Il y a plusieurs raisons d’être gêné de ne pas avoir chroniqué ce disque plus vite… Il faut d’abord avouer que l’existence de la belle Sara Tavares a toujours baigné dans la musique. Sur ce deuxième album, paru il y a quelques mois, la jeune capverdienne élevée au Portugal assure la production artistique et joue la plupart des superbes parties de guitare acoustique. « Balancê » regorge de ballades dont les sommets sont atteints sur les très beaux « Lisboa Kuya » et « Guisa ». Sentimental et indolent, le disque est raffiné par la voix d’or de Sara Tavares, qui partage sa musique entre percussions africaines et écriture mélodique plus pop. Nonobstant quelques baisses de régime et l’une ou l’autre tentation plus ‘radiophoniques’, comme le trop synthétique « Dam Bô », Sara Tavares se révèle ici son talent à l’état pur. Que dire de plus ? A découvrir, absolument…
De son véritable nom Richard Duran, Lynwood Slim est aujourd’hui âgé de 53 ans. Lors de sa tendre jeunesse, il tombe sous le charme du blues et se met à jouer de la trompette et de l'harmonica. Au cours des années 70, il quitte la West Coast et débarque à Minneapolis. Dès son arrivée, il est appelé à remplacer, au sein d’un groupe local, un certain Kim Wilson parti à Austin, dans le Texas, pour fonder le Fabulous Thunderbirds. En 1984, il commet "Soul feet", un elpee qui sera réédité en 96, sur le label Atomic Theory. Richard a la bougeotte. Il revient quelque temps à Los Angeles ; mais en 1995, il émigre à Chicago. Avant de revenir vivre au sein de sa chère Californie où il y fonde, dès 1998, le label Pacific Blue Recording Company. En compagnie de Jerry Hall. Il grave alors quelques albums d’excellente facture. Et notamment "Lost in America", un elpee également réédité. Chez Atomic Theory. En 97. "Back to back", ensuite. En 1998. Chez Crosscut. En compagnie de Junior Watson. Et "World wide wood" en 99. Un opus pour lequel il bénéficie de la collaboration, entre autres, de Marc Thijs. Il a également participé aux sessions de studio de quelques potes notoires. Et en particulier des guitaristes Kid Ramos, Junior Watson et Alex Schultz. Enfin, il a également embrassé une carrière de producteur. Il a ainsi mis en forme un album des Electric Kings.
Slim aime le swing. Dès les premières mesures de "Well Alright, OK you win", il démontre cette passion. Il est soutenu par des musiciens efficaces pour affronter ce style : Kid Ramos aux cordes, John Bazz (NDR : des Blasters) à la basse et Ron Felton aux drums. Il en profite alors pour produire un petit bijou de solo sur son harmonica chromatique. "All night long" constitue déjà le sommet de cet opus. Une composition débordant de bonne humeur. Signée Clifton Chenier, elle se mue en West Coast zydeco. A cause de la participation aux vocaux de tous les acteurs, de la guitare de Kirk Fletcher et surtout, d'une merveilleuse mandoline, pincée par Rich Delgrosso, un disciple notoire de Yank Rachell. "West baby blues" manifeste un swing naturel et feutré. Richard Innes secoue ses balais avec beaucoup de retenue pour permettre à Kid Ramos de délivrer un solo d’une infinie délicatesse et d’une sensibilité extrême. La même équipe s’attaque au "I'm tired" de Mickey Baker. Le tempo est plus dynamique. Ron Dziubia souligne bien le rythme de son saxophone tandis que le Kid s'éclate aux cordes. La douceur de l’intimisme envahit le "Nothin' but the blues" de Duke Ellington. Une plage paisible que Slim chante sur un ton cool jazz, en agitant des bongos face à la section rythmique et le saxophone raffiné de Dziubia. Ce swing naturel force l’admiration lorsqu’il chante "You're a pain". Ramos aux cordes et le bouillant pianiste de boogie woogie anglais, Carl Sonny Leyland, y excellent. Changement de cap pour "Say it!". Un blues au tempérament assez soul, caressé de chœurs vocaux vaporeux. La guitare d'Armando Cortez (NDR : des Chicago Blues Angels) est largement amplifiée et le piano de Harunobu Tsushida (NDR : un musicien des Flip Tops de Nick Moss) trépide. Nick Moss se réserve d’ailleurs ici la basse ; et sa compagne Kate, la guitare rythmique. Slim chante alors "Me, myself & I", un hit immortalisé par Billie Holliday, sous une forme gypsy jazz plus Django Reinhardt que nature. Les guitares acoustiques de Jeff Ross (NDR : un ancien soliste de Candye Kane) et de l'Argentin Gonzalo Bergara s’y conjuguent à merveille. Lynwood Slim chante le blues et souffle à nouveau dans son harmonica tout au long d’"Across the sea". Un moment très roots que j’apprécie tout particulièrement. Un shuffle léger et remarquable au cours duquel Kid Ramos, John Bazz et Richard Innes sont là, en toute simplicité, pour assurer. Sous ce même line up, ils abordent "Not your clown", un morceau pétillant coécrit par Marc Thijs et Luc Alexander des Electric Kings. Jazz et swing y font toujours bon ménage. "I'm sorry" semble sortir tout droit d'un juke box de la fin des 50s. Une ballade soul légère, empreinte de douceur. D’excellente facture, cet opus s’achève par un jazz velouté, intimiste, au cours duquel Slim chante et joue de la flûte.
Le troisième album des Radar Bros. ne s’apprivoise pas en quelques écoutes : il faut y aller prudemment, comme au charbon, puis à force de creuser ces mélodies qui traînent la patte, on y trouve son compte, l’envie d’y revenir, de se couvrir de cette nonchalance, comme une couverture chauffante. S’ils ont l’allure de musiciens à l’intellect maussade, Jim Putham, Senon Gaius Williams et Steve Goodfriend peuvent être fiers de leurs treize nouvelles chansons : poignantes, délicates et revêches en même temps, elles portent bonheur à celui qui voudra bien y voir le salut de son âme. Grandaddy est mort ? Vive les Radar Brothers ! Sauf qu’ici la pop se révèle secondaire, on parle d’atmosphère, d’état contemplatif, d’un ennui rassurant, comme un dimanche pluvieux. « We’re not sleeping » est un des titres de l’album, et c’est bien de le reconnaître. Non, il ne s’agit en aucun cas d’un disque aux mélodies replètes, qui donne le sourire ; et en tout cas ce n’est pas une raison pour bouder son plaisir… Entre slowcore à la New Year et americana à la Jason Molina, la musique des Radar Bros. ne donne pas envie de dormir, mais de faire de beaux rêves. Dont la B.O. serait peuplée de chorus languides, de refrains qui drainent de l’espoir et de souffle divin. Le disque s’écoute d’une traite, comme on avale un grog pour se donner du courage et de la contenance. Après on se sent mieux, et tout a l’air très simple... On « respire à nouveau » (« Breathing again »), les narines dilatées par la joie de se sentir en vie.
On l’a déjà écrit : les Pet Shop Boys, c’est la grande classe. Du type Depeche Mode, New Order, voire The Smiths. Un songwriting qui ne se dément pas sur ce neuvième album, le meilleur depuis « Nightlife ». Et un sens de la danse (dance) dont se revendiquent beaucoup d’électrons libres de la sphère techno actuelle (sur le disque bonus, des remixes de Michael Mayer, de Richard X, etc.). La preuve que Neil Tennant et Chris Lowe sont loin d’être des ringards, et que leur musique survivra, malgré les modes. Produit par Trevor Horn, les Pet Shop Boys reviennent ici à leurs premiers amours : les tubes synth-pop (« The Sodom and Gomorrah Show », « Minimal », « I’m With Stupid ») et les ballades douces-amères (« I Made My Excuses and Left », « Numb », « Luna Park »). Rarement Neil Tennant n’aura si bien chanté (cette voix, vespérale), d’autant qu’encore une fois les textes s’avèrent intelligents, sensibles, en lien direct avec leur temps (Tony Blair, sa politique d’immigration, le terrorisme et la paranoïa sécuritaire). Il y a plus de vingt ans que ça dure, et c’est toujours le même topo : longue vie aux Pet Shop Boys, à leur mélancolie, à leur aisance mélodique. Sans eux, Superpitcher, Air, Röyksopp ou The Knife n’existeraient peut-être pas. Imaginez comme la vie serait moche ! On l’a échappé belle.
Disque barré et militant, « Vamonos Pa’l Monte » recèle six morceaux qui marient la salsa au jazz, au funk et au psychédélisme. Le pianiste Eddie Palmieri a conçu cette œuvre au début des années 70 en guise de manifeste politique. Le message ? La lutte contre les injustices sociales qui rongeaient les U.S.A. de l’époque. Les chansons se consument dans des jams hallucinées. A l’instar de « Caminando », une compo signée par le frangin Charlie Palmieri (meneur des « Allegre All-Stars ») où les voix des ténors se noient dans des échos réminiscents du dub avant que le funk-jazz finisse par reprendre ses droits. L’opus s’achève par le bien nommé et percussif « Comparsa De Los Locos », le titre le plus délirant du lot. Un fragment chargé d’effets ‘dub’ sur les voix et soutenu par une rythmique très susceptible, encore aujourd’hui, de faire suer les dancefloors. Chek this out !
« Impeach My Bush »… A lui seul le titre du troisième album de Peaches résume bien l’affaire : on parle ici de sexe, de pouvoir, de politique, mais sans tabous ni concessions. Au placard les bienséances, le temps est à la rébellion : face à l’ordre établi et aux culs-serrés qui nous dictent leurs règles et leurs doctrines, Peaches a trouvé la parade. C’est un mélange de rock lourd, de beats surpuissants et de doigts bien levés, pour dire « Fuck you », « Fuck me », du moment que ça gicle. C’est de l’électro-punk à la sauce queer, parce qu’il n’y a rien de pire que les normes, les genres et les frontières. Autrement dit c’est de la balle, que tu enfonces bien profond dans ta tête ou ton derrière, en attendant d’être soulagé du malaise dans lequel cette société te plonge. ‘I’d rather fuck who I want than kill who I am told to’ : tels sont les premiers mots de ce disque rageur, à la gouaille libidineuse, qui prêche le plaisir dans l’action. Enregistré à L.A. dans le studio de Jeff Pecaro (le batteur de… Toto), « Impeach My Bush » se veut donc à la fois une critique impudique de notre société et la dernière confirmation qu’il n’y a rien de tel dans la vie qu’une bonne partie de jambes en l’air. « Make love, not war », mais le sexe en plus, à deux, à trois, à plusieurs, et que ça rue dans les brancards jusqu’à l’orgasme salvateur. Pour vous y aider, Peaches a mis cette fois les bouchées doubles : les riffs de rock’n’roll sont énormes, la batterie également. Et on ne parle même pas des beats, d’une précision chirurgicale. Disque brut et brutal, sexuel et rebelle, « Impeach My Bush » sonne comme le meilleur de Peaches, puissance dix. Sans doute est-ce dû au fait que la brune s’est entourée d’un vrai groupe live. En l’occurrence Samantha Maloney (Hole, Motley Crüe, Eagles of Death Metal) à la batterie, Radio Sloan (Courtney Love band) à la guitare et JD Samson de Le Tigre aux synthés. Un groupe qui n’hésite pas à y aller franco question AC/DC et Kiss. En guest, on retrouve également Joan Jett, Josh Homme, Feist et Dave Catching, pour une orgie sonique qui vaut bien l’intégrale de Chuck Berry, de Kelis et de la chaudasse Katsumi. Entre « clit rock » (« You Love It », « Get It », « Giv ‘er ») et r’n’b minimaliste (« Tent In Your Pants », « Stick It To The Pimp »), « Impeach My Bush » laissera donc votre culotte toute mouillée. Mmmm, c’est bon.
Les Oakley Hall ne sont pas des glandeurs. Deux albums en six mois, ça bosse dur dans les chaumières. Ces bûcheurs pratiquent l’exemple parfait de ce que l’on pourrait qualifier de country moderne. Country parce que le disque contient toute la palette d’instruments inhérents au style : violon, banjo, lap steel, etc. Moderne parce que ça frappe sévère. Rien d’étonnant quand on sait que le groupe a été mis sur pied par l’ex Oneida Pat Sullivan. L’album débute par un riff puissant et répétitif et l’affaire, déjà, est entendue. On y met toute sa ferveur, toute son âme. Les voix alternées de Sullivan et de Rachel Cox font merveille et les harmonies vocales sont belles à sangloter. Ce qui ne les empêche pas, à l'occasion, de salir leurs copies. Indubitablement, la troupe a privilégié la distorsion et les tonalités boueuses à la sempiternelle formule country. Le disque sera un incessant aller-retour entre les ballades arrache-cœur et un rock spacieux comme les plaines de l’ouest. « House Carpenter », puisée dans le domaine public, en est le parfait exemple. Un morceau dantesque tout en tension et accalmies dont on sort vidé. Mais Gypsum Strings est surtout un album à guitares comme on n’en fait plus guère, mis à part chez les collègues de My Morning Jacket. Et on ne s’en plaindra pas.
Les défricheurs du nouveau son (TV On The Radio, Battles) voient débouler à leurs cotés un allié de choc. Oneida, trio de Brooklyn, huit albums au compteur, vient de passer à la vitesse supérieure. Leur petit dernier, une oeuvre poétique constituée d’envolées en vrille et de phrases musicales en boucle, laisse sans voix. Touches électro, rythmique ébouriffante, superposition des voix contribuent à générer un mantra monastique du plus bel effet. Partout, le travail de guitare est minimaliste. Pas de riffs, plutôt des éclairs d’électricité déchirant un ciel obscur. Mis en orbite par un gospel du nouveau millénaire sur la nature passagère de la beauté, le disque impressionne d’emblée. « Up with People » sept minutes d’énergie jazzy-funk que ne renierait pas !!!, est foudroyant d’efficacité. Plus loin, « History’s Great Navigators », piano martelé, sitar imbibé, plaque au mur et coupe le souffle. « You Can Never Tell » qui louvoie du côté des Liars, batterie tribale à souhait et chant vaudou terrorisera les petites filles. « The Misfit » a la bossa-nova dans l’âme mais le post-punk dans le froc. Dernier assaut vers le cervelet, « Thank Your Parents », hypnotique en diable assure la fin du voyage avant d’ouvrir les yeux et de se demander où viennent de passer ces dernières 45 minutes. Un travail incroyable de cohérence. Oneida expérimente, certes ; mais n’oublie jamais d’écrire des chansons. Les fêtes avant l’heure. Happy New Year !
Epique, dans le bon sens du terme. Ce trio de Washington D.C. tire son nom d’un terme musical italien qui signifie : ‘fragment mélodique récurrent’, et ça ne nous avance guère. De la techno ? De la pop avec couplets/refrains ? Le premier titre convoque riffs pesants, voix timide et batterie ténébreuse. La suite est du même acabit, tel un mix rampant de Shipping News, d’Isis, de Codeine, de Pink Floyd (era « The Wall ») et de post-rock en berne. Intensité dramatique, catharsis électrique, dilatation nerveuse : l’esprit divague au fil de ces arpèges malsains, comme à chaque fois qu’un riff s’étire au-delà de la raison et gratte le cortex jusqu’à la débandade. C’est sensuel et violent, malingre et déroutant. En quête d’une forme musicale qui sans cesse se défile (du rock quasi instrumental), Ostinato vient de pondre un bon disque. Le troisième. Faites confiance à ces Américains : ils ne caressent pas leurs guitares dans le sens du poil, et ça donne des frissons.
En provenance du New Jersey, ces quatre touffes ébouriffées sont à l’image du monde entier : câblés en permanence sur les chaînes télé. A l’écran, les derniers clips de Green Day et Jimmy Eat World passent en boucle. A s’en décoller la rétine ! Lobotomisés, Misha Safonov (chanteur et guitariste d’origine russe), le batteur américain Dan Di Liberto et les deux Roumains, Vlad et Matei Gheorghiu, consacrent leur jeunesse à singer les riffs télévisés de leurs modèles médiatisés. Aussi, à son tour, Jet Lag Gemini pourrait-il se payer une petite gloriole. Le temps d’un gentillet single pop-punk (« Don’t Leave Me Hanging »), le groupe squatterait le téléviseur. Pop-punk ? D’ici, on voit déjà quelques crêtes vertes fluo s’hérisser... A la grande tristesse des fans des Ramones et autres Damned, les blousons cuivrés de Jet Lag Gemini sont taillés pour les charts... Cependant, ces quatre enfants ne sont pas méchants. « Business » renferme 6 titres énervés à écouter sur une rampe de skate entre un ‘ollie’ et un ‘flip’. Mais une fois la planche au placard, le « Business » peut attendre...
Est-ce qu’on à l’air de rire ? Franchement ? Ecoute mec, commence par ranger ton flingue... Reste calme. On t’écoute mec. Et c’est pas parce que t’es un ancien NWA (Niggaz With Attitude) que tu dois te la péter... Hein ? Sorry mec, on voulait dire que tu fais partie de l’Histoire du rap. Mon petit Ice, enlève ton doigt de la gâchette, s’il te plaît. Allez, on l’écoute ton nouvel album ! Hum... « Laugh Now, Cry Later », c’est quoi ce titre ? On peut rire tout de suite ? Là, tu veux savoir si on plaisante ? Evidement mec, on n’a pas envie de terminer troué comme une passoire en écoutant ton disque... Qu’est-ce qu’on en pense ? Ton septième album est un peu long, tu aurais peut-être dû revoir sa durée. Eh, c’est qu’une toute petite remarque ! Calme-toi, arrête de jouer avec ce barillet de malheur ! Quelques excellents morceaux (« Child Support », « Why We Thugs ») viennent d'ailleurs nous rappeler que t’es pas une vieille bouse. « Laugh Now, Cry Later » s’écoute à fond : action nécessaire pour faire trembler les baffles et se brûler les tympans. La puissance des beats demeure assurément ton point fort, Mr Ice Cube. Tu sais également t’entourer : Mike Epps (sur « Dimes & Micks »), Snoop Dogg (sur « Go To Church » et « You Gotta Lotta That ») ou encore WC (sur « Chrome & Paint »). On applaudira aussi ton engagement et tes prises de position face aux errances de ton président (« The Nigga Trapp », « Smoke Some Weed »). Un bel exemple pour ta descendance... Oh, du calme, on a dit descendance... Non, non, tu ne dois descendre personne... Mais tu vas le faire ? Tu ne vas quand même pas abattre un pauvre rédacteur sans défense ? Si ? BANG, BANG, BANG... « Laugh Now, Cry Later ».
Delta Groove est un label californien. Il est sans aucun doute un des plus actifs et dynamiques dans l’univers du blues, aujourd’hui. Croisons donc les doigts afin qu’il poursuive cette route le plus longtemps possible et que son boss, Randy Chortkoff, puisse continuer sa mission au service du blues. Et il est fier de ses choix, l'ami Randy! Et en particulier celui d’avoir signé les Hollywood Blue Flames. Qui viennent de commettre un nouvel opus ou plus exactement un double album. C'est-à-dire "Road to Rio" accompagné d’un 2ème elpee. Baptisé "Larger than life", ce dernier réunit des enregistrements ‘live’ inédits issus de leur première incarnation sous le patronyme de Hollywood Fats Band. Cette œuvre est également un pari, car ces musiciens militent également hors du cadre des H.B.F. et ne peuvent raisonnablement reproduire cette expérience sur les planches. Mais, l'important, c'est le blues, c'est le feeling, c'est le plaisir d'entendre ces musiciens qui véhiculent leur flamme musicale. Vous avez tout à fait raison, Mr Chortkoff! Qui sont donc les Blue Flames actuels? Les anciens, le chanteur harmoniciste Al Blake, le pianiste Fred Kaplan, le bassiste Larry Taylor et le batteur Richard Innes ainsi que le jeune guitariste noir, Kirk "Eli" Fletcher. En 2005, "Soul sanctuary" était déjà paru chez Delta Groove. Ce nouvel opus, "Road to Cairo", est le fruit de plusieurs séances d'enregistrements opérées entre 1996 et février 2006.
Le titre maître ouvre la plaque. Fred Kaplan se réserve l'orgue Hammond. La guitare de Fletcher est bien amplifiée. Al Blake chante cette plage nerveuse, très contemporaine. Kirk ne tient guère en place et ne peut attendre bien longtemps avant d'éclater dans un solo détonant. "Everyboy's blues" baigne au sein d’un blues de bonne facture. Faut dire qu’il est interprété par des serviteurs qui ont tellement d’années d’expérience. Al Blake assure les vocaux. Le tempo imprimé par Innes prend une coloration très John Lee Hooker ; une tonalité renforcée par le travail rythmique de Fletcher et le piano de Kaplan. "Coffee grindin' man" macère dans le Chicago Blues. Celui de la grande époque des 50s : très Southside. Le piano est passé à l'avant-plan. Al se met à souffler comme Sonny Boy II. Que du bonheur! Et on retrouve cette même ambiance tout au long de "Long black Cadillac". De nouveau plus contemporain, "Steady rollin' est hydraté par l’orgue. Les cordes sont généreuses. S’appuyant sur une rythmique chère à Billy Boy Arnold, la sensibilité de l'harmonica est, pour la circonstance, bien plus proche de Little Walter. Instrumental, "Gumbo grinder" date de plus de 10 ans. Interprété sous la forme d’un trio, il implique Fred, Richard et Larry ; un vrai gumbo louisianais qui sonne très New Orleans et flirte avec le boogie woogie. Al Blake chante "Gona away" en s’accompagnant à la guitare acoustique ; un blues envoûtant au cours duquel, son célèbre ami, Kim Wilson, souffle passionnément dans son harmonica. Autre instrumental, "3rd degree burn" met en exergue toute la verve et l'inventivité du guitariste Eli Fletcher, véritablement impressionnant dans son style. Al Blake s’inspire manifestement de Howlin’ Wolf pour attaquer "Let's rock a while". La rythmique est efficace. Al double la guitare et l'harmo. Tout le talent de Blake à l’harmonica éclate sur " Dr Black's boogie", un troisième instrumental brillant, puissant, au cours duquel on ne peut s’empêcher de penser à Little Walter, Junior Wells ou encore James Cotton. Chatoyant, le "Sharpest man in town" de LC McKinley implique Tom Fabre au sax ténor. Cet elpee bénéficie encore de trois bonus tracks rehaussés par la présence de Junior Watson. Ce génie des cordes a souvent été à leurs côtés. Il était probablement le seul à pouvoir rivaliser avec Hollywood Fats. Son talent, sa technique, sa puissance et sa présence. Sa collaboration est prodigieuse tout au long de "Junior's boogie rocket". Et on le retrouve, bien sûr, lors de l’adaptation du "Let me love you" de Willie Dixon et le "Honeydripper" de Roosevelt Dykes.
Le deuxième cd s’ouvre par "Fats fries one". Le changement n'est pas radical mais le son est différent. Un démarrage extraordinaire ! Hollywood Fats est au sommet de son art. Sa technique et sa vitesse d'exécution sont absolument déroutantes. Mais cette plage est un véritable mystère : pas de date ni de lieu d’enregistrement. Pas de renseignements relatifs aux musiciens en présence. Une chose est sûre : c'est bien ce diable de Fats qui est aux cordes! "Nasty boogie woogie" est une bien curieuse plage. Fred Kaplan tire son épingle du jeu au piano. Il est soutenu par Larry Taylor à la basse et John Boudreaux aux drums ; mais c'est Hollywood Fats qui chante ou plutôt présente et shoute d'une voix bien chaude. La reprise du célèbre "Sidetracked" de Freddie King a été enregistrée sur une cassette portable au Belly Up Tavern. En 1980. Le son est loin d’être hi fi ; mais les instrumentistes affichent ici une classe incomparable. Deux plages ont été immortalisées lors de l’édition 1979 du Monterey Jazz Festival. En backing band du shouter saxophoniste, Eddie ‘Cleanhead’ Vinson : "Kidney stew blues" et "Cleanhead blues". Deux superbes fragments au cours desquels les parties de saxophone et de guitare valent le détour. Toutes les dernières plages ont été immortalisées au White House de Laguna Beach. En 1980. Un concert exceptionnel qu’il aurait fallu ne manquer sous aucun prétexte. Le niveau musical flotte au-dessus de la norme. La version de "Shake rattle and roll" est de la pure dynamite. L’explosivité du guitariste fait des ravages. Fred Kaplan se déchaîne sur son vieux piano. Une plage qui vaut à elle seule l'achat de ce double album! Et je le répète une nouvelle fois, si le son n'est pas parfait, la prestation des musiciens nous entraîne dans un autre univers. Al Blake se réserve l'harmo pour exécuter le "This little voice" de AC Reed. Un autre shouter fait son entrée sur scène : Roy Brown. Il chante "Love for sale", un slow blues fiévreux et participatif, ainsi que le jump blues "Boogie woogie blues", caractérisé par la présence d’une guitare qui refuse de rendre l'âme. Ce superbe recueil s’achève par "Motel time". Fats se consacre, pour la dernière fois, aux vocaux. Un album absolument indispensable. Mais également un hommage vibrant à Michael Mann, alias Hollywood Fats, qui nous a quittés, victime d'une crise cardiaque, il y a tout juste vingt ans…
« Hormonized » constitue déjà le quatrième album de cet ensemble italo-écossais. Un trio dont le talent scénique s’est déjà exporté aux quatre coins de l’Europe. Son rock’n’roll anecdotique et sans prétention est simplement destiné à faire passer du bon temps. Et il y parvient sans grande difficulté. Si la voix du chanteur, Andy Mac Farlane, évoque celle de Billy Idol en moins racoleur, la musique puise allègrement dans le rockabilly, le surf (« Hatuey »), le blues-punk (« Hormonized ») et les atmosphères de film western (« Greasy Black Hands »). Hormis la reprise cocktail de « My Sharona », quelques compos démontrent la capacité des gaillards à écrire des chansons contagieuses. A l’instar du rock « Top Of the World » ou encore de « Swimming Pool », histoire d’un barbecue réussi (NDR : c’est-à-dire sans pluie). Bref, on nage ici en plein univers sonore ludique. Ce disque devrait donc plaire à celles et ceux qui ne jurent que par le rock hédoniste et sans prises de tête.
Le meilleur groupe beat après les Beatles. C’est ce qu’annonce le dossier de presse à propos des Kaisers, groupe écossais qui officie depuis le milieu des années nonante. Carrément. Le seul groupe beat à sévir depuis les Beatles aurait semblé plus approprié. Associé aux new-yorkais Hi-Risers, George, le kaiser en chef compte relancer la british invasion. Mais cinquante ans plus tard. Autant dire qu’il n’y a plus grand-chose à envahir. On prend donc les mêmes ingrédients et on balance la tambouille. Les guitares crépitent, la rythmique sautille et on chante son désir à la jeune fille en jupe plissée, juste là, en bas de la scène. Mais quelques chansons et regards aguicheurs plus tard, la demoiselle se renfrogne doucement devant tant de niaiseries. Du genre ‘je m’en fous de ce que les gens pensent parce que… je préfère être avec toi’. Elle finit par se dire que les Beatles écrivaient des putains de chansons, eux et qu’ils sont vite passés à autre chose. Aurait préféré un trip Backbeat, chansons d’alors mais rage d’aujourd’hui. Et se casse en compagnie d’un junkie sauvage et tatoué. Le groupe tirera peut-être son coup la prochaine fois. Dynamite ? Pétard mouillé !
C’est l’histoire d’un duo, guitare-batterie pour la forme. Un homme, une femme : un couple, un vrai. Cette fois, pas de décorum : oubliez le rouge, le blanc. Bienvenus chez The Dagons, formation de la belle Karie Jacobson et du solide Drew Kowalski. Unis par l’amour, nos deux tourtereaux explorent les strates hallucinogènes d’un blues-rock psychédélique. Ici, la fille occupe le devant de la scène. Dans l’urgence, elle égorge sa guitare, délivrant des riffs étouffés. De sa voix, elle prêche une dernière messe : gothique et romantique. Rendez-vous étrange, inattendu.
Nous sommes ici au carrefour des trips cosmiques des Fiery Furnaces (« Scylla »), d’un rock garage lorgnant du côté des White Stripes (« How To Get Through The Glass », « Reverse ») et d’un plongeon mystique digne des Faun Fables (« In Gingham », « Helium »). Véritable monde parallèle, l’univers des Dagons colporte une aura transcendantale. Bande son rêvée des défonces dominicales du gourou de la secte des lapins chiliens, la musique du duo s’inhale comme une bouffée d’air impur. Une odeur d’interdit nous chatouille alors les sinus. On y retourne. Encore et encore. The Dagons ou comment prendre goût à l’interdit.
A l’instar de « Rapattitude » en 1990 et la BO de « La Haine » en 1995, la première compile du label Hostile, sortie il y a dix ans, aura bouleversé en profondeur le paysage du rap français. Après Suprême N.T.M., IAM, Assassin et Dee Nasty, une nouvelle génération de rappeurs sortait de l’ombre, plus gangsta, plus violente, qui n’hésiterait sans doute pas à ‘appuyer sur la gâchette’ si le besoin s’en faisait ressentir. C’est le règne de Lunatik et de Booba, de Rohff, de Disiz, de Diam’s et de Sinik, aujourd’hui des stars de l’industrie du disque, qui en vendent autant que Goldman et Pascal Obispo. Pour marquer ses dix ans d’existence, Hostile a donc décidé de réaliser une nouvelle compile, censée réunir les ‘nouveaux talents’ du hip hop français. A la prod on retrouve Tefa et Masta, duo de choc à l’origine des tubes de Diam’s (« Dans Ma Bulle ») et de Sinik (« Sang Froid »), bref des types du terroir macadam, qui se sentent chez Hostile comme chez eux. Leur mission : ‘renouer avec l’esprit et la qualité artistique de 1996 !’, bref rehausser le niveau d’un rap français qui pour l’instant se cherche un peu. De cette ‘nouvelle école’, on retiendra sûrement les prestations de Sam’s et d’Eloquence, qui tchatchent comme des pitbulls en chaleur. Costaud, glacial, hostile… Pour le reste c’est faiblard, comme une mauvaise saison de la Star’Ac. Armande, reviens !
Il ne faut pas grand-chose pour réussir une soirée dansante. Du beat, par exemple, et le reste, les jambes, les bras, la tête, suivent. Vous êtes mou du bassin, victime d’épilepsie, allergique au poumtchak et la new beat de Vitalic vous tape sur le système ? Découvrez les plaisirs de l’électronique en écoutant ‘Switch’, l’émission de Jan Van Biesen, diffusée tous les vendredis et samedis sur Studio Brussel. Au menu de cette neuvième compile, encore du BPM de qualité : l’excellent « Exceeder » de Mason, « Night Falls » de Booka Shade (tiré du bel album « Movements »), « Domino » de Oxia (un pote de The Hacker, ici plutôt deep et minimal), la nouvelle sensation flamande Shameboy (Luuk Cox de Buscemi + Jimmy Dewit, le ‘Bobby Ewing’ du soundsystem Discobar Galaxy), « Beautiful Day Without You » de Röyksopp (remixé par le talentueux Rex The Dog), Ellen Allien & Apparat, Coldcut feat. Roots Manuva,… Comme d’hab’, il y en a donc pour tous les goûts. Plus besoin d’acheter les maxis des tubes techno actuels : ils sont tous là, à raison de deux/trois compiles « Switch » par an. Un maître achat pour qui aime danser et s’improviser pousse-disques.
Ecossais, mélodieux, doux et racé. La filiation avec Belle and Sebastian est inéluctable. Un certain Stuart Murdoch aurait même signé la pochette du précédent disque. Mais à l'égard de ce troisième effort, Camera Obscura sort de l’imposante ombre de ses augustes maîtres et se forge peu à peu une identité propre. Tracyanne Campbell, reine mère du projet, écrit d’intimes et tendres ballades dont les moindres inflexions lyriques, flots de cordes ou harmonies vocales sont propices à vous briser le cœur. Le disque débute d’ailleurs par « Lloyd, I’m Ready To Be Heartbroken » hommage et réponse tardifs au « Are You Ready To Be Heartbroken » de Lloyd Cole and The Commotions. Qu’elle chante d’une voix mielleuse et directe est un imparable atout pour propulser les déchirantes « Country Mile » et « Dory Previn » dans une dimension parallèle ou le spleen constituerait le dessein ultime de toute âme. Loin de s’engoncer dans des poncifs asthéniques, la troupe s’adonne également à une pop de haute volée, jamais racoleuse. Le jeu fin et retenu du groupe et la production de Jari Haapalainen ( Ed Harcourt, The Concretes mais aussi The (International) Noise Conspiracy) contribuent à enrober ces parfaites friandises que sont « Tears for Affairs », « If Looks Could Kill » ou l’appel « I Need All The Friends I Can Get ». Ca tombe bien, je suis disponible en ce moment...
L’égoïsme, le racisme, l’intolérance, la drogue, l’alcool, le proxénétisme, l’industrie du disque, le snobisme, le capitalisme, l’obscurantisme, la misère sociale, la frime, l’adoption, la drague, le gangsta rap, le marketing, l’argent, l’indifférence, le chômage, l’amitié, la guerre, l’amour et Starflam : pour son premier disque solo, Akro se pose en bon samaritain de la plume versatile, prêt à donner de sa voix pour jouer au grand frère modèle, dans un monde où, pour citer NTM, ‘tout n’est pas si facile / tout ne tient qu’à un fil...’ Le Liégeois parle d’expérience : il a connu chez Starflam les remises en question, le succès et les critiques faciles. Objectif de cette escapade en solitaire : mettre les points sur les ‘i’, en tapant fort dessus pour que le message atteigne bien sa cible. Aux beats et aux scratches, DJ Mig One, et derrière le mic’ des invités triés sur le volet : Roldan d’Orishas, Buckshot et Steele de Boot Camp, Christa, Sandrine Collard, James Deano (avec M.A.X.), Bienvenu (sans Sonar) et, cerise sur le gâteau, le Starflam Crew, sans Balo, parti bivouaquer chez les Flamands d’Arsenal… Si dans l’ensemble Akro parvient à tirer son épingle du jeu hip hop par la fluidité de son flow et une écriture qui sans cesse s’affine, le rappeur de Tox City tombe parfois dans les clichés dont il pense être lui-même le pourfendeur. « Paradoxe » est justement le titre d’un des morceaux présents sur cet album ; et à force de se prendre pour le mec qui a forcément raison, Akro passe surtout pour un donneur de leçons (ça rime). En fin de compte, on préfèrerait l’entendre rapper sur des textes qui ne pointent pas sans cesse du doigt les carences de notre système et les turpitudes de notre race humaine : ça nous ferait des vacances. L’homme, un loup pour l’homme ? Sans blague couzin !
Dernier jour. Déjà. Sniff. On souhaiterait que ce festival exceptionnel dure éternellement mais comme le veut l'adage : 'toutes les bonnes choses ont une fin…' Saloperie d'adage…
13h. Nick Oliveri et son Mondo Generator prennent d'assaut la Main Stage. En grande forme, l'ex-Queens of the Stone Age hurle au micro ses dernières compos, issues de l'EP « III » ainsi que des titres de son ancienne formation. Rien de transcendant… Ce qui ne sera pas le cas de Midlake, énième bonne surprise de cette édition du Pukkelpop. « The Trials of Van Occupanther » est une petite merveille scénique. Comme quoi, y a pas des ploucs au Texas. On en oublie même la Joan. Celle qui se prend pour une 'fliquette', en s'égosillant au Club. On s'était pourtant promis d'aller lui faire un petit coucou… Tant pis !
Les cieux s'étaient retenus trop longtemps. La musique des Eagles Of Death Metal ne devait pas être à leur goût. Car c'est lors de leur concert qu'ils ont choisi d'ouvrir les vannes. Pourtant, leur set n'était du tout désagréable. On s'était même permis de chanter à tue-tête « I Only Want You », « Speaking In Tongues » et « I Want You So Hard (Boy's Bad News) », en essayant désespérément d'esquiver les gouttes. En vain.
Le club s'est donc improvisé abri de fortune pour de nombreux festivaliers mais notre présence était surtout motivée par le prochain et très attendu concert de ce chapiteau : les subjectivement merveilleux Cursive. Ces derniers figurent parmi ces groupes qui balancent toute la sauce en 40 minutes. En outre, ils n'ont pas besoin d'en remettre une couche pour conquérir le plus récalcitrant des publics. Le groupe dispense ses meilleurs morceaux d'une traite, avant de se retirer sagement, quittant les spectateurs, pour la majorité heureux et satisfaits. 'Que du bonheur !', comme ils disent…
Et du bonheur, il n'a pas fini d'en pleuvoir. Ca tombe bien, le ciel est à nouveau au beau fixe. Etape suivante : s'installer sous le Marquee et ne pas en bouger avant l'arrivée des dieux du jour. Non, pas Daft Punk. Les vrais dieux du jour : !!! (!). Excité comme une puce, le public attend sa décharge d'electro-funk orgasmique. Ils débarquent sur scène. Déjà, c'est la folie. Partout, sous le chapiteau, on danse et on sautille. Les sourires sont sur toutes les lèvres. Les nouveaux messies, dans une forme olympienne (comme d'habitude), enchaînent les rouleaux compresseurs. Une version survitaminée de « Pardon My Freedom », un « Intensify » encore plus intense que le titre ne l'indique, un tout nouveau tout beau « Sweet Thing » (ou un truc du genre) et un « Dear Can » en apothéose. Plus jouissif qu'une partie de jambes en l'air. D'ailleurs nos guiboles en tremblent encore. Vivement leur retour.
Pas grand-chose à se mettre sous la dent après cette intervention divine. On en oublierait presque le passage de Panic! At The Disco sur la Skate Stage. Pratiquant de l'emo-pop, le nouveau genre qu'il est cool de détester, la formation était venue présenter l'album « A Fever That You Can't Sweat Out ». Un disque que d'aucuns (n'est-ce pas Massimo ?) auront carrément taxé de 'début de la fin de la musique'. Ceux-ci n'ont manifestement pas écouté Fall Out Boy. Cependant, on n'attendait pas grand-chose du combo qui a effectivement rempli son 'contrat-fadeur' sur scène. Si certains (oui, oui, j'avoue) apprécient l'un ou l'autre morceau sur disque, ce live misérable aura balayé leurs dernières illusions. Allez, on s'en refait un petit dernier ? Ok : cheminement mental d'un festivalier appréciant Panic! At The Disco et souhaitant les voir malgré l'avertissement de ses potes :
1/ Il prend leur défense avant de se rendre à la Skate Stage : 'Mais qu'est ce que vous leur reprochez, bordel ???'
2/ Il observe religieusement le début du concert. Quelle chance, ils jouent d'abord sa chanson préférée. 'Mais qu'est ce qu'ils leur reprochent, bordel ???' répète-t-il ?
3/ Après celle-ci, ses jambes commencent à devenir lourdes. Ses paupières davantage.
4/ Il se dit 'Bon. Il n'y a pas grand chose qui se passe...'
5/ Quelques morceaux plus tard, il s'en va déçu. Il est surtout écoeuré de donner raison à ses potes. Une véritable remise en question de ses goûts musicaux s'impose, de toute urgence.
Et Arctic Monkeys ? Ils se défendent pas mal les petits, là-haut, sur la Main Stage. Pourtant, il est bien plus agréable de les voir se produire dans une petite salle. Ici, les compos n'ont pas l'effet escompté et le résultat est d'une platitude à se jeter sous un train. On leur préférera donc le set electro tonitruant de Justice sous la Boiler Room qui, vu le brio du duo, portait son nom à merveille.
Paraît qu'il pleut à nouveau. Pas grave, on est à l'abri sous le Marquee, prêt à recevoir Karen O et sa paire masculine. A l'arrivée, petite déception. Décidément pas très couillus en live, les Yeah Yeah Yeahs nous refont le coup de leur show au Botanique. Alternant un peu trop souvent chansons pêchues et moments plus calmes, on ne sait pas trop sur quel pied danser. La formation a la mauvaise habitude de faire grimper la tension pour la relâcher immédiatement après. Pas très judicieux.
Tant pis, on finira leur set au Club, du côté des Hot Chip. Et bon dieu, quelle merveilleuse idée ! Habituellement fadasses en live, le combo a prouvé qu'il ne faut jamais se fier aux apparences. C'est effectivement devant un public réduit qu'il donne le meilleur de lui-même. A commencer par la démonstration de son capital dansant sur le single « Over & Over ». Une tuerie ! L'euphorie est à son paroxysme lorsque le groupe enchaîne par « No Fit State » (et ses vocalises à la Chris Martin (!)). Comment ça, déjà fini ? Aaargh, Karen O, je te hais. Tant pis. De toutes manières rendez-vous est pris le 1er octobre à la Rotonde du Botanique, en comité encore plus réduit ! Tous en chœur : 'Who said party ?'
L'abus d'alcool nuit à la santé. Et à la mémoire. Par conséquent, tout ce qu'on pourrait vous rapporter des prestations de Broken Social Scene et de Erol Alkan serait monté de toutes pièces.
Place enfin au second et dernier gros dossier de cette édition. La foule attend impatiemment les deux hommes aux combinaisons de robots. Le retard s'accumule. La tension est palpable. Soudain, la pyramide de lumière déployée à l'arrière de la scène s'éclaire. Les basses sont littéralement crachées hors des baffles. « Robot Rock » fait son effet. L'intégralité de la foule se laisse aller. De l'avant scène jusqu'au fond de la plaine, personne ne résiste. Sur le podium, tout ce que l'on distingue de Daft Punk, ce sont deux ombres postées devant un light show époustouflant et derrière une gigantesque table de mixage. Etrangement, on a comme un doute sur l'utilité de cette dernière. Les titres s'enchaînent à une vitesse déconcertante. La foule est dans un état second et ne se doute à aucun instant du leurre. Petite devinette : Guy-Manuel de Homen Christo et Thomas Banglater participent à un festival. Guy-Manuel s'écroule à terre, mort bourré. Qui reste-t-il ? L'imposture n'aura cependant rien retiré à l'excellence du show. De « Da Funk » à « Aerodynamic » en passant par le Para One Remix de « Prime Time Of Your Life », le (faux) duo a transformé la plaine de Kiewit en gigantesque Daft Club. Jubilatoire.
Et voilà. Trois jours de pur plaisir inoubliable touchent à leur fin. La larme à l'œil, on démonte la tente avant de se mettre en route vers la gare. Dernier regard en arrière puis retour à la réalité. L'horrible réalité. L'affreuse et sordide réalité…
Après une première journée sans répit, on reprend nos esprits. Mais à voir ce qui nous attend, on n'est pas encore sorti de l'auberge... (R.S.)
A peine endormi qu'il faut y retourner. Pas de temps à perdre. Archie Bronson Outfit ouvre le bal à 11h30. Ouf ! Le ciel est toujours aussi clément que la veille. On court donc vers la Marquee en maudissant le mec de la tente de droite et ses ronflements incessants. Sans oublier les deux pipelettes de celle de gauche (mais non, Max et Nico, je ne parle pas de vous. Quoique…) Archie Bronson Outfit ou le repas le plus important de la journée. Une bonne dose de « Cherry Lips », un délicieux bol de « Dead Funny » et quelques gouttes de « Dart For My Sweetheart ». Vous reprendrez bien du « Derdang Derdang » ? Pour notre part, ce ne serait pas de refus.
Requinqués, un large sourire aux lèvres, on attend impatiemment l'arrivée au Club de Psapp. Avez-vous déjà vu un chat attraper une pelote de laine, se mettre à tricoter des pulls et des chaussettes ? Faites donc écouter « The Only Thing I Ever Wanted » à votre petit chaton, vous allez halluciner... Grands gamins dans l'âme, Galia Durant et Carim Classmann s'amusent à faire de la musique amusante à l'aide d'instruments amusants. Là, je viens de griller l'intro de l'interview à paraître sur Musiczine ! (NDR : évidemment, ceci n'est pas de l'autopromo...) La scène prend des allures de cours de récré : dans un joyeux bordel organisé, la formation présente quelques titres de ses deux albums. Malheureusement, le temps est compté. Et 35 minutes plus tard Psapp et leurs 'sock pupetts' se retirent sur un chat-leureux « Everybody Wants To Be a Cat », tiré d'un film de Disney dont vous devinerez assez facilement le titre…
Toujours sous Club démarre quelques instants plus tard le show très attendu des anachronismes ambulants, The Pipettes. Gwyneth, Biquette et Roquette... euh... Gweno, Becky et Rose sont trois charmantes demoiselles se prenant pour les Chordettes ou les Ronettes. Ou presque. Leur accoutrement et leurs pas de danse se mariant parfaitement à la saveur désuète de leurs compositions, on ne peut s'empêcher de sourire et de danser comme des tapettes sur « Your Kisses Are Wasted On Me » ou « Pull Shapes ». Comme dirait l'idole des jeune(tte)s, 'on a tous quelque chose en nous de sixties' (ou un truc du genre)... On peut le dire : les Pipettes, c'est chouette (ça, c'est de la rime, dit-il, presque fier de lui) !
Chers lecteurs, si l'un d'entre-vous peut entrer en contact avec l'un ou l'autre membre de White Rose Movement, auriez-vous l'obligeance de lui ordonner de ramener illico les fesses de sa troupe dans notre petite contrée ? Comprenez : un aller-retour au camping peut être fatal. Vous vous dites d'abord que vous allez simplement chercher rapidement telle ou telle babiole sous la tente. Mais vous finissez par vous installer pour manger un bout, sans prendre garde au temps. Et là, c'est la catastrophe. Aucun You Say Party ! We Say Die ! ne pourra vous venir en aide... Vous avez bel et bien manqué un concert que vous vouliez absolument voir… Dammit !
On vous le disait déjà dans la review du jeudi, la moustache, c'est vachement hype. Si, en plus, vous faites de l'electro qui déchire, là, vous êtes indéniablement une icône. Ce n'est pas Jesse Keefe qui dira le contraire. Après avoir mis la clef sous la porte de Death from Above 1979 (le con), l'homme se consacre aujourd'hui entièrement à son projet MSTRKRFT (répétez après moi : Maaaaasteeeeer Kraaaaaft). Et il n'a pas tort, le salopiaud, parce que c'est tout aussi bon. En DJ set sous la Dance Hall, le duo a entremêlé sans relâche pendant deux heures les tueries remixées de Daft Punk, Annie et autres Juan McLean. C'était tellement bon que certains ont fini par ignorer la prestation de Carl Barat et ses potes. Oui, à ce point ! On en bave encore.
Ta-Dah ! Finalement Jake Shears a tout faux lorsqu'il chante « I Don't Feel Like Dancin' ». On pensait lui donner raison vu la programmation du show des Scissor Sisters sur la Main Stage. Même pas ! Que ce soit sur une petite ou une grande scène, le groupe parvient à foutre le feu. Sans faire le moindre effort. Il faut dire qu'avec des scuds comme « Filthy/Gorgeous », « Take Your Mama », « Comfortably Numb » ou les extraits du prochain album, ils n'ont aucun souci à se faire. Who said party ?
The Spinto Band (ou The Spino Ban pour les intimes) se présentent telle une bande de joyeux drilles. Egalement une des (nombreuses) bonnes surprises de ce festival, malgré un problème technique privant momentanément le Club de son. Mais rien de grave : la formation improvise quelques petites danses. Histoire de distraire son public avant que le jus inonde à nouveau les câbles d'alimentation. D'une présence scénique impressionnante, les six rejetons ont fait valoir leur dextérité, démontrant qu'ils sont loin d'être une bande d'amateurs. Puis, nous sommes privé de Blur et de Pulp depuis tellement longtemps… Et comme Weezer est mort, on ne leur dira qu'une chose : Nice and nicely done !
Faut pas se leurrer. Si Jack White ne faisait pas partie de The Raconteurs, le groupe n'aurait jamais intégré la programmation sur la Main Stage. Au Club, tout au plus. Cette reconnaissance est néanmoins méritée car, sans Brendan Benson et les ex-Greenhornes, Jake White, en solo, n'aurait peut-être pas obtenu sa place sur le grand podium. Au Marquee, tout au plus. Ce sont donc des entités complémentaires et de sacrés musiciens qui se sont produit devant un public emballé, reprenant en chœur « Steady As She Goes ». Rien d'exceptionnel mais un show assez entraînant.
Ah Ah Ah, la bonne blague ! Paraît que les mecs de Keane ont reporté leur tournée américaine. Prétexte : Tom Chaplin, le leader de la formation, doit entrer en cure de désintox vu son léger penchant pour les drogues et l'alcool. Comme quoi, il ne faut pas se fier aux têtes d'innocents. Sans vouloir être mesquin, à voir leur show laborieux, on le comprend. Faut bien un petit remontant de temps en temps pour assurer comme il le fait, sans avoir les paupières lourdes. Il a donc du mérite, le petit gars.
'Que tous ceux qui ont affirmé que TV On The Radio n'était pas leur tasse de thé ferment leur grande gueule', dit-il en se faisant tout petit. La baffe. Que dis-je ? Le poing dans la tronche ! Cheminement mental d'un festivalier peu convaincu par TV On The Radio (version courte) :
1/ Il se dit 'Putain, c'est nul'.
2/ Au bout de trois chansons, il s'emporte : 'Bon, j'me casse, vais voir Ministry'.
3/ Un confrère mieux avisé (merci à lui), lui ordonne de rester. Comme il n'est pas trop difficile, le garçon, il obéit.
4/ Quatrième morceau : la révélation.
5/ Plus tard, pendant l'orgasmique « Staring At The Sun », il se souvient : 'Quelle honte, j'ai failli partir !' et remet véritablement en question ses goûts musicaux.
Maintenant, en voilà un qui réfléchira à deux fois avant de dire des conneries.
Bizarrement, après le set splendide de TV On The Radio, plus rien n'a de goût. Devant Massive Attack, on s'emmerde ferme. Devant Dave Clarke, on se fait chier grave. Devant Roni Size, on s'endort carrément (après avoir tenté de danser un chouïa... Quand même !). Conclusion : retour au camping pour une nuit de sommeil bien méritée. Et si le mec d'à côté ronfle encore, ce sera sa dernière nuit sur terre.
R.S.
Pour la deuxième journée les choix alternatifs se sont, davantage encore, révélés cornéliens ; car se n'est pas en deux qu'il aurait fallu se couper, mais en quatre… (B.D.)
Fondé en 1995, The Dears ne compte plus en son sein qu'un seul membre originel : Murray Lightburn. Normal, puisqu'il compose, chante et joue de la guitare. On devrait même dire des guitares, puisqu'il en change à chaque morceau. Quoique noir de peau, Murray possède une voix dont le timbre nonchalant évoque tantôt Morrissey, Damon Albarn ou encore David Bowie. Il interprète des chansons mélancoliques dans un style presque britrock. Etonnant pour un groupe canadien dont le line up implique également une excellente section rythmique, mais souffre du concours d'un deuxième guitariste plutôt limité (NDR : c'est le pote à Murray !) et de deux claviéristes/choristes en guise de tapisserie. En particulier la très jolie et sexy Valerie Jodoin-Keaton. Elle participe généreusement aux harmonies vocales, certes ; mais on se demande quand même si son clavier est branché. Par contre, Natalia Yanchak est un peu moins effacée. Elle partage même un duo pour « The death of all romance », en compagnie de Murray et s'investit davantage dans les chœurs. Elle assure le minimum syndical. Mais pas de stress pour elle cependant. En effet, dans le civil, elle est également l'épouse du leader. Le plus étonnant, c'est que ces Dears soient parvenus à accorder un set d'honnête facture. Et dans ces conditions, c'est une performance !
Les Baby Shambles ayant fait faux bond pour la énième fois, les aficionados des défunts Libertines attendaient les Dirty Pretty Things avec une impatience décuplée. Le concert des Dears n'était pas encore terminé que ces fanatiques commençaient déjà à bousculer les spectateurs des premiers rangs pour se réserver une place de choix au pied du podium. Cinquante minutes avant le début des hostilités ! N'importe quoi... Surtout que la bande à Barât était complètement pétée. Pas à la dope, mais à l'alcool. Imaginez donc un groupe qui d'ordinaire pratique une musique parfaitement crade, au son sale, déglingué et vintage, soit dans un état plus qu'imparfait. Je vous laisse le soin d'en tirer les conclusions. Parce qu'après trois morceaux, on ne se faisait plus d'illusions, on s'est tiré, sans attendre les conclusions…
A force d'entendre dire du bien des Dresden Dolls, il semblait judicieux d'aller voir leur spectacle. Il sont deux : la chanteuse/pianiste, Amanda Palmer, et le drummer - circonstanciellement guitariste et vocaliste - Brian Viglione. Issus de Boston, ils pratiquent une sorte de cabaret punk brechtien. Ceci expliquant leur look. Elle, culotte en dentelles, porte-jarretelles et bas rayés. Lui, chapeau melon et figure peinte en blanc. En montant sur les planches, ils jettent des fleurs au public. Et puis se lancent dans un répertoire oscillant entre ballades fiévreuses et rock gothique. Lui joue de la batterie à la manière de Bill Ward du mythique Black Sabbath. Elle, ne tient pas en place derrière son clavier. Assise sur un banc souple, qu'elle enjambe régulièrement, elle caresse un instant ses ivoires avant de les marteler comme une possédée. En chantant d'une voix dont le timbre oscille entre Marlen Dietrich, Lene Lovitch et Siouxsie Sioux. L'énergie dispensée par les Dresden Dolls est inouïe. Au beau milieu de leur show, Brian - armé d'une sèche - et Amanda - rien qu'au micro - interprètent leur incontournable reprise d'« Amsterdam » de Brel. Si sur disque, et en particulier sur leur dernier album, « Yes, Virginia », leur musique manque de punch ; en 'live', le duo est franchement impressionnant. Un grand moment du festival !
En 1995, les Frames s'étaient produits au festival Cactus de Bruges. Et il faut reconnaître que leur prestation n'avait guère convaincu. Depuis, la formation irlandaise semble avoir mieux équilibré sa setlist. On entend le violoniste. Excellent par ailleurs. Les mélodies sont contagieuses. Le public reprend très souvent les refrains en choeur. Et Glen Hansard, le chanteur compositeur, semble d'excellente humeur, plaisantant même régulièrement avec son public. Chassez le naturel, il revient au galop : en fin de parcours, les Frames sont retombés dans leurs travers, diluant les morceaux dans une monotonie suscitant rapidement l'ennui. Une fin en queue de poisson (NDR : évidemment pour des Irlandais !)
Afghan Whigs n'est plus, vive Twilight Singers. Cependant, il n'y a guère de différence entre les deux formations, puisque c'est toujours Greg Dulli qui s'y réserve le chant, la guitare, épisodiquement le piano et, surtout, la composition. Mais si la voix râpeuse, écorchée, dramatique de Greg continue d'abraser ses chansons rock-rythm'n blues-soul, son répertoire actuel n'a plus l'intensité d'un « Fountain And Fairfax » de « When We Two Parted » ou encore d'un « Gentlemen », issus de l'album du même nom. Sans oublier « Going To Town », voire « I'm Your Slave ». Sauf lors de ses reprises, exercice de style au cours duquel il continue d'exceller. Les premiers titres du set sont plutôt inconsistants. En outre, le guitariste finit par agacer, empruntant systématiquement les riffs cosmiques immortalisés par David Gilmour dans « Echoes ». Et puis soudain, Mark Lanegan débarque. Le temps de deux morceaux, la magie commence à opérer ses charmes. Grâce, entre autres, à son baryton profond et charismatique, capable d'envoûter une foule entière. Et lorsqu'il se retire, le public continue de suivre le show des Twilight Singers, espérant secrètement qu'il revienne. Mais il n'est jamais réapparu… Au fait, le prochain concert de Lanegan, c'est pour quand ?
Quelques mots quand même de la scène Wablief ? réservée aux formations du nord du pays sur laquelle se produisait la formation la plus sous-estimée de Flandre : Perverted. A l'origine baptisée Perverted by Desire, elle a réduit son patronyme, lorsque deux des membres fondateurs ont abandonné le projet. Depuis, le groupe continue son petit bonhomme de chemin. Aujourd'hui, on peut d'ailleurs parler davantage d'un projet que d'un groupe, puisque lors de l'enregistrement de son dernier album « Rope skipping for flies », Genius U, chanteur, guitariste et compositeur, a fait appel à une multitude de collaborateurs pour aboutir à un opus âpre, complexe, éclectique. Valsant du post industriel au funk blanc, en passant par la world, le reggae ou le psychédélisme. Sur scène la solution sonore est aussi expérimentale. Pour la circonstance, il a même invité quelques vocalistes, dont une chanteuse, qui, tour à tour, viennent donner de la voix…
Ministry ? Ben, on n'a vu que la fin. Pour les mêmes raisons invoquées quelques lignes plus haut par Redouane. Les dix dernières minutes. Après la claque que nous avait assénée TV On The Radio. Avant de reprendre la route. Juste pour nous convaincre d'avoir fait le bon choix. Et manifestement, c'était un bon choix.
B.D.
‘Des perturbations sont à prévoir sur l'ensemble du pays’... Et mon cul, c'est du poulet ? Craignant la drache nationale, les festivaliers sont arrivés encombrés de vestes d'hiver, de parkas et autres parapluies, sur la plaine de Kiewit. Personne n'avait prévu que les dieux aussi étaient des festivaliers mélomanes. C'est donc sous un ciel très rarement capricieux, voire exceptionnellement clément, que les milliers de 'Pukkelpoppeurs' (qui a dit poppers ?) ont pu profiter de trois journées tout aussi exceptionnelles. (R.S.)
Les seules véritables perturbations sont arrivées là où on les attendait. En effet, après avoir chamboulé la programmation et l'ordre de passage sur la Main Stage, la prestation des Babyshambles a d'abord été reportée à 00h30 au Marquee pour être, sans surprise, annulée quelques heures plus tard. Ce sacré Pete aurait eu des problèmes de passeport. ‘Et mon cul, c'est du poulet ?’, redit-il d'un air incrédule.
Les affreux Animal Alpha ayant été déplacés sur la Main Stage, c'est My Latest Novel qui ouvre les festivités de ce paradis indie. A peine sommes-nous arrivés sous le chapiteau que « Sister Sneaker Sister Soul » nous enveloppe dans un voile de bien-être. Déjà, on pressent que cette édition s'annonce hors normes. Les membres de My Latest Novel prouvent sur scène que leur formation ne constitue pas qu'une vulgaire et énième copie de The Arcade Fire. Par ailleurs, les organisateurs ont eu l'excellente idée de faire suivre My Latest Novel par les Guillemots. Combinaison parfaite. Ces derniers ont su imposer leur pop indie à un public très nombreux, étonnement motivé, reprenant même en chœur les singles « Train To Brazil », « We're Here » ou « Made Up Love Song #43 ». Un set tout aussi bon que celui livré, en mars dernier, à l'ABClub, en première partie de We Are Scientists. Par contre, ceux-ci, qui jouaient également sous la Marquee quelques heures plus tard, n'ont pas été aussi convaincants... La faute à notre ami moustachu (c'est vachement hype la moustache), Chris Cain, qui n'a pas été aussi loquace et drôle que la dernière fois. Alors quoi ? Pas assez de bière en backstage ? « You Say Party ! » dit-elle. Ce à quoi on rétorque « We Say Die, Bitch ! », un large sourire moqueur aux lèvres. You Say party ! We Say Die ! fait partie de ces formations indispensables lors de manifestations comme le Pukkelpop, permettant au public de vaquer tranquillement à d'autres occupations plus intéressantes : se nourrir, dormir, faire un tour aux chiottes ou, encore, préparer son stock de cigarettes améliorées. Ils permettent également, sans devoir opérer de choix douloureux, d'aller observer ce qui se passe sur d'autres scènes. Celle de la Dance Hall, par exemple, où le belge Jerboa fait danser la foule sur ses beats calibrés, entre hip-hop et trip-hop. On ne peut donc que remercier You Say Party ! We Say Die ! d'être aussi inconsistant.
Les Anglais de Gomez ont ouvert leur set par un « Get Miles » des plus psychédéliques. Pourtant, ils ne laisseront pas un souvenir impérissable à leur auditoire. Partagé entre les morceaux de « How We Operate » et du futur « Best Of », le concert souffre de quelques moments de flottement, conférant à l'ensemble une dimension plutôt soporifique. Pareil du côté du Club, où The Dead 60s enchaînait statiquement les titres de son album éponyme. On saluera néanmoins la conviction et les tentatives de Matt McManamon, chanteur et guitariste de la formation, pour faire bouger un public tout aussi statique. But atteint par la grâce du single « Riot Radio ». Ici, l'assistance se permettra quelques (re)bondissements.
Par contre, pas de chance pour les Infadels. Malgré sa motivation évidente et une set list à peu de choses près similaire à celle de Dour, la formation n'est pas arrivée à reproduire les mêmes vibrations festives que lors de ce dernier concert. Dommage. Ensuite, sous la Marquee Orson nous refait le coup de You Say Party ! We say Die ! Ça tombe bien, on avait faim.
Premier choix cornélien à opérer. The Magic Numbers ou The Knife ? Le duo familial étant déjà venu plusieurs fois en Belgique (et sera certainement de retour durant la saison prochaine), on opte pour les Suédois dont les apparitions live restent beaucoup plus rares. Un choix bien judicieux !
The Knife, c'est la fin de l'innocence. Entre la sortie de « Deep Cuts » et celle de « Silent Shout », Mickey n'est plus qu'un vulgaire rat d'égout, Cendrillon s'est rebellée avant de s'ouvrir les veines, Blanche-Neige est morte d'une MST et la petite sirène, junkie finie, n'est plus que l'ombre d'elle-même. Les coeurs ont cessé de battre. Derrière un voile aussi sombre que le set qu'ils entament, les deux silhouettes masquées envoûtent la foule en enchaînant les perturbants « The Captain » et « We Share Our Mother's Health », précédés par un « Pass This On » quasi-méconnaissable, si ce n'était pour son gimmick. Un jeu de lumières et un visuel ahurissants sont déployés sur scène. On retiendra plus particulièrement le bouleversant « Marble House » et l'apparition de l'énorme visage en 3D d'un Jay Jay Johansson interprétant mélancoliquement le titre en compagnie de Karen Dreijer Andersson. The Knife a probablement offert au public, venu les applaudir, l'un des sets les plus authentiques et troublants du festival.
Evidemment, avec une mise en scène pareille, on ne s'attendait pas à voir débarquer José Gonzàles pour pousser la chansonnette sur « Heart Beats ». Par contre, le jeune homme ayant joué plus tôt dans l'après-midi, il aurait été inconcevable qu'il n'apparaisse pas aux côtés de Zero 7 puisqu'il prête sa voix à quelques titres de « The Garden ». Bon, évidemment, le mot 'inconcevable' est un peu fort. Après tout, les Deftones ont bien joué deux fois avant Tool à Werchter, sans que Maynard James Keenan ne se joigne à eux… Les cons. Au moins, Zero 7 sait ce qui plaît à son public et ne joue pas les avares. C'est donc en compagnie de José Gonzàles mais également de l'indispensable Sia Furler, réincarnation scénique de Roisin Murphy, que le duo balance un set reposant à souhait. C'est d'ailleurs les paupières lourdes qu'on se dirige ensuite vers la Marquee.
Cheminement mental d'un festivalier peu convaincu par My Morning Jacket mais qui décide d'aller les voir étant donné l'annulation du concert de Regina Spektor :
1/ Il regarde de travers les fans du groupe en se posant des questions sur leurs goûts musicaux.
2/ Il se dit 'j'irais bien voir Dr. Lektroluv' mais tombe sur une connaissance et n'a pas le temps de s'échapper avant que le concert démarre.
3/ Il observe le début du concert, toujours peu convaincu.
4/ Il se dit ensuite que c'est musicalement bien foutu, si on passe outre la voix de Jim James.
5/ Avant qu'il ne s'en rende compte, il applaudit le second morceau.
6/ Il commence à regretter d'avoir fixé un rendez-vous pendant le concert.
7/ Il reçoit l'appel en absence fatidique qui lui ordonne de se rendre au lieu de rendez-vous.
8/ Il regarde en arrière, triste de ne pouvoir en profiter jusqu'au bout.
9/ Il commence à se poser des questions sur ses propres goûts musicaux.
10/ Il pense ne plus jamais faire d'erreurs de ce genre mais remettra le couvert dès le lendemain avec TV On The Radio. Le con.
Beck, a.k.a. Master Of Puppets ou Puppetmasta pour les intimes, commence fort en balançant d'entrée de jeu ses gros tubes, « Loser » et « Devil's Haircut ». Accompagné de marionnettes à l'effigie de chaque membre de son groupe, Beck a l'air un peu fatigué. Ce n'est d'ailleurs pas lui qui aura rendu le show intéressant. Le concert sera donc porté à bout de bras par les musiciens et, à bout de ficelles, par les marionnettes ! Se sont enchaînés « Black Tambourine », « Clap Hands », « E-Pro » ou encore de nouveaux morceaux comme « Cell Phone's Dead », extrait de « The Information », nouvel album, à paraître le 3 octobre. Au terme de la performance, une impression se dégage : si Beck avait été seul sur scène, on se serait fait chier grave...
Cette première journée s'est ensuite clôturée par l'un des deux gros dossiers de cette édition. Avant même que le groupe n'entre sur scène, tout le monde sait que le set de Radiohead sera parfait. C'est bien ça le problème de la bande à Thom Yorke. Ils pourraient faire de la merde qu'on serait persuadé que c'est de l'or en barre. Aucun défaut, aucune faille. « Everything In Its Right Place », comme ils disent. De plus, ils contentent tout le monde (sauf les fans de « Pablo Honey », mais on s'en fout) en offrant une playlist tirée à quatre épingles. « Paranoïd Android », « Idiotheque », « The National Anthem », « Fake Plastic Trees », « There There », « No Suprises », « Lucky », un « Karma Police » repris par l'ensemble du public, « Exit Music (For A Film) »… En 1h50, les légendes ont enchaîné les morceaux, dont 3 nouveaux, tout en sobriété, sans le moindre effort. On en ressort satisfait, tout en espérant que, lors de leur prochaine visite, un bon petit problème technique les oblige à improviser. Encore que, même là, ils parviendront à ne pas se planter !
R.S.
Lors d'un festival, il faut opérer des choix. Surtout lorsque des groupes ou des artistes se produisent au même moment sur des scènes différentes. Bien évidemment, cette remarque s'applique à cette nouvelle édition du Pukkelpop. Par esprit de contradiction ou pour une question de goût, des choix alternatifs ont dû être opérés. Il semblait donc utile de consacrer quelques lignes à ces prestations fort intéressantes... (B.D.)
Dont trois ont été accordées au club. Tout d'abord, celle des Veils. Une formation menée par Finn Andrew, le fils de Barry Andrews, ex-claviériste des mythiques XTC. Depuis son passage aux Nuits du Botanique, en septembre 2004, Finn a viré tous les musiciens de son groupe. Et a engagé une très très jolie bassiste, Sophia Burn (NDR : d'après notre collègue Jean-Claude Mondo, les filles optent davantage pour cet instrument, parce que son manche est plus long...) ainsi qu'un claviériste, Liam Gerrard. Pour partir en tournée, il s'est également adjoint les services d'un batteur et d'un guitariste. Finn se réservant également une six cordes ainsi que le chant. Et quelle voix ! Une voix dont le timbre évoque tour à tour feus David McComb ou Jeff Buckey. Lors de ses morceaux les plus bluesy, on ne peut s'empêcher de penser aux Triffids, au regretté Californien, voire à Tom Waits. En particulier sur des titres comme « Jesus for the jugular », « Pan » ou encore « Nux vomica », titre maître d'un deuxième opus, dont la sortie est prévue pour mi-septembre. Des morceaux empreints d'une telle intensité, que certaines admiratrices, postées au premier rang, en avaient les larmes aux yeux. Afin de détendre l'atmosphère, les Veils interprètent également des ballades plus pop. Comme le single « Advice for young mother to be » dont vous avez sans doute déjà pu voir le clip ou encore « One night on earth ». Bref, le set aurait pu être marqué du sceau d'une pierre blanche si le second guitariste avait donné davantage de variation dans son jeu. Mais pas la peine de bouder notre plaisir, puisque ce concert s'est quand même avéré de bonne facture. Une chose est sûre, les Veils sont à revoir. Mais en salle. Au Botanique, où leur concert est annoncé pour le 9 octobre prochain.
Sur disque, les Delays font un peu pâle figure. Pas que leur musique soit médiocre ; mais elle manque singulièrement de punch, s'adressant principalement aux jeunes adolescentes branchées (?) sur les hit-parades. Pas pour rien que leur single « Valentine » soit passé sur le défunt « Top of the Pops ». Nous avons donc été agréablement surpris par la prestation du quatuor de Southampton. Leurs mélodies soyeuses, contagieuses, hymniques, sont découpées par une électricité aussi croustillante que chez les Posies. La basse est hypnotique. Le jeu de batterie souple. Et Aaron Gilbert, le claviériste, met l'ambiance (NDR : on lui reprochera, peut-être, son look 'Boys Band'). Son frère, Greg, se démène à la guitare tout en chantant d'un timbre susceptible de rugir un instant et d'emprunter un falsetto 'cocteautwinesque' le suivant. Etonnant ! Dommage que le combo ne parvienne pas à reproduire la même solution sonore sur support. On lui consacrerait davantage d'intérêt...
Mew est un quintet danois jouissant d'une excellente réputation dans son pays. En 2003, le Danish Music Critics Award Show lui a d'ailleurs décerné les titres d'album et de groupe de l'année. Il compte aujourd'hui quatre elpees à son actif. Sur le podium, la disposition de la formation est plutôt étonnante, puisque le drummer joue en front de scène, sur la gauche et de profil. Tout au long du set, des vidéos sont projetées sur un écran placé derrière la formation. Des images mystérieuses, parfois sordides, au cours desquelles on peut voir des personnages mi-humains, mi-animaux, jouant du violon, des créatures fœtales flottantes ou encore des poupées pleurant des larmes ensanglantées. On se croirait presque dans un conte de Grimm. Toute cette ambiance sied parfaitement à cette musique atmosphérique, majestueuse, complexe, parfois spectrale, presque prog qu'on pourrait situer à la croisée des chemins de Yes, Sigur Ros et Mercury Rev. Mais en préservant un sens mélodique pop contagieux. Avec pour fil conducteur la voix fragile, éthérée, angélique de Jonas Bjerre, à laquelle répondent de superbe contre-voix. Le lendemain du concert, des compos comme « Chinaberry tree », « Why are you looking grave ? » ou encore « The Zookeeper's boy » trottaient encore dans nos têtes. Qui a dit baba cool ?
Enfin, il serait injuste de ne pas féliciter les musiciens de Snow Patrol, dont le matériel était bloqué à l'aéroport d'Heathrow et qui ont décidé d'accorder un set acoustique d'une demi-heure à l'aide d'instruments empruntés. Démontrant ainsi qu'ils n'étaient pas seulement un autre groupe de britpop ou une machine à tubes. Il faut avouer que lors de cet exercice, ils se sont montrés très convaincants...
B.D.
Sur les photos de presse, elles portent des robes très kitsch. Leur patronyme évoque les groupes pop des années soixante comme les Ronettes. Leur musique est d'ailleurs imprégnée du climat musical de cette époque. Elles en sont même contaminées. A fond les manettes. Et le résultat est… génial ! Sans rire, l'écoute de leur premier album, « We Are The Pipettes », apporte un sérieux coup de frais. Agréable mélange de mélodies pop fugaces et de tonicité rock bien calibrée, leurs chansons, toutes en simplicité et en saveur, accrochent très facilement. En outre, elles ont l'intelligence de ne pas en rajouter. Ainsi, leur disque est assez court, mais très marquant. Visiblement, ces filles (Gwenno, Becki et Rose) visent l'efficacité. Pari gagné haut la main !
« Musicalement, on a vraiment cherché à aller à l'essentiel », nous confie Rose, « A exprimer l'essence même de la musique que nous aimons et que nous jouons. Bien sûr, nous avons été séduites par les sonorités des sixties, mais nous n'en faisons pas une fixation. Nous ne sommes pas un groupe revivaliste. Nous avons une identité propre et nous comptons bien le démontrer en proposant, dans le futur, des disques constamment différents ». En attendant, c'est vraiment à travers une musique pop très 'philspectorienne' que les Pipettes se révèlent. Et la formule fonctionne très bien : en Angleterre, on parle beaucoup d'elles et ailleurs, on semble leur faire confiance. Le groupe a ainsi été invité à participer à quelques gros festivals, dont le Pukkelpop ce week end !
« Evidemment, on est ravies du déroulement des événements. Mais bon, on a bossé sérieusement aussi, pour arriver à un tel résultat. Ce que l'on peut entendre sur l'album, c'est la somme de deux années de travail, même si le disque (NDR : enregistré à Londres) a été mis en boîte en deux… semaines ! Et nous avons déjà accordé plein de concerts. Nous disposons donc des bases solides ». Et, visiblement, un bon degré de maturité, aussi. « A ce niveau là, nous ne pouvons que louer le travail de Andy Dragazis et Gareth Parton, qui ont produit et mixé l'album. Ils ont très clairement compris où nous voulions aller et se sont parfaitement fondus dans le moule du groupe. Leur apport a été important ».
S'il met en avant trois nanas, The Pipettes n'en est pas moins, de l'aveu même de Rose, un groupe plus complet qu'il n'y paraît : « Sept personnes sont véritablement impliquées dans le line up, en tant que musiciens, compositeurs, etc. Bien sûr, avec Gwenno et Becki, nous représentons l'impact visuel du band mais, en réalité, les autres sont aussi importants que nous. J'insiste sur ce point parce que le groupe tire sa consistance de l'apport de chacun. Nous sommes tous de vrais passionnés de musique et chacun alimente le parcours du groupe avec son héritage musical, ses intérêts pour tel ou tel registre et son énergie. Nous misons sur cette cohésion pour durer et faire évoluer The Pipettes ».
Le nom du groupe serait-il un clin d'œil adressé Ronettes ? A ce que ce groupe représente ? Et dans un contexte plus contemporain aux Raveonettes ? La réponse fuse : « Les Raveonettes, on ne les connaissait pas avant que notre entourage nous en parle. En outre, on avait déjà choisi le nom du groupe. Mais il est vrai que la connotation 'pop sixties' nous plaisait ; et puis, aussi, il ne faut pas oublier que les pipettes sont des tubes utilisés en laboratoire. Or, nous avons de notre groupe, une vision vraiment orientée vers l'expérimentation ».
Bon, on retiendra surtout le premier élément, tout de même plus rigolo et sympathique que le second… Et on salive en tout cas d'impatience à l'idée de découvrir ces Pipettes en live, ce week-end au Pukkelpop. Pourvu qu'il y ait du soleil et un petit vent frais ; ce serait le contexte idéal pour qu'elles puissent se mettre en évidence !
Responsable d'un premier et chouette album en début d'année (« Inside in/Inside out »), les Kooks ont le vent en poupe ! Non seulement ils appartiennent, tout comme The Subways et The Arctic Monkeys, à la nouvelle vague du rock britannique juvénile et insouciant, mais ils manifestent, sur les planches, une maturité assez étonnante pour des musiciens aussi jeunes (NDR : ils n'ont pas 20 ans !). La veille d'accorder des interviews, et réduite sous la forme d'un trio (NDR : Max, le bassiste, n'avait pas fait le déplacement), la formation avait accordé un showcase particulièrement convainquant à bord du Ric's Boat, Quai des Péniches à Bruxelles. Bien sûr, on y a rien vu ; mais on a tout entendu… Pour cet entretien, pas de Luke (le chanteur), mais bien Paul (le drummer) et Hugh (le guitariste). Pas un problème en soi, puisque les quatre membres du band se partagent aussi bien les compos de la musique que des lyrics. Mais, sa participation aurait sans doute permis de développer certaines questions que nos deux gaillards ont parfois laissées à l'état embryonnaire voire sans réponse. Ce qui ne les empêche pas d'être éminemment sympathiques…
Ainsi, le groupe a déclaré que les journaux et magazines étaient sous contrôle. Que lorsqu'ils lisaient des interviews, ils se demandaient si ce qui était relaté était vrai ou pas. Et pourquoi ce sujet ne pourrait pas faire l'objet d'une chanson ? Hugh répond : « Je pense qu'on a déformé nos propos. Nos griefs ne s'adressent pas aux journalistes, mais aux rédacteurs en chef (NDR : merci !) qui envoient leurs collaborateurs sur le terrain pour écrire des articles qui les arrangent bien. Les journalistes ne sont que des instruments (NDR : merci pour eux !) Et on coupe tellement dans leurs articles que le contenu finit par être totalement déformé. Ainsi il devient parfois impossible de se faire une opinion exacte de ce que l'interlocuteur a raconté. C'est une honte ! » Paul ajoute : « Les Stereophonics ont déjà écrit une chanson qui relate ce sujet 'Mr winter' ». A croire qu'ils sont paranos ! Ce qu'ils admettent. Et qu'ils traduisent à travers leurs lyrics. Dommage qu'ils ne se soient pas davantage épanchés sur le sujet… Ce qui nous aurait permis de savoir pourquoi ils pensent que pour une bonne info écrite à leur sujet, 10 sont erronées…
Pour enregistrer leur premier album (' Inside in/Inside out'), les Kooks ont bénéficié du concours de Tony Hoffer à la production. Un personnage dont la carte de visite mentionne la mise en forme d'albums de Supergrass et de Belle & Sebastian. Pourtant, à l'origine, c'était Paul Stacey qui avait été approché pour faire ce job. Paul a joué chez Oasis à leurs débuts (NDR : tout comme son frère d'ailleurs) et milite aujourd'hui au sein du super groupe The Syn (NDR : au sein duquel on retrouve les ex-Yes Chris Squire et Alan White). Mais finalement, la piste Stacey a été abandonnée. Hugh explique : « Nous avons enregistré une démo et un single sous sa houlette. Mais le résultat n'était pas concluant » Paul ajoute : « On peut même dire qu'il était totalement foireux. Les autres étaient démoralisés. Il n'y avait plus que le tour-manager (NDR : il s'appelle aussi Tony !) et moi-même pour y croire encore. Ils étaient presque prêts à tout abandonner. Mais nous sommes parvenus à les convaincre de nous tourner vers Hoffer. » Et il faut reconnaître que le résultat est allé au-delà de toutes les espérances. Hugh confirme : « Il nous a énormément aidé. Il a joué un rôle fédérateur, parce qu'on partait tous azimuts. Il est parvenu à insuffler un sentiment d'unité à notre disque. Et puis à tirer le meilleur de nous-mêmes. D'ailleurs, pour le prochain album, nous comptons bien renouveler l'expérience… » L'opus a été concocté au sein des studios Konks de Ray Davies. Etonnant que l'ex leader des Kinks ne se soit pas manifesté pour donner de la voix sur l'une ou l'autre compo. Paul clarifie : « En fait, on lui avait demandé de venir faire les backing vocals sur ‘Jackie big tits’ ; mais on a pris trop de retard lors des sessions. Et le jour où il aurait dû nous rejoindre, il était parti en tournée… »
Tony (le tour-manager) a apparemment une influence positive sur le quatuor. Et il ne manque pas d'idées. Il envisage ainsi de faire tourner le groupe, dans le futur, en compagnie de vieux musiciens de blues. Un peu comme Jon Spencer a fait dans le passé. Et ce n'est pas un bobard. Mais Hugh remet les pendules à l'heure : « C'est un projet. Qui pourrait se matérialiser ultérieurement. Mais pour l'instant, priorité à notre tournée. C'est une bonne idée, parce que ce dans genre de démarche, tu n'es pas là pour entrer en compétition avec un groupe ou un artiste, mais pour opérer une fusion. Et puis, si on le fait, ce sera pour le fun… »
Le groupe a choisi pour patronyme le nom d'une chanson de Bowie, issue de l'album 'Hunky dory'. Un disque qui est sorti en 1971. Vu leur âge, les musiciens des Kooks ont dû fouiller dans les vinyles de leurs parents et écouter leurs conseils. Paul confesse : « C'est mon père qui m'a fait découvrir ce disque ! » Hugh embraie : « Luke m'en a fait une copie. Et c'est ainsi que je l'ai découvert. Et manifestement, il est génial. Le mixing est stupéfiant. La production est parfaite. C'est ce qu'on a voulu reproduire sur notre album. Capturer une atmosphère. Immortaliser 4 gars dans le rythme. Etreindre sans user de violence. Avec juste le chant, deux guitares, une basse, des drums et des backing vocaux. » Paul commente : « On ne doit quand même pas être les premiers à reproduire cette ambiance. A s'enregistrer 'live' en studio. A capturer la meilleure énergie ! Certains groupes ou artistes se concentrent uniquement sur le travail en studio. Ils respectent une structure. On pose la basse et la batterie. Puis on y ajoute la guitare, puis le chant. Parfois dans un ordre différent. Où est la passion ? Les morceaux sont joués, mais il n'y a pas d'esprit d'ensemble. Chacun joue sa partition sans se soucier de celle des autres. En général, ces gens-là, on ne les voit jamais en tournée. Ce n'est pas notre philosophie… » Hugh insiste : « Aujourd'hui, la tendance est de retourner aux sources. De faire comme on fait… »
Les musiciens du groupe avouent une multitude d'influences : depuis la pop au punk, en passant par le jazz, le blues, le reggae, la soul, le ska, le funk et j'en passe. Des noms ? Bowie, bien sûr. Et puis dans le désordre Police, les Beatles, le Clash, Dylan, le Velvet Underground, The Smiths, les Stones, les Doors, Manson et j'en passe. Paul est, en outre, un grand fan de reggae. Bob Marley et Peter Tosh en tête. Et de soul. Des classiques aussi : Stevie Wonder, Otis Redding et Marvin Gaye. Ironisant : « Pas pour rien qu'aujourd'hui, les standards de la soul sont utilisés pour servir de bande sonore aux spots publicitaires de la TV. » Ce qui explique sans doute pourquoi, lors de leur showcase accordé la veille, ils ont interprété ‘You make me crazy’ de Sammy Hagar, popularisé par le duo Gnarls/Barkley. Paul raconte : « En fait, nous l'avons jouée pour la première fois en direct sur Radio 1. Elle était alors n°1 dans les charts, et on nous a demandé d'interpréter une chanson de quelqu'un d'autre. C'était un peu la folie en studio… » Les Kooks n'en sont d'ailleurs pas à leur première cover. A leurs débuts, ils on ainsi joué le ‘Reptilia’ des Strokes. Paul précise : « En fait, nous ne l'avons reprise qu'une seule fois. C'est une bonne chanson d'un groupe qu'on apprécie tout particulièrement. Ce n'est pas une raison pour passer tout leur répertoire en revue. D'ailleurs aujourd'hui, nous avons suffisamment de compos personnelles pour commencer à jouer celles des autres. Mais bon, dans certaines circonstances, ça peut arriver… » Par contre il leur arrive de composer un morceau se référant à la chanson d'un autre artiste. A l'instar de ‘Eddie's gun’. Dont les lyrics font allusion d'une manière très humoristique aux pannes érectiles (NDR : ou d'éjaculation précoce) rencontrées par le jeunes de leur âge. Paul s'explique : « Cette compo parle du canon d'un fusil et on a choisi le nom Eddie à cause de la chanson de Cochran » (NDR : il imite le riff de guitare du célèbre 'C'mon everybody' de la voix).
Pour votre information sachez que le quatuor est établi à Brighton. Que Luke est originaire de Londres. Qu'ils ont tous un accent à couper au couteau (merci encore à Vincent et à mon enregistreur portable !). Que leur album sera disponible aux States en octobre. Et qu'ils se produiront le 7 novembre à l'Ancienne Belgique. Pas la peine d'essayer de vous procurer des places, le concert est déjà sold out. Pas de panique, les Kooks figurent à l'affiche du festival des Inrocks de cet automne. Ils joueront notamment à l'Aéronef de Lille, le 9 novembre prochain. En outre, vu le succès récolté par le groupe, d'autres dates devraient être programmées. Et puis vous pouvez toujours vous consoler avec l'acquisition de leur opus. Vous ne le regretterez pas !
Merci à Vincent Devos.
Un duo liégeois aux influences ‘lynchiennes’, qui joue du pop-rock à tendance acoustique. Si la voix de Mirco rappelle celle de Redboy (My Little Cheap Dictaphone, Hollywood Porn Stars) et l’instrumentation le meilleur de cette scène Jaune Orange, il y a ce petit côté ‘waitsien’ qui fait la différence. Un peu comme à Anvers, il y a dix ans, et ce n’est pas un hasard : Rudy Trouvé, l’homme à tout faire du rock à la flamande (de dEUS à Prima Donkey), a joué les ‘artistic director’ lors de l’enregistrement de ces trois titres. Qui augurent d’un beau parcours, du moins c’est ce qu’on leur souhaite… Ils viennent d’être sélectionnés pour le Concours Circuit 2006 et seront à l'affiche des showcases du Conseil de la Musique. On en reparlera.
Le premier opus de Tommy est une invitation au voyage. Laissons valises, passeports et crème solaire à la maison : la virée aérienne se passe à l’intérieur. De son timbre brut et pur, Tommy Donald Colin rêve à haute voix. Sa souffrance, ses doutes, ses espoirs puis sa sérénité se déclinent en onze morceaux tantôt riches en sonorités, tantôt dépouillés, toujours séduisants. « Dreamworld » et « The light will be » ouvrent l’album, annonçant une pop mélodique très british. Gentille ? Pas tant que ça: Tommy sait y ajouter la force du rock et un dynamisme électro lorsqu’il le faut. Léger et profond, « Alright » rassure tandis que « We can change » ressemblerait à une réponse destinée à Lennon lorsqu’il nous demandait d’imaginer : ‘Don’t forget what we can make, if we all want the same. We can change our world.’ Jouant sur les variations rythmiques, alternant rage et douceur, Tommy explore aussi ses zones d’ombres: ‘Together is a word I didn’t know, with all my soul I want a relation, but from the room of my autism, no word comes out when I want to talk, your open hand is my salvation’ (“Nevertheless”). Si le Tommy des Who était aveugle, pour celui-ci: “The light will be”. Thank You, Lord.
Si le nouveau cru d’Iron Maiden constituera la grosse sortie métal attendue pour la rentrée, la nouvelle livraison de Slayer sera sans nul doute l’album qui aura marqué l’été 2006. « Christ Illusion » est enfin né. Mais qui aurait pu croire qu’il allait falloir patienter cinq années pour pouvoir poser une oreille sur le successeur de « God Hates Us All », sorti en 2001 ? Les ambassadeurs du métal extrême ont pris leur temps, enchaînant tournées sur tournées, se souciant peu des pressions de leur label pour entrer en studio. Mais le résultat est cataclysmique. Evidemment, le retour du marteleur de fûts, Dave Lombardo, n’y est certainement pas étranger. La machine de guerre s’est refaite une jeunesse pour un album envahi par les ténèbres, la violence et la technique ; soit tous les éléments qui caractérisaient le trash métal des années 80. Indéniablement, Slayer est le seul combo qui soit parvenu à surmonter les épreuves du temps. Les œuvres actuelles de Metallica, Megadeth, Anthrax et Venom semblent bien insipides face à ce « Christ Illusion » délicieusement malsain. Imaginez un croisement entre « Reign in Blood » (référence absolue du style) et « Seasons in the Abbyss » ! Des titres très rapides, parsemés de roulements de drums dégainés à une vitesse folle, par un Lombardo plus furieux que jamais. De gros breaks bien lourds et des changements de rythmes typiquement ‘slayeriens’. Comme à la grande époque !
Pur bâtard, « Catalyst » pourrait être le fruit d’une liaison illégitime entre « Disciple » et « Angel of Death ». Plus étonnant, « Jihad » rend un hommage trash à AC/DC. On retrouve certaines atmosphères propres à « South of Heaven ». Tom Araya pousse des cris de maniaque particulièrement aigus sur « Eyes of the Insane » et terrifiants sur l’excellent single « Cult ».
Quant aux textes de Hanneman, ils véhiculent évidemment les credo habituels contre la guerre et la religion. « Christ Illusion » n’est certainement pas le meilleur album de Slayer, mais il est sans aucun doute le plus convaincant depuis « Seasons on the Abyss ». En attendant d’assister au Unholy Alliance Tour 2 qui réunira Lamb of God, In Flames, Children of Bodom et Slayer (le 9/11/2006 au Brabanthal de Louvain), procurez-vous cette plaque explosive qui inspire le respect. De courte durée ? Oui… Moins de 38 minutes. Cela ne vous rappelle rien ?
Wes MacKey est originaire du Sud profond. De Yemassee, en Caroline du Sud très exactement. Ce musicien est aujourd’hui âgé de 61 balais et il y a déjà 40 ans qu’il sévit sur les scènes locales, arpentant les vieux juke joints de sa région. Ce qui lui a permis d’accompagner, sur les planches, John Lee Hooker et Muddy Waters à Augusta, en Georgie. Ce chanteur/guitariste s’est quand même produit bien loin de chez lui. Et notamment en Russie, en France, en Islande et même en Asie : à Hong Kong ainsi qu’en Malaisie. Il s’est établi à Vancouver, au Canada, depuis quelques années. Il y a enregistré un premier elpee curieusement baptisé "Second chance", une œuvre nominée par la Toronto Blues Society, en 2003. Il vient donc de commettre son deuxième opus, bien plus judicieusement intitulé "Mr Blues".
Le disque s’ouvre par "Who do ya voodoo?". Le tempo est enlevé. La voix de Wes est feutrée, veloutée ; mais il est capable de la moduler. Et c'est sans douleur aucune qu'il pousse ses vocaux sur cette plage participative. Il tempère son ardeur pour aborder "Baby done gone". La musique est savoureuse. Tout est bien en place. La guitare de Mackay ne distille que les notes nécessaires, celles qui sont au service de son blues. Le piano de Dave Webb suit bien le mouvement. Wes reprend alors une des compositions les plus célèbres de Jimmy Reed : "Baby what you want me to do?". Le rythme est nonchalant. Son timbre se prête admirablement à ce style. De son harmonica, Oliver Conway apporte la petite touche indispensable qui fait la différence. Incontestablement, MacKay est au sommet de son art, lorsqu’il chante le blues lent. A l’instar d’"Angel girl". Une tristesse infinie nous envahit lorsqu’il épanche son émotion contenue. La mélodie de "Blues Boss" est superbe. Elle est entretenue par le son du synthé de Kenny Wayne et parcourue par les petites grappes de notes empreintes de douceur, des notes distillées par les cordes. Wes chante son "Born in Carolina", une compo autobiographique. Il nous raconte sa jeunesse sur un ton allègre. Une impression qu’il communique à la tonalité de ses six cordes. Bien soudée, la petite équipe s'attaque alors au répertoire de Sam Cooke. Et tout d’abord à "Ain't that good news". Le rythme est très enlevé. Tout est mis au service du mouvement : les chœurs gospel, la guitare, le piano de Webb et la section rythmique, que se partagent Bob Popowich à la basse et Chris Nordquist aux drums. Beaucoup plus lent, "A change is gonna come" est un réel bonheur pour les oreilles. Sensuelle, la voix s’enflamme face à l'orgue Hammond qui prend son billet de sortie. MacKay adapte de nouveau Jimmy Reed, en exécutant une version très personnelle de "Shame shame shame". Le tempo est très soutenu, la rythmique débridée. Dave Webb accorde ici son meilleur solo au piano. Wes continue de s’approprier des blues signés par d’autres artistes notoires. Sa relecture du "Nervous" de Willie Dixon est un nouveau moment de bonheur. Webb est parfaitement dans le rythme. Il peut alors sortir le grand jeu. Ses notes sont particulièrement bien senties tout au long de ce downhome blues de grande classe. Et celle du "Bright lights, big city" de Jimmy Reed (NDR : sa dernière signée Mathias James) ne manque pas, non plus, de charme. Il y susurre les lyrics de son timbre envoûtant. Le titre maître nous ramène à "Angel girl". Blues Boss Wayne s'est assis derrière l'orgue Hammond. Mais ce sont les cordes qui sont particulièrement mises en évidence tout au long de cette plage empreinte d’une grande douceur ; des cordes qui accentuent le sentiment de misère véhiculé par cette musique. Wes se fend alors d’une version très personnelle du classique "I'll play the blues for you". L'homme est heureux. Les enfants conjuguent leurs voix en harmonie. Les chiens aboient. Il peut alors chanter en liesse un morceau consacré à son voisinage, "In my neighborhood". Un blues comme on n'en commet plus guère de nos jours. Ce titre clôture, par ailleurs, cet album d’excellente facture…
Avec son pote de label Matteah Baim, Sierra Casady (CocoRosie) s’est perdue dans le désert, sur les traces de Nico, pour enfanter de ce disque sépulcral, aux échos de Maldoror. En plein mirage solaire, le couple a trouvé dans le sable des masques : il s’en affuble pour tromper la mort, l’apprivoiser, comme dans un trip à la Von Stroheim. Des ‘rapaces’ ? Oui, mais métalliques. Du ‘soft metal’ ? Plutôt des soundscapes à la Gus Van Sant, un mélange détonant de slowcore, de free folk et de doom céleste. De cette expérience quasi mystique, l’auditeur retiendra avant tout des images surannées, une sensation de vague à l’âme, l’angoisse de la fin qui approche. Le chant carbonisé par les rayons UV, ne subsiste qu’un squelette de voix, opératique, religieuse (en guest, Jana Hunter, Antony, Banhart, et Greg Rogrove de Tarantula A.D., à la batterie). Quant au riff (inutile prière ?) et au beat (en sursis ?), on les écoute en craignant qu’un vautour nous mange les oreilles. Dans le désert il n’y a rien, mais comme l’écrit Depardon, on y est ‘hors du temps, hors des choses, hors de la performance et de la virtuosité’. C’est peut-être pour cette raison que ce disque décontenance. Mais ce qui est curieux et rare, original et insolite, voire pervers, tout ce qui peut exaspérer les nerfs ou aiguiser la sensation, se doit d’être écouté. Si les faucons te matent, ne t’avoue pas vaincu.
Question : 'Quelle est l’ex-Destiny’s Child ayant le mieux réussi sa carrière en solo : a) Beyoncé Knowles, b) Kelly Rowland, c) la figurante dont personne connaît le nom, d) LeToya Luckett?'. Beyoncé ? C’est votre dernier mot ? Pas de bol. A quelques semaines près, vous auriez peut-être récolté le pactole. Profitant de l’hibernation de ses ex-consoeurs, LeToya réussit un véritable tour de force aux Etats-Unis en squattant la pole position du Billboard, aussi bien du côté des singles que des albums. Une belle revanche pour la demoiselle qui, quelques années auparavant, s’est vu gentiment remerciée pour avoir osé suggérer le remplacement du papa à Beyoncé, manager des feues Destiny’s Child, par une personne neutre. De plus, LeToya ne manque pas d’humour. Après avoir intenté deux procès à ses anciennes camarades, elle déclare ‘Non, je n’ai pas de ressentiments envers elles’. Fatiguée de nourrir la rubrique potins des tabloïds, la jeune fille prend sur elle, efface l’ardoise et lance un nouveau girl band, Anjel. Un flop intégral. Il lui fallait donc faire un choix entre une carrière solo ou devenir serveuse au McDo. Et comme il aurait été triste de gâcher un tel potentiel commercial dans la vente de Big Mac, le label Capitol la prend ‘généreusement’ en charge et confie la production de son premier album solo à quelques uns des plus grands producteurs R’n’B (Jermaine Dupri, Terry Allen, etc.). « LeToya » débarque alors dans les bacs. Carton plein.
Question : 'Auquel de ces éléments doit-elle ce succès : a) ses hits potentiels, b) les photos sexy de la pochette, c) une production originale, d) une voix unique en son genre ?'. Réponse b ? C’est votre dernier mot ? Bien joué. En effet, hormis les charmantes images qui alimentent le livret, il n’y a pas grand-chose à retirer de cet essai éponyme. Condensé de R’n’B soporifique et de ballades mièvres aux textes clichés, « LeToya » est une simple relecture des tubes de ce genre musical, circa mid-nineties. On pense, sans la moindre excitation, à TLC (« So Special »), Toni Braxton (« Torn ») ou encore Brownstone (« Obvious »). Bref, toutes ces artistes aujourd’hui disparues de la circulation. Ce succès serait-il donc expliqué par une certaine nostalgie ? Le fait est que même les titres un tant soit peu ‘modernes’ n’ont rien d’original (« All Eyes On Me » et ses rythmes aussi arabisants et tubesques que le « Baby Boy » de sa principale rivale…). A l’heure où une certaine chaîne musicale n’en a plus que pour la Urban Music, LeToya peut dormir sur ses deux oreilles. Mais nul doute que l’heure de son règne est commercialement comptée. D’ailleurs, à ce propos, dernière question : ‘La femme à Jay-Z, elle sort pas un album bientôt ???’…
Maître de l’abstract hip hop, Fat Jon The Ample Soul Physician profite de la sortie du « Kommunicator » de Five Deez, l’une de ses formations originelles, pour offrir - enfin! - à l’Europe et aux States son excellent album solo « Afterthought ». Paru début novembre 2004 au… Japon, cet essai méritait bien mieux que de moisir dans la cave d’un distributeur. Quelque part entre les travaux de RJD2 et DJ Shadow, le voyage spirituel de Fat Jon invite à l’introspection et calme les esprits aussi facilement qu’un Valium (« Darkness », « All In Your Mind »). Certains chefs d’états feraient d’ailleurs bien de s’en procurer un exemplaire. Ode au rêve, « Afterthought » illustre un univers où même les songes les plus fous sont concevables (« Fly Away », « Your Purpose ») et où le dépassement de soi ne connaît aucune barrière physiologique (« Just Breathe », « Risk It All »). Fat Jon nous propose donc ici une séance de thérapie des plus efficaces.
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