Ces ricains de San Francisco ne cachent pas leur amour pour les titres à rallonge... Un exemple ? « Walking a Sickly Bobcat South of Your Cedar Infested Estate ». Et il y en a d’autres. Tout au long de leur troisième long format, cette mystérieuse formation hésite entre un rock noisy comme on l’aime chez l’oncle Sam, des mélodies pop nonchalantes à la Pavement et de sombres ballades folk. Si ces grands dadais excellent dans ces deux derniers genres, les morceaux bruyants se révèlent rapidement fort dispensables. Le reste plaira aux fans de rock alternatif sans concessions... « Red Hot Tugboat », « I’m a Jai Alai Kinda Guy », « Take Me To Your Dacha », trahissent l’énorme influence de Pavement ; mais à défaut d’être originaux, il demeurent agréables à l’écoute. Empreintes d’un lourd spleen contagieux, les ballades déprimées sont aussi les plus émouvantes. Et « Kite Carry Obelisk… » ainsi que « Luck On Every Finger » en sont les plus parfaits exemples. A l’arrivée on a droit à une plaque pas inintéressante, mais qui souffre un peu de sa disparité stylistique.

Non, le groupe de metal le plus martial de la planète ne s'est pas risqué à l'exercice périlleux de reprendre le fameux tube de Desireless en version indus ! "Reise Reise" (voyage voyage) est incontestablement l'album le plus attendu de la rentrée, la nouvelle livraison de Rammstein, un violent retour de flamme, quatre ans après la sortie du désormais classique "Mutter". Certes, les Berlinois ont pris leur temps pour lui donner un digne successeur, mais les tensions dans le groupe survenues durant la dernière tournée européenne et l'échec commercial (très relatif) de l'album "vert" aux States n'ont pas joué en faveur de la productivité du combo. Pour ne rien arranger, durant l'enregistrement de "Reise Reise" de sérieux affrontements verbaux ont éclaté quant à la part d'investissement et d'engagement de chacun au sein de la collectivité. C'est donc un album accouché dans la douleur que nous offrent les ‘poètes allemands’ qui n'ont pas hésité à confier la version remix du premier single "Mein Teil" au groupe électro-pop anglais Pet Shop Boys! Globalement, cette nouvelle offrande s'avère moins puissante et heavy que "Mutter", ce qui ne signifie pas pour autant que les maîtres des flammes ont perdu leur identité. Dès les premières mesures de la plage titulaire, on sait que la déferlante Rammstein va tout écraser sur son passage. Avec l'ambigu autant qu'amusant "Amerika" - prochain single de l'album - le groupe y va de son clin d'oeil à l'envahissement américain dans les cultures du Vieux Continent, n'hésitant pas à citer la plus célèbre marque de boisson pétillante du monde. Nos Berlinois ont toujours adoré les gros clichés! "Moskau", "Keine lust" et la version non remixée de "Mein Teil" s'inscrivent davantage dans la lignée de la période "Herzeleid". Mais c'est à l'écoute de "Los", perle incontestée du disque, que les fans risquent d'être légèrement désorientés. Une guitare sèche, des accords de hard bluesy, une basse ronflante, une rythmique implacable. Rammstein innove et se lance dans une sorte de blues industriel absolument irrésistible. Quant aux trois titres qui referment ce voyage de 48 minutes et 30 secondes (NDR : un peu court non?), ils ne deviendront pas des classiques du groupe, même si le refrain de la chanson "Amour" est aisément mémorisable pour les moins germanophones d'entre nous.

Acteur et chanteur, Raoul Bhaneja nous vient du Canada. Il partage donc sa vie entre le grand écran et les planches des clubs qu'il arpente flanqué de son backing band, le Big Time. Raoul a été éveillé au blues par Jumpin' Johnny Sansone, un bluesman de la Nouvelle Orleans. Il a fondé the Big Time en 1998. Epaulé par Darrell Gallen à la guitare, Ka-Cheong Liu à la basse acoustique et Tom Bona à la batterie, il se consacre au chant et à l'harmonica. En parallèle, il continue de jouer pour Sue Foley. Le groupe avait déjà commis un premier elpee en 2000 : "Big Time blues". Un disque primé l'année suivante par le magazine de blues canadien ‘Real Blues’.

 

Découpé en dix nouvelles compositions et deux reprises, « Cold outside » constitue donc leur second elpee. Il s'ouvre par "Can't help it". Le rythme est soutenu. La voix de Raoul est alerte mais peu puissante. La basse acoustique de Liu étaie l'ensemble pendant que Darrell échafaude un solo tout en rythmique. La formation libère beaucoup de swing. Les instruments s'emboîtent fort bien. Et "Otherside of town" en est la plus belle démonstration. Graham Guest est au piano. Raoul en profite pour accorder un très bon solo sur son harmonica. Darrell embraie immédiatement aux cordes. Excellent! Le violon de John Showman introduit "Kiss every dollar goodbye", une ballade aux accents surannés. L’opus continue à évoluer sur un registre élevé tout au long de "Baby don't stop". Rafraîchissante, la guitare manifeste toujours une certaine originalité. Seule la voix frêle de Raoul pourrait encore s'aguerrir. Le Big Time reprend "Easy", le célèbre instrumental de Big Walter Horton, avec beaucoup de retenue et aussi de respect. Raoul parvient à faire bien ressortir la tristesse et la sensibilité exacerbée de Horton. Le rythme enlevé revient chez "Call me crazy". Et le swing ainsi que le jazz pour "Come back", une plage rehaussée par la présence immédiatement détectable de Junior Watson. Interprétée en duo par Raoul au chant et Graham Guest au piano, "Living paradise" épanche une immense tendresse. "Loving machine" constitue un des meilleurs moments de l'album. Bien que préposé aux baguettes, Big Joe Maher échange les vocaux avec Raoul. Une compo qui fût un hit R&B pour Wynonie Harris. En 1951. Blues très lent et particulièrement dépouillé, le titre maître fait mouche. A l’instar de "The mercy song", nonobstant son inspiration louisianaise. Cet opus de très bonne facture s’achève par le paresseux "You got it all", un fragment qui bénéficie du concours d’un invité prestigieux : l'harmoniciste Mark Hummel.

Dale Cooper, Calvin Johnson, Harmony Korine, Thurston Moore, Werner Herzog, Christopher Walken, Tommy Lee (how on earth did he find out about this?), Paul and Barbara Dixon, David Cross, Mrs. Caterpillar (as if one song wasn’t good enough), Diana Ross (ditto), Mrs. Peacock , Joshua Patrick Quinn, Colin Quinn, Professor Plum, Fred Frith, John Zorn, Jim Zespy, Travis Chance, Josh Bonati, Chan Marshall, David Sedaris (it is such an honour!), Jim Davis (you know, the Garfield guy), Matt Groening, Kelly Deal, Adam Curry, Kurt Loder, Nigel Godrich. Remerciements gentiment empruntés à la bio du groupe.

Ces deux jeunes gens de Brooklyn ont mis deux ans pour concocter cet étrange disque. Cette collection entièrement instrumentale (excepté les intermèdes parlés d’une petite frappe new-yorkaise) s’appuie sur des beats minimalistes, des couches de synthés et de guitares. Evan Mast et Mike Stroud ne changent pas la recette d’un pouce tout au long du disque. Un travail tout entier consacré aux textures de sons, à des mélanges où il est bien difficile de distinguer les instruments. A l’arrivée on obtient un drôle de produit qui évoque la musique classique, le heavy métal des années 80 et la musique de jeux vidéo. Cet opus démarre fort par par « Seventeen Years », qui fait un peu penser à une rencontre entre Europe et Daft Punk. Pour la suite, le disque nous réserve à boire et à manger ; mais tout de même quelques moments de pur plaisir auditif comme « Crips », « Everest », « Bustelo », « Germany to Germany », « Cherry ». Des chansons mélancoliques à souhait où nos gaillards démontrent une belle maîtrise mélodique. Un disque innovant qui vaut le détour malgré les inévitables passages plus dispensables.

Splendide disque que celui-ci : de ses arpèges suaves et délicats Raymondo (Christian Nolf, Boris Gronemberger, Lobke d’Hespeel et Cédric Castus) aspire à la félicité sonore, au calme de l’olympe. Du post-rock en sourdine mais loin d’être sourd, qui touche au plus précieux : notre cœur, entre deux pulsations. On souffle, on respire : c’est beau comme un matin d’hiver, le ciel prometteur de nouvelles espérances. Produit par Adam Wiltzie de Stars of the Lid (aux manettes des premiers albums des fabuleux Windsor For The Derby et Bedhead), « Raymondo » est une petite perle, huit chansons subtilement chaloupées, pas tristes mais colorées d’un spleen dans lequel avec bonheur on se love. Depuis Spain on n’avait plus ressenti telle félicité à l’écoute de tant de grâce mélodique… En plus c’est du belge, chose rare. Espérons que ces Raymondo reçoivent l’accueil qu’ils méritent amplement, parce que leur disque en vaut vraiment la peine. Un grand disque, à prêter à ses meilleurs amis.

Formé depuis 1997, Razorwire incarne ce type de groupe qui ne tergiverse pas dans l’enregistrement, ne fut-ce que d’une simple démo. Alignant les productions avec une régularité toute métronomique, le band s’arme d’arguments qui pourraient le crédibiliser rapidement sur la scène métal. En tout cas, nous souhaitons que ces efforts soient un moment ou un autre payants. Car même si la presse spécialisée européenne semble unanime pour flanquer en moyenne un 7/8 sur 10 à cet album, la route sera longue... Métal composite, accolant des éléments parfois disparates, Razorwire gagne à développer sa personnalité. Car si Downset et Rage Against The Machine méritaient la mention ‘très bien’ en 94 ; quid en 2004 ? Hed(Pe), One Minute Silence et Slipknot, ‘plutôt bien’ en...heu... ; mais en 2004 ? S’ils mettent à chaque fois autant de temps à traverser la Manche, ce n’est pas gagné...

Chris Rea jouit d’une énorme réputation sur la scène internationale. Mais surtout dans l’univers du rock, ou plus exactement soft rock. A contrario, il ne rencontre guère de popularité dans les milieux blues ; ce qui est une injustice, car l’artiste possède beaucoup de talent. Et pas seulement comme compositeur ; mais aussi chanteur et guitariste. Parce que si sa voix dégage manifestement quelque chose, il est très habile au bottleneck et à la slide. Originaire de Middlesborough, ce Britannique gère une carrière solo depuis 25 ans ; une carrière émaillée de 19 elpees et ponctuée par la vente de 22 millions d'albums. Excusez du peu ! Il aime la couleur bleue, c’est une certitude. En 1998, il avait intitulé son opus "Blue Cafe". Aujourd’hui, il a choisi pour titre "Blue Jukebox". Le bleu domine aussi dans les tableaux de la main de Chris qui illustrent ses notes de pochette.

 

"The beat goes on" ouvre le morceau de plastique. Cette plage démarre sur un bon tempo, un phénomène assez inhabituel dans son chef. Sa voix tellement intimiste force le respect dès les premiers mots. La slide sort déjà de sa réserve. Le sax d'Eric Seva et le piano colorent très bien l'espace musical. "Long is the time, hard is the road" est du pur Rea. Le tempo est lent à l'extrême. Le climat lugubre. Le baryton ravagé disserte dans un monologue. Le piano, le sax et la slide manifestent une certaine présence instrumentale, mais c'est la basse, très grave, qui alimente le climat oppressant de cette plage. Comme un vieux bluesman du Mississippi, il est capable d’extraire des sonorités incroyables de son bottleneck acoustique. Et il le démontre, avec beaucoup de bonheur, lors de l’intro de "Let's do it", une ballade dont la grande richesse musicale est parfumée d'un léger swing. Rea s’y réserve un superbe solo. "Let it roll" entretien toujours cette forme d’intimité, de proximité, de confidence. Chris aime communiquer ses sentiments ; et en particulier son spleen. Dans ce contexte, le rôle d'Eric, le saxophoniste, est important. Toutes ces petites tranches de vie défilent comme sur un écran : "Steel river blues", "Blue street", "What kind of love is this", caractérisé par une bien jolie mélodie, et le titre maître. Chris Rea cumule plusieurs instruments : guitares, basse, piano et harmonica. J'apprécie tout particulièrement "Somebody day Amen", un morceau qui s’ébroue lentement, puis hausse le rythme progressivement, à l’instar d’un Howlin' Wolf. Ce lent crescendo est marqué par la slide. "Blue street", cette rue bleue, et "Monday morning" procèdent de la même manière ; mais lorsque le tempo s'accélère, on se retrouve dans les rues de la Nouvelle Orléans. Le son jazz est assez traditionnel. La clarinette aurait même pu remplacer le sax et l'harmonica. "Restless soul" baigne davantage dans le Delta. La slide et les percussions de Thierry Chauvet-Peillex sont bien en avant. Chris laisse glisser son bottleneck le long des cordes, afin de laisser transpirer un son métallique et gouailleur. Le sax s’autorise même de petits effets sonores amusants. Mais cette fantaisie instrumentale s’achève un peu trop vite, à mon goût. Dommage! Nonobstant sa performance dans le domaine de la vente de disques, la musique de Chris Rea n’est pas toujours très accessible. Je me demande même parfois ce qu’on pourrait lui trouver de commerciale. En fait, ce musicien évolue en dehors des créneaux battus... Et lorsqu’il signe une composition très roots comme le superbe "Baby don't cry", il se fait fort proche du blues. Je le répète, cet opus n’est pas facile à assimiler, mais dans son style, il reste de très bonne facture. En finale "Speed" évolue sur un tempo bien plus enlevé. L’effet est immédiat. Et on se prend tout de même alors à regretter qu'il n'y ait pas davantage de compositions de cette trempe, sur cet elpee...

A l’écoute de cet album, on est immédiatement frappé par l’originalité du son. Et la production de Colin Linden n’y est certainement pas étrangère ! Dès "Winter birds", la machine rythmique est en marche : la basse sourde de Linden et les percussions à l'avant-plan de Bryan Owings crèvent le décor. Et paradoxalement, elle côtoie une guitare acoustique fragile. "Big not small" baigne également au sein de cet univers si particulier, que le label Fat Possum semble cultiver depuis quelques années. La voix adopte un ton monocorde. Elle contrebalance l’instrumentation, pour la circonstance enrichie d'une mandoline. Le titre maître traduit toute l’élégance manifestée par l’artiste, pour sa musique, tout au long de cet opus. "Long gone music" évoque un passé lointain. La voix traîne face au violon discret de Kathleen Edwards. Larry Taylor est à la basse. "Luck in love" nous plonge davantage dans l’insolite. C’est le moment choisi par Reddick pour sortir son harmonica. Le piano de Richard Bell et la mandoline de Linden sont également de la partie. Il se dégage un charme indéfinissable de cette plage. L'album monte en régime. Très roots, "Waves" opère un dialogue entre l'harmonica et le dobro. La voix de Paul y est tellement authentique qu’elle communique un effet irrésistible de pré war blues! "So long thank you goodbye" exhale le parfum suranné d'un jug band. Ballade douce, sereine, particulièrement apaisante, "Round this time of year" est magnifiée par la beauté de l’harmonica. Un harmonica soutenu par une guitare qui épouse la sonorité d'une pedal steel. "Five silver dollars" maintient cette beauté paresseuse et caressante. Le mal être du début d'album refait surface. Une atmosphère dramatique et oppressante règne tout au long de "Six was the six". Bell est de retour au piano. Une plage impressionnante, nonobstant le son trafiqué! Linden remet une couche de loops pour envelopper la voix sur "Hook's on the water". La basse de Dymond est linéaire. Gary Craig y essaime d’épisodiques percussions. Linden a ramené sa guitare d'outre-tombe. Et sa mainmise sur la production est toujours bien présente pour "Blue eventide". Une compo qui nous entraîne dans l'ambiance lourde et minimaliste du Velvet Underground d'autrefois. Et ce climat ne change guère sur les plages suivantes. Avant de retrouver un titre à la sonorité quasi classique : le superbe blues lent "Dog Catcher". Stephen Hodges est à la batterie et Larry Taylor à la basse : la rencontre du mystère et de la beauté. Country blues "Some afternoon alone" achève l’opus. Un fragment au cours duquel la voix et les cordes de Linden évoquent Lightnin' Hopkins. Nonobstant son originalité, cet elpee peut parfois déranger ; parce qu’il est avant tout le résultat d’un travail de production.

« Il y a trop de guitares » : venant de la part de Greg Cartwright, ex-Oblivians et Compulsive Gamblers, ce constat peut prêter à sourire… D’autant que ce disque ressasse à l’envi tous les plans garage et rhythm’n’blues de ces quarante dernières années, de « Sticky Fingers » aux derniers copistes du tout électrique, White Stripes et Dirtbombs en tête. ‘Il y a trop de guitares’… Il y a surtout trop de groupes aujourd’hui qui se prétendent les dignes descendants des bluesmen des années 30 et 40. Mississippi, je t’aime moi non plus : à ce petit jeu des sept familles et du poker menteur, les Reigning Sound se posent eux aussi en sacrés tricheurs, les manches remplies de joker (ces covers de Sam & Dave, Jim Dickinson et Hank Ballard)… Une fois leurs cartes abattues, on découvre la supercherie mais il est déjà trop tard : encore une fois de jeunes faussaires rock’n’roll nous ont pris par surprise. On capitule ? Oui… Mais à la prochaine enroule, on sera sur nos gardes.