« Born into the waves » constitue le 13ème opus studio d’And Also The Trees, un disque qui s’inscrit davantage dans la lignée de « Hunter not the Hunted » que de l’Ep éponyme, paru en 2014, essentiellement acoustique. L’inspiration des compos de ce nouvel elpee émane d’une tournée accomplie en Europe de l’Est et au Japon. Et les lyrics traitent de l’amour, non pas sous sa forme traditionnelle, mais comme une émotion et une force par opposition à la haine : lumière et obscurité, énergie et destruction. Tout un programme qui, vu le contexte dramatique actuel, prend plus que jamais toute sa signification.
Tout au long de l’œuvre on retrouve ces fameuses cordes de guitare en couches qui sonnent soit comme des mandolines ou du balalaïka. C’est une marque de fabrique d’AATT, entretenue par Justin Jones. Et tout particulièrement sur « Boden » ainsi que les trois premiers morceaux de l’elpee, des morceaux mélancoliques, empreints de délicatesse, que Simon chante ou déclame à la manière d’un conteur, et qui évoquent plus que jamais le célèbre long métrage « Docteur Jivago », mais au cours desquels le drummer/percussionniste impressionne par ses interventions empreintes de subtilité et de feeling (« Your guess », « Hawksmoor & The Savage », « Winter sea »). Elément neuf, la présence de sonorités claviers et surtout d’orgue. Sonorités créées par la guitare de Justin Huw Jones (NDR: et c'est tout à fait bluffant!) Elles rappellent même et curieusement le Genesis de l’époque « Trespass ». A l’instar de « Seasons & the storms », sur lequel Adam Sherry (Dead Forest Index) vient poser la voix, une plage dont le vent d’optimisme tourne étrangement à la mélancolie. Ensuite sur la ritournelle « The sleepers ». Et enfin lors du morceau de clôture, « The Skeins of love », un titre remarquable, mystérieux, dont le groove hypnotique est dynamisé par la ligne de basse jazzyfiante et les drums à la fois souples et amples, alors qu’une clarinette traverse épisodiquement cette piste, dans l’esprit du « Pierre et le loup » de Sergueï Prokofiev.
Simon Huw Jones se lance dans le ‘spoken word’ tout au long du minimaliste « The bells of St Chritopher’s », une compo qui s’achève par quelques bruitages électro, cliniques, comparables à ceux émis par une machine de réanimation cardio-pulmonaire. Un instrumental ? « Naitô-Shinjuku ». Qui met surtout en exergue les percus de Paul Hill, et tout particulièrement des cylindres fabriqués par ses soins. Ce qui communique un climat oriental à ce morceau.
Spectral, « Bridge » alterne entre deux tempos. Et lorsqu’il devient offensif, on ne peut s’empêcher au « One of these days » du Floyd.
Bref, And Also The Trees vient de commettre un des meilleurs albums de sa discographie et peut-être déjà un des albums de l’année. On en reparlera. Il se produira à Bruxelles (Os à Mœlle) et à Paris (Petit Bain), respectivement, ces 30 et 31 mars, mais c’est sold out pour ces deux dates.
« Multi-Love », le troisième elpee d’Unknown Mortal Orchestra, est paru l’an dernier, et il faut reconnaître qu’à première écoute, hormis deux morceaux, cet album n’avait guère convaincu votre serviteur. Après avoir assisté à sa prestation dans le cadre du festival de Dour, l’an dernier, il était quand même temps de faire le tour du propriétaire. Mais si le nouveau bilan est moins négatif, il demeure néanmoins fort mitigé.
« Multi-Love » (NDR : c’est le titre maître), en ouverture, fait instantanément mouche. Sublimé par des percus puissantes, il se distingue par des notes de synthé bien senties. Et « Can't Keep Checking My Phone » constitue certainement une des meilleures compos enregistrées par le groupe, à ce jour, le band parvenant à réaliser la parfaite synthèse de tout son potentiel, en agrégeant indie rock et r’n’b. Malheureusement, les tentatives de fusion entre d’autres styles se révèlent le plus souvent indigestes. On épinglera cependant un titre catchy comme « Ur Life One Night » ou encore une piste expérimentale intitulée « Extreme Wealth and Casual Cruelty ». Mais en général, les compos du band néo-zélandais manquent cruellement de puissance. Et faute de grandes envolées, l’ensemble s’avère finit par voler au raz des pâquerettes.
Trop inégal, « Multi-Love » est partagé entre titres susceptibles de faire danser son public et morceaux tellement brouillons qu’ils ne présentent finalement qu’un intérêt plus que relatif. Il s’agit quand même de la troisième fois qu’Unknown Mortal Ochestra se contente de remplir son verre à moitié. A moitié vide ou plein, selon les affinités ; cependant, il serait quand même temps qu’il nous en serve un bien tassé…
Après avoir écumé les plus belles salles de France, de Suisse, de Russie (Moscou) ou encore d’Angleterre (Londres), c’est à Bruxelles, et à Forest National plus précisément, que Calogero a décidé d’immortaliser ‘live’ son excellentissime « Feux d’artifice ». C’était le 25 avril 2016.
Fruit d’une collaboration entre Marie Bastide (son épouse), Dominique A., Alex Beaupain, Christophe Cirillo et Paul Ecole, ce sixième opus studio avait reçu d’excellentes critiques, lors de sa sortie, en 2014. Ce qui lui a permis, notamment, de décrocher une Victoire de la Musique, l’année suivante. Mais ce succès populaire lui a surtout permis d’écouler un peu plus de 700 000 exemplaires de ce disque et puis d’accomplir une tournée de 83 dates qui a drainé 350 000 spectateurs.
Sans aucune surprise, « Live 2015 » survole plus de vingt ans d’une carrière bien remplie. Le chanteur y aborde certes les thématiques sociétales de son dernier bébé telles que les familles recomposées (“Le Monde moderne”), l’homosexualité (“J’ai le droit aussi”) ou encore des enfants sans mères (“Le Portrait”, deuxième extrait de l’histoire très émouvante de ce petit garçon dessinant sa mère que l’on devine décédée, à la craie), mais aussi des titres qui l’ont poussé en haut de l’affiche : "Aussi libre que moi", "En apesanteur", "Face à la mer", "Tien An Men", "Yalla", "Si seulement je pouvais lui manquer" ou "C'est dit"...
Le tout bien évidemment dans une ambiance survoltée que l’on devine en écoutant les hurlements en filigrane !
Un des moments forts de ce concert reste « Un jour au mauvais endroit », un morceau au cours duquel le public, encouragé par l’artiste, clame haut et fort son indignation face au drame d'Echirolles (banlieue de Grenoble) où deux jeunes adolescents ont trouvé la mort.
Le bassiste le plus populaire de l’Hexagone, poursuit donc un chemin inexorable et capitalise une fois encore ce qui fait son succès depuis le début : de belles mélodies et des textes poignants.
Bref, les feux d’artifices de Calo continuent de nous laisser des étoiles plein les yeux !
Dans l’univers du rap français, Nekfeu a marqué de son empreinte l’année 2015. Son premier elpee, « Feu », est paru début juin. Cinq mois plus tard, il se produit à l’Ancienne Belgique, devant une salle comble. Et en décembre, il réédite son long playing. Ce qui a inévitablement entraîné une forte demande pour qu’il se produise à nouveau en concert, au sein du Royaume. Et afin de satisfaire un max d’aficionados, le rappeur du S-Crew a finalement décidé de fixer cette deuxième date du ‘Feu Tour’, à Forest National. Une excellente initiative !
Flanqué d’Hologram’ Lo (DJ), le duo Phénomène Bizness assure le supporting act. Comme tout au long de cette tournée. Pas étonnant, quand on sait qu’il relève du même label que Nekfeu. Réunissant John Hash et Saïga, la paire est loin d’être méconnu du public de la tête d’affiche, puisqu’elle a également participé à la nouvelle mouture du premier LP solo du rappeur. Les deux acolytes enchaînent les titres face à un auditoire presque comble et très réceptif au set proposé. Ils reprennent quelques uns de leurs morceaux majeurs comme « Les Nuits Parisiennes », « Bizi Baby » ainsi que leur couplet de « Les Bruits de ma Ville », issu du long playing de Nekfeu. En une demi-heure, Phénomène Bizness a délivré un show particulièrement convainquant. Et laissé des braises chaudes pour la tête d’affiche…
Lorsque retentissent les premières notes de « Martin Eden », il ne reste pratiquement plus de place libre. L’entrée en scène de Nefkeu est tout à fait étonnante. Fracassante même. On laisse la surprise à celles et ceux qui n’ont pas encore assisté au concert. Il est accompagné de Doums, un membre de L’Entourage. Dès l’entame, il enflamme un auditoire particulièrement réceptif. Qui se lance dans quelques pogos, à la demande du Trinitaire sur « Tempête », avant qu’elle ne se calme, pour aborder « Egérie »…
La plupart du répertoire se concentre sur l’opus. Nekflamme (NDR : c’est un autre pseudo) est bien entouré. Outre Doums, il bénéficie du concours de S-Crew, pour nous fourguer quelques sons à l’ancienne. Surprise, le groupe MZ vient soutenir Nek pour interpréter « Les Princes ». Doums a également droit à un morceau en solo. Mais d’autres guests sont prévus. Ainsi, le tandem belge Jean-Jass et Caballero se réserve un extrait de « Double Hélice », un Ep dont la sortie est prévue pour la fin du mois avril. Et c’est Hamza qui complète la liste des collaborateurs belges…
Déjà pourtant bien servi en invités, le public belge n’est pas au bout de ses émotions, puisque S.Pri Noir débarque pour interpréter « Ma Dope ». Et le Parisien n’en reste pas en si bon chemin, puisqu’il accorde, quelques instants plus tard, un duo en compagnie d’Alpha Wann, pour le très efficace « Lunettes Noires ». Le dernier hôte n’est autre que Sneazzy. Il se distingue sur le couplet de « Deux-Trois », un track qui figure sur la nouvelle mouture de « Feu ». L’ambiance est alors survoltée. Nekfeu conclut son show par quelques titres phares dont « Reuf » avant de quitter définitivement l’estrade après avoir interprété « On verra ».
En deux heures de concert, Ken Samaras (NDR : c’est son véritable nom) a régalé son public. Dont il est resté très proche, tout au long du spectacle, s’offrant quelques bains de foule, y entraînant même son acolyte de scène, Doums. Ce qui aura eu le don de mettre l’auditoire de bonne humeur. Celui que l’on surnomme également le Fennek n’a jamais levé le pied ni laissé le moindre détail au hasard. Un show maîtrisé de bout en bout. Magnifique par son aspect visuel et le choix de ses invités. Pour son premier périple ‘solo’, Nekfeu ne n’est pas contenté des souffler sur les braises laissées par Phénomène Bizness, il a littéralement mis le feu à Forest National…
Nekfeu se produira cet été dans le cadre des festivals Ardentes et Solidarités.
(Organisation : Live Nation)
Castus revient avec un troisième album sous le bras. Dense et monomaniaque, il s'intitule "Orca".
Sortie prévue sur le label Matamore le 6 avril et release party aux Ateliers Claus.
Soutenu par les membres de Hoquet, Girls in Hawaii, Le Colisée, Mièle ainsi que de Françoiz Breut, Castus nous y livre ses instrumentaux musclés et colorés, entre une pop ondatoire et un rock expérimental prudent, pour 5 guitares, une basse et une batterie.
Reflet de l’énergie et du travail rythmique caractéristique de Kouzy Larsen, avec la voix pour mélodie mêlée à des sonorités brutes et martelées qui nous ramènent à la terre – d’où l’on vient – l’ombre donne cette voix aux passionnés, à ceux qui ont l'audace de vivre leurs rêves et celle de ne pas hésiter à entraîner les autres dans leur sillage.
C’est teintée de cet espoir que la chanson oscille entre raison et folie, fascination et dépendance, nuit et jour.
L’ombre décrit un Bruxelles qui change, une errance nocturne là où la gnole, les stups mais aussi les rêves trouvent leur place.
L’ombre est un cri de liberté.
Et pour voir le clip, c'est ici
Les prochaines dates de concert sont :
24.03.16 | Nostos, Xanthi, GR
25.03.16 | Ypogio, Thessalonique, GR
26.03.16 | Surprise Concert, Thessalonique, GR
Tournée Allemagne | été 2016
Tournée Hongrie | automne 2016
LYLAC vous propose un moment de délicatesse avec son morceau "As One", issu de son dernier album "Living by The Rules We're Making". Une version acoustique (disponible en cliquant ici) enregistrée au coeur d'un lieu historique de Bruxelles: l'Hôtel Métropole.
Une bonne nouvelle ne venant pas seule, LYLAC se produira dans le cadre des Francofolies de Spa le samedi 23 juillet à 20h!
23/04/2016: HEH on stagE Festival - Tournai
22/05/2016: Festival solidar xl - Place Fernand Cocq, Bruxelles
26/05/2016: Cellule 133 - Bruxelles
23/07/2016: Francofolies de Spa
15/12/2016: Centre Culturel de Chênée (Province de Liège)
20/01/2017: Centre Culturel de Verviers (Province de Liège)
17/02/2017: La Grange - Soignies
" En ces terres arrières, royaume des ronces tenaces où les arômes errent, la plume et la voix de MAKJA se jouent des lois de la gravité.
Pas d’artifice, juste une présence, une parole singulière portée dans la tradition des plus grands interprètes français.
Dès la première écoute, tout s’impose comme une invitation incontournable, comme un appel à l’émotion.
MAKJA a tout du buisson ardent : la densité et la révélation.
Dans un kaléidoscope de tableaux sauvages de paysages musicaux aux influences variées, MAKJA nous laisse entrevoir sa soif de multiplicité.
Il est de ces rencontres qui nous marquent. Ses mots touchent et laissent place à l’effet papillon ; d’oreilles à bouches, de rues à places, de caves à pavillons. "
Plus d'info sur le site officiel .
Le nouvel album de Jil is lucky, « Manon », sortira le 8 avril prochain chez Roy Music. Il sera accompagné d'un court-métrage musical en 360° qui permettra d'obtenir un travail plus abouti qu'un clip.
Cette sorte de Melody Nelson des temps modernes, narre une romance entre Jil et une jeune Djette branchée ayant pour toile de fond les nuits parisiennes.
Organisée le 8 avril, la release party sera retransmise en direct et en 360° et bénéficiera d'un reportage lors du JT de TF1.
Cliquez ici pour pour vous donner une idée de l’esthétique du projet.
Derrière Other Houses se cache Morgan Enos. Jusqu’à présent on connaissait surtout cet Américain comme co-fondateur du duo de doom-shoegaze, Hollow Sunshine. « Bad Reputation » constitue le premier album de son nouveau projet. Pour le réaliser, le multi-instrumentiste (NDR : outre la guitare, la batterie et le synthé, il se réserve le micro) a reçu le concours de son pote, Reuben Sawyer, seconde moitié de Hollow Sunshine, pour quelques morceaux. Mais, c’est bien Enos qui est à la barre et signe tous les titres.
Sur ce premier album ‘solo’, Morgan Enos laisse de côté les distorsions et ses dérivés. Plutôt que de nous balancer des vagues électrifiées, auxquelles il nous avait habitués chez Hollow Sunshine, il nous propose des morceaux de pop/rock/folk d’assez bonne facture.
L’elpee s’ouvre paisiblement par « Ladies of the Aeon » et « Sum of All Friends », deux titres bien sages et sans grande importance. Il faut attendre « Yellow and Starships », une plage caractérisée par son riff hypnotique pour nous réveiller tous les sens. Menos prend alors plaisir à teinter son folk/rock de psyché. Comme lors du « Computer of Life », tapissé d’interventions de claviers. Ces deux morceaux constituent certainement les deux moments forts de l’album. Malheureusement, le reste de l’elpee retombe dans l’anecdotique.
Deux titres –quoique excellents– sur un long playing, c’est un peu maigre. Aussi, qu’il ait bonne ou mauvaise réputation, ce disque risque fort de sombrer rapidement dans les profondeurs de l’oubli…
Claudio (ex-chanteur de Victoria) et Cédric on fondé My Silly Dogfish en 2010. Le duo est depuis passé à un quatuor, Loïc et Yannick se chargeant respectivement de la basse et de la batterie. La formation pratique une forme classique de rock teinté de folk. Pas de quoi révolutionner la planète musicale. C’est en tout cas ce que cet Ep 4 titres laisse comme impression générale, malgré des ingrédients suaves mais souvent bien trop sages… Si tout est parfaitement au point et indéniablement agréable à l’oreille, ces gentilles compositions, lorgnant vers les ballades pop/folk de Cocoon voir d’Ed Sheeran (« Catch My Eyes »), ne sont guères tranchantes. My Silly Dogsih se révèle cependant bien plus convainquant lorsque qu’il muscle quelque peu le ton, comme lors du final « Give Me Some ». Si le combo français veut se démarquer, il a tout intérêt à quitter les eaux tempérées afin de passer de l’amourette au véritable amour pour ce ‘stupide chien de mer’.
Mr Rick, alias Rick Zolkower, est issu de Detroit, un musicien passionné de blues, de jazz et d’americana, soit la musique des racines. Ses héros ont pour nom Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, Howlin' Wolf et John Lee Hooker. Ses premiers pas, il les a accomplis à la tête de Rick and The Biscuits, publiant "Cocktails and Cornbread", en 2005, suivi de "Whole grain", en 2009. Pour concocter cet opus solo, il a voulu reprendre des thèmes traditionnels du blues, du gospel, de la country et de l’americana. Des chansons qui ont marqué sa jeunesse. Il y révèle sa passion pour cette musique volontairement ancrée dans le passé, en se servant d'instruments qui ont fait la richesse et le bonheur d'une certaine époque ; les guitares bien sûr, mais aussi le violon et la clarinette.
L'artiste aime enrichir les traditionnels d’arrangements personnels. Il ouvre l’opus par "One kind of favour", mieux connu sous le titre de "See that my grave is kept clean", un morceau signé par le légendaire Blind Lemon Jefferson. Le concours de la guitare et du violon est judicieux. La voix passe parfaitement la rampe. La ligne de basse tracée par Alec Fraser est impeccable. Et l’ensemble adopte finalement une tonalité rockabilly. Tout comme pour "You'll need someone on your bond", un autre titre de cette légende, qu’illumine la basse acoustique de Tyler. "It's the bottle talking" est un morceau issu de la plume de feu Cindy Walker, une chanteuse de country. Enrichie par la gratte de Steve Briggs et le violon de Drew Jurecka, cette plage lorgne alors vers le country swing de Bob Wills & His Texas Playboys. Les cordes de Briggs sont littéralement envoûtantes, tout au long d’"Uncle Junior". Rick tire encore son épingle du jeu sur le très country "Hush" et le plus swing "Champagne don't drive me crazy". Jurecka impressionne au violon tout au long de la subtile reprise du "Liquid store blues" de Sleepy John Estes, mais également sur "Don't put my bourbon down". "Two little fishes" est une compo écrite par Rosetta Tharpe, une légendaire chanteuse afro-américaine de blues et de gospel. Et ces chœurs que se réservent les Ted Hawkins Singers (à ne pas confondre avec Edwin Hawkins) sont particulièrement soignés. Une piste qui met également en exergue la clarinette de Jono Lightstone et la mando-guitare de Mr Rick. Une mando-guitare qu’on retrouve sur "Death come into my room", un blues savoureux auquel participe également le violon et la guitare. Plusieurs plages baignent au sein d’un climat plus folk. Dont "I'll fly away", rehaussé par la voix féminine de Julie Hill. L’émouvant "I know i've been changed" est dominé par les cordes électriques de Mr Rick et la clarinette. Jerry Irby est un chanteur texan âgé de plus de 98 ans. Le combo adapte son "Drivin' nails in my coffin". En finale, on a de nouveau droit à une autre cover de Rosetta Tharpe, "Beams of heaven", une ballade gospel à laquelle participent bien évidemment les Ted Hawkins Singers. Et comme dirait Mr Rick : ‘Love whikey – Fear God’ (Traduction : aimez le whisky mais prenez garde à Dieu!)
La belgitude s’est une nouvelle fois imposée dans l’univers musical pour le plaisir de nos oreilles !
A l’instar des mousquetaires, ils sont quatre ! Calogero Marotta (le multi-instrumentiste), Christophe Enclin (voix), Patrick Schouters (batterie) et Marc Van Den Broeck (NDR : qui vient prêter main forte en ‘live’).
Costumes d’époque et épées au placard, les ‘Mauvais’ se sont ici simplement armés d’une feuille et d’un stylo pour planter un premier essai complètement absurde et décalé ! Une bien bonne surprise !
D’abord, parce que très coloré dans sa sonorité ! Proche de la ‘variétoche’ même ! Pas de ligne de conduite, certes ! Le disque part dans tous les sens et on s’y accommode rapidement ! On passe de la pop, au rock, sans oublier les rythmiques afros (« Boîte Noire ») ou encore un slow, sorte d’ersatz de la Boum où le singer s’entête à lanciner un non profond et caverneux tout au long de la chanson (« Non »).
On épinglera aussi la reprise hilarante, et en français, du standard « Word » de FR David qui vaut à elle seule son pesant de cacahuètes.
Ensuite, parce que les textes empruntent le même paradoxe ! Malgré un titre aussi déjanté que « Pour toi je peux devenir Gérard Depardieu », on est loin d’un album festif écervelé et ‘en dessous de la ceinture’ façon Patrick Sébastien. Ici, l’écriture, sans être réalisée dans un écrin de soie, est pensée intelligemment, avec tantôt de la drôlerie et tantôt de la franchise et de la sensibilité. Juste là où il faut sans exagération !
En filigrane, on peut y lire le récit d’une peine d’amour, ses paraboles et conséquences.
Le visuel du contenant est dans la même veine ! La pochette aborde joyeusement un Gégé (forcément) franco-belgo-russe flanqué d’une coquette robe de jadis dessinée façon peintres italiens de la Renaissance !
Reflet d’une récréation, d’une blague potache ou d’un cri du cœur, en gravant un tel LP, le groupe n’a pas voulu s'enfermer dans un carcan déjà entendu ici et là et a osé prendre du recul et des risques, notamment celui de ne s’adresser qu'à un public potentiellement élitiste !
Pourtant, ce long format mérite amplement qu’on s’y attarde. La pire des erreurs serait de tomber dans l’indifférence la plus complète !
Alors, Mauvais, groupe sérieux qui ne se prend pas trop la tête ?
En vérité, Manu ne vous est pas inconnue… Un petit effort quand même. Souvenez-vous ! Oui, oui, c’était l’ex-leader de Dolly, un groupe phare de la scène rock française qui a baissé pavillon, il y a plus de 10 ans, après avoir commis d’éphémères hits rock, comme « Je Ne Veux Pas Rester Sage ». « La Vérité » constitue déjà le troisième elpee solo d’Emmanuelle Monet, infatigable cheville ouvrière d’une musique fougueuse et efficace, née d’un subtil mélange entre rock et pop, aux fortes réminiscences 90’s. Entre salves power-rock (NDR : la reprise du « Teenage Kick » des Undertones), rock mélodique (« La Vérité », « Toi et Moi »), plages caractérisées par leur final lyrique (« A Quelqu’un ») et ballades bercées par la harpe et le violoncelle (« Je Pense à Toi »), la Nantaise alterne brillamment les genres. En outre, sa voix sensuelle apporte un plus à l’ensemble. Mais avant tout, elle y manifeste son amour du rock honnête… et véritable !
The Last Hurrah !!, c’est le projet du musicien et producteur HP Gundersen. Un Norvégien. Issu de Bergen, très exactement. Selon les circonstances et son humeur du moment, il invite quelques ami(e)s pour enregistrer toute une série de compos. Aucune ligne conductrice ne dicte sa voie. Pour enregistrer ce troisième album, Gundersen a décidé de faite la part belle à la voix de la charismatique Maesa Pullman. Sa frimousse tapisse d’ailleurs la pochette de l’album. C'est, en outre, elle qui se consacre au micro tout au long de « Mudflowers ».
L’album débute par deux morceaux de country-folk (« Okay », « The Weight of the Moon »). Les arrangements imaginés par Gunderssen sont riches. Mais ce sont la lap steel et le banjo qui font la différence. A travers sa voix empreinte de charme, Pullman tente de faire vivre ses récits, à l’instar de « Fairweahter Friend », un titre sur lequel elle n’hésite pas à hausser le ton. Mais, il faut bien avouer qu’on est loin de l’extase. L’ensemble se révèle un peu léger voire même un peu trop pop. Les morceaux se suivent et se ressemblent… Il faut attendre « You soothe me » pour que les événements se bousculent enfin. C’est-à-dire quand la musique intègre des éléments psyché. Soit lors des trois dernières plages. Tapissées de claviers et pimentées de solos de grattes, elles achèvent cet opus en force. Malheureusement, c’est un peu tard et il faut craindre que bon nombre de mélomanes risquent fort de décrocher bien avant cette apothéose. Dommage !
Pour fêter ses 20 ans d’existence, Faithless, héros de l’électro mainstream des années 90, propose une relecture –baptisée « 2.0 »– de ses classiques, exécutée par quelques stars contemporaines du genre, comme Avicii, Tiesto ou encore Booka Shade. Initiative anecdotique, peut-être, mais qui constitue toutefois une manière dévoyée et certainement plus originale de redécouvrir un répertoire plutôt que de se limiter à un simple ‘best-of’, même si les puristes du genre devraient être rassurés de savoir qu’un bonus cd réunissant ses singles, a été joint à celui des remixes.
« 2.0 » s’érige donc en sorte de condensé définitif du catalogue des Anglais. Une manière de démontrer l’influence que Faithless a exercé sur la nouvelle génération. Le trio réunissant le MC Maxi Jazz, DJ Sister Bliss et le producteur Rollo semblaient en hibernation depuis 2010, soit depuis la sortie de son elpee « The Dance ». Il nous accorde un reboot de ses tubes qui oscillent entre dance et trip-hop. Des adaptations souvent inégales mais néanmoins agréables à écouter (Armin van Buuren). Et tout particulièrement, des hits intemporels tels que « Insomnia » ou « We Come 1 ». A contrario de « God Is a Dj », une cover pseudo-futuriste immonde.
D'origine camerounaise Cécile Doo-Kingué est née et a grandi à New York City. Elle a vécu en France et s’est établie depuis au Canada, à Montréal très exactement. Chanteuse/guitariste/compositrice, elle a publié son premier album solo, "Freedom calling", en 2010. En 2012, elle embraie par "Gris", et début 2015, grave "Anybody listening Part 1 Monologues", le premier volet d'une trilogie solo. Pour le deuxième, qu’elle a intitulé "Dialogues", elle s’est entourée d’invités. Parmi lesquels le batteur/percussionniste Anthony Pajot semble avoir pris une part prépondérante. Un opus dont le blues explore les racines et la vie, dans la diversité de ses aspects.
Paradoxalement, six des neuf compositions de "Monologues" figurent sur "Dialogues", dans des versions différentes, bien sûr. Cécile a voulu leur communiquer une sensibilité de l’instant, à travers ses échanges avec les autres musiciens et choristes, et bien entendu l'amplification. Il semble toutefois que l'une des meilleures compositions "Bloodstained vodka", sorte à nouveau de sa chambre. Les versions sont-elles différentes? Oui, quelques voix semblent avoir squatté la ‘bedroom’ de Cécile et l'effet est vraiment très réussi! Ce texte traite des droits civiques et de la condition féminine dans la Russie de Poutine. Il faut reconnaître que si la femme présente sur "Dialogues" est la même, son répertoire prend une toute autre dimension, ici. Et la férocité ainsi que la détermination manifestée tout au long de "Riot & Revolution" en est une belle illustration. Armée de son bottleneck, Cécile invite le mélomane à réagir. Elle semble enragée. L’amplification est judicieuse. Elle est soutenue par une section rythmique et des chœurs féminins. Puissants, les accords de slide accentuent une impression de profondeur tragique. Anthony Pageot et Fredy V impriment un tempo implacable au blues/rock très offensif "Sweet talkin' devil", un brûlot au cours duquel la slide talonne le chant résolu. Et une sortie aventureuse de cordes ponctue cette généreuse reprise. Tout à fait excellent ! Daniel DJ Joseph a apporté sa Stratocaster pour épauler Miss CDK, sur "Anybodys listening", un blues lent impeccable caractérisé par une sortie de cordes créative qui se fraie son chemin au milieu de voies (voix ?) amies. Cécile démontre tout son talent de musicienne sur "Little bit", une plage nerveuse à la sensibilité exacerbée. Superbe blues, "Six letters" est un titre dramatique qui traite du racisme et des horreurs commis un peu partout sur la planète. La densité des cordes est accentuée par le concours de JC "Dook" Doo-Kingué au dobro et de Jesse Padgett au banjo. L'amie guadeloupéenne et québécoise d'adoption, Malika Tirolien, apporte son concours aux vocaux. Tramée sur un profil acoustique, "Thankful" est une autre très belle composition. Un peu soul quand même ; mais qui autorise une sortie surprenante et de haute facture de Cécile sur les cordes électriques. Contaminé par un climat jazz presque manouche, "Pure entertainment" libère énormément de swing, une compo à la fois empreinte de subtilité et propice à la bonne humeur. "Animal Kingdom", "Faith" et surtout "Sunshine lady" sont de solides morceaux blues/rock. Le tempo est syncopé, néo-orléanais. Son amie Malika Tirolien y participe. Cette très intéressante fresque musicale s’achève par une cover musclée et sans concession du "Manic Depression" de Jimi Hendrix (NDR : un titre qui figure sur l’LP "Are you experienced").
Issu de Toronto, Jake Chishom est un jeune chanteur, guitariste et compositeur. Il drive aussi son groupe, The Blue Midnights. Cette formation a surtout sévi entre 1998 et 2005 et se produit encore circonstanciellement en ‘live’. Au sein de son nouveau backing group militent Sly Juhas à la batterie et Jamison Elliott à la basse. "No more sorrow" fait suite à "Diamond in a coalmine" et à un Ep publié en 2009, "Love and war".
Le blues/rock proposé tout au long de "No more sorrow" est assez classique. Jake est loin d’être un manchot à la gratte. Sa voix est autoritaire et persuasive. Et le rock'n'roll "I'm on fire" en est une belle illustration. Il y démontre également toute sa dextérité et son allégresse sur ses cordes, à travers un premier envol. Jake et son ami Paul Reddick (NDR : également torontois, c’était le leader, chanteur et harmoniciste des Sidemen, un combo qui a récolté un franc succès, au cours des nineties et au début du nouveau siècle) cosignent "Weigh you down". Ce dernier apporte son concours à l’harmo sur cette plage bien balisée par la section rythmique. Indolent, "Is there another man" met bien en exergue la voix, avant qu’elle ne cède le relais à la gratte qui parvient à se libérer, mais tout en self control. Blues/rock bien construit, "Merry go round" est imprimé sur un tempo flemmard. La voix est chargée de feeling dramatique. La guitare se dédouble. Ballade majestueuse, "Just because you want to" lorgne vers le Jimi Hendrix Experience. La ligne mélodique est soignée. Les accords de gratte sont accrocheurs et prennent leur envol, bien suivis par ceux dispensés par la basse de Jamison. Sans aucun doute, l'une des meilleures compositions de l'opus. Cordes de sèche et de mandoline nous entraînent au cœur d’un climat sudiste tout au long de "Swamp stomp", un blues bien plus roots. Funky, I'm still alone" est une piste originale, un morceau au cours duquel les cordes du leader sont à nouveau bien senties. "I want you the way you are" s’ébroue sous une forme de blues/rock classique, avant de changer de cap pour permettre à la guitare de Chisholm de s’aventurer au cœur d’un savoureux psychédélisme. L’intro de "You never will" baigne au sein d’une atmosphère dramatique, une plage au cours de laquelle la gratte se révèle offensive, déjantée et dominatrice. Bénéficiant d’une excellente mise en forme, les titres de cet elpee montent progressivement en puissance, avant d’atteindre leur summum, en fin de parcours.
Originaire de la Georgie, Randall Bramblett est âgé de 68 ans. Au sein de la scène musicale du Sud des Etats-Unis, c’est donc un vétéran. A l’origine, il était destiné à embrasser une fonction de séminariste. Mais finalement il a opté pour une carrière musicale. Chanteur, compositeur, musicien de studio et showman, il s’est forgé une notoriété en côtoyant –notamment– Greg Allman, Bonnie Raitt, Robbie Robertson, Elvin Bishop et Stevie Winwood. Il a également et longtemps milité chez Sea Leavel. Drivé par Chuck Leavell, ce groupe de southern jazz/rock a sévi à la fin des 70’s. Ce muti-instrumentiste est capable de jouer aussi bien des claviers, du saxophone, de la guitare, de l’harmonica que de la mandoline, mais également de s'attaquer à des tas de styles différents, tels que le blues, rock, folk ou gospel. Il compte déjà une bonne douzaine d'albums personnels à son actif. La majorité des plages de son dernier opus, "Devil Music", ont été enregistrées au studio Sound Stage de Nashville, sous la houlette de Gerry Hansen. Pour la circonstance, il a reçu le concours de son backing group, ainsi que de quelques invités.
"Dead in the water" est une ouverture classieuse. Randy Hanse, le drummer, imprime le tempo de cette plage, caractérisée par la présence de trois guitaristes ; en l’occurrence, Davis Causey (ex-Sea Level), Nick Johnson (Bramblett Band) et, surprise, Mark Knopfler en personne. Randall se consacre au chant et siège derrière l'orgue Hammond. Une légère rythmique balise "Devil woman". Les percus sont hypnotiques mais très contemporaines. Le tempo est versatile. Randall est partagé entre orgue et saxophone. Terne, la voix colle bien au style. Surprenant ! Et la compo traite du dialogue difficile entre le jeune Howlin' Wolf et sa maman à propos du blues, la musique du diable. Un style qu’approfondit Bramblett sur le très riche "Bottom of the ocean". Soutenue par des chœurs, la voix est un peu plus exposée. Les grattes de Causey et Johnson tirent leur épingle du jeu face à une solide section de cuivres, constituée de Randall au sax ténor ainsi que Tom Ryan et Kevin Hyde aux barytons. "Angel child" baigne au cœur d’une atmosphère chaleureuse. La voix est overdubbée. Une des meilleurs plages de l’elpee qu’illumine la slide de Derek Trucks (NDR : aujourd’hui, il est considéré comme un des maîtres sur cet instrument, à cause de son talent, mais aussi de sa créativité). Randall et Davis Causey cosignent "Pride in place", une piste nerveuse au cours de laquelle la voix originale et étrange du Georgien est parfaitement exploitée. L’un des deux gratteurs (probablement Causey) se réserve un bel envol sur ses cordes, se servant du tremplin proposé par les percussions généreuses de Hansen. Insolite, "Reptile pilot" est un morceau qui aurait pu naître d’une jam intégrant des éléments de jazz, rock et blues. Un créneau exploré jadis par Sea Level. D’ailleurs, l’ex-leader de ce combo, Chuck Leavell, se réserve, pour la circonstance, le piano ; un piano qui rivalise avec le saxophone de Bramblett. Des arrangements complexes, étranges, troublants même, entretiennent "Whiskey headed woman", une plage qui met en exergue les différentes facettes du talent de Randall, tant aux claviers qu’au saxophone, mais également du bassiste, Michael Rhodes. "Strong love" change encore de profil. Une compo qui baigne dans une ambiance R&B. Elle monte progressivement en puissance, tirant parfaitement parti de l'orgue Hammond et du synthétiseur. Piano et orgue tapissent "Ride", un blues particulièrement lent, minimaliste et dépouillé. Et le reste de l’opus est toujours d’aussi bonne facture, à l’instar du plus soul "Thing for you" et du R&B entraînant, "Missing link". Randall Bramblett est de nouveau parvenu à concocter une œuvre totalement différente de ses précédentes. Et sans jamais se départir d’un souci permanent de qualité.
Fondé en 2012, 3 Dayz Whizkey est issu du Sud de l’Allemagne. Un trio de blues/rock impliquant alors le guitariste Tilo George (T.G) Copperfield, le bassiste Big Tony et le drummer Little Chris. Dans la foulée, il publie l'album "The devil and the deep blue sea", chez Timezone. Le line up passe ensuite à un quintet, lorsque débarquent le guitariste Brad the Snake et le chanteur Myles Tyler. Le deuxième elpee, "Black water" paraît en 2013. La formation tourne inlassablement dans son pays où elle y rencontre un gros succès, décrochant même plusieurs prix. Elle repart en tournée et grave un troisième opus, intitulé "Steams", l’année suivante, un disque dont les compos agrègent rock'n'roll, southern rock, R&B et country. "Live and let live" constitue son premier long playing ‘live’. Et les plages sont à la fois brèves et percutantes.
Le concert s’ouvre en force par "Amen rock and roll" et "The long road". Sculptées dans le southern rock, ces deux plages sont abordées dans l’esprit de Dan Baird. La voix colle parfaitement à l’expression sonore. Puissantes, les grattes sont bien mises en avant. Sans prendre connaissance de la biographie du groupe, on aurait tendance à imaginer le band issu de Nashville. A cause de ces sonorités généreusement trempées dans l’americana. A l’instar de son cheval de bataille, "3 days whiskey", un morceau de rock’n’roll qui déborde d’énergie, mais libère des effluves manifestement country. "You make my day" opère un retour au southern rock. Puissant, pimentés, les riffs de gratte dispensés par T.G et Brad the Snake se succèdent. Des accords qu’on retrouve sur le plus blues "Back to the blues". On en décèle des ‘rollingstoniens’ tout au long de… "Mick Jagger", une plage hantée par des légendes comme Chuck Berry, Muddy Waters et BB King. Un climat qu’on retrouve sur "White line", mais davantage dans l’esprit de "Jumpin' jack Flash" voire de "Brown sugar". Caractérisé par sa rythmique particulièrement rock, "The Devil and the deep blue sea" nous replonge dans l’univers de Rod Stewart circa The Faces. Un des sommets du concert ! L'ambiance vire au roots tout au long de l’impeccable "From sunrise to sunset". Country dans sa progression, cette ballade permet aux cordes de conjuguer mélodie et esthétisme. Des riffs écrasants ne laissent émerger que la voix de Myles Taylor tout au long du southern blues/rock primaire "No escape from the night". "Another days goes by" clôt le concert. Une finale essentiellement acoustique. Ou plus précisément country.
Trois titres ont été enregistrés dans un studio en Allemagne, et remasterisés à Los Angeles. Ce sont les bonus tracks. La chanteuse allemande Sabine Scherer (ex-Deadlock) y épaule Myles aux vocaux. Plage délicieuse, "Hard to be good" est tapissée par les interventions d’un orgue Hammond et sculptée dans des cordes élégantes ; un peu dans le style de Tom Petty and The Heartbreakers. "Down with the blues" est un solide blues/rock. Et dépouillé, "Sand" est une ballade folk qui ne manque pas de charme.
Agé de 35 ans, Sean Pinchin est issu de Toronto. Ce chanteur, guitariste et compositeur n’en est pas à son premier album. Paru en 2013, son précédent s’intitule "Rust Bucket" ; et apparemment "Monkey brain" constitue son cinquième. Un disque pour lequel il a de nouveau reçu le concours de Rob Szabo à la production. En principe, le Canadien se produit en formule trio, Mark McIntyre se consacrant à la basse et Adam Warner à la batterie. Lors des sessions, Rob a également apporté sa collaboration aux claviers. Sean possède une rare maîtrise du bottleneck et c'est bien cette technique qui domine ce nouvel elpee.
Puissant, le titre maître ouvre l’opus. Ravageurs, les riffs de slide balaient tout sur leur passage. "Can't stand it" élève le tempo. La voix de Sean est nerveuse mais autoritaire. Accrocheuse, sa slide la traque. Déterminante, la section rythmique balise l’ensemble. Le travail de mise en forme opéré par Szabo est efficace. A l’instar de "Charity case", une superbe piste qui met bien en exergue la voix et les arrangements plutôt complexes, des arrangements qu’enrichissent les percussions décisives de Warner. La slide libère une énergie phénoménale face aux claviers de Szabo tout au long de "Hard luck", une plage imprimée sur un tempo entraînant, vivace, spasmodique. Ce qui n’empêche pas la voix du chanteur de se mettre à nouveau en évidence. Elle devient d’abord tendre, indolente et dramatique sur "Living in the past", avant d’être rejointe par celles d'Emma-Lee et de Szabo Moment, moment choisi par Adam Warner pour injecter ses percus. La slide peut alors s’autoriser une sortie classieuse, pendant que les harmonies vocales se convertissent à la pop. Blues/rock, "Goin' hobo" baigne au sein d’un climat swamp. Flemmardes, les sonorités sont chargées de reverb. Les vocaux sont dispensés sous forme de chœurs. Et la slide finit par s’emballer, poursuivie par la section rythmique. Dans le même style, "Monsters" met davantage l’accent sur le chant et les percussions inventives de Warner. La slide peut une nouvelle fois décoller, mais dans un registre cool, peu usuel dans le genre. "Get burned" clôt l’elpee. Le trio s’y révèle particulièrement homogène. Une piste dont la construction est à la fois complexe et audacieuse. Les arrangements vocaux sont surprenants. Les changements de tempo vous transportent. Dommage que le disque n’aille pas au-delà de la demi-heure...
C’est en 2006, que la carrière d’Enter Shikari a démarré (NDR : fondé en 2003, il est issu de St Albans, dans le Hertfordshire). Son premier elpee, « Take To The Skies », s’écoule alors à plus de 100 000 exemplaires et décroche un disque d’or. Mais la raison de ce succès foudroyant procède de son style. Un style hybride, ultra efficace, fruit d’un cocktail entre hardcore mélodique, rythmes ‘trance’ et hard rock électronique. Son quatrième elpee, « The Mindsweep », est paru l’an dernier. Percutant, il se distingue par des vocaux davantage brutaux, mais surtout par le concours de cuivres et de cordes susceptibles de propulser la musique dans une autre dimension. Il s’agit déjà de la sixième visite du band insulaire à l’AB.
Premier supporting act, Hacktivist, entame son set à 19h00 précises. La salle commence à se remplir. Il ne restait d’ailleurs plus que quelques places disponibles, avant le show. Le combo n’a guère d’espace pour s'exprimer. Le quintet britannique (NDR : il est originaire de Milton Keynes, en Angleterre) implique deux vocalistes (J Hurley et Ben Marvin), le gratteur Timfy James, le bassiste Josh Gurner et le drummer Rich Hawking. Son style ? Du rap/métal !
La set list va puiser allègrement dans son dernier elpee, « Outside The Box ». Les 2 MC’s s’époumonent. Les riffs de gratte ont la pêche. Le drummer inflige la cadence. Les morceaux sont manifestement hantés par les Beastie Boys, Cypress Hill et Run-D.M.C., même si une fameuse dose de dubstep permet à l’expression sonore de bifurquer régulièrement vers l'univers de Faith No More voire de Limp Bizkit.
Difficile à expliquer, mais au départ, votre serviteur était assis bien confortablement. Mais comme subjugué par le show, il se lève et s’approche du podium. Faut dire que particulière et instinctive, la musique prend aux tripes. D’ailleurs le public réagit spontanément et s’agite de plus en plus, surtout aux premiers rangs. Et en une demi-heure, Hacktivist va régaler autant les jambes que les oreilles. (Pour les photos c’est ici)
Modestep assure le second supportig act. Un combo londonien fondé en 2010. Mélodique, son hard rock électro est teinté de dubstep et de drum&bass. Josh Friend en est le leader. Il est aussi producteur. Mais surtout chanteur. Quand il grimpe sur l’estrade, on remarque ses impressionnants tatouages sur le cou. Il est soutenu par son frère Tony, à la guitare et aux machines, le drummer Pat Lundy, et le gratteur solo, Kyle Deek. Tout au long du set, ce dernier restera planté à gauche du batteur. Coiffé d’une casquette retournée, il est plutôt de grande taille. Mais c’est lui qui balance les riffs meurtriers. La musique semble née d’un croisement entre The Prodigy, The Script et Skrillex. Devant l’estrade, les aficionados sont particulièrement excités. Et se lancent dans un crowdsurfing qui conduit les audacieux jusqu’au fond de la salle. Plutôt satisfait, Josh les félicite. C’est réciproque, car ce soir, Modestep s’est littéralement déchaîné. Si Enter Shikari fait mieux, on va finir six pieds sous terre ! (Pour les photos, c’est là)
La fosse est ainsi chauffée à blanc lorsque les musicos d’Enter Shikari débarquent. En l’occurrence le chanteur/multi-intrumentiste Roughton 'Rou' Reynolds (NDR : il est aussi à l’aise derrière les ivoires qu’à la gratte), le second guitariste Liam Clewlow et le batteur Chris Botten. Il est alors 21 heures. Et dès les premières mesures, on est impressionné par le light show.
Quand « Sorry, You'Re Not A Winner » retentit, le public se lâche totalement. Faut dire que Rou semble en très grande forme. C’est d’ailleurs lui qui va dynamiter la soirée. On le voit partout : devant, derrière, accroupi devant ses fans. Il aide même un aficionado à se lancer dans la foule depuis le podium. Il signale que le trio va nous réserver, un titre jamais interprété en ‘live’, « The One True Colour. Une perle ! Rou s'installe derrière les claviers pour attaquer « Juggernauts », un morceau plus paisible. La cover du « Angels » de Robbie Williams est superbe. Plusieurs compos bénéficient de projections vidéos. A l’instar du désopilant « Gandhi Mate, Gandhi ». Mais progressivement la foule s’enflamme à nouveau. Le mix judicieux entre morceaux récents et plus anciens y contribue. L’énergie libérée est authentique, sauvage, brute de décoffrage. « Mothership » va provoquer une véritable euphorie. C’est le morceau qui termine le show. En parfaite communion avec les artistes, la foule reprend le refrain en chœur.
Lors du rappel, le batteur monte sur sa grosse caisse et brandit le drapeau belge ; une manière de rendre hommage aux victimes des attentats perpétrés dans la capitale. Mais le combat n’est pas terminé. Les Anglais mettent toute la gomme pour affronter l'énorme « The Appeal & The Mindsweep II ». Le public a mis un genou. Enter. Peut-être même les deux. Il n'y a plus qu'à se rendre ; et pour les plus courageux, au Club, afin de vivre une after gratuite. Ravi et conquis par cette soirée magique, votre serviteur préfère s’éclipser… (Pour les photos c’est encore ici )
Setlist : « Enter Shikari », « Solidarity », « Sorry, You'Re Not A Winner », « The One True Colour », « The Last Garrison », « No Sleep Tonight »; « Destabilise », « Radiate », « Slipshod », « The Jester », « There'S A Price On Your Head », « Juggernauts », « Angels », cover de Robbie Williams, « Arguing with Thermometers », « Gandhi Mate, Gandhi », « Torn Apart » et « Mothership ».
Rappel : « Redshift », « Anaesthetist », « The Appeal & The Mindsweep II ».
(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
L’album "ATALAYE" sera dans les bacs le 1er avril prochain.
Catherine Watine (c'est son vrai nom) est sûrement l'une des plus belles découvertes de la musique française de ces dix dernières années. Son rock électro psyché mélodique, rythmé par des arrangements classiques donne un son intimiste minimaliste unique qui touche tous les amoureux de silence, de voyage intérieur et de rêverie réaliste où la solitude devient un précieux soutien dans l'ouverture et le contact à l'autre. Quelque part entre les grands espaces du groupe islandais Sigur Rós, les battements de coeur du Pink Floyd, la nostalgie Satie, le romantisme de Rachmaninov et la délicatesse sombre de Barbara...
Le vendredi 8 avril, à l’Atelier des Artistes, 4 rue Rampon, 75011 Paris à partir de 20h.
Le mercredi 13 avril, au Walrus, 34 ter rue de Dunkerque 75010 Paris, à 19h3.
Cliquez ici pour découvrir le premier extrait de cet album, "La raison qui me pousse".
Les lauréats 2016
Chanson française : Karim Gharbi « Poisson d’or »
Pop / Rock : Great Mountain Fire « Sundogs »
Musiques urbaines : Baloji « 64 Bits and Malachite »
Musiques électroniques : Ulysse « Cashmere Guns »
Jazz : Aka Moon « The Scarlatti Book »
Musiques du monde : Vardan Hovanissian & Emre Gültekin « Adana »
Musique classique : L’Ensemble Vox Luminis, dirigé par Lionel Meunier, pour son interprétation de motets des ancêtres de Jean-Sébastien Bach.
Musique contemporaine : Jean-Luc Fafchamps « Gentle electronics »
Artiste de l’année : Nicola Testa
Album de l’année : « Mont Royal » de Roscoe
Spectacle/ Concert de l’année : Starflam
Octave d’honneur: Jacques Stotzem
Octave Plug RTL : Loïc Nottet
Octave PointCulture : Sigrid Vandenbogaerde, violoncelliste, pour son album « Gift »
Octave de la Fédération des Jeunesses Musicales Wallonie-Bruxelles : « Tonnerre de la Plaine » de la Compagnie Fouchtra (Jean JADIN, Alexis DOURDINE et Isabelle VANDERMEERSCH)
Octave Zinneke : Roméo Elvis avec « Drôle de décision »
Octave de la Ministre de la Culture : Fùgù Mango
Octave Fun Radio : Sacha DMB & Andy D
http://lesoctavesdelamusique.be/
« The mean solar times » constitue déjà le cinquième elpee de Stay, une formation barcelonaise dont la musique devrait enchanter les nostalgiques de Ride, Kula Shaker ou encore The Stone Roses. Pas étonnant, lorsqu’on sait que lors des sessions d’enregistrement, le combo a reçu le concours du guitariste Andy Bell (Ride, Hurricane # 1, Oasis, Beady Eye) pour trois titres (« Pinkman », « Smiling face », « Dirty alone ») et d’Owen Morris (The Verve, Oasis) à la mise en forme. Les cordes de guitares sont savoureusement tintinambulantes ou bringuebalantes ; il y a de l’orgue rogné (Farfisa, Rhodes), des harmonies vocales limpides, hymniques, sinusoïdales, beatlenesques et parfois même byrdsiennes (« Always here », « You know it’s right ») alimentant des mélodies hymniques. Sans oublier les interventions circonstancielles mais judicieuses d’un sitar qui donne à l’ensemble ce petit côté exotique bien en phase avec l’expression sonore.
Si à l’écoute de « All in your eyes » on ne peut s’empêcher de penser au « Magical Mystery Tour » des Beatles, le groove libéré tout au long de « Last time » ainsi que « Shake the sun » nous replonge dans l’univers du mouvement madchester qui a marqué la seconde moitié des eighties et la première moitié des nineties (NDR : pensez à The Stone Roses, of course)
Ce n’est pas nouveau, mais après avoir écouté un tel album, on peut continuer sa journée, le cœur léger…
Mourn est un jeune groupe catalan, fondé en 1996. Un quatuor dont la musique nerveuse, sauvage et énergique, aurait pu naître d’une rencontre entre celle de Throwing Muses, Bikini Kill, Sleater-Kinney, des Pixies et de PJ Harvey. Faut dire que le voix de Jazz Rodriguez Bueno doit autant à celle de Kristin Hersh que de Polly Jean. Elle chante d’ailleurs dans un anglais parfait ! Eponyme, le premier album de Mourn est découpé en 10 plages, dont la plupart ne dépassent pas les 2 minutes. Et l’opus va même à peine au-delà des vingt ! Manifestement, les musicos de Mourn doivent certainement avoir été biberonnés à la musique du début des nineties…
John Moreland est un personnage bien en chair qui arbore une barbe touffue et dont les bras sont généreusement tatoués. Pas difficile d’imaginer dès lors que cet artiste à la fleur de l’âge drive un groupe de vétérans qui pratique une forme de punk/hardcore. Et pourtant, cet Américain ne milite absolument pas dans ce créneau. Tout au long de « High On Tulsa Heat », il nous propose des titres mélancoliques sculptés dans le folk. Il s’y met même à nu pour évoquer ses déboires amoureux et ses doutes. Comme quoi l’habit ne fait pas forcément le moine.
John Moreland est surtout (relativement) connu pour avoir écrit trois chansons qui ont servi à la bande originale de la série américaine ‘Sons of Anarchy’. Faut dire que ses deux premiers opus sont complètement passés inaperçus. Pour concocter « High On Tulsa Heat », qu’il a enregistré dans la maison de ses parents, le songwriter a bénéficié du concours de quelques collaborateurs, dont les interventions sont cependant particulièrement minimalistes. Bref, la plupart des plages de cet LP baignent dans une forme de folk/americana strictement traditionnel. Pas étonnant que John reconnaît pour influences majeures, Guy Clark et Towne Van Zandt. En outre, sa voix éraillée évoque celle de Bruce Springsteen. Il ne lui suffit donc plus qu’à leur adresser de multiples clins d’œil. Ce qui n’empêche par ce long playing de receler quelques excellentes pistes, à l’instar de « Cherokee » ou de « Cleveland County Blues », deux odes au Continent nord-américain.
John Moreland est allé à bonne école et maîtrise parfaitement son sujet. Manque peut-être un soupçon d’originalité pour qu’on s’intéresse davantage au personnage...
Lorsque l’on prête une première oreille à « Spun » et qu’on découvre que le songwriter est originaire d’Athens, on s’imagine logiquement qu’il s’agit d’un des concitoyens de Michael Stipe (leader REM) ou de Bradford Cox (de Deerhunter). En effet, le folk de Moa Bones paraît tout droit venu du pays du pays de l’Oncle Sam ou tout au moins d’un pays anglo-saxon. Seulement, à force d’assimiler des styles musicaux à des espaces géographiques (plus ou moins grands), on en oublie presque que nous vivons dans un monde globalisé dans lequel les styles musicaux n’ont plus de frontières. Dès lors, après quelques recherches, il n’est finalement pas si étonnant que Moa Bones, alias Dimitri Aronis (certes, un tel nom aurait dû mettre la puce à l’oreille !), était bien originaire d’Athènes, en Grèce.
Sur ce deuxième elpee, dans un anglais parfait, Aronis raconte ses expériences vécues lors de ses multiples voyages à travers le monde. On se laisse alors guider par son périple. Même si de temps à autre, un piano (« The Journey »), un harmonica (« Hey ») ou une guitare électrisée (« Take it All Away ») pointent le bout du nez, de manière générale, le Grec privilégie sa bonne vieille sèche. Au fil des morceaux, on songe à The Tallest Man on Earth ou encore aux premiers essais de Villagers.
Après les neuf morceaux de « Spun », on surprend à tomber sous le charme du folk inoffensif mais terriblement efficace de Moa Bones. Une excellente surprise !
Elle a attendu 40 balais pour publier son premier effort studio. Et pourtant, Anna Meredith n’est pas une néophyte. Depuis de nombreuses années, la Londonienne compose des bandes sonores pour des opéras et des émissions télévisées, en mêlant sonorités classiques et électroniques. Comme le suggère ce mix de genres, les chansons d’Anna Meredith sont loin d’être banales. Et c’est à nouveau le cas tout au long de « Varmints », des compos qu’on pourrait qualifier de ‘bizarres’, mais pourtant intéressantes. Si dans le passé, elle remplaçait les instruments par la technologie, ce n’est plus le cas pour cet elpee. Violons, batterie et guitares ont été ajoutés au programme afin d’accentuer la complexité des morceaux.
Après le très intriguant « Nautilus », qui sert d’intro, Meredith révèle une des premières pépites de ce elpee : « Taken ». Une plage pop empreinte de douceur au sein de laquelle voix masculines et féminines se conjuguent sous l’impulsion de percus alertes. Le refrain est catchy et la chanson finit en apothéose. La musicienne plante le décor ! Le titre suivant est instrumental. C’est une des particularités de « Varmints » qui enchaîne morceaux classiques et instrumentaux. On passe ainsi de la fragilité vocale de « Something Helpful » à la complexité sonore et à la puissance de « R-Type », véritable sommet de cet opus, sublimé par des percussions surpuissantes. La fin de l’album est du même acabit, quoique légèrement plus expérimentale.
Homogène et cohérent malgré l’éventail de sonorités proposé, « Varmints » met parfaitement en exergue le talent de compositrice d’Anna Meredith que l’on retrouvera avec plaisir aux prochaines Nuits Botanique !
Les nombreux aficionados attendaient impatiemment le grand retour de Louise Attaque. Il a fallu faire preuve d’« Un peu de patience », mais l’attente n’a pas été vaine. La bande à Gaëtan Roussel nous revient avec du bon, voire du très bon même. « Anomalie » n’en est pas vraiment une dans la discographie du groupe français. Un son sans doute un peu moins rock, qui peut faire hésiter à la première écoute.
Certains morceaux ne sont pas sans laisser penser que la carrière solo du leader a influencé plus ou moins profondément le produit Louise Attaque. Témoignage ? Le morceau maître de l’elpee ou encore « Du grand banditisme », plus proches de « Nous ne faisons que passer » que de « J’t’emmène au vent ».
Mais il y a aussi du pur Louise Attaque. « L’insouciance » ou « Avec le temps » resteraient reconnaissables entre mille. Elles donnent même l’impression qu’on les connaît depuis des lustres, tellement ce style s’est ancré dans la chanson française.
« La chute » n’est pas encore pour aujourd’hui, l’énergie de Louise Attaque ne se contente pas de rester intacte, elle arrive encore à s’amplifier. Mais LE morceau qui fait du bien, qui fait rêver, c’est bien « Les pétales ». De quoi transporter dans une autre galaxie musicale à travers une poésie simple et efficace.
Louise Attaque est définitivement une institution indémodable, indestructible. Il est bel et bien de retour, plus fort que jamais.
Hurricane # 1 s’est donc reformé en 2014, mais sans Andy Bell. Qui est quand même venu donner un coup de guitare sur un titre de cet elpee, « Think of the sunshine ». Un gage d’amitié pour Alex Lowe, victime d’un cancer, qui a composé les morceaux de l’album, alors qu’il suivait une chimiothérapie en milieu hospitalier. Parue en single, cette compo bénéficie d’un refrain particulièrement contagieux. Bref, en remontant le combo, c’était sans doute un acte davantage thérapeutique qu’artistique. Au sein du nouveau line up, figurent les frères Carlo et Lucas Mariani, respectivement gratteur et bassiste, ainsi que l’ex-Teenage FanClub, Chris Campbell, aux drums.
L’album recèle inévitablement des titres britpop, aux mélodies hymniques, sculptés dans des guitares épiques. A l’instar du titre d’ouverture, « Best is yet to come » ou du single (NDR : qui se termine même comme une jam). D’autres plus allègres. Comme « Crash », rogné de claviers ou « Where to begin », une piste bluesy caractérisée par des cordes grésillantes. Des compos sur lesquelles le timbre graveleux de Lowe manque quand même de justesse. On a même parfois l’impression qu’il essaie de pasticher Liam Gallagher. Mais en général, l’ensemble de l’opus est tramé dans l’instrumentation acoustique ou semi-acoustique. Et paradoxalement, c’est dans ce contexte que la voix de Lowe –bien plus limpide– révèle sa face la plus intéressante. Des plages qui sont très susceptibles d’émarger à l’americana. Il y a même de la slide sur la ballade uptempo « Has it begun » (Imitating life) » et de la pedal steel sur la valse « Coyote ahoy ». Enrichi par de superbes harmonies vocales, « Roomed in circles » aurait pu figurer au répertoire de Crosby, Stills & Nash, alors que tapissé de chœurs en arrière-plan et sublimé par une jolie conjugaison de cordes acoustiques, « Heathen mother » lorgne plutôt vers Poco. On se croirait revenu à la fin des 70’s en pleine période west coast. Et l’album de s’achever par le bouleversant « Find what you love, and let it kill you », une chanson hantée (NDR : et le mot est faible) par une chorale…
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