En attendant le successeur de « Rubber Factory » (2004), les Black Keys dégainent « Chulahoma », six reprises désenchantées du bluesman culte Junior Kimbrough. Avec ce disque, Dan Auerbach et Patrick Carney marquent un retour aux racines. Le blues constitue l’essence même de la fureur électrique des Black Keys. Ce n’est un secret pour personne. En rendant hommage à l’un de ses plus grands héros, la paire retrouve l’intensité passionnée éprouvée dans la moiteur du fulgurant « Thickfreakness » (2003), disque culte du duo d’Akron (Ohio). Entre rock et blues, punk et soul, les Black Keys installent le décor d’une musique référencée, presque datée. Ancré dans le passé, ce garage blues contemporain dresse maintenant ses perspectives en s’inspirant des plus grands. La voix rocailleuse de Dan Auerbach, les accords écorchés arrachés à sa guitare et la frappe sèche de Patrick Carney confèrent à cette musique un charme diabolique. Dans quelques semaines, les Black Keys reviendront armés d’un nouvel album. Nous retenons notre souffle...
Si Zimpala était l’une des contrées de notre petite planète, on ne pourrait que conseiller aux jeunes mariés de ne pas y mettre le moindre orteil lors de leur ‘Honeymoon’. Non seulement le couple s’y emmerderait comme jamais mais, plus horrible encore, il serait dans l’obligation de côtoyer des personnages aux voix irritantes et aux accents pitoyables. Certes, d’infimes bons moments pimenteront le séjour. Ce qui n’empêchera aucunement les tourtereaux de quitter les lieux avec une seule envie en tête : foutre chacun de leurs poings dans la tronche de celui ou celle qui leur a un jour recommandé cette insupportable destination.
Premier album solo pour Thom Yorke, le chanteur de Radiohead. Un disque pour lequel il n’a reçu le concours que de Nigel Godrich. Et à la production. Peu d’instruments basiques sur cet opus. Un piano, quand même. Episodiquement une guitare ou une basse (NDR : à moins qu’il ne s’agisse de samples !) Des boîtes à rythmes. Et puis, une panoplie d’outils technologiques dont un laptop. Tout un canevas mis au service de la voix de Thom, auteur de chansons empreintes d’une grande mélancolie. Le falsetto de Thom Yorke n’a jamais été aussi fragile, bouleversant même. Et si Yorke poursuit ici les expérimentations électroniques opérées sur « Kid A » et « Amnesiac », il s'attache à soigner l’aspect mélodique de ses compos ; tramé sur des variations de curseurs et caractérisé par le récit d’une poésie, « Skip divided » constituant l’exception qui confirme la règle. A première écoute, l’ensemble de l’œuvre peut paraître monochrome ; mais au fil de l’album, on se rend compte que chacune des 9 plages de cet « Erasure » est chargée de nuances. A l’instar de « Black swan », dont le tempo tribal rappelle curieusement le climat afro entretenu par les Talking Heads de la fin des eighties. Du floydien « And it rained all night » circa « More ». De « Harrowdown hill », hanté par une ligne de basse étrangement funkysante. D’« Analyse », parcouru d’arpèges d’ivoires, ma foi fort classiques, mais s’achevant par une invitation à participer à un voyage cosmique. Du pulsant « Atoms for peace ». Ou encore de l’envoûtant « The clock ». Des morceaux qui affichent une véritable beauté intérieure. Et rien que le titre maître qui ouvre l’elpee vous donne une idée du climat émotionnel qui règne tout au long de ce disque. Tout bonnement remarquable.
On y a droit chaque été. Quelques disques arrivés en bout de course de rentabilité commerciale se voient gratifiés d’un CD ou DVD bonus conçus pour allécher les fans et assécher leurs portefeuilles. Et, souvent, le contenu fait pitié : un maximum de 4 ou 5 titres supplémentaires et sans grand intérêt. Vitalic, lui, a le mérite de ne pas se foutre de la gueule de sa clientèle. Bien que « Ok Cowboy » soit sorti voilà plus d’un an et qu’au moins le tiers de la population mondiale se soit déjà secoué les fesses sur « My Friend Dario », « LA Rock 1 » ou « Poney Part 1 », le premier essai du DJ s’offre un lifting digne de ce nom. La section bonus de ce « Collector’s Edition » n’offre pas moins de 8 trésors inédits dont « Bells », le splendide et très attendu titre d’ouverture de tous les derniers sets du français et interprété par Linda Lamb. On y retrouve également le fameux ‘Dima Prefers Newbeat mix’ de « My Friend Dario » ainsi qu’un remix de « Repair Machines ». La seule véritable arnaque se situe au niveau du titre « Fanfares », présenté comme un inédit bien qu’il ne s’agisse que d’une version solidement retravaillée de « Valletta Fanfares ». Une broutille dont on ne lui tiendra pas rigueur. D’excellente facture, ce « Collector’s Edition » risque donc de faire râler les fans ayant déjà acquis le disque lors de sa sortie initiale.
Issu de Besançon, Jean-Cyrille Masson joue de la basse. Ses goûts musicaux sont partagés entre le blues et le trip-hop. Il est soutenu par le T, c'est-à-dire le Team, une formation responsable d'un album confidentiel en 2004 ! Un backing band au sein duquel milite le chanteur/guitariste Jean Rigo (NDR : ex Infidèles), Fred Maisier à la batterie et aux samples ainsi que l’harmoniciste/guitariste Amaury Faivre.
L'album s’ouvre par l’excellent "Boogie Moogie". Quelques bruitages et samplings nous invitent à nous plonger au sein de l'atmosphère suffocante et poisseuse du Delta du Mississippi. Les instruments pénètrent successivement au cœur de l’espace sonore : la guitare acoustique, la voix profonde ; puis la guitare s'amplifie avant que l'harmonica ne se mette à pousser des cris jouissifs. Manifestement cette plage qui mêle blues basique et électronique atteint son objectif. Ce n’est finalement guère différent de ce qu’on rencontre dans les collines du Nord du Mississippi ; du côté d'Oxford, dans le fief de Fat Possum. Le décor se fond dans "Do you believe". Les samplers font apparaître, disparaître, réapparaître des voix fort différentes. Même un timbre féminin frétillant. Une constante : le vocal grave. Il presque omniprésent. La machine à percussions prend de la puissance et de la force. De l’épaisseur aussi. Les claviers vont et viennent par boucles successives. "Little big train" conjugue jazz et rythme. L'orgue Hammond se réserve le devant de la scène, même si ni les cordes acoustiques ou l'harmonica ne désertent pas pour autant l’espace sonore. La voix demeure volontairement en retrait, avant qu’une slide électrifiée aux accents gouailleurs ne décide de se libérer. A l’issue d’une écoute plus attentive, on a pourtant la nette impression d’être face à un collage. Une technique finalement néfaste à l’homogénéité de l’ensemble. "My baby is gone" s’écarte du blues pour nous transporter vers des îles dont les parfums rafraîchissants, volontiers exotiques, embaument les cordes aux accents hispaniques, quoique toujours bien rythmiques. "Lord have mercy" nous abandonne aussitôt sur les vieilles routes cahoteuses du Mississippi rural. Un bottleneck volontiers métallique passe en revue toute la galerie des instruments déjà rencontrés auparavant. Il manque cependant ici un soupçon d'audace susceptible de communiquer les émotions propres au blues. Les bruitages urbains se densifient tout au long de "Voodoo lounge". Le tempo vire au jazz. Les cordes électriques, les claviers et les percussions opèrent une synthèse réminiscente d’un Carlos Santana. Les bruits de machines envahissent "Across the Delta" et nous rappellent les conditions de travail difficiles des esclaves exploités dans les champs de coton. Des conditions de travail rythmées au son de lourdes percussions. Le chant volontiers plaintif semble implorer la participation de l'ensemble. Soutenu par une instrumentation délicieusement jazzyfiante, "Standing in the shadow of love" met en exergue un vocal féminin. A contrario, c’est la voix très grave du chanteur qui investit "Moving on". Une intervention précédée par les rythmes familiers du Bo Didley beat. Si à premier abord, cette idée semble judicieuse, son application suscite la controverse. En fait, dépouillée, elle aurait pu facilement atteindre sa cible. Mais grevée de multiples arrangements, cette compo finit par perdre le fil conducteur. Ce qui explique pourquoi l’intérêt de cet opus est plus que limité. Parce que le blues n’est pas uniquement une histoire d’imagination, mais surtout d’émotion et de sensibilité. Tout au long de cet elpee, plane l’ombre de John Lee Hooker. Parfois même un peu trop souvent. A un tel point qu’on finit par douter que ce spectre soit accidentel. Surtout à travers des thèmes qu’il a développé sur ses derniers enregistrements. Y compris la présence de Carlos Santana. Le recours à une voix d’outre-tombe sur "Til the sun goes down" en est la plus parfaite démonstration. La fusion entre le blues et l'électronique voire la dance n’est pas un exercice de style fondamentalement nouveau. Mais en général, ce mariage est souvent vu d’un mauvais œil par les adeptes du blues. Pourtant, il est peut-être un terrain propice à l’ouverture de nouveaux horizons sonores ; et surtout la conquête d’un public nouveau…
Nous sommes en 2005, un jour de décembre. Sebastien Tellier s’enferme en compagnie du pianiste Simon Dalmais pour une session acoustique de son répertoire. De cette rencontre naîtra un album où des titres issus de « L’incroyable vérité » (2001) et de « Politics » (2004) trouveront un nouvel éclat dans le dépouillement : un piano, une voix, une guitare. Enregistré sous la houlette du producteur Alf (Air, Phoenix…), « Sessions » montre au grand jour tout le talent mélodique de Tellier qui, lors de ses albums précédents, ne parvenait pas toujours à se démarquer. Le barbu au costume blanc cassé, la cigarette au nez (vérifiez sur la pochette) offre des versions magnifiées de ses morceaux intemporels (« Bye bye », « Black douleur », « Kissed by you »…). Une fois de plus (et sans doute mieux qu’auparavant), « La ritournelle » invite au voyage le plus onirique. En dix plages, Tellier nous emmène ailleurs, dans un monde où la beauté est intacte. Homme de tous les culots, il nous propose une version personnelle de « La dolce vita », de Christophe. Le risque paie car, si cette reprise frôle le pathétique, elle réussit à émouvoir en l’évitant de justesse. Classe. Enfin, cerise sur le gâteau, il achève sa performance par un inédit (« Classic »). Intense et intime.
La patience est une vertu essentielle. Deux années plus tôt, « Happy », tube disco funk à pulsion électro rythmique, voyait le jour. Concocté par Max Sedgley, ce programme atypique devait se trouver au menu d’un album attendu par les adeptes du dance floor. Mais de fièvres du samedi soir en défonces du dimanche matin, le projet s’est peu à peu liquéfié. Aujourd’hui, la fête bat (enfin) son plein. « From The Roots To The Shoots » est disponible. Les tubes de Max Sedgley s’alignent : « Happy (Make You Happy) », « Devil Inside », « I’ve Been Waiting ». Ces titres, aussi chics que du Funkadelic numérique, s’insinuent dans nos oreilles pour une échappée fréquentielle fort cordiale. Le premier album de Max Sedgley affiche une classe certaine car, il a le mérite de ne pas enfermer son auteur dans l’objet même de ses bidouillages. Sedgley ouvre des portes dans sa musique, (re)visitant ainsi les genres. Sur « Devil Inside », la voix de Z-Star concurrence franchement celle d’une Lisa Kekaula dans les pitreries de Basement Jaxx. Plus loin, sur « Slowly », on touche même au meilleur de Morcheeba. En fin de parcours, « Déjà Vu » invite l’auditeur à lever le bras sur un flow typiquement britannique, pas très éloigné des méthodes prônées par Mike Skinner (The Streets). « From The Roots To The Shoots » valait donc bien ce (long) détour dans la salle d’attente...
L’électro gothique, telle qu’on la connaît aujourd’hui, n’existerait probablement pas si le tandem Douglas McCarthy/Bon Harris n’avait fondé Nitzer Ebb en 1983. A l’instar de nos compatriotes du Front 242, ils peuvent revendiquer la paternité du mouvement EBM, soit l’Elecro Body Music, style martial autant que macho, dans l’esthétique tout au moins. Qui se souvient de la pochette du premier album de DAF ? Pour en revenir à Body of Work, il s’agit d’un double ‘best of’ qui rassemble tous les hymnes et autres remixes musclés enregistrés par le groupe entre 1984 et 1997. Une initiative prise par Mute à l’occasion du retour sur scène de la formation culte et de la sortie imminente d’une compilation de remixes-hommages par les grosses pointures de la techno contemporaine. Slogans claquants, chant hurlé, rythmiques sèches et saccadées, lignes de synthés minimalistes… tout l’univers de Nitzer Ebb en 32 plages anthologiques ! Un parcours dont aucune période n’a été écartée. On retrouve bien entendu les incontournables « Join in the chant », « Getting Closer » ou « Let your Body Learn » qui défendent les premières années de gloire, avant que le combo n’emboîte le pas à une électro pop plus proche de Depeche Mode. D’ailleurs, « Kick it », « Godhead » ou « I Give to You » demeurent de bien belles pièces du style, et n’ont pas pris une seule ride. Outre, une pluie de remixes rarissimes, le CD bonus est recèle d’excellentes surprises, tel l’inédit « Get clean » ; mais également quelques fragments plus dispensables comme le « Captivate », un morceau revu et corrigé par William Orbit. Toute la richesse d’une carrière météoritique !
Le rideau se lève. Le spectacle s’annonce majestueux. En guise d’introduction, un « Take A Bow » stellaire s’échappe des baffles et envoie les auditeurs, d’entrée de jeu, dans une autre dimension. Muse est de retour, en pleine forme. Quatrième ouvrage des anglais, « Black Holes & Revelations » va bien au-delà des limites fixées par « Absolution » trois ans plus tôt. Découpée en 11 actes, la grande envolée théâtrale du trio démarre sur les chapeaux de roues mais rencontre, cependant, quelques moments de faiblesses, heureusement peu nombreux (« Exo-Politics » ou le single « Supermassive Black Holes », très loin d’être représentatif du reste de la plaque). Un peu comme si le goût de la bande à Matthew Bellamy pour l’expérimentation avait soudain décuplé, « Black Holes & Revelation » s’avère être leur œuvre la plus variée, épinglant des instants d’éclats indéniables (« Map Of The Problematique », « Hoodoo » ou un « Soldier’s Poem » qui recèle quelques légères traces de Queen). Il faut néanmoins avouer que par rapport à « Origin Of Symmetry », l’album le plus couillu de Muse, la prise de risque est moindre. Le spectacle, qui se referme par un vindicatif « Knights Of Cydonia », est indéniablement de haut vol mais risque fort, à la longue, d’en irriter plus d’un. A apprécier parcimonieusement, donc.
Riot Grrrl. Comme un relent du mouvement féminin entonné au début des années 90’s. Lexi Valentine (chant/guitare), Nadia King (batterie), et French (basse) s’agitent au sein de Magneta Lane. Le trio punk-pop laisse entendre ses réminiscences des Pretenders et autres Runaways. Produit par Jesse F. Keeler, bras droit des locomotives Death From Above 1979, « Dancing With Daggers » impressionne surtout par sa vitesse d’exécution (moins de 30 minutes au compteur). Pour le reste, la rage est contenue et le trio de Toronto se contente de délivrer dix chansons faussement rebelles. Comme un film révolutionnaire tourné sous les palmiers d’Hollywood, le premier album de Magneta Lane nous laisse une impression mitigée. « Dancing With Daggers » sonnera peut-être une énième rébellion adolescente en Amérique. L’Europe restera de marbre. La Prude Albion assurant déjà au continent son lot mensuel d’excentricités musicales. Chez Magneta Lane, les robes et les guitares remplissent la penderie. Et, dans le cas présent, l’habit ne fait certainement pas le moine !
The Juniper Band nous revient toutes guitares dehors en signant un troisième opus intitulé "Time for flowers". Un groupe qui demeure néanmoins énigmatique. En tout cas, il n’est pas aisé de se procurer de l’info à leur sujet. The Juniper Band se résume à Alessandro Cavalli aux claviers ainsi que Gianluca Lucchini à la basse et au chant. Un duo d’amis qui ont beaucoup répété dans leur cave avant de monter ce projet, puis d’enregistrer deux albums : « … of debris and daylong dreams » en 2001 et « Secrets of summer » en 2002. Cette formation pratique un rock/psyché au sein duquel elle y injecte une bonne dose de mélancolie et de passion. Dans les meilleurs moments, cette expression sonore peut même rappeler Sonic Youth. Une chose est sûre ce tandem est constitué d’excellents instrumentistes. Là où ça cale, c’est au niveau des vocaux. Ce qui est quand même regrettable pour un troisième opus. En fait, si « Time for flowers » avait été leur premier elpee, on aurait pu pardonner cette carence. Mais pas à ce stade. Ce qui explique pourquoi l’élan d’enthousiasme manifesté à première écoute se mue progressivement en déception. Et finalement on reste sur sa faim…
Figure légendaire de l'indie US, ex-membre de Beat Happening, Dub Narcotic Sound System ou encore des Halo Benders, Calvin Johnson nous propose son quatrième album. Constitué de dix morceaux assez variés, "Before the dream faded" est aussi et surtout parcouru par la voix si particulière de son géniteur... Grave, fausse par moments, elle défigure étrangement certaines compositions alors qu'elle en embellit d'autres... Il est donc préférable d’écouter ce disque à la carte, de préférence plage par plage, afin d'en goûter la sève si particulière. Ainsi, alors que "I am without" nous ramène délicieusement à certains morceaux de Nick Cave, "The leaves of tea" semble proche de ce que Beck cherche désespérément à pondre depuis près de 10 ans. Plus loin sur l'album, "Your eyes" aurait pu être écrit dans les 60's par un groupe psyché défoncé au LSD. D'autres titres finissent par énerver l'auditeur tant la voix semble volontairement bâclée, presque laissée en chantier... Tout de même, Mister Johnson, il y a des limites à ne pas franchir... Des chansons comme "Rabbit blood", "I'm down" ou "Deliverance" en sont de bien tristes exemples et se trouvent ainsi ravalées au rang de curiosités alors qu'elles auraient pu devenir de véritables attractions. C'est bien dommage...
Drivée par le chanteur Chris Gaffney et le chanteur/guitariste Dave Gonzalez (NDR : ex-leader des Paladins), cette formation est née en octobre 2003. Elle pratique de la western soul, c'est-à-dire le fruit d’un mélange entre country et vieux R&B. Leur premier elpee est paru en 2004. Un disque enregistré à Tucson, en Arizona. Ces Californiens y sont retournés pour mettre en boîte ce nouvel opus. Pour la circonstance, Chris et Dave sont soutenus par David Berzansky à la pedal steel guitare, Hank Maninger à la basse et Dale Daniel à la batterie. Au cours des deux dernières années, ces musiciens ont accordé plus de trois cent concerts, une expérience qui leur a permis de se forger un son bien personnel.
L'album s’ouvre par une ballade bien country. Dès l’intro on reconnaît le phrasé de guitare de Gonzales. La steel guitar est particulièrement expressive tout au long de cette bien jolie plage roots, interprétée d’un timbre chaleureux, grave et pur par Chris Gaffney. Invité de marque, Joe Terry se réserve la plupart des parties d'orgue Hammond et de piano sur cet opus. Caractérisée par une mélodie généreuse, le titre maître est absolument superbe. La voix de Gaffney brûle comme le soleil de l'Arizona. Il n' y a guère d'ombre au pied des cactus géants. La steel guitare surchauffe et laisse suinter quelques petits filets sucrés, tout en libérant énormément de tristesse et d'intensité. "Keep it together" marque un changement radical de style. La voix de Gonzales est davantage rebelle. Le rythme bien plus alerte. Pourtant, il n’est guère question ici de rockabilly à la Paladins, mais de soul contagieuse d'excellente facture. Dave se réserve un solo étincelant, une performance immédiatement talonnée par la steel guitar de Berzansky. Opérée par Dann Penn, la mise en forme est parfaite. Un personnage illustre, auteur, il y a bien longtemps, du fameux succès des Box Tops d'Alex Chilton : "The letter". Pour cet elpee, il signe deux chansons. Tout d’abord "Cry like a baby", une superbe compo qui ressemble étrangement à "The letter". Nerveuse, trempée dans la soul, cette plage bénéficie du concours de choeurs et puis de l'accordéon de Gaffney. Ensuite, une ballade country qui touche au sublime : "It tears me up". Chris la chante d’un ton grave face à l’orgue et la lap steel. Un instrument sur lequel Berzansky irradie "The last time" de toute sa classe. Et les perles s’enfilent. A l’instar du remarquable "Life's little ups and downs". "If daddy don't sing Danny Boy" nous plonge au sein d’une atmosphère différente. Dave joue de la baritone guitare sur cette cette ballade folk bien rythmée qui évoque un certain Dylan. Même l'intonation vocale de Gaffney rappelle le vieux Bob. Gonzales se souvient qu’il a vécu à San Diego. A quelques miles de la frontière mexicaine. Il imprime un tempo latino à "Rebound", nonobstant le piano sautillant de Terry, l'accordéon et les cordes enfin débridées du beau Dave. "Cowboys to girls" baigne au sein de la même ambiance. Soutenu par des chœurs, Chris chante, d’une légère pointe latin-soul dans le timbre. Dave Gonzales reprend une dernière fois le rôle de vocaliste pour attaquer son "Different today" qui évolue dans un style purement country. De très bonne facture, cette plaque n’émarge ni au blues ni au rockabilly, mais à la western soul. Mais une western soul particulièrement brillante et esthétique. A l’instar de la plage instrumentale qui achève ce disque : "Son of Saguaro" ; un morceau qui pourrait servir de bande sonore originale de film pour un western!
Gnarls Barquoi ? En voilà une question honteuse ! Gnarls Barkley, entité étrange au nom tiré par les cheveux, est le fruit de la rencontre entre Cee-Lo et Danger Mouse. Il fallait franchement être sur une autre planète ces derniers mois (et encore…) pour ne jamais avoir entendu leur tubesque « Crazy » servi à la louche, matin midi et soir, au point d’en avoir le crâne qui implose. Néanmoins, « St. Elsewhere » ne se résume pas à un seul hit. Enfin presque. Bien qu’il contienne quelques perles (« Storm Coming », « The Last Time ») et que les bonnes idées qui y grouillent sont toutes aussi propices au harcèlement audiovisuel (« Go-Go Gadget Gospel », « Gone Daddy Gone »), le premier album de Gnarls Barkley s’essouffle sur la longueur et aurait gagné à être amputé de quelques morceaux inutiles (« Who Cares ? », « Necromancer », « Online » ainsi que le titre maître). Ces petits accrocs font malheureusement de « St. Elsewhere » un instantané, le genre de disque à consommer durant quelques mois avant de finir au fond d’un placard sans même que quiconque ne s’en rende compte.
Manifestement, la fin des années 60 a bouleversé la musique rock. L’explosion de toutes ses limites, des frontières entre styles, a permis d’exploiter au maximum les possibilités musicales et instrumentales des musiciens, en quête d'imagination, en dehors des canons du bien-pensant commercial. La musique underground était occupée de naître, principalement aux Etats-Unis, même si les Anglais développaient des ressources de créativité énormes. Cette collection justement baptisée "Hors la Loi créatifs" est sous-titrée "US Underground 1962-1970". Elle s'attache donc à retracer cette révolution culturelle qui a sévi de l'autre côté de l'Atlantique.
Parmi les premiers artisans de ce mouvement, certains ont traversé le temps. Et je pense tout d’abord à Jimi Hendrix, pourtant décédé il y a déjà 37 ans. Son dépeçage de l'hymne américain "Stars Spangled Banner" et sa reconstitution totalement déjantée en est la plus belle illustration. Sa révolution aussi. Et il la proclame ici sur la scène de l'Albert Hall de Londres. Particulièrement engagé, le MC5 incarnait un autre protagoniste du désordre. Son message politique était extrême. Son cri de fureur symbolisé par "Kick out the Jams". Cette cité de l’enfer a enfanté un iguane immortel : Iggy Pop. Alors aux commandes des Stooges, il était également issu de la motor-city de Detroit. Il célèbre ici son ode à la frénésie : "1969". Davantage expérimental, avant-gardiste même, Captain Beefheart affrontait le blues de l'impossible. Cette compile en épingle "Dachau blues".
De la génération flower power à l'acid rock de San Francisco, de Haight et Ashbury, on retiendra surtout Country Joe & the Fish. Son "I feel like I'm fixin' to die" a été immortalisé au festival de Woodstock. Et bien sûr la chanteuse Grace Slick, militant alors chez le Great Society. Elle nous propose ici une première version de "Somebody to love", compo qui deviendra un énorme hit pour le Jefferson Airplane. Créateur unique en son genre, Moondog est un artiste emblématique issu de New York. Soutenu par Charlie Parker et Charles Mingus, il a immortalisé "On Broadway" dans les rues de la métropole. Les Fugs ont davantage forgé leur réputation sur une attitude anti-conventionnelle qu’à travers leur musique. Pourtant, leur "The garden is open" libère un son incroyable. Faut dire que tout devenait possible dans ce monde halluciné où se mêlaient drogue, violence et révolution sexuelle. Pearls Befoser Swine pratiquait déjà ce qu’on appelle du folk psychédélique. Drivée par Tom Rapp, cette formation stigmatisait le conflit armé au sein duquel les States s’étaient engagés au Vietnam. "Uncle John" en est la parfaite illustration.
Aux pays de l’Oncle Sam, le folk pouvait également émarger au courant dit progressif. Les Holy Modal Rounders en sont un premier exemple. Et puis surtout Kaleidoscope dont la musique baignait littéralement au sein d’un climat orientaliste déconcertant. Ce band avait alors pour tête de proue le prodige David Lindley, toujours sur les routes en 2006. On ne peut passer sous silence l’existence de Blue Cheer, un combo de hard rock déjanté, extrême, ou si vous préférez de heavy metal lysergique. Un trio responsable de la reprise sans concession d’un classique du rock'n'roll : "Summertime blues". La conjugaison des trois instruments est absolument démoniaque! Particulièrement novatrice, mais injustement méconnue, la musique du West Coast Pop Art Experimental Band était le fruit d’une imagination débordante qui est reproduit sur "Suppose they give a war and no one comes", un véritable collage sonore sous tension constante. Fin des 60s, éclot un ‘importantissime’ boogie band à Los Angeles : Canned Heat. Inspiré à l’origine par le blues le plus pur, il est parvenu à se forger un style unique en son genre. Faut dire qu’il pouvait compter sur des musiciens talentueux. Leur interprétation de "Sic 'em pigs" est absolument hallucinante. Quelle époque ! Quarante ans plus tard, le "Time has come today" des Chamber Brothers me trotte toujours dans la tête. S’appuyant sur des musiciens noirs doués de voix puissantes, le groupe avait délivré cet hymne psychédélique remarquable sans se douter qu’une version d'une dizaine de minutes de ce morceau allait dévaster les pistes de danse de l’époque. Et aujourd’hui encore il semble toujours aussi irrésistible!
Un témoignage éloquent d'une période de l’histoire qui ne peut laisser personne indifférent! Quelques absents de marque cependant : Frank Zappa, Grateful Dead et Quicksilver Messenger Service.
Lorsqu’un groupe décide d’enclencher son album par une chanson intitulée « Yak Yak Yak You’re Fired !», on sait que ce n’est pas pour déguster un thé à la menthe sous un platane. Et lorsque Bullet Union engage son disque sur cette chanson, nos pressentiments se confirment. Les copains de Bullet Union sont des mort-(Test Icicles)vivants (Blood Brothers, Help ! She Can’t Swim, etc.), des électrocutés du cerveau. Mais « Ruin’s Domino » ne se cantonne pas à une simple décharge électrique. Les neuf morceaux de l’album courent derrière la mélodie sans jamais l’attraper. Démarche volontaire d’un groupe contestataire. Aussi, les quatre musiciens sont-ils capables de signer de belles enjambées mélodiques au milieu de leurs sprints massifs. Mais, au final, Bullet Union laisse les concessions de côté. Préférant hurler sa joie viscérale, urgente et éphémère de participer à cette mission suicide, le groupe se ligote aux amplis Marshall, pousse le volume dans ses ultimes retranchements et menace de tout faire péter. La guerre est déclarée, les distorsions renforcées.
‘Feels good, you’re mine, it’s time, lalalalalalala…’ Si vous reconnaissez ces paroles, vous avez probablement été infectés, deux ans auparavant, par l’obsédant « Booty La » de Bugz In The Attic. Hormis quelques travaux de remixage, ces derniers avaient, depuis lors, quasi disparu. "Back In The Dog House", reprend donc les affaires là où ils les avaient abandonnées. En témoignent des « Knocks Me Off My Feet » ou « Inna Row » bien capitonnés. Empreint d’une bonne dose d’electro-dance aux teintes R’n’B, on reprochera néanmoins au combo une certaine nonchalance crispante. Certes, celle-ci se prête à merveille au ton estival de l’ensemble mais "Back In The Dog House" pourrait perdre de sa fraîcheur au même rythme que les arbres perdront leur feuillage. Pour l’essentiel, on retiendra principalement « Once Twice » ou « Sounds Like… », musicalement proches de Basement Jaxx. En bonus, les petits malins ont également eu la bonne idée de glisser la version longue de « Booty La », clôturant allègrement les festivités. De quoi fredonner à nouveau des ‘lalalalalalalalala’ à tue-tête jusque la fin de l’été. Après, il sera trop tard.
Le premier opus éponyme de ce jeune groupe autrichien ne risque pas de révolutionner le petit monde du métal. Si la pochette évoque les combos ricains de la trempe des Guns n’Roses, Poison ou Faster Pussycat, Adrenaline Kings évolue néanmoins dans un registre typiquement hard rock teuton des années 80. Les compatriotes de Schwarzy ont choisi Saxon et Scorpions pour modèles. C’est leur droit. Malheureusement, ils contentent de plagier leurs maîtres sans apporter la moindre innovation, si ce n’est la courte durée moyenne des 12 titres qui dépassent rarement les trois minutes. Si les morceaux sont incisifs et les refrains particulièrement basiques incisifs, la paire de guitaristes n’a rien en commun avec le tandem Tipton/Downing et la batterie est mal mixée… Résultat des courses : on a vraiment du mal à accrocher ! Mais c’est surtout le chant insupportable de Bernhard Högl qui constitue ici le point faible du combo. Et ce nonobstant un « Crystal Tears » émouvant qui achève cette plaque absolument dispensable.
Vous êtes nostalgique de Noir Désir ? Varsovie devrait pouvoir combler ce vide. Un trio parisien constitué du chanteur/guitariste/claviériste Grégory Cathérina, du drummer/compositeur Arnault Destal et du bassiste (NDR : le dernier arrivé !) Thibault Chapelat. « Neuf millimètres » constitue leur premier Ep ; un disque plutôt de bonne facture qui bénéficie de lyrics assez intéressants. La meilleure plage de cette plaque est également celle qui a donné le patronyme au groupe : « Varsovie ». Imprimée sur un rythme hypnotique, elle est déchirée entre allégresse mélodique et tristesse profonde. D’ailleurs tendre ou rageuse, leur musique est susceptible d’entretenir un certain spleen avant de nous plonger en plein tumulte ! Un peu comme aux débuts de la bande à Cantat. Encore que le spectre de Joy Division plane subrepticement sur l’une ou l’autre compo. Et je ne sais spas trop pourquoi, mais j’ai parfois l’impression de retrouver chez Varsovie, des similitudes avec Yel… Et pas seulement parce les textes sont chantés dans la langue de Molière. Si ce combo ne manque pas d’audace, il a encore du pain sur la planche. Notamment au niveau des vocaux encore trop peu assurés. Mais en bossant dur, Varsovie devrait parvenir à se forger une belle place au sein du paysage rock francophile…
Dimanche. Une programmation de luxe clôture ce festival. A commencer par Alias. Délaissant judicieusement son dernier essai (NDR : poussant la chansonnette sur l'intégralité des titres de « Brookland-Oaklyn », Tarsier brillait par son absence), le jeune MC a délivré un set étonnant, consacrant une première partie au mixage de ses morceaux les plus 'trip-hoppiens'. Après avoir remercié le public de sa présence, Alias a démontré toute l'étendue de son talent lors d'un second acte plutôt hip-hop qui a fini de rameuter les derniers indécis traînant au fond du chapiteau. Alias a ainsi achevé son set en faisant danser une foule entièrement convaincue.
Sur le coup de 15h20, et malgré une chaleur toujours plombée, Didier Wampas et sa bande s'emparent de la Last Arena. Le ton est immédiatement donné. Le set commence très fort par « Ce soir c'est Noël », et recèle quelques morceaux issus de « Les Wampas vous aiment ». Un ancien opus ; mais toujours le plus speedé. Les Wampas enchaînent 5 ou 6 tubes plus rythmés les uns que les autres. Le public est déjà à genoux. Au sens propre cette fois-ci. Le charismatique et remuant leader effectue en effet une longue incursion dans la foule. Il lui demande de se coucher. Les aficionados obéissent sans broncher. Didier traverse le peuple tel un roi, avant d'escalader la tour située au dessus de la table de son, à une bonne centaine de mètres de la scène ! Une scène envahie un peu plus tard par une horde de jeunes filles invitées à participer à leur version de « Où sont les femmes ». Quelques années plus tôt, Patrick Juvet avait déclenché, ici à Dour, une véritable bronca. Notre ténor récolte de nombreuses bises et soulève les applaudissements des spectateurs. Le combo en profite alors pour calmer quelque peu le jeu et interprète l'une ou l'autre compo plus calme. A l'instar des « Bottes rouges » (NDR : difficile pour le groupe et le public de suivre un rythme aussi frénétique tout le concert). Les vétérans ont d'ailleurs certainement eu l'impression de revivre ce show endiablé des Wampas accordé lors de l'édition 1993 de Dour. Et force est de reconnaître que les Wampas, à contrario d'une multitude de groupes français de l'époque qui se réclamaient du mouvement dit alternatif français, sont parvenus à conserver toute leur verve.
Le post rock de Mono suscite l'apaisement. Une grande partie du public a pris également la décision d' s'asseoir. Mais pas pour les mêmes raisons. En fait leur set nécessite un certain état de conscience pour être apprécié à sa juste valeur. Leur musique navigue parfois quelque part entre celle de Mogwai et de Low. Mais les conditions ne sont pas idéales pour savourer cette solution sonore. Et pas seulement parce que le public y est clairsemé. On les verrait bien plus facilement séduire une audience réunie dans une petite salle, lors d'une longue soirée d'hiver. Une chose est sûre ce quatuor japonais ne manque pas de charme. Et quand un combo a le soutien de Steve Albini, il est à suivre de très près.
Après avoir été longtemps le projet solo de Nick Talbot, Gravenhurst est donc passé à la formule d'un véritable groupe. Un trio. Un claviériste/bidouilleur/bassiste, un drummer (NDR : époustouflant !) et Nick à la guitare. Qui a troqué sa râpe acoustique contre une électrique. Et sa musique a pris une toute autre dimension. Noisy, climatique, à la croisée des chemins de Ride, My Bloody Valentine, Red House Painters et Mogwai, la plupart de ses chansons sont construites en crescendo. Nick effleure d'abord ses cordes délicatement, tout en parcourant ses mélodies de son timbre limpide, fragile. Au fil de la compo, il a de plus en plus souvent recours à ses multiples pédales de distorsion afin d'atteindre ultimement une intensité paroxystique, à laquelle tout le groupe participe allègrement. Superbe tout simplement !
Nonobstant tous ses avatars, Nada Surf continue son petit bonhomme de chemin. Et il faut reconnaître que sa prestation sur la Last Arena a été convaincante. D'abord à cause de la qualité du son, une condition presque indispensable pour apprécier leur power pop raffinée par leurs harmonies vocales sucrées. On a presque envie d'ajouter ensoleillées, tant leur répertoire était empreint de bonne humeur. Bon, bien sûr, ils ont interprété « Popular ». Mais s'ils ne l'avaient pas fait, le public l'aurait réclamé. Et puis une nouvelle compo « La pour ça ». En français. Plus que dispensable. Le seul couac de leur set. Lorsque Matthew Caws s'exprime dans la langue de Voltaire pour présenter ses chansons ou converser avec son public, c'est absolument génial. En plus, il y excelle. Pas pour chanter des lyrics qui n'ont ni queue ni tête... N'empêche le trio new-yorkais a séduit par son répertoire constitué de chansons issues de leurs différents albums…
Une fois de plus, l'Eastpak Tent va devoir endiguer le mouvement des spectateurs les plus agités. Parce que chez les Real Mc Kenzies, responsables d'une musique punk caractérisée par la présence d'une cornemuse, la fête est de nouveau au rendez-vous. Ces sympathiques Canadiens semblent apprécier notre bonne bière nationale (NDR : voir nos photos en backstage). Et pour les plus curieux (curieuses) d'entre vous, nous pouvons enfin répondre à une question récurrente au sujet de leur tenue : portaient-ils quelque chose en dessous de leur kilt ? La réponse est…non, et certains musiciens l'ont d'ailleurs prouvé en exhibant leurs bijoux de famille.
Alias Final Fantasy, Owen Pallett est un violoniste talentueux. Pourtant, il a commencé par étudier le piano et la composition à l'Université de Toronto. Le violon, il l'a appris seul. Notamment lorsqu'il était au collège. Aujourd'hui il collabore à une multitude de projets : les Mouches, The Hidden Cameras, Picastro, The Jim Guthrie Band et surtout Arcade Fire pour lequel il cosigne les arrangements. Ce qui ne l'empêche pas de mener parallèlement une carrière en solitaire. Et il faut reconnaître qu'en solo, il est impressionnant. Hormis la collaboration furtive d'un drummer sur quatre ou cinq morceaux, programmée au beau milieu de sa prestation, il est seul avec son violon et ses multiples pédales. Qu'il utilise à la manière d'un Dominique A. En créant ses boucles en 'live'. Et il chante en plus. Bien. Très bien même. S'il y a une inévitable sensibilité symphonique dans ses compos, elle est transportée par son violon tour à tour caressé, pincé, frappé et même utilisé comme caisse de résonance à sa voix, dans un univers à la fois ambitieux et intime. Fascinant !
Un petit détour s'impose entretemps via le club-circuit marquee, au sein duquel se produit The Brakes. Une formation insulaire qui n'est pas née de la dernière pluie, puisque certains de ses membres militaient autrefois chez Electric Soft Parade. Leur pop est rafraîchissante, éclectique et difficilement définissable. Malgré ses incontestables aptitudes, démontrées sur leur dernier opus « Give Blood », il n'y a pas grand monde sous ce chapiteau. Et vous pouvez nous croire, les (nombreux) absents ont eu tort.
Ce même chapiteau accueille les Two Gallants. Egalement une toute bonne formation qui évolue dans un tout autre style. A l'instar des White Stripes, et comme leur nom l'indique, il s'agit d'un duo. Un bassiste et un chanteur/guitariste. Mais qu'est ce qu'ils excellent dans leur registre ! Certaines de leurs ballades sont incontestablement imprégnées de l'esprit de leurs voisins de San Francisco, Swell (NDR : une ensemble qui s'était également produit, voici quelques années, à Dour). Le vocaliste souffle également parfois dans un harmonica ; mais sans jamais abandonner sa râpe. A cet instant on ne peut s'empêcher de penser à Neil Young. Certains morceaux déclenchent également une série de 'headbangings' au sein du public. Ce sont ceux pour lesquels le leader californien injecte toute son énergie, sa concentration et sa puissance. Encore une toute bonne découverte. Merci Dour !
Nonobstant la présence d'un public particulièrement nombreux, le retour de La Souris Déglinguée n'a pas répondu à l'attente. Fondé bientôt depuis 30 ans, cet autre grand nom du rock alternatif a atteint le sommet de sa gloire fin des années 80. Leur recette ? Des textes revendicatifs évoquant souvent la misère, l'Orient et la drogue. Contrairement aux Wampas, dont on vous vantait la longévité ci-dessus, LSD a opté pour l'exode asiatique. Pourtant enrichi d'un DVD, leur dernier opus, « Mekong », retrace leur parcours parsemé de gloire et de passages TV aux pays du soleil levant. Mais il faut reconnaître que le band est tombé dans un (quasi) anonymat depuis belle lurette. Peut-être volontairement. On n'en sait trop rien. Il est vrai que l'esprit 'alternatif' qui les boostait dans le passé, est presque mort. Et ce n'est pas le concert de ce dimanche qui va les sortir de leur trou. Visiblement, leur début de set est marqué par le stress. Ils s'agitent un peu n'importe comment. Leur jeu de scène est inexistant. Les morceaux souffrent d'une absence de relief et ne libèrent pas de véritable énergie. Seuls quelques quadragénaires nostalgiques poussent un petit pas de danse, à l'écoute de leur ska/reggae qui a bien mal vieilli.
Après ce spectacle de piètre facture, les fans de ska/punk ont eu une belle occasion de se consoler auprès des Mad Caddies. Très attendus eux aussi par leurs fans (NDR : et pour cause leurs concerts en Europe sont rarissimes), les Californiens n'ont pas déçu ! Empreintes de bonne humeur, leurs compos endiablées - parfois agrémentées d'une pointe de surf/rockabilly - s'enchaînent allègrement. Les Real Mc Kenzies sont même venus les rejoindre sur scène, histoire de participer à la fête. Le look et l'accent ricain affichés par la formation a de quoi laisser rêveur. On se croirait même au bord d'une belle plage sise sur la côte Ouest des Etats-Unis. La température y dépasse les 30 degrés et il n'y a pas le moindre nuage dans le ciel azur…
Au sein de The Bell Orchestre on retrouve deux musiciens d'Arcade Fire : la violoniste Sarah Neufeld et le multi-instrumentiste Richard Parry. Chez ce collectif, ce dernier se concentre uniquement sur la contrebasse. Le line up est également complété par Stef Schneider, un drummer considéré comme le meilleur de sa génération à Montreal ; et puis Kaved Nabatian au cor (NDR : non, non, on ne dit pas une coriste ?) ainsi que Pietro Amato à la trompette. Vêtue de blanc, la formation est constituée d'excellents instrumentistes. C'est une certitude. Malheureusement leur mélange de post rock et de musique symphonique passe mal la rampe sur les planches. Les trop longs mouvements tardent à atteindre leur intensité et on finit par se lasser de cet étalage de virtuosité. Même Richard, le pitre d'Arcade Fire, est aussi sérieux qu'un étudiant qui passe un examen oral de fin d'année scolaire…
Rien de tel qu'un bon groupe de rock'n roll pour se refaire une santé ! Et les Datsuns étaient un remède tout indiqué pour y parvenir. A la limite, ils soigneraient les allergiques au métal. Sur scène le groupe dispense une énergie pas possible. Un chanteur/bassiste qui a de la présence sur scène, un soliste qui doit avoir pour maître Page, un guitariste rythmique dont les riffs sauvages et sulfureux sont exécutés dans l'esprit d'un Pete Townshend (NDR : il mouline même du bras !) voire d'un Angus Young et un drummer particulièrement efficace. Pas difficile de comprendre pourquoi ils aiment le Led Zeppelin, ACDC et le Who. Sans pour autant négliger l'aspect mélodique des compositions. L'ambiance était à son comble lorsque s'est déclenchée une véritable vague de surfers. Ils déferlaient de partout dans un véritable nuage de poussière pour retomber frontstage. A un tel point qu'en fin de set, Dolf a rappelé que le groupe jouait aussi. Mais on s'était bien amusés…
L'ambiance dans l'Eastpak tent ne va pas baisser d'un cran, puisque les Cowboys Fringants vont s'en emparer. Le concert n'est même pas encore commencé qu'au sein du public de nombreuses farandoles s'organisent. Il ignore cependant que le concert a failli être annulé. Motif : les Canadiens estimaient que les balances étaient foireuses. Et lors des premiers morceaux, les musiciens iront, presque chacun leur tour, mettre la pression sur l'ingénieur du son pour régler l'un ou l'autre détail. Qu'importe ! La prestation atteindra la hauteur de leurs exigences. A l'instar des autres groupes québécois, et en particulier de Mes Souliers Sont Rouges, ils interprètent leurs chansons engagées, colorées de folk, dans la langue de Molière. Le violon et l'accordéon virevoltent. La voix rauque du chanteur dirige la manœuvre. Tout est fait pour que les spectateurs frappent des mains et des pieds. Vu l'ambiance, les Cowboys ne doivent finalement pas trop regretter d'avoir accepté de jouer.
Les Dandy Warhols demeurent une énigme. Leurs disques sont épatants, mais leurs prestations scéniques sont souvent bancales. En montant sur les planches, on se rend vite compte que l'ensemble du groupe est déjà bien entamé. Sauf la claviériste. Pas qu'elle se soit rachetée une conduite, mais apparemment elle souffre d'un refroidissement. Et elle est clean, se contentant de rasades de sirop pour la toux. C'est d'ailleurs elle qui va diriger les débats, le reste du groupe ne sachant même parfois pas trop où il est. N'empêche, on aura droit à une prestation de bonne facture, essentiellement composée de pop songs. Pas de délire psychédélique : il tourmentait sans doute déjà les esprits vaporeux du groupe de Portland, depuis quelques heures…
A une certaine époque, Dour attirait un fort contingent de fans d'electro body music et de musique gothique. Cette année, leur présence était aussi rare qu'un nuage dans le ciel montois. Pourtant, Nitzer Ebb constitue, au même titre que Front 242, un des pionniers de l'EBM. Leur jeu de scène est d'ailleurs proche de celui de notre groupe national, qui s'était d'ailleurs produit ici un an plus tôt. Deux frontmen et une percussionniste/claviériste assurent le spectacle. Très sexy, la fille manifeste un petit air de Cameron Diaz dans Charlie's Angel. Musicalement, le set ne concède guère de grande surprise. Visuellement, on remarque également le look de comandant SS du leader Douglas Mc Carthy. Il ressemble même étrangement à Andrew Eldritch (NDR : lui aussi a foulé les planches de Dour, en compagnie de son Sisters Of Mercy). Ce qui permet de maintenir éveillé les plus fidèles. Mais il est déjà 0h30; et il est temps d'aller rejoindre …And You will know us by the trail of dead.
Franchement, on nous avait gardé bien au chaud un des groupes de scène les plus puissants pour cette toute fin de festival : …And You will know us by the trail of dead. Leur réputation n'est plus à faire et est confirmée par la présence d'une foule qui se presse dans la Petite Maison dans la Prairie. Ceux qui ne les connaissent pas vont vite comprendre la signification de leur nom : lentement mais sûrement. Le début de leur set nous tien en haleine ; mais où on sent que ça va péter d'un moment à l'autre. Inexorablement, les Texans haussent le ton. Puis, presque sans prévenir, c'est l'explosion. Fugazi ou At The Drive In nous viennent inévitablement à l'esprit, mais est-il nécessaire de citer des références pour un tel phénomène de scène. Vous n'y étiez pas ? Alors ne les manquez sous aucun prétexte, la prochaine fois qu'ils se produiront près de chez vous. …A.Y.W.K.U.B.T.T.O.D. nous a asséné la dernière grande claque du festival (NDR : il nous en a flanqué plus d'une). Mais il est temps d'aller reposer nos oreilles… et nos yeux (NDR : à cause de la poussière), nos jambes, notre dos, etc., épuisés par ces 4 jours de festival franchement intéressant de bout en bout…
L'avant-dernière journée démarre sur les chapeaux de roues. Sur les coups de 14h, à la Red Frequency, Les Trois Accords, trublions canadiens à la fois décalés et originaux, s'élancent dans un set rock amusant faisant la joie des nombreux fans qui, tous, chantaient à tue-tête des titres tels que « Hawaïenne » ou « Saskatchewan ». Bien qu'il était difficile de comprendre quoi que ce soit, vu leur accent québécois très prononcé, le combo a réussi à amuser la galerie. Et dans un festival comme celui de Dour, on n'en demande pas beaucoup plus. Même chose pour The Locos, qui prend d'assaut cette même scène quelques instants plus tard. Conduite par l'ex-leader de Ska-P, la formation accorde un set dans la même lignée que celui de son prédécesseur, tout en humour et bonne humeur.
Ensuite, direction 'La petite maison dans la prairie' où Ms John Soda, bercée par les douces vocalises de Stefanie Böhm, accomplit un set à la fois simple et enivrant. On ne pourra pas en dire autant des français de Colder et de leur concert très moyen, sous la Dance Hall. Le leader de la bande semblait tout simplement s'emmerder sur scène, voire à deux doigts de bailler. Si l'effet escompté était celui de faire fuir l'auditoire, le jeune homme y est parvenu. Mais ne nous lui en tiendrons pas rigueur : il y a des choses bien plus intéressantes à voir ailleurs.
A commencer par le grand retour des mythiques Mudhoney sur les planches de la Last Arena. Certes, la formation issue de Seattle n'a jamais vraiment disparue (NDR : il n'a jamais été question de split) mais sa relativement longue période d'hibernation laissait présager le contraire. La reformation des Pixies aura-t-elle donc insufflée un nouveau souffle à tous ces groupes issus de l'époque 'grunge' ? A voir le quartette se démener sur scène, il semblerait que ce soit le cas. Entre vieux classiques et titres extraits de leur dernier album « Under A Billion Suns », Mudhoney a réconcilié différentes générations alors présentes. Et même si leur set a connu quelques passages un peu plus brouillons, le groupe a pu se retirer, satisfait de sa prestation.
On en attendait beaucoup des ex-Unicorns, Islands. On n'aurait pas dû. Le set, agréable mais un peu mou, n'a pas convaincu grand monde. De plus, la formation a eu la mauvaise idée de négliger son premier essai, « Return To The Sea », afin de délivrer une série de nouveaux morceaux sans grand intérêt.
Nos espoirs reposaient donc sur les géants (au propre comme au figuré) de 31Knots, un trio particulièrement créatif qui a dû beaucoup écouté Fugazi, fIREHOSE, At The Drive In, Blonde Redhead et même King Crimson pour concocter une musique aussi élaborée. Fort d'une réputation scénique sans pareil, le trio a tenu toutes ses promesses en se lançant dans un set époustouflant. Véritables bêtes de scène tout en se révélant d'excellents instrumentistes, les gaillards ont démontré une maîtrise impressionnante qui a laissé une large partie du public quasi sans voix. A un tel niveau, ce n'est plus une claque que l'on a pris mais carrément un poing dans la gueule. Au point de s'en mordre les doigts de les avoir manqués au Recyclart en avril dernier (NDR : ils y étaient également la veille de cette prestation)…
Attention mesdames et messieurs, le spectacle va commencer ! Lequel ? Mais le spectacle de marionnettes, pardi ! Le pouvoir du bouche à oreille a été particulièrement convainquant, provoquant une cohue ahurissante du côté du Club Circuit où se produisent les Puppetmastaz. C'est donc sous un chapiteau surpeuplé que les pantins allemands ont balancé leur hip hop humoristique et efficace, n'hésitant pas à parodier de grands classiques du cinéma (un Yoda moins zen que de coutume) ou à s'auto-parodier ('on virerait un membre du groupe que vous ne vous en apercevriez même pas', balancé après un sketch sur le clonage). Bien plus qu'un simple concert, le grand show jovial des Puppetmastaz a certainement été un des meilleurs moments de cette édition de Dour.
An Pierlé vient donc de sortir un nouvel album. Un disque plus accessible, plus pop, mais toujours de bonne facture. Sur scène, An passe allègrement du piano, derrière lequel elle est toujours assise sur un ballon transparent, et un accordéon. Flanquée de son White Velvet, sa prestation empreinte de bonne humeur communicative et d'enthousiasme fait plaisir à voir et à entendre. C'est ce qui rend sa musique si attachante. Elle n'oublie pas d'interpréter sa cover si décalée du « Paris s'éveille » de Dutronc. Ni de remercier son public qui lui réserve de folles acclamations…
Il faut avouer que les dernières prestations 'live' de Venus n'étaient guère fringantes. Faut croire que la formation bruxelloise s'est rachetée une conduite. Le quatuor fait véritablement bloc. La section rythmique est tout bonnement impressionnante. Et au sommet de son art, Marc Huyghens n'en fait pas trop, mais juste ce qu'il faut pour convaincre. Après avoir conclu leur excellent set par la reprise du « 'O Marie » de Daniel Lanois, la formation s'est retirée un peu éberluée, se rendant compte avoir atteint l'état de grâce, sans trop savoir pourquoi… Nous non plus !
Giant Drag est le nouveau hype de la scène britannique. Du NME en particulier. Une image de marque que le band est venu défendre, à travers de nouvelles compos, sous une « Petite maison dans la prairie » clairsemée. Annie Hardy, réputée pour son répondant et son humour acerbe, racontera notamment comment Chris Isaak lui a volé sa virginité et, surtout, le texte d'une de ses chansons avant d'entamer la reprise de « Wicked Games », le seul véritable classique de l'homme. Hormis cette anecdote amusante, il n'y aura finalement rien de bien intéressant à signaler à propos de ce concert.
Après avoir accordé un set très décevant lors du Pukkelpop 2004, je craignais le pire pour Archive. Et ce nonobstant un dernier album de bonne facture. Le remplacement du vocaliste Craig Walker par Pollard Berrier a apparemment eu un effet très bénéfique sur le groupe. Pollard possède une très belle voix dont les inflexions peuvent rappeler Thom Yorke. Et quand il ne chante pas, il participe activement aux parties de guitare. Il est en outre relayé par Dave Penney, l'autre chanteur/guitariste. Seule Maria Q, vient poser son timbre soul sur un seul morceau, « I will fade ». Les périodes les plus intenses du set impliquent cependant les deux râpes. Sans oublier l'envoûtant titre maître du nouvel opus qui ouvre le concert ainsi que l'inévitable « Again ». De chaque côté de la scène les deux claviéristes épicent le tout de sonorités cosmiques, atmosphériques, presque floydiennes. Et le public en prend plein les oreilles. Un concert somptueux et bien équilibré qui demande cependant confirmation. A l'AB le 6 octobre prochain, peut-être…
Tous les records sont définitivement battus ! Après une première journée d'ouverture historique (32.000 spectateurs), la foule ne cesse de croître. 34.000 spectateurs sont recensés, et le camping est déjà 'sold-out'. Plus que jamais la diversité est au rendez-vous, Oomph et Flogging Molly déclenchent les premiers pogos, Mike Patton se reconvertit dans le rap/hip-hop, Soulfly fait mordre la poussière aux aficionados et Within Temptation tient les spectateurs en haleine.
Notre journée commence fort, par une bonne surprise : The Lords of Altamont. Ce nom ne vous dit sans doute pas grand-chose. Peut-être à ceux qui ont connu le défunt Lords of New Church. D'autant plus qu'ils affichent un look semblable. Beaucoup plus intéressant, le line up de ce quintet yankee est constitué de membres de Fuzztones et des Cramps. Excusez du peu ! Sous la 'Dance Hall', une fois n'est pas coutume, on a donc eu droit à une bonne dose de bon vieux rock garage à tendance punk US. Et pour votre information, sachez que le groupe se produira au Recyclart à Bruxelles, ce samedi 21 juillet.
Comme d'habitude, Pompon (NDR : pour ceux qui ne le connaîtraient pas, il s'agit de l'animateur fétiche de Pure FM !) court d'une scène à l'autre pour présenter les groupes. Il ne tarit pas d'éloges la prestation des Lords of Altamont. Il les compare même aux Stooges des débuts. Avant d'embrayer par un petit laïus consacré à Oomph. Une des grandes références du métal allemand fondé déjà il y a 17 ans. Cette formation n'aurait, en outre, rien à envier à un autre groupe qui commence par R (NDR : Rammstein, of course). Les feux d'artifices et les lance-flammes en moins. Les Teutons sont quand même parvenus à faire vibrer la foule de la scène principale, provoquant les premiers - mais timides - pogos. Les spectateurs qui les avaient déjà acclamés en 1999 à Dour sont fidèles au rendez-vous ; de même que les métallos du Grasspop qui ont pu les voir quelques semaines plus tôt. En conclusion, Oomph s'est fendu d'un show solide. Un bombardement en règle d'indus-métal, entrecoupé de morceaux issus de leur dernier album (le 7ème déjà), sur lequel figure une majorité de titres plus abordables, à l'instar du controversé « Gott ist ein popstar ».
L'ambiance entretenue par quelques bonnes bières (NDR : partagées backstage en leur compagnie avant leur show) laissent présager un show épatant, dont eux seuls ont le secret. Flogging Molly est d'origine américaine et les musiciens ne sont pas toujours fiers de leur nationalité. Pour se disculper, ils dédient un morceau à leur 'ami' ( ?!?!) GW Bush'. Le set de Flogging Molly est un grand cru. Un panaché ultra speedé de folk irlandais et de punk, qu'on pourrait situer à la croisée des chemins des Pogues et de Dropkick Murphys. Invité à danser et à faire la fête, le public présent en masse réagit instantanément. Et on assiste au premier grand pogo du festival. Maintenant, il faut reconnaître que leur musique n'est pas (encore) du calibre des Pogues ; mais leur énergie rock'n rollesque soutenue par des instruments aussi traditionnels que l'accordéon, la flûte ou le violon met tout le monde de bonne humeur, une bonne humeur contagieuse qui vous incite rapidement à taper du pied. Certains prennent même le risque de s'avancer vers le podium, quitte à prendre un coup de tête asséné par l'un ou l'autre fan occupé de 'slammer'.
Collectif constitué de membre d'El Tatoo d'El Tigre et de The Belgian Afro Brut Association, The Internationals pratique un mélange très subtil de ska et de reggae. Son set a, en tout cas, laissé une excellente impression sous le Club Circuit Marquee.
Zita Swoon est un excellent groupe de scène. Mais sa musique passe beaucoup mieux en salle que lors d'un festival. Et puis son aventure 'A Band in a box' était tellement exceptionnelle, qu'en plein air, on a l'impression de rester sur sa faim.
Ambiance plus détendue en revanche au club circuit en compagnie des New-yorkais de Battles. Une autre très bonne surprise. Sur scène, ils manifestent une énergie incroyable. Leur rock expérimental et déstructuré est finalement parvenu à hypnotiser un public, constitué au départ d'une majorité de curieux. Certains titres épousent même une structure en crescendo comparable à celle de Mars Volta. Encore une claque !
Peeping Tom est le nouveau projet de Mike Patton. Une aventure trip hop pour laquelle il s'est entouré de grosses pointures. Et notamment Dan The Automator, Rhazel ou encore une Imani Coppola que l'on croyait depuis longtemps disparue. Pour les amateurs du style, ce sera la deuxième baffe de la journée (NDR : dixit Redouane). Dès les premières secondes de « Mojo », le public sait qu'il va avoir droit à un show de haut vol. De « Caipirinha » à « Five Seconds », le grand Patton donne le meilleur de lui-même et semble être content d'être là. Ca tombe bien, nous aussi. Néanmoins, il faut bien reconnaître que sans la présence charismatique de l'ancien leader de Faith No More (dont les fans présents en masse ont dû être déçus), la prestation de Peeping Tom serait passée totalement inaperçue. Elle ressemblerait même à celle de 10.589 autres groupes de hip hop ou de rap. Au sein de l'équipe rédactionnelle de Musiczine, les avis sont d'ailleurs partagés : certains ont apprécié, d'autres beaucoup moins.
Difficile d'émettre des critiques négatives à l'égard de Shelter. Une véritable référence en matière de hardcore à tendance straight edge. Dour n'a d'ailleurs pas son pareil pour inviter les grandes pointures du genre, trop peu souvent présentes en Belgique ou alors dans des salles trop underground comme le Magasin 4. Seuls les membres de la sécurité n'ont pas trop apprécié le show. En effet, le charismatique leader Ray Cappo a passé autant de temps à chanter sur scène qu'au sein du public, excitant encore un peu plus les quelques centaines de spectateurs avertis. Heureusement que l'East Pak Tent est solidement plantée car la flopée de groupes plus remuants les uns que les autres qui s'y sont succédés auraient pu souffler un chapiteau trop fragile…
Responsable du pogo le plus violent de cette édition, Soulfly se produisaient à la Last Arena. Habitués du festival, les Brésiliens sont parvenus à faire mordre la poussière (au propre comme au figuré) aux plus résistants. La horde de fans venus applaudir Max Cavalera et sa bande semblait en tout cas prendre son pied sur des titres tels que « Seek & Strike » ou l'inévitable « Roots ». Dur et lourd, le concert a cependant été, comme tous les concerts de Soulfly, sans grande surprise.
Question surprise, il fallait plutôt attendre Within Temptation. Non pas que leur gothic-métal soit des plus originaux, mais soyons honnêtes, la chanteuse Sharon den Adel ne laisse personne indifférent ! A l'instar d'Amy Lee chez Evanescence, son arrivée sur scène est très attendue. A sa voix douce et vibrante, sur fond de guitares tranchantes, s'ajoute une tenue médiévale au décolleté généreux, un large sourire et une chevelure magnifique. Pas étonnant d'ailleurs que les photographes se massent en frontstage et activent leur zoom dès que Sharon se penche un peu… (NDR : n'oubliez pas à ce sujet de visionner notre rubrique photos !)
Les dernières fois que Mercury Rev s'est produit en Belgique, c'était en supporting act. Et il faut reconnaître que sa prestation n'avait pas répondu à l'attente. En fait la formation yankee a besoin de temps et d'espace pour être au sommet de son art. Et vu son nouveau statut, il aurait même intérêt à refuser de jouer les faire-valoir. La plus belle preuve procède des concerts accordés à Bruges, au cirque Royal de Bruxelles et puis lors de cette édition du festival de Dour. Des prestations somptueuses, même si ce vendredi soir, il a fallu deux ou trois titres à la bande de Jonathan Donahue pour régler ses balances. Le public était absolument ravi. Et même Grasshopper, le guitariste, semblait heureux de jouer. Que demande le peuple ?
Apocalyptica est un ensemble très amusant. Un drummer et quatre violoncellistes. Peu ou pratiquement pas de chant. Leur musique est gothique. Leur attitude morose, mais leur show bourré de fun. Et c'est ce qui fait leur charme…
Bien moins agréable, et comme nous vous l'avions annoncé précédemment (cfr. rubrique 'Quoi de neuf'), la palme du concert le plus minable du festival est revenu haut la main à Fischerspooner. Odieux personnage, plus arrogant que jamais, Casey Spooner s'est contenté d'un show brouillon qu'il aura l'audace d'interrompre près d'une demi-douzaine de fois. En effet, que ce soit l'éclairage, la lumière, ou les accessoires sur scène, tout était prétexte pour retourner se terrer, mécontent, en backstage. Le show a donc pris des airs de répétition et l'ambiance n'a jamais décollée. Résultat des courses, agacé, le public n'a même pas réagi lorsque le groupe balança son gros tube, « Emerge ». Ce qui ne manquera pas de mettre Mister Spooner à nouveau en colère et l'assistance bien plus encore. Bombardé de projectiles en tous genres, notre ami a alors fait preuve d'un courage sans pareil, replongeant en coulisses une nouvelle fois pour envoyer ses deux danseuses/choristes seules sur scène le temps d'un morceau. Au final, elles assureront une bien meilleure prestation que le guignol et offriront au festivalier le seul bon moment du concert.
18 ans, l'âge de la maturité. Un seul petit regard à l'affiche suffit à le certifier. Le festival de Dour nous a servi, cette année, une édition 'grand cru' dont on se souviendra encore longtemps. Pour l'occasion, le site s'est également offert un petit lifting des plus efficaces. Le nouvel emplacement de certaines scènes et l'aménagement de l'entrée ont évité bien des embouteillages, permettant aux festivaliers de profiter pleinement de ces 4 jours de fête, de libations, de contacts humains en tous genres et, accessoirement pour certains, de musique.
Comme la tradition le veut, quelques groupes belges ouvrent les festivités de Dour. Sur la Last Arena, ce sont les Montevideo qui s'attachent à chauffer un public d'ores et déjà enthousiaste. Le quatuor enchaîne les titres en déployant une énergie qui fait leur réputation. On regrettera simplement que les interprétations de « Liberation For Women », « Groovy Station », « Sunshine », l'inévitable reprise de « London Calling » ou encore « Sluggish Lovers » suivent, à quelques exceptions près, le même schéma que lors de toutes les prestations live de la formation.
Une entrée en matière suivie d'une petite erreur de parcours. Quelques secondes sous la « Dance Hall » où les filles de The Delilahs étaient venues présenter leur pop-rock aseptisée ont suffi de convaincre la plupart des festivaliers présents devant cette scène d'aller voir ailleurs.
Peu après, sous ‘La petite maison dans la prairie’, Hallo Kosmo, le plus Allemand des groupes belges, s'est attelé à faire suer les festivaliers venus apprécier les morceaux de son premier album, « Autobahnhotel ». Mention spéciale au dernier titre de la tracklist, « The Boys », qui a mis le feu en un rien de temps et a permis aux quatre jeunes hommes de s'en aller sous les acclamations fiévreuses du public.
Pas le temps de souffler et The Whitest Boy Alive, le nouveau groupe de Erlend Oye (Kings Of Convenience), investit l'Eastpack Tent. Il ne faut pas longtemps pour que les compos du quartette provoquent un effet dévastateur. Emportée par les sons electro-pop estivaux (proches de « Unrest », album solo de Erlend Oye) de la formation, l'assistance, dans sa quasi-intégralité, se met alors à danser…
Etape suivante : le ‘Club Circuit’. Particulièrement emballé par le set de The Whitest Boy Alive, on ne pouvait se permettre de manquer le déhanché de Lisa Kekaula, venue présenter la dernière œuvre de The Bellrays. L'énergie coutumière de la jeune femme semblait l'avoir abandonnée et le set un peu trop uniforme est rapidement devenu ennuyeux. La pilule est d'autant plus difficile à avaler lorsqu'on connaît la valeur des Bellrays en 'live'.
Malibu Stacy est un groupe de scène par excellence. Il l'a encore prouvé lors de son passage sur la scène principale. Un concert bourré d'énergie dynamisé par le show théâtral du vocaliste David De Froidmont. Le sextet de Visé a, en outre, terminé sa prestation en force. Suffit qu'il parvienne à mieux lier son tracklist, un peu comme un DJ enchaîne ses disques, et le sextuor peut franchement attaquer le marché international…
Changement de scène, changement d'ambiance (c'est une habitude à Dour), retour au ‘Club Circuit’ pour y acclamer un autre groupe belge. Injustement négligés, les Fifty Foot Combo roulent leur bosse depuis 20 ans, tournant principalement dans le Nord du pays et aux Pays-Bas. Entraînant le public sur une vague surf-rockabilly, le côté décalé de leur prestation rappelle la scène garage qui a sévi aux States, à la fin des 60's ! A l'avant plan, la claviériste attire tous les regards. Excentrique, sexy, elle fait encore monter la température sous une tente dont le thermomètre doit pourtant déjà dépasser les 35 degrés.
Malheureusement, notre temps est compté, et un saut vers la scène principale s'impose. La musique d'Art Brut est aisément reconnaissable. Légère, candide et envoûtante, leur pop trahit, en outre, l'origine londonienne du combo. Au demeurant fort sympathique (NDR : pendant et après le concert), Eddie, le frontman, possède un physique très britannique. Et son accent ne l'est pas moins. Le prototype du journaliste à la BBC ! Sur les planches, il se démarque du reste du groupe qui manifeste un comportement plutôt réservé… Mais la prestation d'ensemble est rafraîchissante (il a beau être 20 heures, on a l'impression que le soleil tape toujours), et nous remémore même un tout bon concert accordé par Pulp à ses débuts, sur cette même scène, quelques années plus tôt.
Le soleil se couche lentement et les lumières commencent à scintiller sur la Last Arena. Infadels prend d'assaut la scène par un « Love Like Semtex » jouissif. L'assistance saute, danse, bouge, secoue la tête et les fesses. Bref, la vraie fête débute. Un seul regard vers la foule confirme que l'alcool commence produire ses effets. Les Anglais enchaîneront quelques titres de leur premier album, « We Are Not The Infadels » avant de servir leur excellente version electro-pop du « Steady As She Goes » de The Raconteurs.
A l'instar d'Arctic Monkeys, Maxïmo Park a prouvé une nouvelle fois qu'il avait bien sa place au sein des groupes-phares du moment. Une prestation impeccable et sans le moindre temps mort magnifiée par le très charismatique chanteur Paul Smith. Un Paul Smith qui ne manque, par ailleurs, pas d'humour. En plein milieu de son set, un énergumène est parvenu à monter sur les planches et à piquer son chapeau. Le service d'ordre n'a pas le temps d'esquisser un geste, et le gaillard replonge dans la foule. En un temps deux mouvements, Paul s'est éclipsé, laissant son groupe se lancer dans l'improvisation. Certains artistes auraient tout plaqué et ne seraient plus revenus sur scène. Mais Paul remonte sur le podium coiffé d'un autre chapeau, en profitant pour changer le titre de sa chanson « The night I Lost my head » en « The night I lost my hat ! ». Le quintet a également interprété plusieurs nouvelles chansons qui devraient donc figurer sur un prochain album.
Peut-on encore vraiment parler de 'tête d'affiche' à Dour ? Le concert de Primal Scream était très attendu et devait couronner l'affiche d'une première journée que l'on avait rarement vécue aussi consistante à Dour. Les attentes sont grandes mais tout commence très très mal : un son plutôt brouillon, des musiciens qui semblent se chercher, et last but not least, un Bobby Gillepsie qui semble avoir la gueule de bois. On craint le pire et on s'attend alors à assister à un piètre spectacle digne des frères Gallagher. Dégoûtés, de nombreux spectateurs désertent la plaine. Nous aussi. Pas de bol, puisque après une demi-heure de bouillie sonore, l'ensemble a enfin trouvé ses marques. Et d'après les échos recueillis, des titres comme "Swastika Eyes" ou "Suicide Sally & Johnny Guitar" méritaient les qualificatifs d'hypnotique voire de magique. Les plus patients ont donc été récompensés. Mais c'est également ça Dour (NDR : et les festivals en général) ; il est pratiquement impossible d'assister à l'intégralité de l'affiche et il faut faire des choix. Il faudra donc attendre le retour en salle de Bobby et sa bande pour pouvoir les apprécier à leur juste valeur.
Autre timing et autre public pour la nuit electro qui démarre à la ‘Petite maison dans la prairie’ et que le Dirty Dancing a décidé d'assiéger. Mandrak, résident du dance-club bruxellois balance un set très éclectique qui semble plaire à tout le monde, créant ainsi une ambiance bon enfant. Par contre, du côté de la ‘Eastpack tent’ Roni Size & Dynamite MC sont loin d'être dans leur meilleur forme, offrant un concert beaucoup moins pêchu qu'à leur habitude. Raison de plus, donc, pour se précipiter à nouveau vers les nouveaux quartiers du Dirty Dancing où Nathan Fake s'apprête à prendre les commandes. Malheureusement les merveilleuses compos de son premier album « Drowning In A Sea Of Love » n'ont pas l'effet escompté en 'live'. Sans rien perdre de leur côté trippant, les titres « Stops » ou encore « Grandfathered » tombent comme un cheveu dans la soupe. Des compos qui devraient cependant faire la différence dans une plus petite salle. De son côté, au ‘Club Circuit’, Erlend Oye, seul cette fois, présente un DJ set dans la veine de son « DJ Kicks », enchaînant les morceaux tout en poussant la chansonnette sur certains d'entre eux.
Pour finir, on vous raconterait bien les sets de Shameboy et Cosy Mozzy mais le seul souvenir d'y avoir été jeter un coup d'œil est, en quelque sorte, déjà une forme de reconnaissance…
Cheveux noirs, teint pâle, regard songeur, Lauren Hoffman tient la déprime en otage. Normal. A 17 ans, elle s'était fait voler la vedette par la jeune Fiona Apple. Depuis, son monde s'est renversé. Aujourd'hui, elle cherche à le retrouver. Et tous les chemins sont bons pour se refaire une santé. Le moral de Lauren au beau fixe, nous profitons d'une éclaircie dans ce regard noir pour lui poser quelques questions sur sa carrière, sur « Choreography », son dernier album. L'art d'écrire la danse se chante ici. A l'ombre des jours heureux.
Tu as commencé la musique très jeune, à l'âge de 17 ans. Quelles sont les principales difficultés rencontrées par un artiste qui commence aussi jeune ?
Pour moi, la plus grosse difficulté résidait essentiellement dans ma propre approche des choses. A l'époque, je me cherchais vraiment. Ma personnalité peinait à éclore. Parallèlement, il y avait de plus en plus de personnes qui me prêtaient attention. Cette confrontation entre la quête de ma personnalité et la sollicitude du public ne m'a pas été très favorable. Cependant, avec du recul, je pense que la clef de cette situation est davantage à chercher dans un manque de maturité.
A cet âge-là, est-ce que l'on se lance dans la musique de son plein gré ? Etait-ce ta seule volonté ?
Je dois reconnaître que mon père m'a beaucoup soutenue. A l'époque, il travaillait dans l'industrie musicale. Mais ce n'était en aucun cas son choix. La décision finale m'est revenue. Choisir d'embrasser une carrière de chanteuse n'est pas évident... surtout à 17 ans. Cependant, on peut dire que mon entourage m'a encouragée à écrire des chansons, à jouer de la musique.
Dans tes différentes biographies, on peut lire que tu étais une grande amie de Jeff Buckley. De quelle nature était votre relation ?
Une connexion très puissante existait entre nos deux personnalités. Certaines analogies de l'existence nous ont réunis. Je ne venait de nulle part et me retrouvais finalement signée sur un gros label (NDR : Virgin Records). Pour sa part, il était quasiment inconnu. Puis, soudainement, il a accédé au rang de star incontournable. Chaque fois que nous nous sommes vus, l'entente était parfaite. Mais il était si souvent sur la route... Notre relation n'en était pas moins solide. C'était mental, presque spirituel... A sa mort, une part de moi a également disparu...
Depuis 1997, tu n'as composé que trois albums : « Megiddo » en 1997, « From the Blue House » en 1999 et, sept ans plus tard, nous découvrons enfin « Choreography ». Comment expliques-tu ton retour après une absence aussi longue ?
Personnellement, je n'ai pas vraiment d'explication. C'est l'ordre naturel des choses. Et puis, quand on y pense, trois albums en dix ans, c'est exactement le même cheminement que celui de Fiona Apple. Alors quoi ? En quoi ce temps d'attente entre mes disques serait-il trop long ? Je peux vous affirmer qu'il ne s'agit pas d'une stratégie commerciale ! Après mon deuxième album, j'ai vécu une année complète de dépression nerveuse. Après cet épisode tragique, j'ai passé deux années à l'université. Suite à ce passage studieux, j'ai pris mon temps pour réfléchir, envisager des perspectives d'avenir. Pendant deux ans, j'ai composé, écrit de nouvelles chansons et cherché les meilleures façons d'aborder et de penser ma musique. Je me suis alors concentrée sur l'enregistrement de « Choreography ». Pendant un an, j'ai enregistré, réenregistré pour, enfin, arriver au résultat final. Après cela, j'ai démarché auprès de différents labels... Et nous y voilà : sept ans d'absence !
Ton nouvel album s'intitule donc « Choreography ». Quel est son sens profond ? Est-ce un clin d'œil à ces sept ans d'absence ?
La signification du titre de mon nouvel album n'a pas de lien direct avec cette absence prolongée. « Choreography » a un sens un peu obscur, difficilement saisissable à premier abord. Une des raisons d'être de ce titre repose dans sa prononciation : « Choreography », ça sonne comme « Pornography », mon album préféré de Cure. Plus largement, il s'agit d'un hommage à mon passage à l'université. Là-bas, j'ai étudié la danse, les chorégraphies et toutes ces choses qui m'ont donné l'envie de poursuivre et d'enregistrer ce nouvel album, d'être une artiste au sens noble du terme. Pour moi, « Choreography » est un mouvement dans l'espace. Je considère que c'est la même chose pour mes chansons. En appelant ce disque « Choreography », je révèle donc une part substantielle de mon univers musical.
Ton album est signé chez Fargo, un label parisien. Comment expliquer cette signature sur un label français ?
Ils ont toujours apprécié mon travail. Et, pour ma part, je suis toujours heureuse de venir présenter mes chansons en Europe. En ce sens, on peut affirmer que cette décision est naturelle. J'avais déjà entendu parler du label auparavant. Lors de précédents voyages en France, certaines personnes me disaient qu'il s'agissait d'un excellent label. Alors, quand ils sont venus me trouver en me demandant de signer mon disque chez eux... Je n'ai pas hésité !
Ton nouvel album s'ouvre sur « Broken ». Pourquoi as-tu choisi cette chanson d'ouverture comme single ? L'entrée en matière commence ainsi par un tube. Est-ce un choix conscient ?
En réalité, ce n'est pas un single ! Cette chanson est très populaire sur ma page My Space. Pour l'instant, je peine à faire sortir mon disque aux Etats-Unis. L'album vient de paraître en Europe par l'entremise de Fargo. Donc, aux Etats-Unis, il n'y a pas d'album et par conséquent, aucun single. Ici, en Europe, je ne pense pas qu'ils vont sortir un single en particulier. Mais, au final, cette décision revient au label. Les gens qui y travaillent savent ce que les gens aiment.
La plupart de tes chansons sont empreintes d'une mélancolie tenace. As-tu l'impression d'être mélancolique ?
C'est naturel d'être heureux et malheureux de façon équivalente. En fait, il existe des choses merveilleuses dans les moments les plus tristes de l'existence. C'est très paradoxal, mais parfois, je ressens une joie profonde d'être malheureuse. Cela me permet de découvrir des émotions profondes, très intenses.
Double ration pour les fans des Hurlements d'Léo. La formation a sorti ces jours-ci un album studio, "Le Temps Suspendu" ainsi qu'un disque 'live'. Et c'est sous le soleil du Festival Couleur Café que le combo a choisi de présenter au public belge ses deux dernières œuvres. Rencontre avec Laulo Kebous, l'un des deux interprètes du groupe.
3 ans se sont écoulés entre "Ouest Terne" et "Le Temps Suspendu". Qu'est-ce qui a changé entre-temps ?
On s'est posé la question de savoir si on arrêtait ou si on continuait. Finalement on a décidé de poursuivre l'aventure, mais en aménageant nos emplois du temps. Ca commençait à devenir fatiguant d'être toujours sur la route. Désormais, en tournée, on se réserve 10 jours par mois où chacun d'entre nous peut faire ce qu'il veut. Ceux qui ont des projets musicaux parallèles peuvent s'y consacrer et ceux qui ont une famille peuvent également s'en occuper.
L'album s'intitule "Le Temps Suspendu". Le temps est donc une contrainte pour le groupe ?
Exactement. C'est un peu une référence à ce qui s'est passé pendant ces 3 ans, justement.
Comment s'organise désormais le travail à 8 ?
Difficilement, mais de plus en plus sereinement.
Comment décrirais-tu cet album par rapport aux précédents ?
Encore plus éclectique, plus rock aussi, dans le ton et dans la forme.
Il y a également la sortie d'un 'live'. Entre la scène et les expériences studio, qu'est ce qui vous apporte le plus de satisfaction ?
Les deux sont agréables. Ce n'est pas la même joie en fait. En studio, c'est plus long. Tu construis un truc tranquillement avant de le découvrir. Puis, t'as la magie de la technique qu'il n'y a pas du tout en 'live'. Sur scène, c'est de l'énergie, de l'instantané. C'est comme un polaroïd. L'idée du 'live', c'est d'être là où on ne nous attend pas, de faire ce qu'on a à y faire et de surprendre.
Songez-vous à réitérer l'expérience "Un Air Deux Familles" (NDR: album de duos avec Les Ogres de Barback) ?
On va peut-être réitérer l'expérience avant les prochaines élections présidentielles de façon à inciter la jeunesse à aller prendre sa carte d'électeur et voter. Et notamment afin de ne pas voter pour l'extrême droite ou Sarkozy, par exemple.
Et si vous pouviez choisir d'autres artistes que Les Ogres de Barback ?
A premier abord, je dirais Eiffel dont le chanteur est un de nos camarades. Sinon, pourquoi pas L'Enfance Rouge, un groupe franco-italien.
Tu parlais politique. Les Hurlements d'Léo font partie du collectif "Aux Urnes etc." Est-il important que votre public se mobilise et manifeste une conscience politique ?
C'est important car aux dernières élections, il y a beaucoup de gens qui ont pris ce scrutin à la légère. On s'est retrouvé au pied du mur et le résultat a été dur à digérer. Avant les dernières élections, notre motivation était en demi-teinte. Nous nous disions qu'il ne fallait pas trop casser les couilles aux gens avec ces problèmes là. Désormais, on compose des chansons qui ont une essence et une conscience politique.
Vous voulez également donner conscience aux gens que la haine change de visage...
C'est du déguisement. Ils foutent des idées dans la tête des gens pour qu'ils se disent 'Ah mais finalement, ils ont l'air sympathiques!' Même Le Pen aujourd'hui à l'air 'sympathique'. C'est un danger, un poison auquel il faut être très attentif. La droite et toute la clique de l'UMP fait peur en France. C'est également un poison.
Tu sors le premier album de ton projet parallèle, "Kebous". Est-ce qu'il traduit un besoin d'expérimenter autre chose ou de t'évader un peu de l'aventure Hurlements d'Léo ?
T'as entendu parler de ça ? Ce n'est pas vraiment de l'expérimentation. Je suis revenu à un format un peu plus classique, style chanson française, piano-voix. Il y a trois musiciens qui m'accompagnent : mon frangin est au piano, un des mecs de Babylon Circus joue de la clarinette et Sergio Faubert de la guitare électrique. On prend une autre orientation. C'était juste le besoin d'avoir une autre formation à côté, de pouvoir faire autre chose afin de ne pas me sentir prisonnier ou fonctionnaire d'un collectif. Mais Les Hurlements d'Léo, c'est toujours une passion et je m'investis à fond là-dedans.
Tu disais au début de l'interview que vous avez hésité à continuer l'aventure. Est-ce qu'on peut dire aujourd'hui que la vie des Hurlements d'Léo sera encore longue ?
Elle sera longue et même très très longue! Bien plus que tu ne peux l'imaginer. Les Hurlements d'Léo c'est de l'amour mais également de la haine, parfois. Ce sont huit gars prêts à s'aimer et à se taper dessus à un moment donné. Mais c'est ainsi qu'on avance!
Flashback. Printemps 2004. Trois musiciens, logés à l’ombre des buildings de Brooklyn, enfantent un album intitulé « Desperate Youth, Blood Thirsty Babes ». New York crie au génie. Le reste du monde succombe. Retour au présent, « Return To Cookie Mountain ». Le deuxième album de TV On The Radio est attendu au tournant. Entre faisceaux d’électrons, ondes hertziennes, câble et autres modulations séquentielles, Tunde Adebimpe, Kyp Malone et David Sitek assurent la transmission de fréquence idyllique. Après une première écoute déroutante, « Return To Cookie Mountain » délivre son pouvoir d’attraction, laissant l’auditeur figé, ensorcelé. Comme scotché au téléviseur. Dès le générique insufflé par « I Was A Lover », TV On The Radio brouille les ondes, donnant l’impression de glisser vers une énième sornette trip-hop. Au moment où l’oreille se pose, les guitares surgissent, les chants se croisent, les samples sévissent. La grande force du groupe est ici. Au cœur du musicalement convenu, TV On The Radio diffuse ses myriades de touches atypiques.
Premier single du disque, « Province » joue la carte vocale, insolite et précieuse en ces temps guitaristiques. Rarement entendu au 21ème siècle, voici un tube ‘à voix’, un hymne sculpté sur les cendres d’Otis Redding et Marvin Gaye. Sur « Playhouses », TV On The Radio méprise les émotions, passant de la violence la plus crue à la douceur la plus tendre. Tout est contradiction. Lorsque résonne le sifflement introductif de la chanson « A Method », on s’engage sur les chemins d’un doo-wop perturbé, agité de bricolages synthétiques. Plus loin, sur « Let The Devil In », le refrain se scande telle une ultime revendication. L’album s’achève sur la longueur de « Wash The Day », huit minutes de psychédélisme post-moderne où le sitar croise l’électricité avec la guitare. « Return To Cookie Mountain » demeure un disque complexe, un enregistrement qui neutralise une expression : ‘le difficile exercice du deuxième album’. TV On The Radio s’est projeté dans le temps, décloisonnant son univers de toute part. La formation tend aujourd’hui vers l’infini, vers un point de non-retour.
Le succès du deuxième album de TV On The Radio n’est pas à l’ordre du jour. Trop en avance sur son temps. Mais l’heure du pèlerinage sonnera. Il faudra alors y revenir. « Return To Cookie Mountain » ou la prédiction de TV On The Radio.
Dans l’histoire de la musique rock, Traffic est incontestablement un des premiers supergroupes à avoir vu le jour. Après The Cream, mais avant Humble Pie. Traffic est né en 1967. Il réunit alors quatre musiciens : l'hyperdoué Stevie Winwood - devenu star au sein du Spencer Davis Group - au chant, à la guitare et aux claviers, le chanteur/batteur/compositeur Jim Capaldi, le saxophoniste/flûtiste Chris Wood et le chanteur/guitariste Dave Mason. Le quartet rencontre immédiatement le succès en commettant quelques petites perles de pop psychédélique. A l’instar de leur premier single, "Paper sun"! L'album "Mr Fantasy" sort en décembre 67. Il est suivi d’un elpee éponyme l'année suivante. Mason quitte ensuite le groupe qui décide alors de mettre provisoirement un terme à son aventure. Winwood fonde en compagnie de Clapton, Baker et Grech un autre supergroupe fugace : Blind Faith. Island en éditera un elpee posthume : "Last exit". En 1970, Traffic renaît déjà de ses cendres, sous la forme d'un trio composé de Winwood, Capaldi et Wood. Ce come-back est bien sûr ponctué d’un opus : "John Barleycorn must die". D'autres albums suivront: le live "Welcome to the canteen" et "The low spark of high heeled boys" en 71, "Shoot out at the fantasy factory" et le double live "On the road" en 73 ; sans oublier "When the eagle flies" en 74. Malade, Chris Wood décède en 1983, des suites d’une pneumonie. Traffic se reforme cependant en 1994. Et commet un autre long playing : "Far from home". L’enregistrement ‘live’ de ce "The last great Traffic Jam" date de cette époque. Il faudra cependant attendre plus de dix ans avant de voir ce disque atterrir dans les bacs. Atteint d’un cancer, Jim Capaldi est entre-temps disparu. En janvier 2005.
Le duo de base, Winwood et Capaldi monte sur les planches flanqué du bassiste Rosco, de Randall Bramblett aux claviers ou aux cuivres, de Mike McEvoy à la guitare ou aux claviers ainsi que du percussionniste Walfredo Reyes Jr. Cette œuvre est composée d’un CD audio et d’un DVD vidéo. Le CD audio s’ouvre par l'accrocheur "Pearly queen". La voix de Winwood est intacte. Profonde, puissante et riche, c’est un instrument de choix. Cette plage est une parfaite réussite. Au plus on l’écoute, on plus on y découvre, avec bonheur, de multiples surprises. Face aux claviers et aux percussions, la guitare se révèle très créative. "Medicated goo" met en exergue le talent de gratteur de Stevie. Un régal ! "Mozambique" (NDR : un extrait de l'album "Far from home" paru en 1994), fait la fête aux rythmes. Les percus ouvrent une voie royale à l'orgue Hammond qui disserte avec la guitare et la flûte. Rock, jazz et culture africaine font ici bon ménage. Empreinte de douceur, "40,000 headmen" est dédiée à la mémoire de Chris Woods. Le timbre vocal de Stevie est un véritable délice. La flûte de Randall Bramblett apporte un côté troublant à la compo. Bramblett est passé au saxophone pour l’instrumental "Glad", une parfaite démonstration de la qualité exceptionnelle de l'ensemble. La première plaque s’achève par "Light up or leave me alone", un très long fragment chanté par Jim Capaldi au cours duquel les différents solistes s’autorisent quelques escapades ; et même la section rythmique !
Le second morceau de plastique s’ouvre par le séduisant "Walking in the wood". Superbe, "The low spark of high heeled boy" est une longue compo atmosphérique caractérisée par de subtils changements de tempo que tonifie le timbre de Winwood. Les musiciens y démontrent une nouvelle fois tout leur savoir-faire. D’excellente facture, ce jazz rock divertit par ses incursions de piano, d’orgue et de cuivres. Interlude rafraîchissant, "John Barleycorn must die" est une plage folk. Une compo qui était également le titre maître d’un album paru en 1970. Plongé au sein d’une ambiance médiévale, Stevie chante en s’accompagnant à la guitare sèche. Le concert s’achève par deux morceaux incontournables. Tout d’abord le blues rock lent "Mr Fantasy", un fragment issu du tout premier elpee de Traffic commis en 1968. Et surprise, Jerry Garcia, le légendaire guitariste du Grateful Dead, est à la six cordes. Ce concert somptueux s’achève par l'incontournable hit du Spencer Davis Group immortalisé au cours des sixties : "Gimme some lovin".
En flip side, le DVD nous propose une interview de plus de 20 minutes accordée par Stevie Winwood et Jim Capaldi.
En circulation depuis trente ans, Third World n’a jamais révolutionné le reggae mais a toujours représenté le genre de manière honorable. Ce nouvel album comporte son lot d’invités de marque. Sly Dunbar, Wayne Marshall, Beres Hammond et les Français de Sinsemilia viennent prêter main forte sur quelques titres d’un album qui touche un peu à tous les styles de la musique jamaïcaine d’hier et d’aujourd’hui. Un manque total d’unité stylistique qui connaît des réussites diverses. Hormis le plus pêchu « Rise Up », les moments roots comme « Nah Sweat » ou « Black Gold & Green » manquent de substance et d’originalité. Les chansons plus proches de la soul sont bien meilleures. « Lovers In A Dangerous Time », « Butterflies and Rain », « Revolution in Her Eyes », « Runaround », « Love in the Air » (avec Beres Hammond) sont des chouettes compos où la voix chaude de Rugs fait merveille. On notera aussi la belle incursion ragga sur « Touch the Road » opérée en compagnie de Wayne Marshall. Rayon reprise, le son très léché de « Solid » est un peu hors propos et le « Fade Away » de Junior Byles est rendu dans une version digitale pas vraiment convaincante. Nonobstant quelques titres qui valent le détour, il y a donc sur ce disque, à boire et à manger…
Cette partition du compositeur attitré de Luc Besson illustre un western exposant les beautés latines de Salma Hayek et Pénélope Cruz. Le Français délaisse pour l’occasion les synthétiseurs et se paie les services d’un grand orchestre et de cuivres mariachis pour aller piocher dans les atmosphères poussiéreuses d’Ennio Morricone. C’est bien foutu mais totalement référentiel, le génial Italien ayant créé un genre tandis qu’Eric Serra se contente de le paraphraser et n’en retient que les aspects les plus évidents, comme ces notes de guitare électrique noyées dans la reverb. Anecdotique !
Depuis qu’il a quitté nos héros regrettés de Mclusky, le bassiste fou Jon Chapple semble encore plus perturbé. Vraiment à la ramasse, loin dans la forêt. Reste que, côté musique, l’homme a conservé un savoir-faire électrique à l’épreuve du feu et des critiques. Certes, ce premier véritable premier album de Shooting At Unarmed Men ne nous rendra pas la puissance viscérale de Mclusky. Mais à travers des titres à l’énergie débridée comme « Pathos Ate Pathos », « Girls Music » ou « I Cry For No Man », Jon et ces deux nouveaux trublions (Simon Jarvis et Steve Morgan) font preuve d’une rage incendiaire et communicatrice. L’envie de balancer toutes formes solides dans l’espace se fait alors sentir. Putain, merde, pas la chaîne hi-fi ! Trop tard...
Le quatrième album de Rye Coalition a failli crever dans les poubelles du label Interscope (distribué par la multinationale Universal). Après avoir frotté la manche du groupe de Ralph Cuseglio pendant des mois, la Major était parvenue à ses fins. A savoir enregistrer ce nouveau brûlot sous la houlette d’un éminent producteur : Dave Grohl (Foo Fighters/Nirvana). L’histoire aurait dû s’arrêter là. Simple, mercantile. Mais pour d’obscures raisons, l’enregistrement est resté dans les caissons. Par la grâce du label indépendant Gern Blandsten, les douze titres de « Curses » décampent aujourd’hui sur nos platines. A coups de riffs sauvages, le quintet remet les pendules à l’heure, se frayant une place au paradis des hommes électriques. Saint AC/DC, grand patron des gimmicks décapants, veille sur ces apôtres. Dave Grohl à la batterie (NDR : youpie !), toujours prêt à gueuler comme un putois à la tête arrachée, vient ainsi prêter main forte à ses activistes de la guitare tranchante. D’emblée, « Pussyfootin’ » ouvre la voie à la machette, bousculant les Datsuns, renvoyant Wolfmother aux études. Rye Coalition a la rage aux dents. Les cheveux au vent, le groupe recherche la vitesse, la turbulence, les décharges soniques. Plusieurs réussites échelonnent ce disque : « Young Yellers », « Secret Heat », « Vietnam Veterinarian ».
En bonus, Rye Coalition nous offre un DVD retraçant la conception du disque et la fouge de ses concerts. En compagnie d’un Dave Grohl hilarant, le groupe s’invite dans notre discothèque pour une heure de rock’n’roll sans concession. Comme le suggère la pochette de l’album, l’auto-stop a du bon : en route pour « Curses » !
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