d'après-demain. La Star Academy, c'est une tragédie… Donc il n’est pas très rigolo pour un jeune d’y arriver aujourd'hui. Paradoxalement, il y a une chape de plomb culturelle. Tout se ressemble. Comment comprendre qu’on soit retombé aussi bas. On demande du clone. Prends pour exemple, la chanson française. A partir du moment où un mec fonctionne, 50 répliques sont balancées sur la marché. Ils ont dépassé la politique du clonage à la japonaise. Ca va très loin… C'est la nouvelle politique des maisons de disques. Compare un peu les directeurs artistiques d’aujourd'hui et ceux de Tamla Motown ou d’Island… Alors peut-être, si c'est hors norme et hors sujet, ça peut fonctionner.
Où le rock intervient-il dans ta musique?
Le rock c'est la façon de jouer, de présenter sur scène. Ce que je fais est éloigné du rock, mais toute ma vie je n'ai écouté que ce type de musique. C'est une culture qui continue à me passionner, comme la BD. Je suis resté sur des trucs du siècle dernier…
Mais ton batteur est un ancien membre d'OTH?
Oui, mais il a conservé une manière spontanée de jouer sur scène. C'est la façon de s’y produire, d'enregistrer. Je me sens proche de gens comme Jonathan Richman (Modern Lovers).
Qui ça?
Jonathan Richman.
Dans ‘Rock & Folk’, Nicolas Ungemuth a chroniqué « Monofonicorama ». Il t’y qualifie de Tom Waits muet et méditerranéen, de négatif total de Yann Tiersen. C’est plutôt sympa ?
(Rires) Ce n'est pas de la critique. C'est que du positif là…
En même temps, il est très méchant pour les autres. Il casse "Young Marble Giants" que tu cites dans tes références…
Il ne peut pas aimer ce type de musique. Je vois le gars. Il chronique surtout des rééditions de rock et rythm'n blues. Quand ce disque est sorti au début des années 80, je vivais à Montpellier et étais très lié au milieu punk. Tu ne serais pas parvenu à faire écouter 10 secondes de YMG à ces mecs là. C'était des hippies pour eux. Par rapport à Tom Waits, il a tout à fait raison. Mais il m'arrive de réaliser des choses plus décaféinées.
A propos de décaféiné, tu as composé la musique du film "Espace Détente" (long métrage basé sur la série "Caméra Café")
Alors là je dis aïe aïe aïe, et en trois temps. Tout d'abord, il faut savoir qu'en matière de musique de films, la production prend l'édition et sort la B.O. du disque. C'est un coup de poker car si le film marche, 8% du public achètera les produits dérivés, dont la B.O. Il faut que cette BO soit dans les bacs avant la sortie du film. Ce sont généralement des films qui ont fait 4 jours en salle. Pour moi, c'était du pur alimentaire, une œuvre de commande. Mais c'est un disque chroniqué nulle part, qui est passé au pilon direct…
Chez moi, j’ai un concert enregistré à Barcelone et à Lisbonne d’un musicien danois qui s'adresse au public en danois… le rock européen, ça existe réellement?
On était le plus interlope des orchestres, on avait là un groupe réellement européen. Tu connais la fameuse phrase de John Lennon: "Le rock français… et le vin anglais".
Le catalan est ta langue maternelle?
Oui, et Barcelone est une ville que je préfère vivre, de loin à Paris, où je me suis jamais vu. Ce n'est pas une ville pour piétons. A Barcelone, on se perd, les cafés sont mieux que les brasseries parisiennes. J'aime bien Bruxelles pour cette raison également.
Pourquoi toutes ces sonorités différentes?
Ce que tu entends sur mes disques, c'est la bibliothèque imaginaire d'un type qui ne voyage pas (NDR: Pascal n'aime pas voyager, surtout en avion). Il y a des instruments que je n'arrive pas à nommer. Il faudra peut-être utiliser un Dvd pour tous les montrer. Mon travail, c'est de produire le plus d'informations sonores.
Connais-tu l'œuvre d'un certain Paul Dodu. Elle est publiée sur internet, et on t’y compare à Georges Jouvin?
(rires) Il a raison! L'histoire de la musique instrumentale en Europe, c'est la musique post-guerre, la muzak, les grands orchestres de violons (dont Georges Jouvin fait partie), Pop-Corn. Georges Jouvin a enregistré plus de 200 albums. Il y a toujours cette femme de couleur noire sur la pochette, dans toutes les situations possibles : aux sports d'hiver, à la mer, devant son frigo (rires) En fait le dernier groupe instrumental en date c'est Pop Corn, si on évacue la techno et l'électro. Et aussi Bimbo Jet (?)
L'interview s’achève. Le temps d'installer son grand ‘toy piano’ et d'offrir ce fameux ‘showcase’, trop court à mon goût, mais qui permet de se rendre compte du talent de ce mec. On attend fermement un vrai concert…
Le dernier Ep de la série « Read and Burn » paraîtra le 12 novembre. Il contient quatre morceaux et aucun d’entre eux ne sera repris sur le prochain elpee de Wire dont la sortie est prévue au cours de l’année 2008.
Tracklisting
1) 23 Years Too Late
2) Our Time
3) No Warning Given
4) Desert Driving
Pour plus d’infos : http://www.pinkflag.com
Sunset Rubdown c’est l’autre projet de Spencer Krrug de Wolf Parade. Son album "Random spirit lover" paraîtra ce 8 octobre.
Tracklisting :
1. Mending Of The Gown
2. Magic Vs. Midas
3. Up On Your Leopard Upon The End Of Your Feral Days
4. Courtesan Has Sung
5. Winged/Wicked Things
6. Colt Stands Up Grows Horns
7. Stallion
8. For The Pier (And Dead Shimmering)
9. Taming Of The Hands That Came Back To Life
10. Setting Vs. Rising
11. Trumpet Trumpet Toot Toot
12. Child Heart Losers
Pour plus d’infos :
http://www.myspace.com/sunestrubdown
http://www.jagjaguwar.com/onesheet.php?cat=JAG113
http://www.pitchforkmedia.com/article/record_review/45860-random-spirit-lover
“The Golden Foretaste of Heaven”, le nouvel opus d’Alec Empire est annoncé pour le 14 janvier 2008.
Pour l’instant il est en tournée et se produira notamment le 17 octobre à Cologne au ‘Gebaeude 9’ et le 18 à Berlin au ‘Club Maria’.
Tracklisting :
New Man
If You Live or Die
ICE (As If She Could Steal a Piece of My Glamour)
1000 Eyes
Down Satan Down (Dub)
On Fire (The Hellish Vortex Sessions)
Robot L.O.V.E.
Death Trap In 3D
Bug On My Windshield
No/Why/New York
Pour plus d’infos : http://www.eat-your-heart-out.com
“Cease To Begin", le second album de Band of Horses sera dans les bacs ce 8 octobre.
Tracklisting :
1. Is There A Ghost
2. Ode To LRC
3. No One's Gonna Love You
4. Detlef Schrempf
5. The General Specific
6. Lamb On the Lam (in the city)
7. Islands On The Coast
8. Marry Song
9. Cigarettes, Wedding Bands
10. Window Blues
Pour plus d’infos :
http://www.subpop.com/artists/band_of_horses
http://www.myspace.com/bandofhorses
‘P*tain ça envoie grave’, m'a dit un copain croisé par hasard à la sortie du concert qu'ont donné Zazie et son groupe mercredi soir, au Nikaïa, à Nice. Puis il est reparti vers son studio d'enregistrement, où il travaille à la production du prochain album d'un groupe de hard rock local. Si je cite cette anecdote personnelle, c'est pour tordre le cou à l'image variété-proprette qui colle à Zazie depuis ses débuts, époque où elle gambadait dans un champ en fredonnant "Soyons zen". Après 15 ans de carrière, la musicienne a depuis longtemps débordé du cadre marketing dans lequel on a tendance à la placer. Et surtout, en rencontrant Jean-Pierre Pilot (claviers) et Philippe Paradis (guitare), avec qui elle a composé ses deux derniers albums, elle a participé à la formation d'un groupe. Ce qui passe sur scène depuis lors (impliquant Nicolas Fiszman à la basse, Matthieu Rabaté à la batterie, et Cédric Bevilacqua à la guitare) n'est donc pas une jolie chanteuse encadrée de requins de studio recrutés pour assurer le minimum syndical, mais un groupe pop/rock qui prend son pied à jouer ensemble, et surtout ne pose aucune barrière de style.
Mais avant d'entamer le plat de résistance, il serait dommage d'oublier la première partie, Vincent Baguian. L’ami et le complice de Zazie. Ils ont bossé ensemble (le très ironique "Je ne t'aime pas", entre autres). En outre, Baguian partage avec elle l'amour des textes travaillés, qui pourrait tenir même sans musique. S’il n'est clairement pas un ‘chanteur à voix’, il n'en est pas moins capable de faire surgir l'émotion entre l'humour et les considérations existentielles. Ses quelques chansons, tirées de son dernier album "Ce soir c'est moi qui fait la fille" (dont la chanson éponyme) remportent incontestablement l'adhésion du public.
Baguian parti, le concert commence donc par les premières mesures de "Tous des anges", en version nettement plus énergique, annonciatrice de la suite. Un immense rideau noir cache la scène, les lumières ne permettant de distinguer que la silhouette des musiciens. Curieusement ce soir, un énorme courant d'air en direction du public gonfle le rideau, tel une grande voile, et quelques membres de la sécurité sont obligé de le maintenir… Ce rideau tombe au 2eme couplet et les guitares se mettent à grogner, dont celle de Zazie (en open tuning). L'ambiance est tout de suite posée : loin de l'electro du Rodéo Tour, ça sera bien du rock.
"Fou de toi", pour achever de lancer la machine, puis "Des rails", premier single du dernier album, parce que même si le groupe n'aime rien tant que revisiter son répertoire de manière surprenante, il s'agit tout de même du ‘Totem Tour’.
Sur "On éteint", chanson à l'intensité pesante, les lumières d'Andy Watson (Radiohead, Oasis) font merveille. N'importe où ailleurs, une énorme boule disco posée sur la scène serait d'un kitsch achevé, ici elle souligne parfaitement l'ambiance du morceau.
Après "Oui", jolie ballade mélancolique, suivent "Je suis un homme", single cartonnant actuellement en radio, et "Jet Lag", deux rythmiques ‘au pilon’, précises et efficaces, qu'il aurait sans doute mieux valu continuer encore un peu sur cette lancée plutôt que de revenir à un mode plus calme lors de "L'ange blessé", un peu mièvre, "Larsen" et "Flower Power", joyeux délire néo-baba-cool, et "J'envoie Valser", ballade jouée à 4 mains sur le rhodes avec Nicolas Fiszman.
Deux ‘inédits’ ensuite, "Jacques a dit", originellement composé pour Christophe Willem (et mieux chantée que par lui, diront certains), et "Haut les mains". On repart enfin vers des contrées plus électrifiées tout au long de "Toc toc toc", un des morceaux phare de la tournée précédente, puis "Totem", dans la continuation de la thématique charnelle du précédent. La maîtrise de son timbre, passant du suave au rauque, la sexualité des morceaux ("Totem" surtout) assumée sans vulgarité aucune, le superbe travail des lumières, font de ces chansons de beaux moments de rock pur et dur. Là encore, on voudrait que ce climat perdure ; mais à nouveau le calme revient lors de l’interprétation de "Si j'étais moi", chanson introspective et pourtant pudique, mais dont le final en vocalises mélangées à la guitare de Philippe Paradis flanque des frissons. Autres points forts, "J'étais là", un texte lucide et violent, ainsi que "Rodéo", forcément attendu, qui malheureusement semble emporter la fosse seulement vers la fin. Rebaisse de régime sur "Au diable nos adieux", et remontée encore pour "Na", qui oscille en permanence entre la blague potache et le cri de désespoir.
Après une brève sortie de scène, les rappels commencent sur un medley electro de trois anciens tubes ("Un point c'est toi", "Adam et Yves" et "Tout le monde") qui laisse un peu perplexe : pourquoi les jouer de cette façon intimiste, Pilot, Paradis et elle agglutinés derrière les claviers du premier ? Le style ne s'y prête pas vraiment, mais le tout reste sympathique. Une curiosité ensuite, "Frère jacques", espèce de berceuse épileptique et déjantée, et enchaînement direct sur "Rue de la Paix", qui met enfin tout le public debout. Sans doute le Sud n'est-il effectivement pas le public le plus chaud ou du moins le plus expressif, mais après le final tendrement mélancolique de "Ça", tout le monde repart le sourire aux lèvres. Un bon concert d'un grand groupe.
Dolores O'Riordan, l’ex chanteuse des Cranberries se produira le 17 novembre au Handelbeurs de Gand et le 20 novembre a l'Aéronef de Lille
L'ex-chanteuse et tête pensante des Cranberries, Dolores O'Riordan, fait son come back ! Après 10 ans au sein du groupe phare des années 90, l'Irlandaise à la voix cristalline a sorti son 1er album solo Are You Listening ? le 7 mai. Enregistré entre la Canada et Dublin et co-produit par Youth (The Verve, U2, Primal Scream, etc.), Are You Listening ? comporte 12 titres entre rock et folk aux mélodies imparables, comme en témoigne le 1er single Ordinary Days.
La chanteuse a trouvé son inspiration dans ses expériences personnelles mais aussi sa nouvelle liberté. Elle explique : "Après les Cranberries, j'étais bien : pas de pression, pas de contrats à honorer. C'était la 1ère fois que j'étais libre. Je n'avais aucune inhibition. Voilà l'état d'esprit dans lequel j'étais quand j'ai commencé à écrire. Cela s'entend sur tout l'album".
(Communiqué de presse)
Pour plus d’infos
Handelsbeurs Gand :
FLP
Administration :
12 bis rue de l'Ermitage
59100 Roubaix
FRANCE
Nord-Pas-de-Calais - 59
Téléphone public : 03 20 30 21 20
Télécopie : 03 20 30 21 26
courriel : Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Radiohead rame une nouvelle fois à contre-courant, puisque son prochain album, « In Rainbows » sera téléchargeable sur le net. Au départ, pas une nouveauté. Mais l’originalité procède de la faculté accordée à l’internaute de fixer le prix qu’il consent à payer pour cette opération, prévue le 10 octobre prochain. Même pour pas un radis. Il vous sera cependant demandé de suivre toute une série de démarches avant d’acquérir ce fameux opus. La proposition est limitée dans le temps. Alors, ne tardez pas ! J’ai cependant une crainte : pourvu que leur serveur tienne le coup !
Pour plus d’infos : http://www.inrainbows.com/Store/Quickindex.html
Le David Leon Band est une de ces multiples formations anonymes mais talentueuses issue d’outre-Atlantique. Un quatuor établi très exactement à Azusa, en Californie. L’album démarre en force par "A woman", un shuffle à la Louisianaise. David possède le timbre vocal languissant des chanteurs de swamp blues. Ceux nés du côté de Baton Rouge. Il est même ici fort proche de celui de Lazy Lester. Et ses interventions sensuelles à l’harmonica flirtent avec les aigus. Bien posée, cette voix nous transporte dans le quartier sud de Chicago. Il peut aussi la forcer sans la déchirer, et même être réincarnée par Howlin’ Wolf tout au long de "Howlin’ for my baby". Nous restons dans la cité des vents. Cet organe devient chevrotant pour aborder "Everything's gonna be alright", un classique au cours duquel Billy Bates se révèle un partenaire de choix sur les cordes. Discrètement d’abord. Autoritairement ensuite, s’autorisant même un envol significatif. Dans le pur style West Coast, ses cordes attaquent "Love ya". Billy est désormais chauffé à blanc et se prend même pour le grand Hollywood Fats. Quel panache ! "Too much" opère un retour à la case départ tout au long de ce shuffle puissant. Wayne Hutsell et Lee Campbell constituent la section rythmique. Elle édifie une trame d'acier pour soutenir notre David dont la performance vocale est vraiment remarquable. Nous sommes transportés sur les routes poussiéreuses du Sud, quelque part entre la Louisiane et le Texas. Le rythme a pris possession des lieux. Il fortifie au contact de "Pretty baby". Bates agrémente de courtes phrases, sa ligne rythmique forte pour annoncer un envol attendu et qui, en effet, ne se fait guère attendre. David n'en demandait pas plus pour rugir comme un lion dans son harmo. Billy saisit son bottleneck et se met à caresser les cordes en slide sur le notoire "I gotta move". Au passage, il nous dévoile toutes les ficelles du livre de recettes d'Elmore James. Le rythme persiste lors du tonique "Rock therapy", une plage signée de leur plume. Le DLB opère un dernier retour à Chicago, dans le Westside, pour retrouver l'ombre du regretté Magic Sam. Et leur version d’"Easy baby" tient la route. Une route que la formation nous invite à prendre à bord de leur "Buick 59", une bien belle machine reproduite sur la pochette. Et au sommet de son art, Billy Bates ne veut plus quitter le devant de la scène. Quoique un peu trop court, cet opus est de bonne facture. Sans être des virtuoses, mais sans pour autant manifester une prétention déplacée, les musiciens ne trahissent guère de faiblesse…
Ce nouvel EP de Siamese est découpé en cinq fragments. Cinq chansons de bonne facture. Tout est dit? Non ! C’est cependant un bon résumé de l'impression laissée par “Plastic Landscape”, à l’issue de sa première écoute. Fruit d’un mélange harmonieux de pop, de rock et de new wave, l'atmosphère de « Plastic Landscape » vous enveloppe et peut vous paraître familière. Les tons mélancoliques mais chaleureux de l’expression sonore véhiculent des accents profonds (la voix de Sébastien y est pour beaucoup). Elle est travaillée, cela se sent. Le quatuor formé par Sébastien (chant et guitares), François-Xavier (guitares et claviers), Xavier (basse) et Benoît (batterie) est allé puiser son inspiration dans une exploration introspective ne laissant pas de place à l'extravagance. Et on ressent cette impression d'austérité tout au long du disque. Bref, si les morceaux sont musicalement aboutis, ils ne surprennent guère. On en gardera donc une impression de professionnalisme... et de déjà entendu.
A l’instar de Dream Syndicate, Green On Red, les Long Ryders et Rain Parade, True West était une figure emblématique du mouvement appelé ‘paisley underground’, qui a sévi en Californie au cours des eighties. L’aventure de True West n’a cependant duré que 5 ans (1982-1987) et a d’ailleurs perdu tout son crédit vers 1985, lorsque Russ Tolman, le principal compositeur, a décidé d’embrasser une carrière solo. Cette compilation réunit les deux premiers albums de la formation, c'est-à-dire le mini elpee « Hollywood holiday », l’album « Drifters » (dans son intégralité) et trois démos produites par Tom Verlaine de Television en 1983. Le recueil inclut ainsi l’incontournable reprise du « Lucifer Sam » du Floyd. Parce qu’au cours des trois premières années d’existence, la formation était fort influencée par le psychédélisme. Pas la ‘flower power’, mais un psychédélisme sombre, de mauvaise augure, hypnotique. Celui de Quicksilver Messenger Service, par exemple. Mais aussi de Television. Pensez à « Marquee Moon » ! Chez True West, l’intensité électrique était alimentée par la conjugaison de deux guitares. Celles de Richard McGrath et de Russ Tolman. Des échanges rappelant même le Crazy Horse de Neil Young ou encore les Byrds. Le tout rongé par le vocal dramatique de Gavin Blair. La compile est enrichie d’un booklet réunissant des photos d’archives, mais surtout de notes explicatives.
Cet album respire la fraîcheur. Sans prétention, les mélodies sont caressées par la voix agréable de Perrine Delers et parfois soutenue par celle de Jean-Michel Disthexe. Celle de Perrine est assez proche de celle de Juliette Noureddine, mais peut devenir irritante ; surtout lorsqu’elle emprunte les inflexions criardes de Linda Lemay. Il faut avouer que ce côté théâtral n’est pas très plaisant. Les thèmes développés sur les 14 morceaux de cet opus sont tour à tour joyeux, tristes, mystérieux, voire étranges. Trop étranges même. Les paroles de certaines plages sont en effet sans queue ni tête, à tel point qu’elles perdent un peu de leur intérêt. Néanmoins, cette variété de sujets permettra à chacun de se retrouver dans au moins une des chansons de ce duo. Malgré ces quelques réserves, Perrine et Jeanmi sont parvenus à nous dévoiler une partie de leur univers. Une partie seulement, car lorsqu’on écoute la dernière plage de l’album, enregistrée en live, on y découvre une ambiance différente : un air de fête, un public rieur et des effets vocaux et musicaux bourrés d’originalité. Notre curiosité est titillée, ce qui est déjà un bon début…
A moins d’être allergique à télé ou de ne jamais allumer votre radio aux heures de grande audience, impossible d’échapper à la promotion consacrée à cet opus. Il faut bien avouer que la campagne de médiatisation réservée à son précédent avait été plutôt discrète. Cause à effet ? Une chose est sûre, « Bliss » avait essuyé un cuisant échec. Pourtant, hormis le single détestable « Commando », ce disque auquel avait déjà collaboré Mathieu Chédid, recelait certaines qualités, et avait finalement injustement été boudé par le grand public.
Pour ce « Divine Idylle» la donne a changé. Oui, bien sûr, la pochette est moche. Enfin, c’est ce que le commun des mortels doit penser. Un portrait de la chanteuse peint pas Johnny Depp (il aurait pu s’abstenir…) Mais si on prend la peine de consulter le livret, la surprise est bien plus agréable. Il est à la fois sobre et chic. Et Vanessa Paradis a eu raison de faire une nouvelle fois confiance à Jean-Baptiste Mondino, pour la photo centrale. En outre, une touche de légèreté est apportée en fin de booklet par un portrait, brossé pour la circonstance, par sa petite fille Lily Rose.
Vanessa Paradis a donc reçu le concours de M, déjà présent lors de la réalisation de « Bliss ». Il a produit l’opus. Et puis de musiciens talentueux tels que Patrice Renson, Albin De La Simone et Jérôme Goldet. Elle a égalent bénéficié de la collaboration de quelques paroliers : Brigitte Fontaine, Franck Monnet, Thomas Fersen, Alain Chamfort, Jean Fauque et à nouveau De la Simone. Ce qui ne pas empêché Miss Paradis de participer à l’une ou l’autre chanson pour les lyrics ou la musique.
Mais venons-en au contenu. Première constatation. Il devrait permettre à Vanessa d’élargir son cercle d’adeptes. Dès la première écoute, l’auditeur est entraîné dans un univers bigarré, fruit d’un mélange de pop, de rock, de blues, de r&b, de reggae et de chanson française. Depuis le single et titre maître aux accents subtilement motownesques (Supremes ?) au reggae « La mélodie », en passant par l’allègre (cette basse !) « Chet Baker », le ludique et dansant « Dès que je t’vois », le bluesy et languissant « Les piles » (en duo avec M) et ‘nightclubbien’ « Les revenants », le minimaliste (piano et voix) « Junior suite », l’insidieusement country « Irrésistiblement », la ritournelle intimiste « Jackadi » ou encore l’enlevé « La bataille ». Tous les titres accrochent instantanément l’oreille.
En dehors d’une promotion accrue (et cela reste un euphémisme), des leçons semblent avoir été tirées de l’échec de « Bliss ». Cet album-ci semble bien plus abouti, et on sent une réelle alchimie entre M et Vanessa Paradis. Pour preuve Mathieu Chédid accompagnera l’ex-lolita tout au long de la trentaine de dates prévues pour sa tournée. A suivre donc.
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