Les quatre Londoniens de Mower sont signés sur le label de Graham Coxon et leur deuxième album est produit par Stephen Street… Heureusement, Mower ne se sent pas obligé de sonner comme Blur pour nous convaincre. D’ailleurs, leur rock est plus couillu que celui de l’ex-bande à Coxon : les deux titres d’ouverture, « After Dark » et « The Morning After », se révèlent ainsi d’une insouciance imparable, d’un attrait juvénile totalement addictif. C’est si gai ! Comme Blur à ses débuts, avant les bidouillages et les mixtures électro-world… On pense parfois à Clearlake, Mull Historical Society (« Dark Clouds »), Weezer (« Rest in Peace »),… La musique est désinvolte, n’a l’air de rien, mais vous trotte dans la tête avec insistance. « People Are Cruel » est un disque d’une bonhomie rare, qui nous rappelle combien il est agréable de se sentir vivant.

Il aura donc fallu deux ans de gestation à Mud Flow, pour le voir sortir son troisième opus. Mais l’attente n’aura pas été vaine, car ce « A life on standby » est tout bonnement épatant. Plantons tout d’abord le décor. Au cours de cette longue période de doute, d’interrogations et de remise en question, les musiciens du groupe ont commencé à être hantés par des idées noires. Et plutôt que de refléter ce spleen sur papier ou sur pellicule, ils l’ont transposé à travers leur musique (NDR : et si vous voulez ne savoir davantage, aller jeter un coup d’œil sur l’interview qui leur est consacrée). Résultat des courses, bercée par la mélancolie douce, cette œuvre conceptuelle baigne dans un climat ténébreux. Conceptuelle, parce que toutes les chansons tournent autour du même sujet. Même les plus pop (« Today » et « Debbie and Charlie » dont certains accents sont empruntés à George Harrison, ainsi que « How I got depressed and started a war » qui aurait pu relever du répertoire de Girls In Hawaii »), véhiculent des lyrics douloureux. Mais le plus étonnant procède de la présence de trois morceaux particulièrement longs et élaborés. Remarquables aussi. Qui nous replongent dans l’univers arty, brumeux, romantique, torturé, d’And Also The Trees voire de Sad Lovers & Giants. L’envoûtant, et complexe, presque prog, balayé de cordes de guitare gémissantes, « Tribal dance » (4’53), tout d’abord. « Five against six » (8’56) ensuite. Et son phrasé de guitare dramatique comparable à une houle perpétuelle. Oui, oui, comme chez And Also The Trees. Beau à pleurer ! Et lorsque l’intensité sonore atteint son paroxysme, c’est un peu comme si une aiguille vous traversait le cœur… Enfin, le final « New Eve » (10’34). De la même veine, mais en plus élaboré. En plus grandiose. Avec cette basse propulsive réminiscente de SL&G, ses quelques touches de claviers analogiques très 80’s (Berlin Blondes ?). Cette mélodie dense, céleste et hypnotique… Enfin, sachez que pour enregistrer cet elpee, le trio a notamment reçu le concours de l’ingénieur du son, Rudy Coclet (Calc, Sharko) et d’Olivier Mellano (Dominique A, Miossec) à la guitare. Un must !

Ce MC/producteur de New York a en son temps fait partie d’un des groupes de rap les plus influents du début des années 90, les biens nommés A Tribe Called Quest. Après le split de ces derniers, Ali s’est lancé dans l’aventure Lucy Pearl, chouette groupe très soul qui s’était taillé une bonne place dans les hit-parade (« Don’t Mess with My Man ») avant de se dissoudre comme neige au soleil. Quelques années ont passé. Tribe s’est entre-temps reformé pour une série de concerts et notre MC gardait dans ses valises cet effort solo depuis une bonne année. Après diverses galères, « Shaheedullah » (qui se traduit par « témoin de Dieu ») sort sur le label des Beatnuts. 18 morceaux d’un niveau fort inégal où Ali s’évertue à effectuer un crossover r’n’b un peu putassier et fort peu inspiré. Tout n’est pas à jeter, « Lord Can I Have This Mercy », « Industry », « Family » ou encore « Tight » prouvent que l’homme sait encore faire de bons morceaux mais l’accumulation lamentable de clichés sonores déjà entendus mille fois ailleurs mais en mieux (Dr Dre) ne rendent qu’encore plus décevant cet album, surtout lorsqu’on connaît le curriculum vitae du bonhomme.

Après l’ouragan de 1998 qui engloutit la baraque abritant le label des Mummies (Budget Rock), on n’avait plus trop de nouvelles des quatre rockeurs à bandages de Californie… Deux d’entre eux seraient même morts dans la tempête, sans parler de toutes leurs « master tapes », perdues à jamais dans les abysses de l’Océan Pacifique… Pour retrouver ces cassettes et rendre hommage une dernière fois à leurs compagnons d’infortune, ne restait qu’aux deux survivants du groupe à tenter l’impossible : remonter le temps et braver tous les dangers, jusqu’à draguer les fonds pélagiques et combattre la faune locale avide de chair molle. Il s’en aura fallu de peu pour qu’ils échouent en pleine nage crawl, mais c’est mal connaître les Mummies… Les voilà donc de retour avec cette compile d’époque. 22 titres d’anthologie en hommage à leurs deux frères : que du punk-surf qui tue, du rockab’ qui sent bon sous les pansements, du ‘retardo rock’ puissant et salé comme l’eau de mer. C’est crade mais c’est ‘collector’, comme un vieux Cramps qui pourrirait dans la cave de Dick Dale… Les Mummies sont à moitié sains et saufs, et leur musique est toujours aussi démente. Unga Bunga Zip A Dee Doo Dah ! ! !

Sacré tombeur ce Jean Louis !.... Non content d’avoir épinglé Mylène Framer (ça date), Camille et Armelle Pioline (des retro-tango-pop-française-à-l’ancienne Holden) à son tableau, c’est au tour de Jennifer Charles, la chanteuse d’Elysian Fields de s’acoquiner au bouillonnant Auvergnat... Accompagné du fidèle Fred Jimenez, Murat rempile pour 12 titres parmi les plus pop de toute sa discographie. Rendons à César ce qui lui appartient, le rôle de Murat dans la composition de cette galette se limite à l’écriture des paroles et au chant partagé de fort douce et belle manière par Jennifer Charles. Car toutes les musiques sont issues de la plume de Jimenez. Je vois les détracteurs de Murat s’écrier : “Voilà l’explication !”. Qu’ils se gaussent. N’empêche que “A bird on a poire” est excellent de bout en bout, ce qui n’était pas nécessairement le cas du “Parfum au jardin d’acacias” sorti il y a quelques semaines. A ce titre, une chanson comme “Elle était venue de Californie” illustre à elle seule toute la qualité des compositions ici présentes : paroles dignes de Murat (sans les lyrics et à moins d’être calés en géographie française vous m’en direz des nouvelles), duo de voix écrit sous forme de dialogue bilingue français/anglais (pour rappel Jennifer Charles est anglophone, mais elle chante en français), des cordes à tomber, un clavier et une batterie (presque) tout en discrétion. Bref, voici une nouvelle fois la preuve que Murat et sa clique incarne définitivement un pan unique de la production musicale hexagonale. Loin de se scléroser, de se répéter, du haut de son volcan, le Jean Louis laisse ses amis artistes issus de la capitale loin derrière. C’est où encore la Californie ???

Alors que Korn annonce son intention de lâcher une galette par an, créant ainsi un féroce débat au sein de la communauté (quid de la qualité ? de la bourse des kids ? etc.), du plus profond de son Auvergne, JLM balance de la musique aussi facilement que les touristes du pain aux pigeons sur la Place St-Marc de Venise. Après avoir commis un double elpee (“Lilith”) et avant une plaque pour la rentrée, le Louis s’amuse le temps d’un dvd enrichi d’un cd audio. Et le tout évidemment rempli de purs inédits... Au total donc une quinzaine de titres comme seul peut les composer l’artiste : lents, candides, bestiaux, murmurés, poétiques, salés, mortifères et langoureux. La liste pourrait être longue. Pour revenir au dvd et sans jouer les esthètes de salon entouré de son 5.1, disons que qualitativement, l’image en noir et blanc en jette, alors que la réalisation tranquille tourne autour des artistes interprétant un set de +/-70 minutes en studio, comme autant de points de vue impossibles à capter lors d’un concert traditionnel. Murat ne fracasse pas sa guitare, regarde peu ses musiciens, jette un oeil vague à Camille (qui assure les choeurs sur certains titres). Le problème majeur des différentes compos ici présentées, réside dans leur longueur parfois excessive. Les morceaux traînent, laissant les six cordes s’envoler dans un revival noisy un brin lassant de par leur systématisme. Autre remarque : l’absence entre les titres de la mise en place du morceau suivant. Au bac toute la complicité qui peut unir le groupe; l’humour ou les erreurs. Murat pose donc une distance qui risque de désintéresser le spectateur/auditeur. En aucun cas le dvd de “Parfum...” n’est un moment partagé. Dommage.

Mus c’est avant tout Monica Vacas et Fran Gayo, un duo issu de Gijon, une cité sise dans le nord est de l’Espagne. En Asturies, si vous préférez. La nuance est importante, car les textes sont chantés en asturien. Par Monica. Dont le chuchotement sensuel, éthéré, évoque instantanément Hope Sandoval. La musique de Mus est d’ailleurs aussi languissante que celle de Mazzy Star, mais privée de ses caractéristiques country. Parce que l’instrumentation est essentiellement partagée entre le piano, un clavier, la ‘six cordes’ (le plus souvent acoustique, mais aussi électrique), le dobro et quelques percussions. Ce qui n’a pas empêché le couple de recevoir le concours de quelques collaborateurs. « Divina lluz » évolue donc en plein minimalisme, mais un minimalisme poétique, visionnaire, atmosphérique, mélancolique… Pastoral même sur le moyenâgeux « Pala xenra blanca ». On a même parfois l’impression d’être en présence d’une bande sonore pour un long métrage. Tourné en Espagne, bien sûr. Les lyrics (d’après la bio), traitant de contes de mort, de désespoir, d’ode à la solitude et de luttes politiques. En fin de parcours, la valse brumeuse « A la fonte cada manana » et « Adios », sur lequel une voix caverneuse récite sa prose sur un lit d’orgue et de xylophone, ne peuvent m’empêcher de penser au film « Le fabuleux destin d’Amélie Poulain ». Titre plus élaboré, « Na esplanada » conjugue acoustique et électricité dans un registre slowcore que n’aurait pas renié un Low. Dommage d’ailleurs que ce type de morceau soit aussi rare sur cet opus. Il a d’ailleurs beau être planté au beau milieu du track list, il ne parvient pas à extraire la plaque d’une certaine morosité ambiante…

A l’écoute du premier opus éponyme de ce quatuor de Leeds, j’étais resté littéralement sur le cul. Un disque sur lequel peu d'espace avait été réservé à la récupération. A cause de la constante du flux sonore dévastateur, tumultueux et viscéral. Et puis de la voix de Robert Harvey. Et quelle voix ! Haut perchée, stridente, sauvage, elle mettait littéralement le feu à la musique. Un peu à la manière de Robert Plant, lorsqu'il sévissait chez Led Zeppelin. Bref, avant d’écouter ce « Welcome to the North », mon enthousiasme était à son paroxysme. Et l’elpee démarre sous les meilleurs auspices, par le titre maître ; une compo tempétueuse, menaçante, à vous faire perdre le nord. Et embraie par le fiévreux et turbulent « Freedom fighters ». Puis le soufflé retombe. Il faut attendre le très énervé « I need love » pour retrouver une lueur d’intensité frénétique. Et le reste ? On a l’impression que The Music a beaucoup trop écouté U2 avant d’entrer en studio. Et cette propension à rendre chaque mélodie hymnique devient finalement agaçant. Dommage ! Je me demande d’ailleurs ce qu’ils sont allés faire dans les studios à Atlanta, en Georgie, sous la houlette de Brendan O’ Bien, dont la carte de visite mentionne quand même Pearl Jam, Soundgarden, R.A.T.M. et Bruce Springsteen ! The Music nous doit une revanche !

Il existe de ces disques dont on ne sait que penser. Même après des mois au cours desquels il a traîné chez vous. Après l’avoir écouté à maintes reprises sans jamais mettre le doigt sur ce qui vous empêche de donner votre avis, vous n’êtes pas plus avancé : d’un côté le redac’ chef s’impatiente et vous tanne toutes les semaines et de l’autre l’artiste vous fait une mauvaise pub. Enfin je pense. Désolé. Ca arrive. Mais lorsque vos sentiments sont autant partagés et versatiles, vous faites gaffe. A première écoute, vous appréciez la qualité générale de la plaque, dont le style semble avoir été hérité en ligne droite de la chanson française immortalisée dans les bars parisiens, avec sa cohorte d’amis fans. Le duo de voix rafraîchit l’ensemble en une variété complice. Groupe belge, Melon Galia entretenait ce genre de dialogue. L’instrumentation se veut riche, mais reste dépouillée, sans que l’un ou l’autre instrument ne prédomine. La musique est donc plaisante. Par contre, les textes risquent fort de déclencher des avis divergents. N’est pas Gainsbourg qui veut ! Des textes dont l’équilibre instable risque à tout moment le cassage de gueule. Et c’est à ce moment là que vous jouez à pile ou face avec ce disque. Dans de mauvaises dispositions, c’est l’embardée. Dans les autres vous ne les écouterez pas. D’un niveau scolaire moyen, les déclinaisons thématiques (NDR : et en particulier sur le titre maître) soufflent le chaud et le froid et vous ramènent à ces lettres d’amour enflammées jamais envoyées à votre cop(a)in(e) de banc. Paradoxalement, parfois ça passe. Donc on aimerait y croire. Mais parfois aussi malheureusement ça casse. Mais lorsqu’un groupe bénéficie d’un tel capital sympathie, vous ne pouvez que leur souhaiter du succès. Car finalement je commence à les connaître les paroles par coeur...

Le vieil harmoniciste aveugle vient de se rendre coupable d’une infidélité auprès des Rockets d'Anson Funderburgh. Sam est né à Laurel, dans le Mississippi. En février 1936. Très jeune, il manifeste un véritable don pour la musique. A la trompette et aux percussions, tout d’abord. Une aptitude qui l’incite à fréquenter l'école de musique de Chicago. C’est à cette époque que le déclic se produit. En côtoyant des géants du blues local : Muddy Waters, Howlin' Wolf, Little Walter, Hound Dog Taylor, Elmore James, et bien d’autres. D'ailleurs, durant une dizaine d'années, il jouera de la batterie dans le band du roi de la slide guitare. En 1956, il enregistre déjà sa composition qui sera sa plus célèbre : "Sleeping in the ground". Il tourne ensuite inlassablement dans les clubs de Jackson. A partir de 1986, il fait équipe avec le redoutable guitariste texan, Anson Funderburgh. Au sein de ce team, il va commettre la bagatelle de huit elpees, dont le premier s’intitule "My love is here to stay". Il a également collaboré à la confection de l’un ou l’autre disque pour des amis texans : Joe "Guitar" Hughes, Hash Brown, Robin Banks et Jim Suhler ; sans oublier les nombreuses sessions d'Elmore James auxquelles il a participé. L'homme a multiplié les WC Handy Awards : en solo, comme chanteur et harmoniciste ou encore entouré des Rockets.

 

« Coming from the Old School » constitue son premier album personnel. Il a quand même reçu le concours des musiciens maison d'Electro-Fi : Mel Brown à la guitare et aux claviers, Michael Fonfara aux claviers, Pat Carey aux saxophones, Alec Fraser à la basse et Jim Boudreau aux drums. Sam étale toute sa verve. Sa puissance de feu est intacte dès qu'il aborde son "I'm tired of your jive". Hilare, il se trémousse tel un jeune adolescent. Pat Carey laisse alors échapper son premier solo au saxophone. Il reprend ensuite, de manière classique, le "Ninety nine" de Sonny Boy Williamson II., en lâchant au passage un solide exercice de style sur son harmonica. "I got a thing for the voodoo woman" est une plage funky, dansante. Fonfara siège à l'orgue Hammond. Les musiciens se libèrent, Pat au sax et puis un Mel Brown très relax sur ses six cordes. Bien imprégné du Chicago southside, "Burning fire" est un slow blues classique. Fonfara est passé au piano pour cette reprise d'Otis Spann. Mel joue avec beaucoup de retenue, ne laissant filtrer que sa sensibilité exacerbée. Imprimé de nouveau sur un tempo funky, le très neveux "Waitin' on you mama" permet à Fonfara de prendre son pied derrière son piano. Mais on ressent également toute la joie que manifeste Sam, lorsqu’il souffle dans son instrument. Myers a le blues. Il le respire à pleins poumons. Bien lent, son "I got the blues" nous fait frémir. Quel bonheur de percevoir Mel Brown faire vibrer sa guitare de manière si originale. Le climat de l'album demeure serein. A l’instar du "My daily wish" de Robert Lockwood Jr, un blues tellement émouvant. Guitariste canadien particulièrement réputé, Jack DeKeyzer fait alors son apparition. D’abord sur le saignant "You don't know what love is all about". Il y manifeste beaucoup de présence et libère énormément de punch. Jack est toujours au poste pour le titre maître. Une plage très lente qui accorde beaucoup de respect pour le blues traditionnel, tout en laissant la part belle à tous les intervenants : guitare, harmonica et piano. "Country boy" est une plage très roots. Jack siège à la guitare acoustique, Mel est au piano, Sam se concentre sur l'harmonica. L’émotion est très palpable ! Bien nerveux, "Money is my downfall" est un bijou de shuffle. Sam chante avec conviction. Tout est bien en place. La guitare et le piano font merveille. Les trois dernières plages se consacrent au bon vieux downhome blues, des plages lentes bourrées de feeling, à l’instar de cette merveilleuse finale intitulée "Let you slowly bring you down". Recommandé !