Deuxième journée, toujours placée sous le signe de la détente, passée au milieu des champs limbourgeois.
Bonne humeur et convivialité se roulant des pelles dans l’herbe brûlée par le soleil, le public prend son temps avant d’envahir les lieux.
Place aux nostalgiques de tout poil pour une nuit calée sur les années 90.
Le public est encore maigre quand Eagulls, premier nom d’envergure à l’affiche, prend possession du podium.
Issus de Leeds, ces musicos vont offrir un set rugueux et âpre, à l’image de leur premier album éponyme.
Un rien linéaire, mais suffisamment intense que pour tenir en éveil notre curiosité.
Si les évidents rapprochement avec le Post Punk de Killing Joke, mâtinés de Cold Wave épi(Cure)ienne se distinguent clairement dès les premières notes, l’ensemble, sans réellement être transcendant, propose tout de même un aperçu du potentiel de ces jeunes, maternés à la discographie de leurs aînés.
Sur les planches, le groupe peine à se créer une identité (ou alors il en manque cruellement), mais la rage poisseuse des compositions exécutées le plus sérieusement du monde compense largement cette carence.
Un moment, certes pas renversant, mais bien agréable, tout de même.
S’il m’est difficile de m’étendre sur Meuris, dont le patronyme évoque en mon for intérieur de brèves mais intenses visions sexuelles (sic !), c’est qu’il s’agit principalement d’une attraction locale.
J’entends par là une formation dont l’impact est très limité puisque le chant est exclusivement décliné en néerlandais.
Glorieux représentant d’un Rock Flamand aux accents anglophones, Stijn Meuris (ex-Noordkaap) affiche fièrement son amour de la langue maternelle et défend valeureusement son identité culturelle.
Provoquant l’engouement d’un public réceptif et connaisseur.
Ce que, bien sûr, je ne suis pas.
Par contre, je pourrais m’étendre longuement sur le cas Slowdive dont la dissolution éthérée remonte à 1995.
Le retour à l’avant-plan du combo de Reading, non pas majeur, mais qui a eu une influence certaine sur le mouvement Shoegaze –dont il est l’essence même– est de nature à me réjouir, mais également les aficionados –anciens et nouveaux– de plus en plus nombreux et même les membres du groupe, heureux de renouer avec leurs chansons phares.
Slowdive a donc repris du service, il y a un an et demi.
Culte, le band n’a donc plus aucune raison de bouder son plaisir, ni le nôtre.
Actuellement occupé d’enregistrer un nouvel album, il réserve donc exclusivement aux concerts, les moments forts de sa discographie passée.
Loin de réunir des virtuoses, Slowdive est avant tout UN SON.
Mais quel son !
Vaporeux et puissant, il a le don d’emmener dans son sillage les voix pourtant communes de Rachel Goswell et Neil Halstead.
Ainsi, le set de ce samedi démarre dans les vapeurs de leur morceau éponyme, paru sous la forme d’un Ep trois titres, en 1990.
Comme un trait de lumière fendant la brume épaisse et se taillant un chemin au milieu de hautes vagues, images tellement ancrées dans l’imaginaire Shoegaze.
Car si l’on peut se référer à ces visions naturalistes, pour dresser un semblant de portrait de la musique de Slowdive, il est avant tout question de ressenti.
L’attitude scénique conférant souvent dans le genre au mutisme, on se réjouit des quelques échanges gênés et polis que les deux figures de proue adressent à leur public.
Mais au travers de cette façade floue comme une bruine colorée, se devinent les explosions et les chuchotements de « Just For A Day » et « Souvlaki ».
« Pygmalion » ne se prêtant guère au live, ne reste de ce troisième et ultime opus (à ce jour) que « Crazy For You », du reste, le morceau le plus faible du set.
Après un départ raté, « She Calls » entame enfin la dernière ligne droite d’un concert où, depuis les premiers rangs, la communion entre le combo et ses fans devient palpable.
Au moment où, à peine soutenue par quelques notes éparses, la voix de Rachel prend la mesure du « Golden Hair » de Syd Barrett, les souffles se contiennent dans les poitrines et les poils se dressent sur les épidermes.
Quelques minutes plus tard, une dernière vague emporte tout sur son passage.
Laissant flotter ci et là, des sourires béats.
Pas de rappel, festival oblige, mais un rendez-vous pris pour demain avec ce groupe d’hier, mais toujours bien d’actualité.
La suite promet d’être plus musclée, puisque d’autres vétérans (de la même époque) prennent le relais.
Car Helmet n’est pas réputé pour faire dans la dentelle.
Si son leader, Page Hamilton a étudié le Jazz dans sa jeunesse, ses aspirations musicales ont vite pris une tournure moins cérébrale.
Directes et abrasives, les compositions du band new-yorkais se sont rapidement démarquées dans le paysage du début des nineties.
Un peu à l’image de Tool, il suscite alors l’intérêt des amateurs de son lourd et puissant, mais attire également l’attention d’un public plus mélomane.
Le show de ce soir reflète d’ailleurs parfaitement la dualité inhérente à Helmet. Bien que curieux, je prends néanmoins vite quelques distances. Et pour cause, la chape de plomb versée inlassablement par cette machine à riffs a irrémédiablement raison de ma patience.
Profitant nettement mieux des événements depuis l’extérieur du chapiteau, mon attention finit logiquement par s’échapper ; et ne distingue bientôt plus qu’un grondement sourd et lointain.
Car si ce n’est Helmet, c’est donc l’orage !
Organisation : Rock Herk
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C’est déjà la deuxième journée complète à Dour. Le temps passe assez vite et il faut avouer qu’après avoir passé une très bonne journée ce jeudi, on s’attend bien évidemment à une meilleure encore, le lendemain. Mais plus chaude également. D’ailleurs la température va frôler les 35 degrés. Pas de panique cependant, car il y a de quoi se rafraîchir sur le site. Et puis les festivaliers vont avoir l’honneur de rencontrer Damon Albarn aujourd’hui. En route !
C’est devenu une habitude, ma journée débute par le show d’un groupe belge. Et à nouveau sous le chapiteau de ‘La petite maison dans la prairie’. Fùgù Mango n’est pas venu sur la plaine de la Machine à Feu seul. C’est accompagné des Binti, un collectif réunissant six sœurs, chargées des backing vocals, que le quatuor monte sur l’estrade. Ce qui fait évidemment beaucoup de monde sur ce podium étroit ; mais la configuration a été bien pensée. La chorale se mêle aux percussions exotiques, ce qui se solde par un cocktail bien original. Les premiers déhanchements de la journée pour les festivaliers !
Une certitude, le mercure a encore grimpé de quelques degrés, par rapport à la veille. Dès lors, sous les chapiteaux, c’est intenable. Bref, je reste planté au même endroit pour le concert de Klub des Loosers. Resté seul depuis le départ de Dj Detect en 2013, Fuzati demeure malgré tout une figure incontournable du rap français. Chargés de mal être et d’ironie, ses textes ne laissent personne indifférent. Il est épaulé par un backing group en ‘live’. De quoi me ravir ! Suivant un rituel immuable, le rappeur porte un masque blanc qui ne recouvre que la première partie de son visage et sur lequel il pose ses lunettes. Un look particulier mais qui fait totalement partie du personnage. Tout comme sa démarche d’ailleurs qui n’est pas naturelle pour un sou. Bref, il intrigue. Musicalement, le concours d’un groupe permet une fusion savante entre style rock et chant rap. C’est diablement efficace et pour un amateur de rock comme votre serviteur, l’approche de la musique dite ‘urbaine’ est plus aisée. Je prends donc une bonne baffe complètement inattendue. Fuzati m’a en tout cas particulièrement impressionné. Un personnage charismatique et mystérieux. A revoir, c’est une certitude !
Votre serviteur se retrouve en suite face à un dilemme comme Dour et ses huit scènes peuvent en poser. Entre Deerhoof et Zola Jesus, mon cœur balance. Finalement, j’opte pour le band californien… avant de faire demi-tour assez rapidement. L’univers sonore de Deerhoof est trop paisible par rapport à mon humeur du moment. Zola Jesus, c’est autre chose… De son véritable nom Nika Roza Danilova, cette artiste propose une musique gothique, baroque, mais teintée d’électro. Une expression sonore qui colle parfaitement à sa voix, capable de monter très haut dans les aigus. Et le résultat est épatant. Ce bon moment m’a aussi permis de profiter tranquillement d’une petite pause, assis dans le coin de la ‘Jupiler Dance Hall’. Les jambes fatiguent et il faut encore tenir plus de deux jours !
On en arrive enfin à un des moments les plus attendus du festival. Tony Allen nous fait sa review sur la Main Stage en invitant des amis notoires : Damon Albarn et Oxmo Pucino. Pour ma part, l’envie de voir l’homme fort de Blur et de Gorillaz est grande. Il ne s’attarde que pour deux titres, qu’il assure au piano et au chant. Mais quelle classe ! Jet privé pour arriver du Portugal où il tourne en compagnie de Blur, pour fêter à Dour les 75 ans de son ami batteur : chapeau ! En outre, il nous a concédé quelques mots en français. Perso, j’en avais des étoiles plein les yeux. Et heureusement que le Damon s’est déplacé, car le reste du set s’est révélé ennuyeux, ne s’autorisant aucune envolée. Une déception, finalement.
Direction ‘Le labo’ pour assister à la fin du show de Roscoe. Si cette petite scène est vraiment sympathique, elle ne bénéficie d’aucune aération. Et c’est un problème. J’y suis resté très peu de temps. Une véritable fournaise ! Et le genre bien dark du band liégeois n’est pas parvenu à réduire la température. C’est sans doute la raison pour laquelle ce set m’a bien moins plu que celui accordé aux Ardentes, la semaine dernière. Question physiologique : le confort et la chaleur peuvent-ils influer sur la perception de la musique ? La réponse est sans doute affirmative…
The Wombats est une forme de symbole pour votre serviteur. En fait, il a découvert cette formation en 2007, c’est-à-dire lorsque son goût pour le pop/rock a commencé à se développer. Bien sûr, leurs deuxième et troisième long playings font un peu pâle figure. Mais « A Guide to Love, Loss and Desperation » est une petite pépite de rock anglais. Gros coup de nostalgie donc. Sous un soleil couchant, le groupe entame son set par un titre du dernier opus, avant d’enchaîner par le puissant « Jump Into The Fog », un des rares morceaux à épingler sur le deuxième elpee. La foule jumpe. La faire réagir au quart de tour est un véritable art cultivé par le band. Tous les titres ou presque s’achèvent par un refrain contagieux que finit par reprendre en chœur l’auditoire. Pour communier avec les fans, rien de tel ! Après un peu plus d’une heure –en n’oubliant pas d’inclure quelques plus anciennes compos– le trio de Liverpool accorde son titre phare : « Let's Dance To Joy Division », avant de se retirer. Quelle ironie ! Ravi d’avoir pu voir une formation qui a marqué mon adolescence, il est difficile d’être totalement objectif. Mais en observant les visages des spectateurs, j’imagine que le concert était quand même d’excellente facture…
Place ensuite à Glass Animals. Issu d’Oxford, ce jeune quatuor pratique une forme de psyché/pop. Un peu dans l’esprit d’Unknown Mortal Orchestra, programmé la veille. Sauf que c’est moins bien. Les mélodies ne sont pas aussi travaillées et la coloration R&B injectée dans l’expression sonore, n’est guère convaincante. Son LP s’est cependant très bien vendu en Wallonie. Ce qui explique sans doute ce capital sympathie dont il jouit lors du show.
Une grosse pointure va clôturer la programmation sur la Main Stage, ce soir : C2C. Le groupe de breakbeat est supposé mettre l’ambiance –et elle particulière– au sein d’un auditoire conquis d’avance. Les Nantais vont donc livrer une prestation bien maîtrisée en toute décontraction. A leur image finalement. Un concert fort sympathique qui clôt ma journée.
Car malheureusement, impossible d’approcher la ‘Red Bull Elektropedia’ pour assister au set de Nina Kravitz. Il doit y avoir 10 000 âmes autour d’une scène majestueuse, composée de plusieurs tours, garnies d’écrans et de haut-parleurs. Côté son, ça envoie. Mais vu les conditions, je préfère renoncer… Tant pis et rendez-vous demain !
(Organisation Dour festival)
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Situé à quelques encablures de Hasselt, dans le Limbourg, la ville de Herk –qui compte 275 habitants au kilomètre carré– accueille les amateurs de musique, au cours de l’été, depuis 1983.
Pour ma part, ma première expérience date de 93, année où s’étaient alors produit Therapy ?, Senseless Things , The Afghan Whigs et encore Pond pour… pas un rond.
Et le tout dans une ambiance détendue et aux proportions idéales pour jouir pleinement de cette fête annuelle.
Ne dérogeant pas à sa règle initiale, Rock Herk nous offre donc en parallèle, du lourd (une scène réservée au Hardcore et aux styles disons musclés) et de l’éclectique (une scène destinée aux autres genres musicaux).
Ainsi, pour un prix absolument modique, il vous est toujours permis de venir faire la fête dans cette charmante entité et surtout de profiter d’une programmation, au demeurant modeste, mais chaque année pertinente.
Si le festival est resté gratuit de nombreuses années, les organisateurs ont dû revoir leur politique il y a peu, sous peine de devoir disparaître.
BRNS, présent presque partout, figure fort tôt dans la grille de programmation.
Une heure apéritive qui ne change pas d’un iota les ambitions du groupe de secouer le cocotier.
Du moins, je le présume, puisque je suis arrivé après leur set…
Mais habitué à leur excellence, j’imagine mal comment il pourrait en avoir été autrement.
C’est donc par Baths que j’entame cette nouvelle édition.
Plongeant dans le bain (certains jeux de mots faciles sont difficilement contournables), je découvre le duo de Los Angeles pour la première fois en ‘live’.
Si Will Wiesenfeld en est la tête pensante et le géniteur, le projet peut compter sur les interventions de Morgan Greenwood, se consacrant aux divers bidouillages.
Fort de deux excellents albums (« Cerulean » et « Obsidian », parus respectivement en 2010 et 2013, sur le label Anticon), Baths a la délicate tâche de reconstituer le raffinement de ses titres vaporeux dans un esprit dynamique sans trahir le propos.
Et c’est là que le bât va blesser.
Entamant le concert face à un parterre distrait d’une dizaine de personnes, le duo s’emmêle rapidement les pinceaux. Bref, il est brouillon.
Si heureusement, une centaine de curieux se joignent rapidement au maigre auditoire, il finit car complètement louper sa prestation (NDR : Will s’en excuse d’ailleurs, en affichant un sourire gêné).
Trop d’effets, de sonorités maladroitement incontrôlées et d’approximations au bout du compte.
Misant beaucoup sur sa voix au timbre clair distillée dans des échos spatiaux, modulés par un synthétiseur Roland, Will apporte la part vivante du spectacle, mais, trop occupé à jongler entre ses différents instruments, il semble quelque peu débordé.
Si le concert n’est pas aussi catastrophique que ces dernières lignes peuvent le laisser supposer, il n’en reste pas moins que la prestation de Baths a déçu.
Si auparavant, Napoleon avait battu campagne sur le second podium, c’est au tour de Non Turning Back d’agiter le deuxième chapiteau, pendant que les préparatifs s’activent sous le premier.
Une houle menaçante roule comme un rouleau compresseur ; ce qui, sans surprise, m’incite à prendre mes distances.
Blood Red Shoes envahit donc les planches sur le coup de vingt et une heure quarante.
Une invasion qui pourrait sembler mince si l’on considère que le groupe consiste en un joli minois (celui de Laura-Mary Carter préposée à la guitare) et une frêle silhouette (celle de Steven Ansell derrière les fûts).
Un duo qui a tôt fait de faire voler en éclats les hypothétiques préjugés.
Énergique et rageur, la paire de Brighton occupe parfaitement l’espace et maîtrise son sujet.
Si les compositions ne se démarquent pas vraiment dans le paysage musical, les prestations ont le mérite d’assurer leur part de spectacle.
S’ensuivent quelques gentilles bousculades dans un public, avide de comparer son degré de testostérone.
Les accords aux accents grunge du combo s’y prêtent d’ailleurs à merveille.
Une prestation agréable et efficace qui résume finalement le statut de Blood Red Shoes, à savoir, en premier lieu, un groupe de ‘live’.
Car c’est bien là qu’il déploie toute son envergure.
La suite de la programmation adoptant des dispositions plus dansantes, il n’est pas étonnant de voir affluer le plus gros du public à cette heure tardive.
Une annonce discrète sur un grand écran délavé m’apprend le désistement en dernière minute de Nathan Fake. Ce qui me chagrine. Il est souffrant.
Ce n’est pas l’abominable condensé de mauvais goût communiqué par The Subs qui me consolera.
Indigeste au possible, leur rudimentaire mélange de genres décroche le succès escompté, et c’est sans doute bien là l’essentiel.
Succombant aux plaisirs faciles d’un condensé d’évidentes recettes ‘prêtes à danser’, de nombreux nightclubbers s’agglutinent sous la toile cirée du chapiteau et la transforment en boîte de nuit.
Pendant ce temps, je mets le cap sur le second, abritant les rebondissantes vibrations drum&bass du producteur Allemand et DJ Mathis Mootz alias The Panacea.
Une ambiance toute aussi survoltée, mais correspondant bien mieux à mes aspirations dansantes.
Avant que Gui Boratto n’apporte sa touche à la nuit, sous le ciel étoilé de Herk.
Mettant tout le monde au pas sur le dancefloor.
Perso, quelques kilomètres se promettent de m’avaler avant de retrouver mes pénates.
Je me dirige donc vers la sortie tout au plaisir de revenir au même endroit, demain.
(Organisation : Rock Herk)
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Après une première soirée assez terne, les choses sérieuses peuvent commencer. Ce jeudi constitue un premier jour complet et bien rempli. Le programme est en outre très varié ; ce qui devrait satisfaire un max de monde. Perso, c’est une bonne occasion d’enfin découvrir la plaine de la Machine à Feu !
C’est à 14h sous ‘La petite maison dans la prairie’ que mon parcours de la journée commence. Comme souvent, un groupe belge ouvre le bal. Recorders propose un pop/rock atmosphérique teinté d’électro à un public trop peu nombreux lors de l’entame. Non seulement les Bruxellois sont venus défendre leur dernier elpee, mais ils nous réservent quelques nouveaux titres. Plus d’un an après la sortie d’« Above The Tide », les cinq jeunes artistes n’ont guère chômé. Ces nouvelles compositions sont très réussies et augurent le meilleur pour le futur. C’est sur le très puissant « Beach » que le set s’achève, après 40 minutes. Le chanteur grimpe sur un pylône afin de saluer une dernière fois l’audience, un peu plus consistance qu’en début de show. Pas étonnant en tout cas que certains membres de la troupe pointent les Anglais de Breton parmi leurs références majeures. Leur expression sonore est proche et aussi addictive. Une bonne manière de lancer son festival !
Direction la ‘Jupiler Dance Hall’, grande scène à tendance électro située à quelques pas de la main Stage. Le groupe qui s’y produit milite pourtant dans un tout autre registre. Ce sont les rockeurs maliens de Songhoy Blues qui sont venu présenter leur premier LP, « Music In Exile ». Guère notoire, ce groupe respire la joie de vivre ! Son style, fortement inspiré par la tradition africaine, ne peut que vous rendre de bonne humeur. Hymnes allègres et danses folles sont au programme. Aliou Toure, le chanteur, a le rythme dans la peau et pas qu’un peu ! Quel plaisir de le voir se déhancher devant nos yeux ébahis. Tout le monde se prendra d’ailleurs au jeu et va se remuer sous les directives de Toure. Et c’est sous un tonnerre d’applaudissements que Songhoy Blues quitte les planches. La première révélation de Dour 2015 !
Avant le concert très attendu d’Unknown Mortal Orchestra, je me pose quelques instants devant Tokyo Ska Paradise Orchestra. Référence en terme de ska, le collectif ne parvient pas vraiment à faire oublier la fournaise causée par un soleil flamboyant qui brûle au-dessus de la Main Stage.
Retour donc dans ‘La petite maison dans la praire’ où se produit Unknown Mortal Orchestra, ensemble réunissant des Américains et des Néo-Zélandais. En partant du rock indépendant, le quatuor consomme de la pop, du garage et même parfois du R&B. Un cocktail judicieux qui alimente un set très varié sans aucun temps mort. Le combo termine sa set list par une des meilleures chansons cuvée 2015 : « Multi-Love ». Sorte de synthèse de tout ce qu’il fait de mieux, elle clôture à merveille une très bonne prestation.
La ‘Cannibal Stage’ a, en principe, le but de concentrer les artistes qui font le plus de bruit sur la plaine de La Machine à Feu. Premier crochet pour y admirer A Place to Bury Strangers. Les New-yorkais ont pris la bonne habitude de façonner un son à mi-chemin entre le post/rock et le post/punk, en plaçant une guitare puissante bien en avant. Pour ce concert, le trio a mis les petits plats dans les grands. Même si le chapiteau n’est pas aussi rempli qu’espéré, APTBS va mettre le feu pendant 50 minutes. Malgré une attitude classique, Oliver Ackermann, le chanteur et guitariste, et Dion Lunadon, le bassiste, se lâchent complètement durant le show. Et ils se déchaînent sur absolument tout. A commencer par leurs pauvres instruments. Guitare et basse explosent sur le sol à de nombreuses reprises. Lunadon s’amuse même à lancer son engin à quatre mètres de haut. Sans provoquer de gros dégâts d’ailleurs. A croire que leurs instrus sont en caoutchouc ! La fin de parcours est complètement épique. Les deux compères se jettent dans la foule et jouent leurs deux dernières chansons au beau milieu d’un auditoire totalement ébahi. Plus personne ne regarde le podium et on comprend pourquoi : le batteur l’a tout simplement quitté ! Et on ne le reverra plus. C’est donc sur ce moment complètement dingue que se clôture le spectacle. Après quelques poignées de mains accordées à leurs fans, les deux hommes rentrent incognito ou presque en coulisses, avec le sentiment du devoir accompli. Quelle claque !
Je décide de rester dans les parages, en attendant la suite, mais également afin de pouvoir m’alimenter. Yelle joue au même moment, mais impossible de tout voir. Les échos recueillis sont plus positifs qu’imaginés. Apparemment il y a moyen de bien rigoler en compagnie de la Bretonne, mais il faut absolument tout prendre au second degré. Et on comprend pourquoi, vu la richesse de ses textes…
C’est l’heure du metal sur la ‘Cannibal Stage’. Kvelertak nous vient de Norvège. Son style ? Typiquement scandinave mais aussi très puissant. Erlend Hjelvik, le chanteur, affiche un look de Viking. Il arbore une longue chevelure, se distingue par une certaine largeur d’épaules et a décidé de passer une bonne partie du concert torse nu. Autant dire que ça décoiffe, c’est le cas de le dire ! Si je suis peu amateur du genre, le public semble y trouver son compte et remue sec à hauteur des premières rangées. Il ne faudra d’ailleurs pas très longtemps avant de voir éclater les premiers pogos. Et ceux-ci vont durer jusqu’à la fin d’un concert mené tambour battant par la formation.
Après un bref détour par le set de Squarepusher –peu convainquant, par ailleurs– je décide de mettre un terme à cette journée. La chaleur est devenue presque insoutenable et la fatigue commence à gagner. Il faut quand même encore tenir trois jours. A demain !
(Organisation : Dour festival)
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Hello Bye Bye a été classé dans la catégorie noisy pop, shoegaze club et indie rock dance par Rubin Steiner en personne !
Ce groupe bordelais est revenu en 2015 avec un Ep intitulé « Over the » ; et la sortie de son album, baptisé « Better Day », est prévue pour le 28 août.
Hello Bye Bye fait partie de cette génération pour qui la séparation entre rock et électro ne veut plus rien dire et qui peut passer de titres à la LCD Soundsystem à de la pop atmosphérique, en gardant une forte exigence dans le songwriting et la qualité des mélodies.
On le vérifie tout au long du clip consacré à « Over » ? C’est ici
It's A Lovely Day! Le groupe culte belge FRONT 242, un des leaders de l'EBM (Electronic Body Music), a annoncé la sortie d'un single en téléchargement gratuit sur Bandcamp: "Lovely Day (Remastered)" / "Take One (RADICAL G Mix)".
Le remastering de "Lovely Day" annonce la sortie imminente d'une réédition de l'album emblématique "No Comment" (1984). Le label, Alfa Matrix, affirme que cette réédition "présentera le son novateur de l'album dans la meilleure qualité audio possible aujourd'hui, tant sur vinyle que sur CD". On se réjouit d'avance!
En supplément, le nouveau single propose un remix de "Take One" par Glenn Keteleer, aka RADICAL G, un des artistes les plus prometteurs de la scène Dark Techno/EBM en Belgique.
Et ce n'est pas tout: FRONT 242 offre de surcroît un kit de remix de "Take One" pour les candidats remixeurs. Le groupe sélectionnera les trois meilleurs remixes, qui seront intégrés dans un deuxième single en téléchargement gratuit, qui sera publié le 30 août.
On est évidemment déçus que FRONT 242 ne propose pas de nouvelles compositions mais les membres du groupe ont déclaré à plusieurs reprises qu'il préfèrent ne rien sortir de nouveau plutôt que de sortir quelque chose dont ils ne sont pas satisfaits à 100%.
Le premier contact avec Dour est un peu plus rapide cette année. En l’honneur de ‘Mons 2015’, une soirée a été ajoutée au programme du festival. Encore fallait-il que celle-ci ait une réelle plus-value par rapport aux autres jours. Coupons court au suspense de suite, ce ne sera pas le cas.
Si Gallowstreet ouvre gentiment la Main Stage, seule scène ouverte du soir, c’est grâce à La Smala que les choses sérieuses vont commencer. Si j’avoue être peu fan du rap proposé par le collectif, il faut admettre qu’il sera le seul à réellement mettre l’ambiance sur le site. Connaisseur, le public semble apprécier l’amuse-gueule. Il y a même une solide agitation dans la foule.
C’est principalement Jungle, le groupe suivant, qui avait suscité ma curiosité à la vue du programme. Quelle ne sera pas ma déception ! Au-delà des compositions hip-hop assez décevantes, c’est surtout l’équilibre sonore qui est mis à mal… Le son est trop faible et n’atteint pas le dixième rang. Dans ces conditions, difficile de bien profiter du set soi-disant élégant du band. Un coup dans l’eau pour les Anglais !
SBTRKT monte ensuite sur les planches. Le groupe électro est plutôt notoire chez les fans du genre, mais ne dispensera finalement qu’une prestation minimale. Aucune folie à signaler et pour finir on peut le dire : on s’ennuie ferme. Trop linéaire et même plat…
Le DJ set final est anecdotique. Alors certes, l’idée d’un jour supplémentaire à Dour est intéressante. Mais dans les faits, ce n’est pas une réussite. Et même si l’apéritif s’est avéré peu succulent, ce mercredi était quand même une bonne occasion de fouler pour la première fois le site qui va voir défiler des centaines de milliers de festivaliers, les quatre jours suivants…
(Organisation Dour Music Festival et Mons 2015)
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BRNS a dévoilé le clip de « Any House », nouvel extrait de l’album « Platine ». Les Bruxellois continuent ainsi de mettre en valeur leur premier elpee, sorti en 2014.
La vidéo est à découvrir ici.
Par ailleurs, le groupe sera en concert dans de nombreux festivals et notamment à Dour ce samedi 18 juillet.
Deux ans après son dernier passage en Belgique (NDR : Couleur Café en 2012), Public Enemy signe enfin son retour sur les terres belges. L’un des pionniers du Hip-Hop se produisait dans le cadre de l’Openlucht Theater Rivierenhof d’Anvers, ce 14 juillet. Affichant 33 ans carrière à son actif et malgré plusieurs départs au sein du line up, le binôme principal Chuck D et Flavor Flav est toujours bel et bien au poste. Un cadre superbe sous forme d’amphithéâtre situé en plein cœur du parc de Rivierenhof combiné à un temps radieux, il n’en fallait pas plus pour profiter pleinement du retour de P.E..
DJ Dysfunkshunal ouvre la soirée. Originaire de Louvain, il colle parfaitement au thème de la soirée en ne mixant que des classiques du Hip-Hop américain. Une ambiance très ‘old school’ au cours de laquelle il enchaînera pendant une demi-heure les scratches et les mixes des plus grands artistes Hip-Hop US comme Dr Dre, Notorious Big, Wu-Tang, Snoop Dog, Sugar Hill Gang et Tupac, pour ne citer qu’eux. Une première partie très réussie et une chouette découverte que ce DJ belge.
C’est à la fin du supporting act que l’Openlucht Theater commence véritablement à se remplir ; et il est quasi ‘full’ avant que la tête d’affiche ne monte sur le podium. Il est un peu plus de 21h30 quand DJ Lord prend place derrière ses platines à droite de la scène, accompagné d’un batteur sur la gauche et d’un bassiste entre les deux. Au milieu trône l’emblématique logo du collectif dessiné d’ailleurs par Chuck D, un logo représentant une personne de couleur noire ciblée dans le viseur d’un policier. Deux ‘danseurs’ habillés en militaire viennent compléter la troupe. « Lost at Birth » ouvre les hostilités. Seul, Chuck D aligne quelques titres en solo.
Il ne faudra pas attendre très longtemps avant de voir débarquer sur l’estrade l’excentrique Flavor Flav. Soit dès « 911 is a joke », titre très critique sur la qualité des services d’urgences aux Etats-Unis notamment lorsqu’on appartient à la communauté afro-américaine. Les deux MC’s sont à présent réunis et l’ambiance va clairement monter d’un cran. Un concert basé sur leurs plus grands classiques essentiellement issus de leurs premiers elpees. L’auditoire entre progressivement dans le bain et atteindra son point d’ébullition lors de « Bring The Noise », au cours duquel les jumps se multiplient lors des refrains. Une ambiance survoltée qui ne va pas redescendre, puisque le groupe enchaîne par « Don’t Believe The Hype » (titre revendiquant l’égalité et prônant la révolution) suivi de « Can’t Truss It ».
La formation nous propose même quelques nouveautés comme « Man Plans God Laughs », titre éponyme de l’LP sorti le lendemain du concert, mais aussi « Honky Tonk Rules » suivi de « Fight The Power » qui symbolise certainement le mieux le combat et les revendications de Public Enemy. Malgré un solo de scratches et de mixes très impressionnant exécuté par DJ Lord et Flavor Flav, le climat va légèrement retomber en fin de set… Le crew en profite pour remercier le public, immortaliser la soirée tout en continuant à revendiquer le droit à l’égalité pour tous. Un combat entamé au début des eighties.
Pendant presque deux heurs, Public Enemy est resté fidèle à son image. Chuck D, mais surtout Flavor Flav, ont été plus qu’omniprésents tout au long du show. L’excentricité de Flavor y est aussi pour beaucoup et c’est ce qui fait également le charme d’un concert de Public Enemy. N’hésitant pas à se multiplier sur les planches, que ce soit à la basse, à la batterie, en jumpant ou en serrant les mains des premiers rangs, on sent que Flavor Flav est plus qu’apprécié par le public.
Public Enemy a accordé une excellente représentation, face à un auditoire très réceptif dont la moyenne d’âge variait entre 40 et 50 ans. Malgré la notoriété mondiale du band, les textes engagés sont, hélas, encore d’actualité après plus de trois décennies… Ils ont même malheureusement, encore plus que jamais, de sens aujourd’hui…
Organisation : OLT Rivierenhof (Arenbergschouwburg , Anvers)
(Voir aussi la section photos ici)
Tangtype est un duo réunissant la chanteuse Julie Cambier et le compositeur Jean-François Brohée. Ce « Trajet » a été composé entre Bruxelles et Vienne, où ils vivent respectivement… Responsables d’un premier album (NDR : intitulé « Flake Out », il est paru en 2008) de musique dite ‘concrète’ (c’est-à-dire lorsque le compositeur de musique travaille directement avec les sons eux-mêmes, enregistrés et fabriqués le plus souvent par ses soins –merci Wiki– alors que la musique dite ‘abstraite’ nécessite l’écriture sur partition), les deux artistes ont donc décidé de poursuivre l’aventure sonore ensemble… et manifestement, ce périple évolue hors des sentiers battus ! Leur expression sonore s’avère en effet exigeante, avant-gardiste et expérimentale et peut d’ailleurs dérouter à la première écoute malgré la volonté de Tangtype de se faire plus accessible possible. Jean-François Brohée mixe des loops en se servant de bruitages en tous genres sur lesquels Julie Cambier pose sa voix profonde et éthérée… De cet opus, on épinglera le titre maître, caractérisé par son atmosphère intrigante, le jazzy (ou pas?) « East Morning Drive », « Drifting Cycle » parcouru de rythmes légèrement tribaux ainsi que la cover –très– originale du « In My Time of Dying » de Blind Willie Johnson (déjà repris par Bob Dylan et Led Zeppelin). Difficile cependant de coller des mots sur ces ambiances oniriques. Le mélomane estimera ce « Trajet » soit passionnant et unique ou carrément assommant. Selon que l’on soit ou pas ouvert à ce type d’expérimentations. Certains apprécient davantage les longues routes que d’autres ! Perso ça dépend de mon humeur…
Le JC Smith Band est établi au sud de la baie de San Francisco, en Californie. Le chanteur/guitariste, JC Smith, en est le leader. Il avait pourtant entamé sa carrière comme drummer au sein du Back to Back Blues Band. C'est en 2000 que JC, inspiré par T-Bone Walker, Albert King et Johnny Guitar Watson, opte pour une Gibson 335. En 2001, son JC Smith Band tout neuf publie un premier opus, "The Midnight creeper". En 2004, il embraie par "That's what I'm talkin' about", un disque coproduit par la chanteuse Joanna Connor, et pour lequel il reçoit le concours du batteur légendaire chicagoan, Willie Big Eyes Smith. Il faut cependant attendre 2009 pour voir sortir "Defining cool", un elpee bien reçu par la critique.
Pour concocter "Love mechanic", il a bénéficié de la participation de son backing group, soit le claviériste Todd Reid, le bassiste Robert 'Jay' Green et le drummer Donnie Green. Sans oublier une section de quatre cuivres : le tromboniste Gene Reynolds, le trompettiste Tommy Maitland, ainsi que les saxophonistes David Sandez et Abraham Vasquez (NDR : un ex- Back to Back Blues Band).
"Jump for joy" s’ouvre dans le jump et le swing. Le front de cuivres est solide, mais le saxophone ténor de Vasquez s’autorise déjà un billet de sortie, tout comme JC, dont les cordes sont bien vivifiantes. La version du célèbre "Cold sweat" de James Brown est très personnelle. JC malmène à nouveau les cordes de sa Gibson et sa voix est autoritaire tout au long de ce R&B entraînant, dansant et irrésistible ! Les lumières s'éteignent. Le tempo ralentit. Richard Palmer double au piano et à l'orgue sur "Come on home to me", une ballade R&B indolente au cours de laquelle les ivoires s'installent subrepticement à l'avant-plan. JC introduit le titre maître à la manière d'Albert King, un southern R&B coloré par les cuivres. Le leader injecte toute sa sensibilité dans les cordes, alors que Todd se met dans la peau de Booker T à l’orgue. La gratte va et vient tout au long de "Ring around the Tub", un blues rythmé plus classique. Cap vers Chicago pour le "Yonder's wall" d'Elmore James, une version très singulière. Un R&B très funkysant entretenu par les cuivres et dynamisé par la section rythmique en effervescence. Vasquez brille à nouveau au sax. Jeannine O'Neal fait sonner ses cordes comme un banjo sur "Bad bad feeling", une piste sculptée dans le country/roots. Les arrangements de cordes et de claviers ont solides pour baliser "Last night", un superbe blues indolent signé Little Walter. Le JC Smith Band aime reprendre les classiques du Chicago blues, afin de les adapter à sa sauce personnelle. A l’instar du "Talk to me baby" d'Elmore James. Face aux interventions de cuivres, Cris Cain se révèle créatif à la six cordes. "Rocket to the moon" nous replonge dans le jump boogie. Pensez aux années 40 et tout particulièrement à Louis Jordan. Talentueux pianiste, Sid Morris, brille de mille feux. Et on assiste à de nouvelles sorties royales aux cordes, à la trompette ainsi qu’aux saxophones. Encore une cover, mais d’un titre notoire, le "Five long years" d'Eddie Boyd. JC Smith administre un max de feeling et de passion au cœur de ce blues lent authentique et à l'état brut. Tant au chant que sur sa gratte. De toute bonne facture, cet opus s’achève par le dynamique "Ain't no stranger", un titre issue de la plume de Toronzo Cannon, un bluesman du south side de Chicago, de moins de 50 ans. Et cette excellente version est ponctuée par un solo remarquable de Mr Smith!
Etrange patronyme que ce Pas de Printemps Pour Marnie, puisqu’il s’agit du titre d’un film réalisé par le maître du suspense, Alfred Hitchcock. En fait, on est en présence d’un projet –financé par la plateforme participative Microcultures– imaginé par le Français Jean-Pierre Isnardi. Il n’en est pas à son coup d’essai, puisque auparavant il avait eu l’idée insolite de reprendre des morceaux de My Bloody Valentine à sa sauce, et tout particulièrement « Loveless », en 2008. Mais aussi les Bee Gees en 2010 ! L’herbe doit être plus verte du côté de Toulouse pour oser se lancer dans ce genre d’improbable aventure.
Pour réaliser ce nouveau challenge, il a invité toute une série d’interprètes masculins mais surtout féminins, à l’instar de Nouvelle Vague. Mais, cet LP nous propose ses premières compos originales, à des années-lumière des distos de la bande à Kevin Shields. Affichant tour à tour un côté ‘classe’ comme un bon Divine Comedy (« Altogether »), dream-pop dans l’esprit de Beach House (« Mankind ») ou franchement léger et pop dans la lignée des Cardigans (« ESG »)… Pas de Printemps pour Marnie, peut-être, mais « Cover Me » prolonge discrètement le nôtre à l’aide de sa pop toute… printanière…
Lee Palmer est canadien. Son style émarge à la roots. Au cours des dernières années, il avait publié deux elpees, "One take - Live at Canterbury" en 2013 et "60 Clicks" en 2014. Agé de 61 ans, il est originaire du New Brunswick, mais vit actuellement à Toronto. "Like Elway" constitue son dernier opus, un disque pour lequel certaines sessions ce sont déroulées dans la Music City de Nashville. Il signe les neuf plages et a coproduit l’LP en compagnie d’Elmer Ferrer qui apporte également son concours aux grattes acoustique et électrique.
"Rockin' this chair" s’enfonce nonchalamment dans la roots, tout en se balançant au gré des accents dispensés par l'accordéon de Lance Anderson. Lee chante d’une voix nasillarde. Les cordes amplifiées de Ferrer s'inscrivent rapidement au sein de ce climat indolent. "Life's a mess" (Trad : la vie est un foutoir) est une tendre ballade à la mélodie empreinte de charme. L’ombre de Dylan y plane, alors que le piano d'Anderson et les cordes acoustiques balisent l’ensemble. Le même piano introduit "Those winter blues", un blues cool aux intonations jazz. Subtil, le swing est entretenu par les percussions d'Al Cross. Une plage ponctuée par les sorties éclatantes de la six cordes d'Elmer Ferrer et des ivoires. Superbe ! "Lonely at the Top" est amorcé comme un blues lent, mais accélère rapidement et dans la bonne humeur. Mary McKay chante aux côtés de Lee ; et c'est encore le talentueux Lance qui tire son épingle du jeu au piano, avant de céder le témoin à Ferrer. Le titre maître est un autre sommet de l'opus. Lee nous y raconte sa rencontre avec un musicien de rue sur Broadway à Nashville, un personnage qui avait en lui le blues. Tout est parfaitement en place. La réplique vocale de Mary McKay. La guitare. L'orgue et la section rythmique au sein de laquelle David Woodhead se consacre à la basse. "This feels like one of those days" est un autre blues cool. Le team est alors soutenu par leur ami Roly Platt pour souffler dans l'harmonica. Miss McKay y injecte tout son vécu et se montre une nouvelle fois à son avantage. "Maybe that's why" est une ballade bouleversante. L’accordéon et les cordes délicates, immaculées, aux accents hispaniques, alimentent ce sentiment de mélancolie. "Have a wonderful life" opère un changement radical de style. Bien funk, cette piste intègre les riffs largement amplifiés d’Elmer, alors que l'orgue Hammond s’infiltre dans le décor sonore. De bonne facture, ce long playing s’achève comme il a commencé, c’est-à-dire par un morceau de blues/roots. Roly Platt se consacre à l’harmo, alors que Lance Anderson excelle à l’orgue. Le meilleur opus de Lee Palmer, à ce jour.
Cette Canadienne n’est pas née de la dernière pluie. Et pour cause, elle compte une carrière longue de 35 années. Elle a été choriste pour Ronnie Hawkins et tourné en compagnie du regretté Long John Baldry. Elle compte cinq albums à son actif. Dont ce "1953", enregistré au sein du studio torontois Phase One, en compagnie des Tucson Choir Boys, soit les guitaristes Sameday Ray et Dave the Cat, la percussionniste Kristine KK Walsh et le bassiste Les Graham.
Reconnaissons que dès les premières secondes de "Dime store lover", on est troublé par la voix de Cheryl ; une voix assez graveleuse, forgée par les vicissitudes de la vie, une voix qui a du potentiel, du relief et de la puissance. Une compo plutôt blues au cours de laquelle, les vocaux donnent la réplique à la guitare et surtout au piano de Steve O'Connor. Et elle chante superbement encore le "Soul shakin' romance", une plage de pop/rock/soul qui baigne au sein d’un climat réminiscent de la fin des 50’s, début des 60’s. Les cordes acoustiques de Dave the Cat sont un véritable régal tout au long de ce morceau qui aurait pu servir de 45trs dans un juke-box de l’époque. Une même atmosphère imprègne "Surrender", une ballade bluesy signée par son amie Lynn Jackson. Les échanges entre la voix de Miss Lescom et les chœurs sont sublimes, alors que discrètement, une gratte électrique montre le bout du nez. Plus acoustique, "Just pressed send" adopte un profil légèrement rock'n'roll que balise le piano et l'orgue de Steve. Excellent ! La voix rocailleuse de Cheryl parvient à se libérer d’arrangements subtils sur "Too much time", une piste davantage country voire americana. Elle la pousse un peu sur le rapide "Party girls". Un cocktail savant et délicat de rockabilly, de swing et de jazz, destiné à la danse. Et chante doucement et voluptueusement "It's not you, it's me", une ballade roots indolente, tout en affichant cette réserve de puissance toujours bien palpable. "Places I've been" est un autre titre issu de la plume de Lynn Jackson. La ligne mélodique est imparable. Les chœurs enveloppent la voix de Cheryl qui, lorsqu’elle s’emballe, force le respect. Réalisant la fusion entre rock’n’roll et r&b, "Nice mix of crazy" déménage littéralement, tout en lorgnant sans complexe vers une Tina Turner juvénile. Et les interventions de gratte ne sont pas sans rappeler son ex-époux, Ike. Que du bonheur! Face à l’orgue de Steve O'Connor, Ms Lescom interprète passionnément "Measure of a man". Cet excellent opus s’achève par "Twenty foot memory". La scène de Dave the Cat s'emballe tout au long de ce morceau rythmé, propice à la danse. Un fameux tempérament cette Cheryl !
En 2012, ce trio italien publiait « Let me Out », un elpee fortement marqué par la britpop. Un premier essai qui se servait des codes spécifiques à ce type de musique, sans parvenir à développer une identité propre. Néanmoins, cet opus était susceptible d’être écouté d’une seule traite, à cause de ses compos aux mélodies bien torchées, alimentées par une énergie bien palpable.
Trois ans plus tard, The Junction semble avoir abandonné les codes de la britpop pour embrasser ceux du punk/pop. Et utilisant la même méthodologie. Tout au long de « Hardcore summer hits », les Transalpins exploitent tous les clichés du genre afin de réaliser son objectif. De bons vieux riffs qui accrochent, des chœurs en pagaille, des mélodies entêtantes et une batterie qui déroule. The Junction a parfaitement compris la formule, la totalement assimilée et l’a plutôt bien reproduite. Bref, le résultat est sympa mais manifestement stéréotypé. Prochain challenge : le grunge !
Chanteuse et guitariste de blues, Amy Hart est née dans la grande cité du blues, Chicago. Son début de carrière remonte déjà à 1979, lorsqu’elle militait chez Flash Point, une formation blues issue du Chicago Westside. Elle se produit régulièrement au sein des célèbres clubs de la Cité des Vents, tels que le B.L.U.E.S et Kingston Mines. En 1985, elle émigre à Los Angeles, avant de s’établir à Nashville. Elle fonde son propre label, Painted Rock, en 1999. L’année suivante, elle grave son premier elpee, "Every beat of my heart". Ne parvenant pas à se fixer, Amy s’installe alors à Destin, en Floride, pendant une dizaine d'années, avant de faire une brève halte à Chicago, puis de repartir pour Nashville. Elle y publie son second opus, "Congratulations", en 2011. Flanquée de son backing band (NDR : Gene Bush au dobro, PT Gazell à l’harmonica, son époux Wally Hoffman à la basse et Matt McDowell à la batterie), elle multiplie les tournées et se produit notamment au Mayne Stage (NDR : c’est au nord de Chicago), en juillet 2014. Sa prestation est immortalisée ‘live’ et fait l’objet de son 3ème LP, "Live at the Mayne Stage". Elle y est accompagnée de ses quatre musiciens.
Amy a écrit les douze plages extraites de ce concert. Sept d'entre elles figuraient sur "Congratulations" et cinq sont de nouvelles compos. Pour ce nouvel elpee, elle bénéficie du large réseau de distribution du label Vizztone!
Nous sommes bien en ‘live’, car le groupe est présenté par le maître de cérémonie avant de s'embarquer dans "In the zone", un morceau balayé par l’harmonica de P.T.. Wally joue de sa lourde contrebasse, un œil fixé sur son épouse Amy qui chante, le bottleneck au doigt pour le laisser glisser le long des cordes. Amy possède une voix de fausset, un rien fragile, sensuelle mais veloutée qui colle parfaitement au style. Le souffleur tire encore son épingle du jeu sur "Blues at the Top of the World". Faut dire qu’il n’en rate pas une pour mettre le nez à la fenêtre. Amy a écrit "Get ready" pour son mari, un cri d'amour, qu’elle chante avec conviction et passion. Une excellente roots song. Gene Bush se sert de son dobro comme d’une steel guitare, à l'horizontale. Le ton d'ensemble s’avère homogène. Le band a un son, un style. Et "Put me back" en est encore une belle illustration. Les solistes restent à l'affût, Gene au dobro et Gazell à la musique à bouche. Miss Hart chante impeccablement "Blue eyed blues" et "Even country gets the blues", deux ballades sympas et chaleureuses. P.T. est vraiment le meilleur soliste de l’équipe. Et il le démontre à nouveau sur "Ribcage". "Red dress blues" est sans doute la meilleure plage du long playing. Apparemment, Amy se réserve les parties de guitare, et ses interventions sont remarquables. "Get the girls dancin'" est d'évidence une invitation au déhanchement. P.T. se révèle toujours aussi inspiré aux côtés du dobro, alors que la voix adopte un ton plus implacable. Titre maître de son deuxième LP, "Congratulations" constitue un point chaud du concert, un morceau ponctué par de bons envols à la slide et l'harmo. Et le concert de s’achever par une nouvelle composition, "You drive me"…
Chanteur/compositeur/guitariste, Josh Garrett est né en juillet 1979, à New Roads, en Louisiane. Il émigre ensuite un peu plus au Sud. A Houma, très exactement, où il fait ses premiers pas musicaux. Il publie son premier elpee, "Changed man", à l’âge de 24 ans. En 2008, il s’établit à Nashville. Il y grave un double album, "Live on Printer's Alley", en 2009. L'année suivante, il revient en Louisiane, pas loin de Baton Rouge. Et en 2011, il sort encore "String of problems". "Honey for my queen" reflète bien le talent du jeune Josh, inspiré par la Louisiane, ses voyages et sa famille.
C’est le titre maître qui ouvre l’opus. Le tempo est soutenu. La formule est simple, directe et efficace. Clay White souligne de son harmonica les couplets chantés par Josh. CR Gruver se consacre au piano roadhouse, alors que Josh concède parcimonieusement quelques lignes de guitare. L'ambiance est sereine et décontractée tout au long de "Memphis". Un climat cool réminiscent du blues des marais de sa Louisiane natale. La voix de Josh est ici bien claire, mais déterminée. "Same boat" est imprimé sur un rythme plus soutenu. Josh bénéficie du concours de James Johanson, un vétéran qui a milité au sein du backing group du légendaire Slim Harpo, l'un des fers de lance du swamp blues. James se réservait ainsi la partie de gratte sur le plus grand succès de Harpo, "Baby scratch my back", un morceau qui remonte à 1966. Un bail ! Il donne également la réplique vocale. Et pour la circonstance, on ressent une parfaite fusion entre deux bluesmen locaux, issus de générations différentes… Acoustique, "Goodnight Goodnight" est une piste très roots, caractérisée par un échange subtil entre cordes et harmo. La rythmique est soutenue tout au long du superbe instrumental "Slide in G". Les échanges opérés entre la slide, l'harmonica et l'orgue sont nerveux mais fondamentaux. "Easy chair" est un blues à la fois limpide et séduisant. Garrett multiplie les interventions spontanées, des chapelets de notes qu’il aligne sous le coup d'une inspiration sans limite, pendant que l'orgue Hammond chaleureux de CR Cruver balise l’ensemble. Toujours bien laidback, "Whole bottle of wine" fleure bon la Louisiane. On ressent le bonheur et la complicité des musiciens dans leur interprétation, des musiciens qui n'hésitent pas à reprendre le refrain en chœur : CR, Corey Duplechin et Joey Breland. La reprise du "Ain't nobody's business" de Freddie King est somptueuse. Une adaptation minimaliste, au cours de laquelle l’artiste injecte toute sa sensibilité en dialoguant avec ses cordes, dont il se délecte. "Dat's alright with me" est lancé au galop, mais surtout reflète une immense joie de vivre et de la bonne humeur. Une piste de country/roots alimentée par le piano roadhouse, la guitare en picking et le violon de Waylon Thibodaux. Ce superbe long playing s’achève dans une atmosphère néo-orléanesque. Drums et percus en première ligne, l’harmo de Clay White et les ivoires de CR Cruver se chargeant de la cultiver…
Chanteuse/guitariste, Amanda Fish drive son propre band, spécialisé dans le blues/rock. Elle s’est établie à Kansas City, dans le Missouri. C’est la sœur aînée de Samantha Fish qui se taille un certain succès, depuis quelques années. Son backing group réunit trois musiciens, le drummer Kristopher Schnebelen (ex-Trampled Under Foot), le chanteur Sean McDowell et le bassiste Cole Dillingham. Ces deux derniers se consacrent aussi parfois aux vocaux. Elle signe son répertoire, seule ou en compagnie de son partenaire, McDowell.
Nerveux, bien funky, "I'mma make you love me" ouvre la plaque. La section rythmique est solide et soudée dans la manœuvre. La voix d'Amanda est superbe et naturellement autoritaire. Invité, le jeune Brody Buster (NDR : il émane du Kansas voisin) fait chauffer son harmonica. "Player blues" est une ballade roots très agréable à écouter. Et lorsque la slide de McDowell transperce l’expression sonore, c’est un réel bonheur! Un riff musclé balise le blues/rock "Wait", démontrant ainsi la diversité de style du combo! Une nouvelle preuve ? La ballade country "Guess I'll lay down", sans doute chantée par McDowell, devant le violon de Jacob Hiser (Hiser Brothers) et le piano de Liam Goodrick. Nouveau changement d’atmosphère pour "Prisoner of your touch", une plage aux saveurs latines délicatement parfumées de jazz, qu’entretient le piano de Goodrick. Une compo interprétée par une voix masculine. "Boots on the ground" est sculpté dans le R&B funkysant. "I don't need it" marque un retour au blues pur. Talentueux espoir, Brody Buster imprime nonchalamment le tempo de son harmonica, avant qu’il ne soit relayé par la guitare de Coyote Bill (un ami issu de Kansas City). Epatant ! Amanda s'enfonce plus loin dans le Delta pour déclamer son "Hard walkin' blues". Elle chante, la voix saturée d'émotion, devant une guitare rythmique qui s'impose, avant l'explosion attendue des cordes. Clairement blues, "Lady of the night" adopte un bon rythme, proche du "Help me" de Sonny Boy Williamson. Tel un cortège funéraire, "Breaking me down" avance lentement. Le ton est tragique, le dépouillement total. La ligne de basse grave. A tout instant, les cordes sont prêtes à hurler de désespoir, et lorsque enfin elles se manifestent, c'est avec beaucoup de pudeur et de tristesse. "Watch it all burn" change une fois encore de registre, un R&B tapissé par l'orgue de Tyson Leslie. D’excellente facture, cet LP s’achève par le titre maître, un long blues déclamatoire aux accents dramatiques. Amanda vit son chant. Elle hurle son mal-être. Dévorante, ravageuse, torturée, la gratte de McDowell nous entraîne alors au cœur d’un trip psychédélique.
Feel est né en septembre 2012. Il est le fruit de la rencontre entre trois musiciens issus de la région d’Ath : Kevin Cools (chant/guitare), Martin Moreau (batterie/percussions) et François Hantson (basse).
Le trio a remporté le concours ‘L’envol des Cités’ en 2014. Et si sur scène, il envoie du lourd, les musicos affichent une excellente technique. La formation est actuellement coachée par Mario Guccio, le chanteur de Machiavel. Pas étonnant que cet Ep ait été produit par un autre ex-membre de ce combo, Roland De Greef.
« Getting'Old City » est sculpté dans un rock nerveux et métallique, tout en lorgnant de l'autre côté de l'Atlantique. « Kill Em All » également, mais oscille entre moments paisibles et poussées de fièvre énergiques. Malgré son excitation éphémère, « Bubble » baigne dans un climat plus paisible, presque empreint de douceur. Une plage infiltrée par un filet de percussions. Excellent ! Feel adopte un tempo funky/reggae tout au long de « Vavedoo De Top ». Une petite invitation au dancefloor, tout en feeling. Et enfin, « Will I Be Experienced ? » est sculpté dans un rock old school sans concession, même si la voix de Kevin est haut perchée mais mélodieuse… Faut croire que leurs influences majeures oscillent de Led Zeppelin à Jimi Hendrix en passant par Jeff Buckley.
Agé de 61 ans, ce chanteur/compositeur/guitariste est originaire de Tulsa, dans l’Oklahoma. En 1981, il avait eu le privilège de se produire en compagnie du légendaire Clarence 'Gatemouth' Brown. Au cours des eighties, Scott s’établit à Los Angeles et début des nineties, il monte son propre band. Il grave alors ses premiers elpees : "Chains of love" en 1993 et "Live at Joey's" en 1995. Il retourne ensuite chez lui à Tulsa et publie alors "Steamin" en 1997, "One step from the blues" en 2000, "Cold hard cash" en 2001, et "Bad case of the blues" en 2003. Son Scott Ellison Band rencontre pas mal de succès. Paru en 2008 sur le label Earwig, "Ice storm" recèle même un hit, "Cadillac woman". Son dernier opus, "Walking through the fire", remonte à 2011. "Elevator man" a été enregistré à Tulsa, sous la houlette de Walt Richmond, un claviériste qui tournait régulièrement avec le regretté JJ Cale et Eric Clapton. Scott signe les treize plages.
Un son spécifiquement ‘Tulsa’ imprègne "Holler Help", le morceau qui ouvre l’LP. La voix de Scott est excellente. Torturée par les effets, sa gratte nous assène une véritable claque. Et "Arlene" poursuit dans cette même veine, mais sur un riff créé par la basse de Charles Tuberville, alors qu’invité, le vétéran local Jimmy Markham tire son épingle du jeu à l’harmo. Puissants, les vocaux d’Ellsion sont soutenus par un chœur féminin, tout au long de "Behind that smile", un blues lent aux accents dramatiques, tapissé par les interventions luxuriantes de l’orgue Hammond et balayés d’accès de gratte bien sentis. Très roots/blues, "Fishsticks and Jelly" nous entraîne vers le delta. Sous l’impulsion de la slide acoustique aux cordes métalliques. Soulignée par celles des choristes, la voix d’Ellison est au bord de l’agonie tout au long du funky blues "Elevator man". Le tempo accélère sur "Jesus loves me", une piste au cours de laquelle la gratte, tranchante et acérée, ne tient plus en place et hurle sous les doigts nerveux de Scott. "School girl" baigne au sein d’un climat néo-orléanesque. Les rythmes sont festifs et percussifs. La section rythmique y excelle, tant Chuck Blackwell sur ses drums que Tuberville à la basse. Ce qui n’empêche pas la six cordes de décoller pour atteindre un nouveau sommet. Largement amplifiée elle s’extirpe des percus brutes et dépouillées, pour nous emmener dans les collines du Nord du Mississippi sur "Put you down". Le bassiste Jon Ferris, le batteur Robbie Armstrong et l’harmoniciste Jimmy Markham apportent un solide coup de main à Mr Ellison sur le shuffle puissant et entraînant, "Hit it, get it and go". La gratte pousse sans cesse de petits cris tout au long de "Wear out your welcome", un autre blues nonchalant. Nouveau coup de boost au tempo pour amorcer "I thought I'd be gone", un blues pétillant que chante Scott d’une voix affectée, pendant que la section rythmique impose un tempo implacable et que la slide frémit. Le mal de vivre envahit le sauvage "My little sheba". Le climat y est métallique, volontairement belliqueux. Nous ne sommes pas loin de la frénésie du hilbilly institué dans le Mississippi. En finale, "She's on my trail" synthétise parfaitement cet opus. Le son est musclé et offensif. La section rythmique opiniâtre, incitant le leader à faire geindre sa guitare, le plus souvent possible. Le meilleur opus de Scott Ellison. Passionnant !
Il y a un bon bout de temps qu’on avait plus entendu parler du duo lillois Ed Wood Jr. « Silence », son dernier et excellent album, remonte à 2011. Au cours de cette période, les Français ne se sont pourtant pas tourné les pouces, puisqu’ils ont accompli une petite tournée au Canada. Ils ont également apporté leur collaboration à l’artiste japonais Asako Fujimoto. Enfin, l’un des deux membres a publié un album avec le groupe Persian Rabbit (collaboration entre des membres de Green Vaughan, Tang et encore Two Left Ears).
Leur nouvel Ep s’intitule « Lost.Drive.Water.Exit ». C’est-à-dire l’énumération des titres de ce disque, séparés par un point. Découpé en 4 pistes, il est paru sur le label bruxellois Black Basset Records (Quadrupède, Billions of Comrades, …) Le math/rock des Nordistes est devenu plus raffiné. On y rencontre des touches électroniques et des voix sur « Lost » et « Exit », par exemple. Pensez à From Monument to Masse ou à Aucan, mais surtout à 65daysofstatics (à leur grande époque). Les quatre morceaux sont énergiques et mélodieux. Suffisant pour vous donner un bon coup de fouet. Le seul point faible de cet Ep, c’est de ne durer qu’un quart d’heure. Vivement un nouvel LP.
Ed Wood Jr se produira le 4 septembre au Magasin 4 à Bruxelles.
Blues Traveler est un jam rock band. Il est né 1989, à Princetown, dans le New Jersey. Le fer de lance est sans nul doute le chanteur/harmoniciste John Popper. Il est soutenu par le guitariste Chan Kinchla, le claviériste Ben Wilson, le bassiste Tad Kinchla et le drummer Brendan Hill. "Blow up the Moon" constitue leur douzième album. Il fait suite à une compile baptisée "25", et parue en 2012, sur le label Hip-O.
"Hurricane" ouvre l’elpee. La compo la plus percutante. Pas pour rien qu’elle soit sortie en single. La ligne mélodique est bien palpable. Le chant bien mis en exergue. Les claviers et les percus sont cependant programmés. Heureusement, l'harmonica de Popper fait déjà la différence. "Blow up the moon" ne manque pas d’allure, mais il est excessivement chargé de sonorités synthétiques. La responsabilité en incombe au duo 30H!3, réunissant Nathaniel Motte et Sean Foreman (NDR : ils sont issus de Boulder, dans le Colorado). Rome Ramirez produit, se réserve les guitares et signe "Castaway", une plage qui adopte le rythme du reggae. Formation californienne de hip hop et de ska punk, Dirty Heads est dans le coup. La même équipe attaque "Vagabond blues". Ce n'est pas du blues, mais bien du hip hop, bien construit, parfaitement mis en forme, mais complexe. Ce projet est le résultat de la collaboration entre Blues Traveler et différentes entités musicales très différentes. "Top of the world" bénéficie de la synergie entre BT et Hanson, un groupe pop/rock formé par les frères Hanson (NDR : Le trio est originaire de Tulsa). Et le résultat est plutôt réussi. L'harmonica est balisé par les cordes d'Isaac Hanson et l'orgue de Taylor Hanson. "Nikkia's Prom" est le fruit d'une coopération avec un autre groupe pop/rock, Plain White T's. Pas mal du tout ! La plage la plus réussie à mon goût est certainement "Matador". John Popper y est épaulé par Thompson Square, un couple impliquant Keifer et Shawn Thompson qui pratique de la country. Les voix et les arrangements sont absolument superbes. Et la même équipe s’attaque à "I can still feel you", une excellente piste ponctuée par un envol extraordinaire de l'harmonica! Secondhand Serenade est le projet de John Vesly, un musicien de rock californien. Les deux John chantent ensemble "The Darkness We All Need", une jolie ballade au cours de laquelle Mark Evitts (un jeune multi-instrumentiste issu de Nashville) joue du violon, de la viole et du violoncelle. New Hollow est un jeune trio rock originaire de l’Ohio. Associé à BT, il nous propose "Jackie's Baby", une piste de pop/rock assez savoureuse. Jewel (NDR : elle est née à Payson, dans l’Utah) est actrice de cinéma et de séries TV. Elle chante également. Elle pose sa voix suave et fragile sur "Hearts are still awake". Bowling for Soup est un quatuor pop/punk texan. Il participe à deux morceaux auxquels il communique de bonnes vibrations. La voix de Jarett Reddick et les deux guitares sont épatantes, tant sur l’intense "I know right" que le nerveux "Right here waiting for you". L'elpee s’achève par "All the way", une pop song que John Popper et l'acteur/réalisateur Thomas Ian Nicholas chantent de concert. Si la production est particulièrement soignée et a certainement nécessité un énorme boulot, l’œuvre s’avère inégale, vu la disparité des différents intervenants.
Aux States, The Weepies est une entreprise rentable. Non seulement il a vendu plus d’un million d’albums, mais il est responsable d’une multitude de pubs –dont la campagne présidentielle de ce cher Barak. The Weepies est un duo musical et conjugal réunissant Deb Talan et Steve Tannen. Et « Sirens » constitue son 5ème opus, une disque annoncé thérapeutique, puisqu’il s’inspire de la lutte contre le cancer vécue par Deb. Pour la circonstance, le couple a reçu le concours de toute une série de musiciens chevronnés dont Matt Chamberlain (ex-Smashing Pumpkins, Pearl Jam), Rami Jeffee (Foo Fighters) et Tony Levin (Peter Gabriel). Réunissant 16 plages, cet opus inclut quelques reprises, et tout particulièrement le « Learning to fly » de Tom Petty et le « Volunteer » de Mark Geary. Dès le très pop « No Trouble », on comprend mieux le succès rencontré par les Weepies, tant leur pop/folk caressé la voix très catchy de Deb Talan est dans l’air du temps… A la limite de la mièvrerie, le duo n’hésite pas à sucrer abondamment ses morceaux aux mélodies 1 000 fois entendues, quitte à risquer le diabète (« Our Little Love »). Les fans de chansons optimistes à fredonner nonchalamment (« Sunflower ») vont probablement se laisser enjôler par ces « Sirens », tandis que les adeptes de musique plus cérébrale peuvent s’attendre à se taper un sacré mal de tête ! Un véritable concentré de ‘Feel Good Music’ malgré le côté sombre de l’inspiration, plus proche des sirènes de Walt Disney que celles des ambulances…
La troisième journée est annoncée moins chaude au LaSemo. Le seul problème, ce sont les moustiques. Ils vous attaquent et piquent, sans crier gare.
L'affiche est encore superbe : Les Déménageurs (NDR : au sein duquel milite Perry Rose), Alice Francis, FaOn FaOn (NDR : la grosse surprise !) et surtout Joe BeL, auquel on accroche de plus en plus. La voix de cette jeune Lyonnaise vous ensorcelle littéralement. Sans oublier un régional de l'étape : le sympathique rebelle Cédric Gervy. Il va fêter très dignement son anniversaire en compagnie des festivaliers. Et cerise sur le gâteau, Bénabar ; pour y accorder sa seule date estivale en Belgique.
Débarqué vers 13h30, je fonce vers le ‘Château’ pour assister au show des Déménageurs. Comme il y a deux ans, il va faire l’unanimité auprès des familles présentes. Ce sont des pros du spectacle capables d’adapter très intelligemment leur musique et les paroles dites ‘adultes’ pour nos petites têtes blondes.
Les Déménageurs, c’est un concept écrit et mis en scène par Yves Barbieux (Urban Trad). Il est né en 2002. Sur les planches il réunit Nelson (Perry Rose : chant et guitare), Lili (Marie-Rose Mayele : chant, danse et mise en mouvement), Georges (Didier Laloy : accordéon diatonique et percussions) ainsi que Stoul (Thierry Hercod : vielle à roue, chant, flûte à bec basse, low whistle et percussions). Les trois premiers sont parfois suppléés par Pascal Chardome, Laïla Amezian et Julien De Borman. Devant le podium, il y aura autant de monde que pour Poulycroc, Cédric Gervy, Robbing Millions ou Dalton Telegramme.
Les artistes ne son pas des manchots et vont régaler un auditoire enthousiaste, dont l’âge oscille entre 3 mois et 75 ans. Tout le monde est assis pendant le spectacle, au cours duquel on n’entend pas une mouche voler (NDR : des moustiques, quand même…) La veille, à la même heure, le Grand Ben avait régalé le même type de public. Les petits et les grands. Un vrai concert comme chez les parents ! Une vraie heure de bonheur au cours de laquelle musique, danses, et chansons –tantôt drôles tantôt tendres– nous (re)plongent dans l’univers du rêve. Les Déménageurs partiront bientôt en tournée au sein de l’Hexagone…
Direction ‘La Tour’ pour la première grosse pointure de ce troisième jour de festival, Alice Francis. Elle était déjà parvenue à mettre le feu lors de l’édition 2014 du LaSemo. Alice est née à Timisoara en Roumanie. Elle s’est établie, en compagnie de son groupe, à Cologne, en Allemagne. Un seul album à son actif « Saint James Ballroom ». Paru en 2013, il a littéralement fait le buzz.
Sur les planches elle est soutenue par Mr. Goldielocks et Sir. Chu-Min Yoo. Le trio pratique une sorte d’électro swing, aux accents charleston et jazzyfiants. Un peu comme au cours des années folles. Mais cette musique est judicieusement contaminée par le hip hop. Certains n’ont d’ailleurs pas hésité à la taxer de jazz hop ou de néo-swing.
Alice pourrait ressembler à une Josephine Baker contemporaine. Elle est vêtue d’un short de couleur bleue à franges et d’un body exotique. Mr. Goldielocks a enfilé une veste militaire de la marine. Il est coiffé de dreadlocks tirés en arrière et un bandana bleu lui enserre la tête. Il se plante à droite de l’estrade. Sir. Chu-Min Yoo, le troisième larron, porte un costume blanc. Il s’installe à gauche.
Alice chante et s’exprime dans la langue de Voltaire. Elle parle beaucoup avec le public ; et pas dans un français hésitant, mais chargé de passion. C’est outre-Rhin qu’elle a commencé à prendre de l’envergure, en assurant le supporting act pour Parov Stelar et les spécialistes du genre, Caravan Palace. Différence, mais elle est de taille la troupe française se sert, en live, de véritables instruments, alors que si Alice chante réellement, et mène vigoureusement le bal, comme Zoé d’ailleurs, ses deux acolytes se servent uniquement de machines.
Un peu dommage, ce semi play-back, même si les trois musicos vont mettre le souk au sein de l’auditoire.
Une petite balade au sein du site, avant de se diriger vers la scène ‘Découvertes’. Parmi le dédale activités ludiques proposées lors du festival, on y rencontre des spectacles de cirque et des arts de la rue.
Joe BeL (NDR : à son actif deux Eps prometteurs, « In The City », paru en 2012 et « Hit The Roads », en 2015 ; et un premier elpee est prévu pour début 2016) va donc se produire enfin sous la forme d’un trio électrique. Ils sont tous issus de Lyon. Votre serviteur avait déjà eu l’occasion d’assister au set de Joe en solo. Elle était alors uniquement armée de sa guitare. Et puis en mai dernier, dans le cadre des Nuits Botanique. En duo. Elle était soutenue par Benoît Richou –il l’accompagne depuis deux ans et demi– à la gratte électrique ou acoustique ainsi qu’à la basse.
Ces deux derniers sont épaulés ce soir par Jean Prat aux drums. Timide et sensible, Joe est rongée par le trac, mais pas sur les planches. C’est là qu’elle prend une autre dimension. Et vous aurez bientôt l’occasion d’en savoir davantage sur cette artiste, puisqu’elle a eu la gentillesse d’accorder une interview à Musiczine.
Chaude, la voix de Joe campe un hybride entre Nneka, Selah Sue, Nina Simone, Norah Jones et BJ Scott, le grain soul de Sarah Carlier, en plus.
Le set s’ouvre par « No, No », une chanson qui raconte l'histoire d'une personne qui ne tient jamais parole. Progressivement sucrée, elle est soulignée par un filet de sèche. Si au départ la foule semble distraite et couvre sa prestation, rapidement, elle finit par s’appliquer et l’écouter religieusement. Joe utilise sa voix comme un instrument. Et si son toucher de guitare est chargé de feeling ; il est surtout susceptible d’atteindre l’âme.
« Stronger » est une compo paisible, tendre et fragile, que transcende la voix de Joe. Après cette chanson, Joe demande au public comment il se porte. Elle s’adresse également aux premiers rangs en signalant que parfois on pense qu'on a le temps et la vie devant soi. Mais que tout passe toujours trop vite. Il faut donc profiter des gens que l'on aime. La set list alterne nouveaux titres et morceaux issus de ses deux premiers Eps. Dont le titre maître de « Hit The Roads », et « Lonely » qui clôt le set.
Elle se produira en concert le 24 juillet à Louvain La Plage, le 18 août dans le cadre du Brussels Summer Festival, et le 21 janvier 2016, à l'Ancienne Belgique.
De Didier Wampas, on retiendra surtout que son show est survitaminé, et qu’il se démène comme un beau diable. Mais pour la première fois en 3 jours, le son est mauvais. Les infrabasses sont trop envahissantes. Je préfère donc m’éclipser et cède le relais à Stéphane pour la suite du compte-rendu. (D.D.)
Qui est déjà occupé de contempler deux demoiselles sur la petite scène du ‘Château’. Elles ont choisi pour patronyme faOn faOn.
Le mot ‘faon’ désigne le ‘petit’ chez différentes espèces, notamment celui du cerf, du chevreuil, du daim ou du renne.
Ici, il n’est rien puisque sous ce nom particulier, se cachent deux filles fort jolies et âgées d’une vingtaine d’années. Fanny Van Hammée et Olympia Boule.
Deux femmes fusionnelles qui partagent un projet commun situé à mi-parcours entre électro tribale et folk poétique, naïve et sauvage.
La formation minimaliste impacte, il est vrai, la richesse musicale de ce duo. Une batterie pour l’une et deux synthés pour l’autre. Parfois, une guitare acoustique vient saupoudrer le tout. Ce ne sont probablement pas des gonzesses qui on suivi une formation académique !
Mais quand bien même ! Elles parviennent à véhiculer certains sentiments empreints de tristesse et de mélancolie. Ces deux biches suivent quelquefois également des chemins sinueux, tendrement sauvages, conduisant le public lambda vers une forme d’onirisme !
La musicalité est douce, légère et vaporeuse. A l’instar d’une Emilie Simon qu’elles ont choisie pour référence. On se laisse bercer par ce son particulier et ce timbre de voix fragile et par moment, éraillé.
Il règne un climat ouaté, feutré même, au sein de l’expression sonore. Qui serait davantage adaptée à des salles intimistes.
A revoir prochainement !
Il est 20 heures lorsque Cédric Gervy pointe le bout de son nez, guitare acoustique en main. Il débarque sur le podium du ‘Château’. D’entrée de jeu, la foule réunie en masse, reprend en chœur ‘Joyeux anniversaire’.
Le gaillard fête ses 43 balais aujourd’hui. La réaction du public lui fait chaud au cœur et on le comprend !
On peut dire que l’arroseur est arrosé !
Il écume les scènes belges uniquement en solo. Il s’est lancé, pendant quelques années, au sein d’un projet collectif : Cedric (et les) Gervy ; impliquant Mr Chapeau, le gratteur RenRadio et le drummer Tyler Von Durden. Courant 2009, ce dernier a été remplacé par The Robot.
Balayant d’un revers de la main cette quasi-étape obligée de starification, il a préféré mettre un terme à cette collaboration afin de poursuivre en solitaire la propagation de sa bonne humeur. Le titre « Putain, j’ai failli être connu » est éloquent à ce sujet.
Son fil conducteur, c’est le calembour. Mais pas que !! Parce que le leitmotiv va bien au-delà. Chacune de ses chansons véhicule des messages forts et pertinents !
Cédric Gervy dépeint en effet les problèmes sociétaux à travaux des thématiques choisies en fonction du moment (la crise, l’addiction aux jeux, …)
Détail intéressant, l’auditoire est alors composé d’une pyramide des âges assez large. De très jeunes enfants accompagnent leurs parents. C’est dire la popularité de ce mec. Tout a fait justifiée d’ailleurs !
Il y a belle lurette que votre serviteur connaissait cet artiste. Il avait pu l’apercevoir lors d’une édition du Wolf Rock à Dour. L’envie de l’interviewer était grande ! Un véritable honneur en ce qui me concerne ! J’ai rarement vu une personne avec autant d’authenticité et de sincérité. Proche de son public, proche des gens !
Autant dire que ses concerts sont synonymes de franche rigolade ! C’est une thérapie contre la morosité ambiante à lui tout seul ! Faudrait même que la sécurité sociale rembourse chacune de ses prestations tant il fait du bien à l’âme ! On en ressort complètement soulagé.
Ses plus gros titres ont été scandés par un parterre en transe : « George est content », « Playstation », « Bonne année quand même », « Walibi », « Que c’est chiant le reggae », …
Le titre légendaire « Formidable », complètement détourné à la sauce Gervy, stigmatise les joyeuses entrées de Philippe et Mathilde. Il a promis de ne plus le jouer à l’avenir. Dommage !
Sans oublier « La moitié d’un père » qui m’est spécialement dédicacé pour l’occasion. Merci à toi Cédric pour ce geste que je n’oublierai jamais !
Il est maintenant l’heure de se dire au revoir. Pour marquer le coup, un grand nom de la chanson française vient fouler l’herbe fraîchement coupée de la plaine du LaSemo.
Bruno Nicolini, alias Bénabar, s’est lancé corps et âme dans la chanson, il y a plus de vingt ans déjà.
Plutôt doué et davantage passionné par les textes que par le côté académique de la musique, pour lequel il ne voue d’ailleurs pas une réelle affinité, il déchiffre les partitions au feeling, en parfait autodidacte.
Un talent confirmé dont les multiples rencontres vont faire de lui ce qu’il est devenu.
Son pseudo puise son origine dans l’univers du cirque. Réel ou imaginaire, le clown Barnabé est devenu Bénabar, verlan oblige.
L’artiste affirme un style tout en douceur, mais personnel. Il aime croquer la thématique du quotidien, pénétrer dans l’intimité des gens et pointer leurs défauts comme pour les faire accepter.
Il y a beaucoup de candeur chez lui ! Une timidité maladive même !
Il fait mine de bouder le public prétextant se réserver pour ses prestations française. Les compatriotes belges ont bien compris la portée humoristique de ce lâcher prise et applaudissent à chacune de ses interventions. Ce qui a communiqué une touche irréaliste bien plaisante à vivre !
Parce que Benabar est comme ça ! Généreux et les pieds sur terre, il fuit ce star system crasseux. Il privilégie l’interaction avec son public au caractère glacial et mercantile du métier.
Chez lui, il se passe toujours un truc. C’est naturel et viscéral ! Il ne se limite pas simplement à un récital parce la scène n’est tout simplement pas un service après-vente, mais un produit neuf et à part entière, à défendre.
Influencé par Brel, Brassens, Renaud et Higelin, cet amoureux des mots cultive un savant mélange d’humour et de gravité. A tour de rôle, il passe du piano/voix à des chansons plus électrifiées. Aucun temps mort !
Perfectionniste dans l’âme, il injecte toujours beaucoup de passion dans ce qu’il réalise et l’exprime à travers une musicalité tendre et amère à la fois.
Après un show qui va durer approximativement 1 heure 30, le bonheur envahit les badauds présents. Les yeux écarquillés et sourires béats en disent long ! Un joli moment qui restera longtemps gravé dans nos cœurs !
Le LaSemo est un festival écologique à taille humaine. Pour sa huitième édition, il a drainé sur les 3 jours, 20 000 festivaliers. Des prix démocratiques. Une affiche musicale exceptionnelle et alléchante. Des bénévoles accueillants. Des activités ludiques pour les plus jeunes à profusion. LaSemo, on se revoit en 2016…
(Organisation: LaSemo)
Après Goose et Balthazar, un troisième formation belge va clôturer la journée : dEUS. Le band anversois tourne également tout l’été dans les festivals. L’an dernier, il a fêté ses 20 années d’existence ; et puis c’est une valeur sûre du rock noir-jaune rouge, mais également international. Le temps est plus frais aujourd’hui. Tant mieux ! Quelques gouttes de pluie tomberont au cours de la journée, mais sans devoir pour autant sortir les k-ways et les parapluies…
Benjamin Clementine a publié son premier opus cette année. Il s’intitule « At Least for Now ». Ce Londonien d’origine ghanéenne (NDR : installé aujourd’hui à Paris) possède un fameux organe vocal, dont l’amplitude oscille entre le baryton et le ténor. Une sorte d’hybride entre Terence Trent d'Arby et Anthony Hegarty des Johnsons. Et profonde, sa voix est capable de toucher l’âme. La répétition de la mélodie et des paroles est souvent utilisée, ce qui rend les compos à la fois méditatives et hypnotiques. Il s’accompagne au piano, et est soutenu par un violoncelliste, un bassiste et un drummer. Et il nous raconte ses récits de vie qu’ils soient douloureux ou sensuels, qu’il interprète parfois d’une manière théâtrale ou lyrique, sur une musique qu’on pourrait qualifier de soul/jazz…
Two Gallants n’a pas autant de succès que les White Stripes, Black Keys ou Royal Blood, mais le duo possède un style bien spécifique, une sorte d’indie lo-fi au sein duquel interviennent des éléments de folk, blues, rock et punk. Tout ayant le soin de préserver le sens mélodique. Une musique authentique, mordante, crue, aux textes surprenants et profonds, presque poétiques qui évoquent des images de l’Ouest sauvage, ses hors-la loi, leurs peines d'emprisonnement, leur solitude, etc.
Le hurlement de Stephens est desséché et guttural. Les assauts de Vogel sur son tambour sont puissants, violents même ; et pourtant, il parvient à combiner la brutalité et une finesse technique peu commune. Mais il faut croire qu’au fil du temps, le duo a ajouté davantage de subtilité à son expression sonore. Emeute viscérale, chœurs morbides, cordes de guitares glissando, piano et accès d’harmo s’intègrent parfaitement à une musique bruitiste dont la sensibilité est à fleur de peau. « We Are Undone », leur dernier LP est paru en février dernier…
Multi-instrumentiste, James Vincent McMorrow est également compositeur et chanteur. Cet Irlandais possède un falsetto qui évoque Bon Iver, sans les overdubs. Il reprend le « Higher love » de Steve Winwood, un artiste qui doit avoir marqué James, même si sa musique est davantage coulée dans une fusion de folk, de pop et de roots…
Anna Calvi est britannique. Particulièrement douée à la six cordes, elle reconnaît pour influence majeure Jimi Hendrix. Une référence de choix ! Et elle possède une voix remarquable, sorte d’hybride entre PJ Harvey, Nina Simone et Tania Donelly, dont elle joue comme un instrument. Une voix tour à tour veloutée, frénétique ou frémissante. Sur les planches, elle est soutenue par un drummer un claviériste qui passe parfois à la gratte et une préposée aux percus, aux synthés et au xylophone, qui se sert également d’un orgue à soufflets comme chez Lola Colt. Le set s’ouvre par la cover du « Ghost rider » de Suicide. Et inclura une autre reprise, le « Jezebel » de Frankie Lane. Le son est parfait. Et le répertoire oscille entre titres de britpop mid tempo, malheureusement sans grand relief, et morceaux plus complexes et percutants. C’est dans le second registre que sa musique botte le mieux votre serviteur, évoquant paradoxalement la scène west coast de la fin des sixties et du début des seventies. Pensez à Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead et même parfois aux Doors. Sous cette forme, les compos sont vraiment épatantes ; elle y donne tout ce qu’elle a dans les tripes et vous flanque des frissons partout. Et ses riffs ainsi que ses solos se révèlent alors aussi ravageurs qu’incisifs… A ce jour, elle ne compte que deux albums à son actif. Si elle a l’audace de s’ouvrir de nouveaux horizons plus expérimentaux, elle peut devenir une nouvelle figure incontournable de la scène rock (NDR : qui a dit que le rock était mort ?)
Après le set de Thurston Moore, je le confirme, il est toujours bien vivant… Le natif de Floride s’était déjà produit au Cactus en 2013, flanqué de son Chelsea Light Moving, pour un show mémorable. Et celui-ci ne le sera pas moins. Le line up a changé, puisque c’est l’ex-My Bloody Valentine, Debbie Googe, qui se consacre à la basse et l’ex-Nought, James Sedward, à la seconde gratte ; mais apparemment, ce n’est pas l’ancien drummer de Sonic Youth, Steve Shelley, qui se charge aujourd’hui des fûts. Car de Sonic Youth, il faut en parler ; et pour cause, la musique de Moore semble reprendre son chemin là où il avait laissé « Bad moon rising », « Evol » et « Daydream nation »…
Le set démarre avec 10 minutes d’avance sur l’horaire prévu. L’intro est bruitiste, psyché. C’est l’ouverture de « Forever more », une compo de plus de 10 minutes. Le ton est donné. Et la plupart des morceaux seront aussi longs (NDR : si pas plus), complexes, intenses, hypnotiques, climatiques, parfois langoureux et le plus souvent mélodiques. Thurston s’appuie sur un pense-bête placé sur un pupitre, pour lire les paroles des ses chansons. Sa voix est déclamatoire. De temps à autre vindicative. La ligne de basse est implacable et les drums souples. Et le second gratteur conjugue ses cordes à celle de Thurston, à la perfection. Ce noisy rock est parfaitement maîtrisé par le quatuor, même quand Moore vient coller sa six cordes contre l’ampli pour en extraire du feedback. Mon coup de cœur pour l’édition 2015 du Cactus.
Place ensuite aux Kooks. Lors de la sortie de leur premier elpee, en 2006, « Inside In/Inside Out », la consécration leur était promise dans un futur proche. Faut dire que cet opus était excellent, et puis que la formation insulaire pouvait compter sur un contingent d’aficionados (des filles surtout) particulièrement fidèle et exubérant. Malheureusement, la sauce n’a pas pris et The Kooks milite aujourd’hui dans la zone crépusculaire du pop/rock. Tout en continuant à séduire les adolescentes. Britpop à l’origine, leur musique s’est teintée de funk, de r&b, de gospel et d’électro. Elle est donc dans l’air du temps et plus vraiment originale. Mais finalement, devant un auditoire –inévitablement plus jeune– la bande à Pritchard (NDR : qui alterne constamment gratte acoustique et électrique) va accorder un set sympathique à défaut d’âtre transcendant, proposant des compos contagieuses, optimistes, agréables à l’oreille, et finalement bien meilleures que celles qui figurent sur les trois derniers elpees.
Restait donc dEUS. Depuis un an déjà, la bande à Barman célèbre son quart de siècle d’existence. Bien sûr, le line up du groupe a souvent changé et aujourd’hui il réunit Tom, Mauro, Klaas Janzoons, Stephane Misseghers et Alan Gevaert. La set list va puiser un peu dans toute la discographie du combo. Les meilleurs titres interprétés ? « Slow », « If you don’t get what you want », « 4 mains », « Bad timing » et le séduisant « Instant street », sans oublier les splendides « Little arithmetics » ainsi que « Serpentine ». Et enfin de parcours on aura droit aux plus classiques « Hotellounge », « Suds & soda » ainsi que « Roses ». Un bon concert, mais qui n’a rien apporté de neuf à tout ce qu’on a pu raconter sur la formation anversoise, au cours des derniers mois. On attend d’ailleurs qu’elle entre en studio pour enregistrer –enfin– un nouvel album…
A l’année prochaine ! (Merci à Johan)
(Organisation : Cactus Festival)
A défaut d’être très reposante, la nuit a au moins été assez longue pour reprendre sereinement le chemin des concerts.
Vos deux chroniqueurs, se déplaçant sur différents plans astraux et temporels pour mieux croiser leurs points de vue, leurs points de chute et leurs points de suspension, considèrent cette dernière journée comme une ultime occasion de croiser la plume et d’échanger les premiers avis.
Compte rendu diagonal de la der des ders sur ce site du Parc Astrid.
Une dernière marquée par l’absence d’une véritable tête d’affiche, le retour d’un ciel pluvieux et une baisse de régime flagrante de la programmation, s’achevant par un ‘ping-pong’ horaire qui laissera de grandes brèches propices à reprendre son second souffle.
Allez, c’est parti !
Pas de cafés ou de croissants pour débuter la journée, mais bien une bière et Mountain Bike. Le réveil parfait en quelque sorte ! S’ils ne sont pas encore de la trempe des Foo Fighters (qu’ils déclarent d’ailleurs être en arrivant sur les planches), les quatre compères ont de nombreuses qualités à faire valoir. Les plus flagrantes, en ce début de set, sont l’insouciance et la décontraction. Dans la ‘HF6’, ils sont comme chez eux. La claque ‘matinale’ (entre guillemets, car il est quand même 13h…) peut débuter. Très actif depuis maintenant deux ans, les ‘bikers’ proposent un savant mélange entre anciennes et nouvelles compositions. Si les morceaux plus connus comme « Got Power » et « I Lost My Hopes (In Paradise) » fonctionnent toujours aussi bien, c’est un nouveau titre qui sort indéniablement du lot. « Good For Nothing » a tout d’un tube. Une construction en crescendo et un pont plus que réussi qui se lie aux sonorités garage : la recette est payante et la sauce prend une bien belle texture. Six minutes de plaisir intense. Le reste du concert est tout aussi agréable et c’est sur la nouvelle chanson « Sandwich », fraîchement préparée, que le groupe se retire après 50 minutes rondement menées. De quoi ouvrir l’appétit pour le reste de la journée.
Direction l’‘Open Air’ pour découvrir Alice On The Roof.
La jolie Montoise, révélée dans l’émission ‘The Voice’, entame son set sous un ciel bien menaçant. Un mauvais présage. Car malheureusement, l’électro-pop de la demoiselle a bien du mal à convaincre. On s’ennuie même ferme et si on excepte le tube « Easy Come Easy Go » (joué deux fois d’ailleurs…), le set est mou et plat. Loin de juger la jeune femme sur ce concert, il faut admettre que les conditions ne lui étaient pas favorables. N’aurait-il pas mieux valu la programmer dans la salle au lieu de Mountain Bike ? Et vice-versa ? La question mérite d’être posée…
Pour votre serviteur peu amateur de rap, les trois heures suivantes ne seront pas les plus passionnantes du week-end. Ratking peu emballant, c’est vers Big Flo & Oli que je me dirige. La pluie a fait son apparition mais elle ne semble pas décourager le public. Car quoique mal placé pour juger la qualité de l’expression sonore, admettons que l’ambiance créée par le collectif est impressionnante. Une bonne surprise finalement car le principal en festival, c’est de prendre du bon temps. C’était le cas pour la plupart des spectateurs. Derrière, Sleaford Mods peine vraiment à me convaincre. Son concept de standing est vraiment trop particulier.
À la croisée des chemins, nos deux chroniqueurs font à présent route ensemble.
Le second arrivé emboîtant le pas au premier et arrivant tout aussi en retard que Black Rebel Motorcycle Club, dont les musicos sont retenus dans les loges à cause d’un problème technique majeur. Retard enregistré : quarante-cinq minutes.
De quoi déstabiliser une affiche qui pourrait voir alors les artistes, non plus se succéder sur les deux scènes restantes, mais bien se chevaucher.
Mais c’est sans compter sur la rigueur du staff liégeois qui réalisera l’exploit de remettre de l’ordre dans la programmation.
En attendant, le BRMC pénètre l’obscurité du HF6 et tente de se tailler un son au sein de cet espace résonnant.
Après quelques heures sans guitare, le retour des cordes est fort plaisant. Ca gratte, ça frappe et ça hurle. Bref : ça fait du bien. Le trio relance complètement la journée en nous enduisant d’un son aussi gras que leurs cheveux.
Cigarette au bec pour la frime, Robert Turner chevauche jusqu’au devant de l’estrade, s’offrant aux photographes dans un halo rougeoyant, tandis qu’à l’autre bout des planches, Peter Hayes se concentre sur les premiers accords de « Beat The Devil’S Tatoo », morceau épique qui plante le décor.
Si le set est raccourci de cinq minutes en raison des problèmes susvisés, nos rebelles en cuir ne semblent pas contrariés pour autant ; car finalement, au bout de leur tournée européenne, ils semblent assez épuisés.
Mais ces professionnels sont suffisamment courageux pour laisser poindre une quelconque lassitude.
À l’autre bout de ce spectre musical, comme à l’autre extrémité géographique du festival, Erland Øye, qui en principe devait enchaîner, ne bénéficie que d’un parterre de spectateurs, divisé en deux.
Affichant son éternel entrain et sa légendaire bonne humeur, la moitié cérébrale des Kings Of Convenience se charge donc de repousser les nuages de pluie qui se sont amoncelés dans le ciel liégeois dès le début de la journée.
Ses titres ensoleillés ne tardent pas à gagner la sympathie d’une assistance, certes frileuse, mais qui succombe rapidement aux accents chaloupés de notre sympathique Norvégien à lunettes.
Et si le soleil, convié à la partie, refuse obstinément de se joindre à la party, au moins, la pluie cesse de jouer les troubles fête.
Retour à la boîte de conserve pour Balthazar.
C’est un des groupes qui monte en Belgique et on comprend pourquoi il va prochainement découvrir Forest national. La salle est bondée et apprécie rapidement leur mélange de rock alternatif et de pop. A nouveaux, une formation belge vient présenter son nouvel opus aux Ardentes. La nonchalance est inscrite dans les gènes du groupe et quand c’est savamment utilisé, c’est un plaisir. Le premier single de « Thin Walls » en est le parfait exemple. « Then What » régale l’auditoire par son ambiance atmosphérique et ce chant complètement brut sur la première partie du titre.
Et si le retard accumulé initialement est en passe d’être résorbé, il est quand même nécessaire de se hâter pour ne pas manquer le premier grand nom du jour, se produisant à l’extérieur.
Metronomy en concert, c’est toujours un grand moment. La pluie ne tombe d’ailleurs plus depuis quelques minutes. Coïncidence ? Pas sûr ! Joseph Mount, le chanteur aux cheveux bouclés se plait d’ailleurs à le souligner. Durant une heure, les Anglais vont parcourir leurs quatre albums sans déchet, enchaînant titres instrumentaux puissants (« Boy Racer ») et tubes plus classiques (« Love Letter », « The Bay » », …). Le public est un peu mou mais qu’importe, le rock à forte tendance électro de Metronomy transporte toujours autant. Quoi de plus sympathique que de regarder Olugbenga Adelekan, le bassiste, frapper dans les mains ou d’admirer la scintillante Anna Prior malmener sa batterie ? Quoi de plus symbolique d’ailleurs de voir le band clôturer son set par une de ses plus vieilles (et meilleures) compositions : le fracassant « You Could Easily Have Me » ? Un bonheur !
Restait à se partager D’Angelo d’une part et Fauve d’autre part.
Le premier s’est fait attendre trop longtemps et ne suscite, de toute façon, aucun engouement chez vos deux reporters ; aussi c’est vers le deuxième que nos regards et nos oreilles se braquent.
Regards emplis d’a priori qui ne loucheront décidément pas dans la même direction.
L’un de nous deux note dans son petit calepin : ‘Je ne dénigre pas ce groupe. Les compositions sont solides et le concept autour du collectif intéressant. Mais si j’admets avoir apprécié certains moment de communion avec le public déchaîné, j’ai vraiment beaucoup de mal à prendre du plaisir lors du set des Français. Le ‘chant’ m’est insupportable et leur attitude prétentieuse ne me plaît guère. Je reconnais néanmoins que je devais être un des rares mélomanes peu emballés dans la salle, tellement l’ambiance y était folle. Un bon point pour Fauve sur ce coup là.’
Dans le même temps, le second chroniqueur gribouillait à la hâte : ‘Charriant d’énormes appréhensions et condamnant presque d’avance le groupe parisien, que je pensais truffé de fausses références (ou plutôt de références qui sonnaient faux), je dois rapidement mettre genou à terre.
Loin de la prétention que je croyais voir s’afficher dans ce refus d’offrir leur visage en image (les caméras des Ardentes prennent d’ailleurs soin d’éviter de cadrer de trop près les membres du band), je constate, non sans une certaine surprise, que Fauve sait se montrer humble face à une foule venue en adoration.
D’images, il est néanmoins beaucoup question, puisque le visuel est ébouriffant.
Sur la pellicule s’étalent des extraits de films ou de larges paysages qui contrastent avec la fureur des guitares. Un son énorme qui comme un tsunami, emporte rage, désespoir, révolte et tendresse.
Car il est bien question de ces thèmes dans les paroles qui, éructées tantôt dans un flot affolé, tantôt bercées par une voix suave ou scandées comme autant d’hymnes rebelles, renvoient aux préoccupations majeures d’une jeunesse déchirée (le sexe, l’amour, la haine, la détresse sociale, l’injustice, etc…)
Reniant mes idées reçues, réfutant ce sentiment d’être trop vieux et trop con pour aimer Fauve, je me joins à l’enthousiasme frôlant le délire et me laisse emporter, chahuter, bousculer par ce qui restera pour moi, l’ultime révélation de ces Ardentes.
À l’impassible, nul n’est tenu !!!!!’
La lecture croisée de ces deux témoignages reflète somme toute assez bien les avis partagés sur un combo qui, décidément, ne laisse pas indifférent.
Les bars pris d’assaut pour écouler les derniers tickets, les portiques de sortie prêts à accueillir la masse de festivaliers encore présente, la nuit se referme sur ces dernières Ardentes vécues sur le site de Coronmeuse.
Quant à savoir où nous nous rendrons en pèlerinage l’an prochain, il faudra encore se montrer patient, car rien n’a été divulgué lors du point presse clôturant cette édition.
Chaque chose en son temps…
Organisation : Les Ardentes.
(Voir aussi notre section photos ici)
La deuxième journée du Cactus va se dérouler sous un soleil radieux. Pour ne pas dire de plomb. Heureusement, au sein du Minnewaterpark les arbres procurent de larges zones d’ombre… Compte-rendu.
Sohn, alias Christopher Taylor, est un auteur/compositeur/interprète insulaire, londonien pour être plus précis, qui pratique un cocktail ténébreux et minimaliste de trip hop et de dubstep. Sur les planches, il est soutenu par deux autres préposés aux synthés et aux machines, dont l’un se charge également et épisodiquement de la basse. Christopher a une voix étonnante, fragile et mélancolique, capable de monter dans les aigus avec une facilité déconcertante. Une expression sonore destinée à créer des paysages visionnaires susceptibles de vous plonger dans une transe collective. A cette heure de la journée…
Le Black Rebel Motorcycle Club compte déjà 17 années d’existence. A son actif, 9 elpees, dont un live, paru début de cette année. Si Peter Hayes et Robert Turner (NDR : né Robert Levon Been, c’est le fils de feu Michaël Been, le leader de The Call) sont toujours bien au poste (NDR : ce sont aussi les membre fondateurs), Leah Shapiro se charge des fûts depuis 2008. Les deux leaders sont tout de noir vêtus. Pantalons et vestes. En cuir. Et chaussés de lunettes fumées. Leur musique est toujours aussi sombre, languissante, un rock’n’roll malsain, crade, fuzzy, ténébreux, balayé de références bluesy. Les voix se conjuguent à la perfection. Et la drummeuse balise impeccablement l’expression sonore. Un zeste d’harmo et de tambourin ne nuit pas à leur musique qui tient toujours aussi bien la route, mais qui tarde quand même à se renouveler…
Chanteuse, Jessie Ware est également londonienne. Elle est responsable de deux long playings à ce jour et surtout de deux tubes, « Running » et « The wildest moment ». Certains medias estiment qu’elle incarnerait le chaînon manquant entre Adele, Sade et Frank Ocean. Sa musique s’inspire du r&b des 80’s. Sophistiquée, elle privilégie les titres mielleux, abordés dans l’esprit de Whitney Houston voire Beyoncé. Jessie est cependant bien plus efficace lors de titres plus funk. Surtout qu’ils ne manquent pas de groove et sont très susceptibles de libérer des beats contagieux. L’auditoire semble pourtant apprécier.
La bonne surprise va nous venir d’un sexagénaire, John Hiatt. Bien épaulé par son backing group, son roots rock va littéralement faire mouche. Et pourtant les compos interprétées cet après-midi datent de 20 voire 30 ans (NDR : il a publié plus d’une vingtaine d’elpees au cours de sa carrière !) Depuis l’ouverture « Your dad did » à son tube « Have a little faith in me », en passant par les classiques « Perfectly good guitar », « Real fine love » et « Tennessee plates ». Son attitude positive et son enthousiasme vont littéralement enflammer le public. Une belle plume au chapeau de l’édition 2015 du Cactus !
Balthazar clôture cette deuxième journée. La formation courtraisienne vient de sortir son troisième opus, « Thin Walls », un disque très bien reçu par la critique. Et en progression constante, elle accorde des sets de plus en plus consistants. Ce qui explique sans doute pourquoi, elle a été invitée à participer à la plupart des festivals estivaux. Le quintet pratique une forme de britpop. Donc aux mélodies soignées. Mais les interventions de la violoniste apportent une profondeur à sa musique. Et puis une certaine spécificité. Alors que le rythme est sautillant, saccadé, mordant ou séduisant, selon les compos. Bref, au Nord du pays, les medias estiment que Balthazar marche sur les traces de dEUS. C’est certainement sur la bonne voie…
(Organisation : Cactus Festival)
Le Lasemo est un festival très particulier. Il fait même un peu figure d’OVNI dans la jungle musicale ! Situé à mi-chemin, dans son approche intellectuelle et philosophique, entre le celui de Dour et le Parc Rock de Baudour, il privilégie la découverte culturelle tout en mettant l’accent sur l’écologie. Sans oublier le brin de volonté philanthropique. La diversité des activités est si large qu’on ne sait plus où donner de la tête. Aussi, ce qui peut paraître un atout, se révèle, in fine, assez frustrant !
On attaque la seconde journée de LaSemo sous un soleil de plomb.
Direction scène du ‘Château' pour la prestation du quatuor Mambo. Mambo relève du collectif liégeois Honest House et il vient de publier son premier opus, « Bertier ».
Des musicos qui ont déjà bien roulé leur bosse en militant au sein de différents projets : Volt Voice, Graffin Volder, Horson, Casse Brique et Frank Shinobi. Le groupe réunit les guitaristes Matthieu Charray et Julien Conti ainsi que Thomas Dardenne à la basse et Fabian Georges aux drums.
Instrumental, leur math/rock procure de très bonnes sensations. Quelques titres évocateurs de leur long playing ? « Dodo La Moisissure », « Krokodile Junkie », « Botox Party » et « Renfort Caisse ». Ils ont été finalistes du Concours Court-Circuit 2015. Un groupe liégeois à tenir à l'œil. Malheureusement, je ne puis assister très longtemps à leur prestation, car des interviews m’attendent…
Jean-Jean le présentateur le rappelle souvent, vu la canicule, il est nécessaire de s’hydrater. Mais également protéger les oreilles de nos petites têtes blondes. Des casques sont d’ailleurs mis à leur disposition. A cet égard, je ne comprends toujours pas l’inconscience de parents qui entraînent leur progéniture près des baffles, en front de scène. Coup de gueule !
Les entretiens terminés, votre serviteur revient au même endroit pour le spectacle des régionaux de l'étape. En l’occurrence Poulyroc.
Ils sont repartis en tournée pour deux bonnes années. Vêtus de tee-shirts orange, les musicos du collectif sont venus défendre leur dernier LP, « Dédé Le Sot Mûr », paru en 2015. Ils sont 12 à faire la fête sur les planches et à foutre le bordel dans la foule : Jef, Flo, Piet, Schnell, Bouc, Snakes, Sabrina, Soifie, Locolucho, Nono, Manu et le Chevalier Blanc..
Le Chevalier Blanc et Bouc sont un peu les têtes de proue du combo. Sympa et débordant de bonne humeur, ce dernier se prend pour un écossais. Même qu’il n’a rien sous le kilt. En outre, il apporte une touche métallique aux compos. A cause de sa voix ‘death’.
Chez Poulyroc, pas question de play-back. Il y a des filles et des garçons aux cuivres, des guitares, une basse et un batteur au drumming métronomique.
Leur style oscille entre pubs à la sauce Pouly, fanfare, classique, ska/punk et reggae. Le club Dorothée, Walt Disney et Chantal Goya ont également voix au chapitre au sein de ce potpourri propice à la kermesse ou à la fête de la bière. Comme Lazare, leur objectif est de ressusciter les morts et de les faire marcher. Un grabataire va automatiquement se lever de son fauteuil PMR. Tu souffres de la goutte ou de rhumatismes, tu lâches tes béquilles ou ta canne, et tu te mets à danser. Tu as coincé tes muscles zygomatiques, ils seront instantanément libérés. Ath et Lessines ont de fameuses stars chez leurs administrés. Et un fan club conséquent qui participe à mettre un joyeux boxon dans la fosse.
Direction ‘La Tour’ où se produit Collectif 13. Ils sont huit sur les planches (NDR : 4 vocalistes, un batteur, un dj, un gratteur et un bassiste), 13 si on compte les techniciens. Ce qui explique leur patronyme. Le line up des musicos implique Guizmo (Tryo), Mourad (La Rue Kétanou) Gérome (Le Pied De La Pompe), Alee, Max (Mago / Le P'tit Son), DJ Ordoeuvre, Fred (LPDLP / No One is Innocent) et Erwann LPDLP. Lors des sessions d’enregistrement de leur elpee, simplement baptisé « 13 », la formation avait reçu le concours de deux invités de marque : Gari Greu (Massilia Sound System et Zeitoun (La Rue Kétanou).
Ce combo s’inspire du rock alternatif des eighties, et notamment de Mano Negra, Bérurier Noir et des Wampas. Mais également de formations plus récréatives comme Marcel et Son orchestre ainsi que Lenine Renaud. Bref, un brassage de styles particulièrement ample qui oscille du rock au reggae, en passant par la chanson française, l'electro et le rap.
Un des chanteurs, le sympathique Gérome Briard, est imposant, chauve et barbu. Circonstanciellement, il se consacre à la sèche. Et par rapport à sa stature, elle est minuscule. Le sixcordiste, Fred Mariolle, est coiffé de dreadlocks.
L’estomac de votre serviteur commence à crier famine. Il est donc temps de se restaurer.
Place ensuite à un autre collectif : Debout sur le Zinc. Un septuor qui figure parmi les artistes les plus sollicités par les festivaliers du LaSemo. Il réunit Romain Sassigneux (clarinette, guitare, banjo, chant, chœurs), Simon Mimoun (violon, chant, chœurs, trompette), Olivier Sulpice (banjo, mandoline), Fred Trisson (accordéon), Cédric Ermolieff (batterie, xylo, tambourin, derbouka) et Thomas Benoît (basse, contrebasse). Le band vient d’engager Marie Lalonde, destinée à apporter une touche féminine –quoiqu'elle s'en défende– à l’ensemble.
En 20 ans de carrière, la formation a accordé plus de 2 000 concerts. Et assuré le supporting act pour des groupes aussi prestigieux que Rachid Taha, Les Têtes Raides, Louise Attaque et Les Garçons Bouchers. Eponyme, son premier elpee est sorti en 1999. Et son dixième, « Eldorado » devrait paraître ce 25 septembre. Edith Fambuena (Alain Bashung, Etienne Daho, Miossec) s’est chargé de la réalisation et Antoine Gaillet (Mademoiselle K, Julien Doré, M83) du mixage.
Ce n'est pas la première visite du groupe au LaSemo.
Dominée par l’accordéon, les cordes et la clarinette, leur musique est le fruit d’un cocktail entre folk celtique, tradition tzigane voire manouche, world festive et pop mélodieuse. Et le tout est dynamisé par les percus. Ecrits dans la langue de Voltaire, les textes sont soignés. Et à l’instar du Collectif 13, Debout sur le Zinc communique sa bonne humeur à la foule présente.
La deuxième journée s’achève pour votre serviteur. C’est mon collègue Séphane qui prend le relais. A demain !
Il est près de 21h15 et Robbing Millions va bientôt littéralement enflammer la scène du ‘Petit Château’.
L’expression sonore de ce quintet 100% belge oscille subtilement entre rock, jazz, indie et psyché barré. Elle est complexe et difficile à décrire. En tout cas, elle évolue bien loin des clichés de la pop sucrée pour minettes en chaleur ! Et pourtant, les musicos sont jeunes et beaux. Simplement, ce sont des adeptes du second degré qui aiment prendre leur pied sur les planches. Ce qui explique pourquoi on les voit virevolter et sautiller sur l’estrade. Pour le plus grand bonheur de leurs aficionados. Un show visuel cependant quelque peu brouillon. A contrario de leur musique. D’ailleurs, Lucien Fraipont (guitares/chant), Gaspard Ryelandt (chant/artwork), Léo Dupleix (claviers), Laurens Smet (basse) et Jakob Warmenbol (batterie) sont plutôt d’excellents musiciens.
Leurs mélodies, loin d’être simples, sont auréolées de beats en tout genre et prouvent une fois encore que la Belgique regorge d’artistes talentueux. Des passionnés au sens noble du terme. Ca se voit, ça se sent et surtout ça s’entend !
S’ils ne déclenchent pas encore la grosse déferlante médiatique, ils marchent assurément, à force de travail et de persuasion (d’auto persuasion ?) vers un succès d’estime bien mérité !
Leur premier CD a été enregistré artisanalement dans une chambre alors que le second a été réalisé dans un vrai studio. Comme les pros ! C’est dire l’engouement suscité !
Aucun doute, ils attireront, sans nul doute, au fil du temps, de plus en plus d’admirateurs.
Mais ce soir, les musicos donnaient l’impression d’accorder un spectacle de gamins tout droit sortis de sixième primaire dans le but d’épater des parents assis au premier rang lors d’une fête scolaire.
Le manque de cohérence et l’individualisme persistant faisaient peine à voir ! Complètement pathétique !
La fin de la prestation a été rythmée par une situation complètement inattendue !
Des fans hystériques qui, lors d’un moment d’inattention du personnel de sécurité à la crash barrière, se sont précipités sur l’estrade et l’ont envahie.
Les musiciens ne savaient plus où donner de la tête. Complètement effaré par une situation dont personne ne connaissait l’issue, le leader du band a même dû se barrer et rejoindre le parterre de badauds retrouvant les quelques centimètres carrés d’espaces nécessaires afin de pouvoir terminer le concert.
Les organisateurs avaient misé sur un artiste belge pour clôturer cette seconde journée !
Arno est à la chanson ce que Van Gogh est à la peinture ! Il appartient à ce patrimoine dont nous pouvons être résolument fiers.
Intelligemment torchés, ses lyrics sont bourrés d’émotion.
Mais pas que ! A l’instar d’un Gainsbourg, c’est une personnalité à part entière ! Elle plaît parfois, dérange souvent !
Souvent destinée à un public d’initiés, la discographie de ce crooner est plutôt longue.
Bon nombre de festivaliers étaient donc impatients de (re)découvrir ce bon vieux chanteur séculaire venu en terre wallonne afin d’y présenter un florilège de tubes.
Enfin, c’était sur papier ! Parce que la réalité a été tout autre ! En effet, le Sieur n’était manifestement pas très enjoué de venir faire vibrer ses cordes vocales à la Tom Waits sur la plaine du Lasemo.
Complètement amorphe, le public avait l’impression de s’emmerder. Vraiment ! D’ailleurs, après quelques minutes, les spectateurs ont commencé à bavarder, comme s’ils étaient attablés à un comptoir de bistrot, sans même plus se soucier de la prestation qui se déroulait sous leurs yeux.
Votre serviteur entend déjà les critiques formulées à son égard. Certains prétexteront en effet que le gaillard a la mauvaise réputation d’être froid avec son public et que cette attitude fait partie, à part entière, de la folie schizophrène du personnage. Peut-être…
Mais, pour l’avoir déjà vu il y a quelques années au sein de ses formations plurielles (TC Matic ainsi que Charles et les Lulus), on peut affirmer que le gaillard a chopé la grosse tête depuis !
Absolument aucune communication ! Pas de salut, ni d’au revoir ! Le gars était venu comme l’ouvrier à la chaîne qui vient prester entre 8 et 17 heures, parce qu’il a besoin de nourrir sa famille !
Ces mêmes détracteurs vont probablement souffler un vent de protestation en dénonçant que l’on puisse écrire un article mitigé sur un compatriote flamand, tout en accusant votre serviteur, à tort, d’afficher un racisme primaire.
Pourtant, bon nombre de spectateurs partageaient ce sentiment d’assister au spectacle d’un artiste je-m’en-foutiste.
Arno a ainsi balancé, vite fait, une série de compositions… L’absence manifeste de tubes ont rendu ce concert bien tristounet. Il a fallu attendre plus d’une heure avant que la foule ne sorte de sa léthargie. Soit lors de deux titres phares : « Putain, putain » et la reprise de « Les Filles du bord de mer » d'Adamo, au cours duquel les uns et les autres ont commencé à tanguer tel un bateau à la dérive.
Après une interruption de quelques secondes, les musiciens sont revenus affronter un parterre passablement frustré. Le rappel d’un seul pauvre titre était à l’image de ce qui précède. Nullissime !
(Organisation : LaSemo)
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