C'est au Collège que Mike et Marissa ont fondé Surgery On TV. Le groupe change fréquemment de line up et finit par se stabiliser, sous la forme d'un trio, après avoir la rencontre de Jarrett. Il se rebaptise donc Screaming Females et participe allègrement aux concerts rock underground du New Brunswick (New Jersey). Ce trio infernal réunit alors la chanteuse/guitariste Marissa Paternoster, le drummer Jarrett Dougherty et le bassiste King Mike. Ils accordent leur confiance à Don Giovanni Records, un label du coin, à partir de leur troisième elpee, « Power Move ». En 2010, ils publient leur quatrième opus, « Castle Talk », et en 2012, le cinquième, « Ugly ».
« Rose Mountain » a bénéficié du concours de Matt Bayles (Mastodon, The Sword), à la production. En 10 pistes pour 35 minutes, le combo nous balance du rock'n'roll carré, dense, précis, yankee et sans la moindre fioriture.
Les riffs de guitares dispensés par Marissa, tout au long de « Empty Head » et « Ripe », sont nerveux, entêtants et même perturbants. « Wishing Well » s’ébroue en douceur, avant de s’activer, moment choisi par Mrs Paternoster pour poser sa voix graveleuse, rocailleuse. Matt Bayles balise « Burning Car » et « Broken Neck », deux morceaux bien structurés mais aussi puissants et musclés. « Rose Mountain » libère des riffs de gratte parfaitement ciselés. « Triumph » prend un virage encore plus métallique avant que « Hopeless » nous plonge dans le punk des 80’s.
Simple, mais efficace, « It's Not Fair » lorgne vers Dinosaur Jr. Et l’elpee de s’achever en apothéose par « Criminal Image », un titre inéluctablement… meurtrier…
Erevan Tusk, ce sont deux voix et deux plumes, mais pas seulement, car le combo réunit cinq gars autour d’un projet commun.
Le quintet parisien est né en 2008, dans la foulée d'une amitié musicale. Il livre un Ep quatre titres sis à mi-chemin entre candeur romantique et rock bien trempé. Mais sans jamais tomber dans des travers démagogiques où la facilité serait la règle et non l’exception.
Au contraire, Jim (chant et guitare), Pacôme (chant, guitare, clavier), Pierre (guitare, clavier), Nicolas (basse, clavier) et Alex (batterie) concilient brillamment écriture intelligente, compositions raffinées et arrangements exceptionnels, faisant fi des classes et des genres.
Cet opus laisse un arrière-goût rafraîchissant, printanier même ! Il est sans doute davantage fédérateur que le précédent, « Fortify Your Innoncence », paru en 2012. Ces trois années ont permis au band d’acquérir la maturité nécessaire pour affiner leurs sons !
« Growing » laisse transparaître des tonalités empruntées au groupe mythique The Smiths. Dans sa version limitée, le disque est enrichi de quatre mixes supplémentaires. Personnels et singuliers, ils sont édités par la fine fleur de ce qui se fait le mieux aujourd’hui. Je conseille vivement aux plus frileux de se laisser porter par ceux de « Le Vasco » et « Tommy Jacob ».
Lors de la mise en ligne de leur single « Growing », qui coïncide avec la sortie du disque éponyme, les dudes ont crées le buzz sur la toile en diffusant un clip hypnotique, réalisé par Lazy Monster Films, une vidéo qui navigue entre rêve et cauchemar.
Surfant sur la vague de la technique du ‘slow motion’, on y voit un homme bien en chair, fuir une petite fille démoniaque. La demoiselle n’hésitera pas à découper ce malheureux et à jouer avec ses entrailles. Le tout, sous le regard bienveillant et attendrissant de ses parents ! A voir absolument ici !
Le titre le plus enjoué, à mon sens, est sans aucun doute « When June Come ». Il résonne en votre for intérieur comme un essai thérapeutique ! Cette chanson vous rend tout à coup plus fort. Elle promet un condensé de rêveries euphorisantes. Se rapprochant des beaux jours, on n’a qu’une envie, celle de rouler à n’en plus finir, les vitres baissées, cheveux au vent et volume à fond ; prendre la route et s’enivrer d’un soleil brûlant et d’un horizon bleu azur façon XXL.
Je me laisse emporter par cette atmosphère délicieuse. À quoi bon lutter après tout ?
Ambivalent, « Juniper » laisse transparaître une musicalité faussement décomplexée, chaude et astrale à la fois, flirtant avec une pop mélancolique, ambiguë et rafraîchissante.
Nettement plus conventionnel et dynamique, « Harlequin Skies » inspire nettement mois mes conduits auditifs. Il s’agira de la seule partie ombragée d’un tableau pourtant finement coloré.
Décidément, Erevan Tusk s’assume pleinement et marque au fer rouge les prémices de ce qui annonce la sortie d’un second LP plein de surprises. J’adhère complètement !
La New Wave of British Heavy Metal (NWOBWM) est née à la fin des années 70 en Angleterre, et elle a atteint son apogée au milieu des eighties. Le Punk/Rock est alors en plein déclin et la New Wave est le style musical mainstream du moment. Cette deuxième vague heavy est une réaction au déclin de groupes phares du hard rock, comme le Led Zeppelin, Deep Purple et Black Sabbath, issus de la première vague. On est aujourd’hui bien loin de l’apogée de la NWOBWM mais certains combos, tel Enforcer, tentent néanmoins de maintenir sur pied, les derniers remparts de ce mouvement. Mais qu’on ne s’y trompe pas : le band a brillamment pris soin de rafraîchir ses fortifications et de les mettre au goût du jour. « From Beyond » en est d’ailleurs la plus belle preuve.
Après un roulement de tambour, « Destroyer » démarre en trombe cet LP, teinté Thrash, tel un Metallica des premiers jours. On prendra un malin plaisir tout au long du quatrième elpee des Suédois de repérer les influences de grands groupes qui ont marqué l’histoire du Metal, tout en parvenant à préserver leur propre étiquette ‘Enforcer’. Il suffisait de le dire : à peine démarrent les premières notes et le refrain de « Undying Evil » qu’apparaît l’ombre de la Vierge de Fer, Iron Maiden. ‘L’intention, lors du processus d’écriture de « From Beyond », était de continuer à marcher le long de la voie que nous avions tracée sur « Death By Fire ». Exagérer notre son et écrire des chansons de Metal au style direct et sans tergiverser. A contrario de beaucoup de nouveaux groupes, nous n’avons pas décidé de jouer tel ou tel type de musique, risquant dès lors de nous enfermer. On fait ce qu’on veut et nous sommes totalement libres quant à la composition des morceaux’, explique Olof Wikstrand, guitariste et vocaliste du quatuor. Continuons le jeu des similitudes. Les premières doses d’adrénaline ayant produit leurs effets, on peut passer à un titre plus calme : « From Beyond », un morceau mijoté à la sauce Scorpions. Mais le band rouvre ensuite la plaie à coups de kicks motorisés made-in Judas Priest, sur « One With Fire ». Un voyage au pays des icônes du ‘denim and leather’, je vous le disais. Et ce ne sont là que quelques exemples. Du haut de ses 10 tracks, « From Beyond » ne manquera pas de vous faire apprécier quelques recettes musicales de ceux qui ont donné leurs lettres de noblesse au mouvement Heavy.
‘Au début de notre carrière, nos paroles étaient davantage concentrées sur nos fantaisies d’adolescents à propos d’une vie sauvage, de baise de filles et de trucs dans le genre. Mais au plus vous vieillissez et vous expérimentez ces fantasmes de jeunes, au plus vous réalisez combien primaires ils étaient’, explique sans concession le frontman. Un opus mature, que tout amateur de bon Heavy d’il y a trente ans devrait apprécier. Enforcer parvient à réaliser ici le grand écart entre les heures de gloire, la puissance ainsi que la hargne de la NWOBWM des eighties et une production tout à fait contemporaine, peut-être partiellement due à cette volonté d’enregistrer, mixer, produire et masteriser eux-mêmes leurs compos. Flirtant pourtant avec les flammes de la compromission, le band ne tombe jamais dans les braises de la copie nostalgique. Un pari, certes risqué, mais relevé haut la main !
Earth compte déjà plus d’un quart de siècle d’existence. Et peu de formations métalliques peuvent se targuer d’être parvenues à traverser les décennies, sans jamais tomber dans la caricature. En outre, ce combo de post-métal ou de post-rock (selon) est certainement une des principales influences chez Isis ou encore Caspian. « Primitive & Deadly » constitue leur 8ème opus.
Suivant leur habitude, Dylan Carlson (guitare), Adrienne Davies (drums) et Bill Herzog (basse) nous proposent une musique puissante et indolente. Une expression sonore qui baigne au sein d’un climat ténébreux. Les morceaux s’étalent tous au-delà des 8’. Tant les solo de gratte que les riffs sont écrasants. Et « Even hell has its heroes » en est certainement la plus belle illustration. Pas de changement radical sur cet opus sauf, et cette situation mérite qu’on la souligne, un recours aux vocaux sur plusieurs titres. Le trio américain ne s’y était plus prêté depuis le début des 90’s, lorsque feu Kurt Cobain était venu poser sa voix. Pour la circonstance, c’est Mark Lanegan (NDR : il est rompu aux collaborations du style) qui se réserve le micro sur « There is a serpent coming » et le plus lumineux « Rooks accross the gate ». Et dans un registre plus lyrique, la chanteuse de Rose Windows, Rabia Shabeen Qazi, pour « From the Zodiacal Light ».
Malgré ses 25 ans d’existence, Earth demeure un des fers de lance du post-metal. En outre, les interventions des vocalistes apportent ici, manifestement, un plus à leur musique…
Fraîchement signé chez Def Jam France, Dosseh n’a pas attendu longtemps avant de nous livrer son premier projet sous son nouveau label. Le rappeur orléanais profitera-t-il des compétences de la structure ‘Def Jam’ pour enfin connaître un succès plus conséquent que celui rencontré jusqu’à ce jour ? Malgré un talent certain et une mise en avant plus importante, grâce aux apparitions sur les projets de Booba (« Autopsie Vol.3 » et « Lunatic ») ainsi que de multiples collaborations, Dosseh n’a jamais vraiment récolté le succès commercial escompté.
Présenté comme un pré-album avant l’album « Yuri » (prévu pour fin 2015), Perestroïka sonne l’heure de la reconstruction (traduction en russe) pour le rappeur presque trentenaire. Après 10 années d’activité où il nous a livré pas moins de 6 mixtapes, Dosseh sait qu’il est à un tournant significatif de sa carrière. « Perestroïka » en est le plus bel exemple. Dosseh a clairement évolué dans sa manière de rapper. Le premier extrait, « Illuminati », le prouve ; même si le morceau est quand même un peu trop léger, vu la présence d’autotune pour une ouverture de projet. La suite est nettement plus efficace. Les sons plus lourds, la production et les textes révèlent à nouveau un Dosseh plus énervé, plus hardcore sur « Etat de Siège » et « Le Dehors ».
« Scarla » vient brièvement rompre ce rap hardcore. Au cœur d’un son clairement autotuné, Dosseh ne revendique pas du tout son appartenance au gangstérisme, même s’il avoue ne pas faire de l’argent proprement. Il est cependant vite éclipsé par le son le plus attendu de l’album, à savoir « Bouteilles & Glocks », en featuring avec Kaaris sur une prod. de Therapy (producteur attitré de Kaaris). Ce banger répond à l’attente de la collaboration et est sans doute l’un des meilleurs morceaux du projet.
Mais c’est « L’âge de nos actes » qui illustre le mieux la « Perestroïka » (reconstruction) de l’artiste issu du Loiret. Il s’agit d’un texte profond et sincère où l’on sent la prise de conscience du rappeur qui se dit ‘bien trop vieux pour ces conneries’, et qu’il est l’heure pour lui de connaître le succès tant recherché afin de pouvoir en vivre correctement. Des paroles qu’on n’a pas l’habitude de lui prêter.
La deuxième moitié du disque se rapproche à nouveau du côté hardcore du rap. Et notamment sur « Le coup du patron » où Dosseh s’est entouré de Joke (avec qui il avait déjà collaboré sur « Miley ») mais surtout du rookie de l’année, Gradur. Le trio fonctionne assez bien et chaque rappeur place le niveau assez haut, ce qui a permis de classer le titre à la première place sur iTunes avant même la sortie de l’album. On notera également la présence de morceaux comme « Boyscout », assez original sous forme de ‘back’ à chaque phrase, comme une chanson militaire, « Orlins » qui se réfère à sa ville d’Orléans et « Yuri Negrowski » trahissant très clairement les motivations de Dosseh à enfin être reconnu lorsqu’il publiera son premier véritable album, « Yuri ».
« Perestroïka » est sans aucun doute une étape importante dans le processus de reconnaissance de Dosseh par un plus large public. Le talent est indéniable, le projet est sûrement l’un de ses meilleurs. Mais le côté rap de rue est cependant trop omniprésent ; et même si les pistes sont cohérentes et suivent une ligne directrice, on peut, hélas, leur reprocher de trop grandes similitudes. Malgré ces quelques imperfections, Dosseh est néanmoins sur une phase ascendante, plus professionnelle, et on espère qu’il la poursuivra pour « Yuri ».
Après avoir publié « Alive In Us », en mars 2015, un brillant premier album enregistré sous la houlette de Trentemøller, Darkness Falls nous propose son second opus, « Dance and Cry ». Cette formation danoise féminine est née en 2009. Un duo réunissant Josephine Philip et Ina Lindgreen. Au sein de leur pays, les filles ont énormément de fans. Deux singles ont préludé la sortie de cet LP, « The Answer » et « Hazy ». Et pour poursuivre l’effeuillage très sexy de ce nouvel essai, elles ont décidé de graver le titre maître de ce quatrième long playing, en single, également.
Les voix de Josephine et Ina sont lumineuses, atmosphériques et printanières. Les oiseaux chantent. Les bourgeons s'ouvrent et les jonquilles fleurissent. « Night Games » est une invitation spontanée à rejoindre le dancefloor. Une compo empreinte de douceur et nappée de claviers. Electro/pop, « The Answer » nous entraîne au cœur des fjords scandinaves. Tout comme le plus ténébreux « Darkness Falls », caractérisé par ses choeurs envoûtants. Mais au sein de ce paysage glacial, les harmonies vocales vous réchauffent le cœur. Seules les percus nous maintiennent en éveil, tout au long du fragile « Paradise Trilogy I ». « My Father Told Me (He Was Wrong) » est une autre piste qui vous conduit sur la piste de danse. Telle la marée montante, « Midsummer Wall » est envahi de riffs de guitare. Et « Thunder Roads » clôt cet elpee qui conjugue à merveille charme et esthétique…
Cymbals Eat Guitars ! Une belle déclaration d’intention. Piquée à feu Lou Reed, quand même. C’est d’ailleurs ainsi qu’il décrivait le son du Velvet Underground. En choisissant ce patronyme, le quatuor a voulu rendre hommage au mythique compositeur/chanteur/compositeur new-yorkais… Le combo est d’ailleurs issu de la même City. De Staten Islands, pour être plus précis.
« LOSE » constitue leur 3ème elpee. Un disque qui baigne dans un indie rock yankee typiquement 90’s (NDR : pensez à Pavement, Superchunk et Built to Spill). Tour à tour, les plages de cet opus lorgnent vers Titus Andronicus (NDR : comme sur l’énervé « Xr », un morceau stimulé par l’harmonica), Unknown Mortal Orchestra (« Places Names ») ou encore The Thermals, mais sous une forme plus paisible (le pop/punk « Chambers »). Les guitares sont particulièrement acérées. Les compos lumineuses, mais terriblement habitées… Difficile de résister à leurs uppercuts judicieusement assénés. Pour concocter cet LP, la bande à Joseph D'Agostino a –et il faut le souligner– reçu le concours de John Agnello à la mise en forme, un personnage dont la carte de visite mentionne quand même Sonic Youth, Patti Smith, Alice Cooper, Madrugada, et plus récemment Kurt Vile, sans oublier Dinosaur Jr. Et la liste est loin d’être exhaustive. Parfait disque pour perdants magnifiques, « LOSE » est hautement addictif et diablement cathartique dans son interprétation (l’album est dédié à un ancien membre du groupe, décédé suite à un arrêt cardiaque, en 2007…)
J’avais découvert cette formation, dans le cadre du festival dourois, La Vie En Rock. Comme tous les artistes qui s’y étaient produits, ce jeune groupe brugeois avait cédé son cachet à l’association pour la recherche contre le cancer.
Transcoder est né en 2009. Steven Van Havere, le batteur d’Arid, est impressionné par une de ses prestations ‘live’. Il enrôle donc le combo comme supporting act, le 19 février 2011, à l'Ancienne Belgique. Dans la foulée, Jasper Steverlinck invite les musicos dans le cadre de l'émission 'De Poulins', programmée sur ‘Studio Brussel’. Ce qui leur permet de revenir à l’AB Club, le 6 février 2012. En mars de la même année, le band consacre un clip à sa chanson « Fading Flame », une vidéo qui met en vedette la chanteuse et présentatrice de radio/tv, Roos Van Acker.
En février 2013, il publie un Ep 6 titres, sous la forme d’un vinyle, intitulé « For My Blood ». Très prometteur, ce disque avait été enregistré sous la houlette de Luc Van Acker (Revolting Cocks, Primitive Race), un personnage qui jouit d’une solide notoriété au Nord de la Belgique.
Reconnaissant pour influences majeures, les Stooges, Sonic Youth, Joy Division et Radiohead, Transcoder est un quintet particulièrement dynamique sur les planches. Drivé de main de maître par le chanteur Jan Van Acker, il implique également le bassiste Miguel Wensch (NDR : aisément identifiable vu sa moustache de mousquetaire), le drummer Minco De Bruin, ainsi que les guitaristes Steve Lehnen et Jonathan Verrier (NDR : qui a remplacé Francis Isebaert).
En attendant la sortie d’un premier album, le band nous propose un Ep baptisé « For my blood ». Titre de rock graisseux et musclé « Eternal » est écorché par les éclats d’une des six cordes particulièrement incisives. Plus carré mais tout aussi pêchu, « Fading Flame » évolue aux confins du hard rock, une piste canalisée par la section rythmique. « Style Of Life » libère une énergie digne de Triggerfinger. La montée en puissance observée sur « Cry » est parfaitement maîtrisée. Caractérisé par des riffs de grattes bien saignants, « Shoot Me Down » est le titre de l’Ep qui me botte le mieux, un disque qui s’achève par le puissant « Shitfaced ».
Le Canadien Patrick Watson viendra présenter son nouvel album, le 17 mai, à Bruxelles, dans le cadre des Nuits Botanique, en compagnie de Villagers.
Un premier extrait de « Love Songs for Robots » est à découvrir ici
Tracklist
1. Love Songs for Robots
2. Good Morning Mr. Wolf
3. Bollywood
4. Hearts
5. Grace
6. In Circles
7. Turn Into The Noise
8. Alone In This World
9. Know That You Know
10. Places You Will Go
« Rhythm Inside » est une chanson interprétée par Loïc Nottet, notre représentant ‘blanc-bleu-belge’, qui défendra les couleurs de la Belgique lors du concours Eurovision 2015, qui se déroulera à Vienne, une compo signée par Beverly Jo Scott.
Un titre produit par Luuk Cox/Shameboy (Stromae, My Little Cheap Dictaphone, Eva De Roovere, Girls in Hawaii) et masterisé par Stuart Hawkes au Metropolis Studio de Londres (Sam Smith, Charli XCX, Lorde et Amy Winehouse).
https://play.spotify.com/album/5HftNbRtaTbdJljQtoMMOx
D’un commun accord, Hooverphonic et Noémie Wolfs ont décidé de mettre fin à leur collaboration.
Alex et Raymond tiennent à remercier Noémie pour ces cinq dernières années et lui souhaitent beaucoup de succès dans le futur.
Le groupe tient à remercier les fans d’Hooverphonic : ‘Nous vous remercions pour votre soutien et nous vous tiendrons au courant de nos projets.’
Il n’y aura pas de réactions supplémentaires de la part de l’artiste, du management ou du label.
(D’après communiqué de presse)
Un avant-goût de soleil en ces jours pluvieux.
Koudlam a grandi entre l’Afrique, la France et le Mexique. Artiste pluridisciplinaire, il a déjà publié 3 albums. Et ses clips sont plutôt provocateurs voire hyperréalistes…
Pour voir et écouter la plage éponyme de l’album "Benidorm Dream", c’est ici
Pour voir et écouter « Stoned », c’est là
Janique et Laurence, deux femmes éminemment sympathiques, et évidemment passionnées de musique, avaient lancé, l’an dernier, la première édition du festival, ‘La Vie en Rock’, un festival destiné à financer la recherche contre le cancer. De quoi faire prendre conscience, à la population des dégâts causés par cette terrible maladie, qui trop souvent, conduit à la mort. Les artistes programmés abandonnent leur cachet à cette association. Quand on a été touché par cette maladie, on a moralement le devoir de faire acte de présence. Malgré une affiche alléchante, il n’y avait eu en 2014, guère foule pour assister à l’évènement. Incompréhensible, quand on sait que le prix d’entrée était fixé à 8 € (prévente) ou 12€ (à l’entrée). Ce qui avait provoqué un coup de gueule de la part de votre serviteur. Cette ASBL est particulièrement dynamique. Parallèlement à cette manifestation, elle organise d’autres spectacles, comme celui prévu ce 14 novembre 2015, à Laeken, au cours duquel se produiront Fred And The Healers, Vegas, Subsonic et Jane Doe.
Mario Giucco, le chanteur de Machiavel a accepté d’en devenir le parrain. Un engagement qui s’explique facilement, car il a perdu son épouse, sa muse, l’an dernier, des suites de cette terrible maladie. Il a gravé un album solo, en 2014. Et vu son grand cœur, je suis convaincu qu’il va céder une partie des ventes aux associations qui luttent contre ce fléau. Plutôt sympa, il nous parle de son expérience personnelle et de ses espoirs pour vaincre cette affliction.
Black Mirrors entame les hostilités par « Drop D », face à un public famélique. C’est la première fois que j’assiste à un de leurs concerts. Responsable d’un premier Ep éponyme, le quatuor nous vient du Brabant Wallon. Le line up réunit la chanteuse Marcella Di Troia, le guitariste Pierre Lateur, le bassiste Gino Caponi et le drummer Edouard Cabuy. Leur musique est musclée, écrasante même. Une forme de stoner, réminiscent des seventies, susceptible de déraper dans le blues, le rock, le garage ou le métal. Mais au cours duquel, le soliste s’autorise des envolées frénétiques, ‘hendrixiennes’. Féline, Marcella s’est grimé le visage. Elle porte un collier amérindien autour du cou. Bien soutenue par la section rythmique basse/batterie, sa voix est claire, mais puissante. Sur les planches, elle envahit tout l’espace. La setlist alterne plages de l’Ep et nouvelles compos. Ce jeune combo a un énorme potentiel. Et pas seulement à cause de sa technique.
La salle commence tout doucement à se remplir. Et le public féminin est agglutiné contre les barrières. J’écoute, d’une oreille distraite, le soundcheck de Rising Sparks, un quartet qui nous vient de Gentinnes, en Brabant Wallon. Le band implique le chanteur Adrien Binon, le gratteur Mika Sompp, le drummer Manuel De Kan et le bassiste Julien De Wolf. Dès le début du set, les filles massées à l’avant réagissent avec enthousiasme et bondissent dans tous les sens. Androgyne, le look du chanteur me fait penser à un Bowie glamoureux. Perso, j’estime qu’il en fait un peu trop. L’auditoire semble apprécier. Pas tellement votre serviteur qui finit par décrocher…
Feel a remporté le concours ‘L’envol des Cités’, en 2014. Un trio athois fondé en 2012, partagé entre le drummer Martin Moreau, le bassiste Hantson et le chanteur/guitariste Kevin Cools. Ce sont aussi les nouveaux protégés de Moonzoo Music, le label de Mario Guccio et de Machiavel.
A l’instar de Black Mirrors, Feel puise ses sources musicales, à la fin des 60’s et au début des 70’s. Pensez à Hendrix et Led Zep. Mais aussi à Buckley. Jeff davantage que Tim. Auquel Kevin ressemble quelque peu. C’est ce que me souffle à l’oreille, mon voisin. Mais je lui signale néanmoins que le style du trio est quand même plus contemporain. Et puis, il y a une alternance entre moments puissants et paisibles, dans leur expression sonore.
En intermède, Mario Guccio vient interpréter en solitaire, un extrait de « Link ». Manifestement, pour son projet, il a adopté une formule électro/rock. Et il se débrouille plutôt bien. Perso, je le préfère d’ailleurs bien mieux dans ce contexte, qu’au sein du Machiavel actuel.
Feel revient ensuite sur le podium. Il est venu défendre son opus éponyme, qui sort le 14 avril. Leur rock est carré. Sur les planches, les musicos prennent leur pied et communiquent leur bonne humeur aux premiers rangs. L’auditoire commence enfin à grossir. En fin de parcours, Mario rejoint le band sur l’estrade, pour attaquer le « Fly » de Machiavel. Toute ma jeunesse ! L’adaptation est réussie et prend même une autre dimension, plus dynamique, plus métallique et même speedée. Feel est programmé lors de la plupart des festivals d'été. Vous ne devriez donc pas les manquer.
L’horaire a été bousculé, mais bonne nouvelle, il y a du peuple pour accueillir la tête d’affiche, Jane Doe And The Black Bourgeoises. Une formation louviéroise, qui à force de travail est parvenue à faire son trou. Julie, Angel, Nico, Dan et Dave sont habituellement soutenus par trois jolies choristes. Une seule les accompagne, ce soir. Après avoir entendu leur soundcheck, j’en conclus que le combo a la pêche ! Et il va le démontrer.
Nico se déchaîne sur les peaux de ses fûts. Julie a la rage dans la voix. Une voix rocailleuse, un peu comme Joan Jett (NDR : mais Ju est issue de Carnières, pas de Philadelphie). Derrière sa basse, Dan (NDR : un hybride entre Zorro et Buffalo Bill) incarne la force tranquille. C’est sa maîtrise qui fédère l’ensemble. Angel est monté sur ressorts. Ses riffs de guitare sont efficaces, dévastateurs, meurtriers et terriblement métalliques. Les spectres de Jimi Hendrix (encore !) et de Joe Satriani planent. Son regard vous transperce. C’est déjà lui qui assurait le show chez Inc.Ognito. Il a également pris l’ascendant au sein du combo. De petite taille, il se faufile, tel un serpent. Il ne craint pas d'affronter la foule. Et focalise tous les regards. Depuis qu’il a débarqué au sein du line up, Julie assure le second rôle. Mais elle l’assure parfaitement. Jane Doe nous propose des extraits de « Popaganga » et « Angel Crash ».
Bref, ce soir, le public va se prendre une claque magistrale. Difficile de se relever après une telle gifle. Votre serviteur décide d’ailleurs d’en rester sur cette excellente impression.
Le festival va cependant se poursuivre jusqu’aux petites heures, par deux solides groupes de reprises. Tout d’abord Radiofake. Et ensuite le meilleur cover band d’AC/DC, Machine Gun. Pas de souci, il va mettre une ambiance de feu. Janique et Laurence, on se revoit pour la troisième édition de 'La vie en Rock', et probablement lors de l’un ou l’autre concert...
(Organisation : ASBL La Vie En Rock)
Black Mirrors + Rising Sparks + Mario Guccio + The Feel + Jane Doe & The Black Bourgeoises + Radiofake (coverband) + Machine Gun plays AC/DC + Hot Links (DJ Producteur)
Alors que la pluie reprend ses droits, soufflant par bourrasques, Bruxelles s’éteint en se calfeutrant face à ces ennemis climatiques. Et pourtant, l’Orangerie accueille Fuzati, le félon du rap hexagonal. Une bonne occasion pour simplement se réchauffer et même davantage, car le Français va asséner une fameuse gifle à son auditoire, en le plongeant au sein d’un climat digne d’un sauna scandinave…
Elvis Romeo assure le supporting act. Et il faudra certainement compter sur lui, dans le futur. Il a un fameux charisme. Tout en restant humble. Et nous livre des textes drôles et décapants, avec un accent bien bruxellois.
Quelques semaines plus tôt, il avait été programmé en première partie de Fauve, à l’AB. Et aujourd’hui, il a pour mission de chauffer la salle pour l’une de ses idoles. Même bagout, même esprit, même envie de communiquer sa joie de rapper. Il nous a tellement tapés dans l’œil (et l’oreille) que Musizcine vous proposera son interview, tout prochainement.
Pendant le premier quart d’heure du set, Junior Godfellaz balance une prod tranquille en mixant quelques bons morceaux (« As The World Turns », notamment) afin de faire monter progressivement la température. Faute de balcon, Romeo monte sur l’estrade et s’empare du micro, qu’il ne lâchera plus avant 20 bonnes minutes.
Il enchaîne « Mon Cousin Dégueulasse », « Le Capitaine », « Poignée de Punchlines », « Bruxelles c’est devenu la Jungle », « Nostalgie », et se paye même le luxe d’exécuter « Drôle de Décision », un morceau qui fait justement référence à Fuzati.
Mise en abîme, marque de respect, le show s’achève sur le coup de 20h40 alors qu’une première question me traverse l’esprit : pourquoi ces instruments sur l’estrade ???
25 minutes plus tard, la réponse tombe tel un couperet. Il n’y aura pas de Dj, mais 4 musicos. Ce petit enfoiré de Fuzati s’était bien gardé de nous prévenir de la surprise.
Si le loustic est là, c’est pour fêter le dixième anniversaire de la sortie de son premier elpee, « Vive la Vie ». Une ode frénétique au mépris, à la misogynie, la déprime, la solitude et l’onanisme.
Une décennie plus tard, il affiche toujours cette même désinvolture et manifeste encore cet éternel dégoût de l’être humain. Tant mieux, c’est sous cet aspect qu’il est le meilleur.
Le même masque blanc pour cacher son visage, il va nous proposer un spectacle de plus ou moins une heure, flanqué de son orchestre, nous replongeant dans une relation originelle, qui le liait à son public, en revisitant quelques uns de ses grands classiques (« Dead Hip-Hop », « Toute la Vérité », « Le Manège des Vanités », « Pas Stable », …)
Mais l’artiste ne s’est pas contenté de nous accorder la prod synthétique et basique de sa première galette. Il a voulu que le set prenne une excellente tournure organique. Son backing group se chargeant de l’aider à atteindre cet objectif. Tout en épinglant des plages issues de ses différents projets et long playings. Dont « Fin de L’Espèce», « Grand Siècle », « le Klub des 7 » et « L’Eponge ».
Le flow de Fuzati est impressionnant. Les musiciens s’éclatent, s’autorisent des solos à vous couper le souffle. Celui consacré par le claviériste au funky « Dead Hip Hop » est à tomber sur le cul.
Bouillant, l’auditoire se trémousse et reprend en chœur les abominations de l’artiste. Certains aficionados sont pratiquement en transe. De quoi presque vous foutre la trouille.
Fuzati démontre également qu’il a du talent comme instrumentiste, en nous réservant également son petit solo de clavier, avant d’entamer un freestyle croquignole issu de la track list d’Elvis Romeo qui était restée collée sur le plancher. Genre, rien à foutre, du moment qu’il y a des mots, on envoie le bois. Une autre manière de démontrer qu’il maîtrise ses textes à la perfection.
Le rappel tombe vers 22h15 ; et 25 minutes plus tard, l’éclairage de la salle se rallume pour de bon.
C’était la première visite de Fuzati à Bruxelles. Il témoignera même de son étonnement de n’y avoir jamais mis les pieds. Et on espère que ce ne sera pas la première et la dernière fois.
Fuzati a autant surpris par ses qualités artistiques qu’humaines. En fait Fuzati est le plus philanthrope des misanthropes…
Set List :
Le Manège des Vanités (« Vive la Vie »)
Pas Stable (« Vive la Vie »)
Depuis que j’Etais Enfant (« Vive la Vie »)
L’Indien (« La Fin de l’Espèce »)
Un Peu Seul (« Vive la Vie »)
Dead Hip Hop (« Vive la Vie »)
Avec Les Larmes (« Vive la Vie »)
Sous le Signe du V (« Vive la Vie »)
Toute la Vérité (« Vive la Vie »)
Sinok (« Grand Siècle »)
Volutes (« La Fin de l’Espèce »)
L’Eponge (« Le Klub des 7 »)
-Freestyle-
Planetarium (« Grand Siècle »)
De l’Amour à la Haine (« Vive la Vie »)
Perspectives (« Vive la Vie »)
Rappel :
La Chute (« La Fin de l’Espèce »)
La Violence (« Grand Siècle »)
La Fin de l’Espèce (« La Fin de l’Espèce »)
Le Parapluie (« Le Klub des 7 »)
Destin d’Hymen (« La Fin de l’Espèce »)
Baise les Gens (« Vive la Vie »)
(Organisation: Botanique + Back In The Dayz)
Responsable d’un dernier album particulièrement réussi –et ce n’est pas une première– le bûcheron new-yorkais se produisait, ce jeudi 26 mars, à l’ABBox. Il y venait défendre son quatrième opus solo, un disque dont les compos se nourrissent autant de rock, de folk, de soul, que d’americana pur jus.
Vu l’excellence de ses chansons, manifestement des tubes en puissance, l’artiste deviendrait une star, au sein d’un monde parfait. Et son titre, « Desiree », parfait exemple empreint d’une sensualité indicible, trusterait les charts pendant des mois, délogeant même, et sans difficulté, des hits aussi insipides que le surfait « Happy » de Pharrell Williams. Aussi, on a envie de crier à l’injustice, quand on constate que le natif de Troy (NDR : c’est dans l’Etat de New York) n’attire qu’un auditoire aussi famélique. Néanmoins, cette situation permettra au spectateur lambda de profiter le plus confortablement du concert.
Barbu, le troubadour déboule seul sur les planches. Ses cheveux sont retenus par un catogan. Il est armé d’une guitare semi-acoustique et se sert d’une pédale de distorsion. Il nous confie avoir brisé sa seconde gratte lors de son arrivée en Belgique, et explique que pour accorder sa nouvelle, il a décidé de diviser son set en deux parties. Malgré des cernes impressionnants autour des yeux, il déclare être heureux de se produire en Europe. Il est même très à l’aise. Sa voix de stentor est particulièrement profonde. Son répertoire puise au sein des trois derniers opus. Des compos qu’il interprète énergiquement et avec une sincérité réconfortante. Affichant un fameux charisme, il parvient à séduire son auditoire en variant les climats, parvenant même à faire oublier qu’il est venu, ce soir, sans le moindre musico pour l’accompagner. Le deuxième titre de sa setlist, le fameux « Desirree » est ainsi proposé dans une version épurée, bien loin de la luxuriance du morceau enregistré en studio. Le climax du spectacle est atteint lors du bouleversant « My Little Man », une chanson dédiée à son fils et la superbe reprise de « The River », issue de la plume de son mentor Bruce Springsteen. A cet instant, on a l’impression que le Yankee joue en compagnie d’un groupe. La fin du concert est proche. Et vu la performance on a le droit d’en vouloir davantage. Une petite heure d’un tel spectacle, ce n’est quand même pas suffisant. Il nous accordera quand même deux beaux titres, au cours du rappel, dont la cover du « A Girl Like You » d’Edwyn Collins et du « Chelsea Hotel » de Leonard Cohen, dont Rowe partage manifestement, certaines affinités vocales…
Un show parfait, de bout en bout. Et un nouveau et simple précepte va dès aujourd’hui guider ma vie : ne plus jamais manquer un concert de Sean Rowe !
(Organisation Ancienne Belgique)
« Drones », c’est le titre du nouvel album de Muse, qui sortira ce 5 juin, 3 bonnes semaines avant qu’il ne clôture l’affiche du festival Rock Werchter. Il nous propose, en attendant, un clip consacré aux monuments symboliques belges. Et c’est ici
Jack Savoretti publiera « Written in Scars », son nouvel album, en avril prochain.
Il a été produit par Samuel Dixon que l’on a vu comme directeur musical d’Adele et co-auteur de Sia.
On le présente dans la lignée de Paolo Nuttini voire de George Ezra…
Les amateurs du genre risquent de se ruer sur la vidéo de « Home » premier extrait, de cet opus et c’est ici
"I'm in love", c’est le titre du nouveau clip de Fool's Gold. Il est sur la toile et c’est ici
« Flying Lessons », son nouvel album, sera disponible à partir du 20 avril avant son concert qu’il accordera au Charlatan de Gand, ce 1er mai.
Détenteur d’un sésame, gagné haut la main chez nos amis de Rifraf (ben quoi, Noel Gallagher et Damon Albarn ne sont-ils pas copains comme cochons, à présent ?), je monte sur le pont de la péniche baptisée ‘Inside Out’, une embarcation amarrée depuis quelques années, sous la passerelle liégeoise.
Endroit insolite et au demeurant fort agréable pour assister circonstanciellement à une soirée endiablée ou comme c’est le cas ce soir, un concert au sein d’un climat feutré et quelque peu… tanguant.
Hélas ! Appelé à lever l’ancre prochainement, de manière définitive, le navire livre ses dernières représentations.
Mais pour l’heure, la jeune et prometteuse organisation PopKatari envahissait les lieux (elle remettra le couvert le 20 avril prochain et on vous en reparlera), pour une triple affiche aux douces effluves de champignons acidulés.
Capitaine ! Prêt à larguer les amarres ?
Accroché au bastingage, je prête une oreille aux premiers accents musicaux qui émanent du fond de la cale.
Intrigué, je descends les marches et me retrouve face à un quartet dont les musicos doivent avoir à peine dix-sept ans de moyenne, mais dont la gouaille et le talent efface vite toute trace d’immaturité prépubère.
Épatants de maîtrise pour l’un de leurs premiers concerts, les enfants de la région me font forte impression.
Si la somme de leurs influences semble confinée à un seul groupe, gageons qu’ils ne tarderont pas à se détacher de cette fratrie, même si fort élogieuse, elles sont encore un peu trop prononcées pour asseoir leur future réputation.
Bosko, dont le leader a une voix vraiment épatante, devrait donc bientôt percer au travers de la brume locale et dériver vers des eaux plus riches, en éveillant d’abord l’intérêt des fans d’Arctic Monkeys.
Puisque de singe il est question, commençons par celui qui dédaigne le dos de Willo, combo rouennais venu déposer ses rêves hallucinés, le temps de cette croisière, sur la Meuse.
« There’s No Monkey On My Back » ouvre en effet le set et démontre rapidement les limites du band, surtout sur le plan vocal. On cherche vainement l’émotion et rapidement l’ennui commence à vous envahir, comme un singe en hiver.
Les compositions sans réelle inspiration ne parvenant pas relever la sauce, le concert finit par provoquer ma fuite sur le ponton.
Peu de vent, pas d’embrun, ce groupe dont le style était annoncé quelque part entre celui de Grandaddy et des Flaming Lips, pour ses prestations énergiques, ne soulève guère de vagues.
Battant pavillon anglais, Virginia Wing approche enfin de l’embarcadère.
Escale portuaire avant de s’engager auprès de Notwist pour quelques dates outre-Rhin.
Placée en figure de proue, Alice Merida Richards et ses espadrilles (!) se fondent rapidement derrière ses synthés Korg ; mais sa voix trouve immédiatement place au milieu de réglages techniques imposés par un soundcheck hâtif.
Le psychédélisme post-kraut-pop parfumé d’essence nineties (oui, on pense effectivement à Stereolab), d’une belle efficacité sur disque (« Measures Of Joy » paru en novembre dernier) est censé prouver son potentiel sur scène, dépouillé des artifices du studio.
Si on ne tiendra pas trop rigueur à la formation pour les quelques approximations, notamment rythmiques dues, sans doute, à leur première date de leur tournée, on relèvera tout de même une sacrée perte de vitesse sur la longueur d’un set… qui n’aura duré que trente cinq minutes montre en main.
Plutôt emprunté et ne dégageant pas spécialement d’aura (le bassiste semblant si dépressif qu’on avait pris soin de retirer tout nœud marin des environs), la solution sonore s’enlise après le single « Marnie » et ne ressurgit des profondeurs du bassin liégeois que sur un final qui s’achève abruptement.
Sans l’ombre d’un rappel, les Londoniens filent alors en douce vers leur prochaine destination, nous laissant sur notre faim.
Si la péniche reste à quai, on attendait certainement que les artistes programmés ce soir, nous emmènent vers d’autres horizons.
Au final, ce sont les enfants du pays qui nous ont emportés au-delà de l’estuaire…
(Organisation : PopKatari)
Cet entretien s’est déroulé le 30 août 2014, dans le cadre du festival des Barges à Scène sur Sambre. Pour répondre à nos questions, The Subs a délégué Jeroen ‘Papillon’ De Pessemier et Wiebe ‘Tonic’ Loccufier. Il y a un bon bout de temps que votre serviteur souhaitait rencontrer les musiciens de cette formation gantoise. Jeroen est une véritable bête de scène. L’énergie qu’il y libère est fascinante. Pourtant, malgré leur réputation internationale et leur professionnalisme, les musicos sont demeurés humbles. Ils sont peu notoires en Wallifornie. C'est le moment de les faire connaître…
Entre vous et les Lokerse Feesten, n'y a-t-il pas un peu, une histoire d'amour ?
Jeroen : On aime bien y jouer. Le public est bon. Il y a toujours de chouettes têtes d'affiche. L’équilibre entre nouveaux et anciens groupes y est parfait et se manifeste à travers la programmation.
Wiebe Loccufier: C'est la cinquième fois consécutive que l'on y joue. Le public de Lokeren vient d’un peu partout. Et pas seulement de Lokeren. Ce sont 10 jours de fête. Il y règne une ambiance particulière. Lokeren est situé juste à mi-chemin entre Gand et Anvers et ce n'est pas loin pour nous.
Jeroen déborde d’énergie sur les planches. Tu prends les mêmes vitamines que Ricky Wilson de Kaiser Chiefs ?
Jeroen : Oui, je pense bien. Je prends des vitamines tout le temps. J'adore bouger. C'est ma manière d'avoir un contact avec le public. De communiquer. Je pense qu'il existe deux types de performances. Soit tu te montres arrogant ou généreux. Et les deux formules fonctionnent. Elles sont pourtant extrêmes. Regarde le chanteur d'Artic Monkey. Le gars, il ne donne rien. Enfin, quand même sa musique. Il n'y fait passer aucune émotion. D'une autre manière, il donne beaucoup, c'est du minimalisme. Ou alors tu prends l'autre extrême et c'est du maximalisme. Tu essais de livrer tout ce que tu as dans le ventre. C'est intéressant pour moi. Car je ne comprends pas pourquoi l'autre manière fonctionne aussi bien. J’incarne mon propre personnage sur scène. Il est difficile de comprendre parfois, pourquoi des performances peu intéressantes, ne sont pas généreuses. Pourquoi elles marchent. C'est quoi ce truc ? Le gars ne donne rien et le public renvoie, simplement à cause de la musique. C’est comme il existe également deux manières de séduire une femme. Tu la joues cool. Tu ne donnes rien et elle te saute dessus. Tu peux faire le bulldozer et tu donnes tout ce que tu as. Tu fonces et ça marche aussi. Moi je ferais plutôt le bulldozer, c'est plutôt dans mon caractère.
Wiebe : Il saute partout.
Lors des concerts, votre public s’agenouille. C'est intentionnel ?
Jeroen : Oui, c'est voulu. C'est drôle d’y parvenir. Quand j’ai essayé pour la première fois, il a accepté de prendre cette posture. La chanson y était propice. Ce moment particulier, on l’a maintenu au cours du set et on l’a perpétué, d’autant plus que le public adhère. C’est une petite ‘joke’ personnelle. Mais c'est cool. C'est dû à l'énergie libérée par la musique ; et à ce moment-là, je descends toujours dans la foule. Pour être directement en contact avec elle. Et quand elle est conséquente, c'est alors comme plonger dans une piscine. La mer qui crée des vagues humaines.
Wiebe : Moi, j'ose pas trop le regarder dans ces moments-là.
Répétez-vous un rituel avant de monter sur l’estrade ? Et puis, en la quittant ?
Wiebe : Je bois du coca. Je pense que notre rituel se produit lors du soundcheck.
Jeroen : On n’a pas vraiment de rituel. Maintenant, nous portons tous les costards. Et enfiler un costume est une forme de rituel.
Jeroen : Après un concert, on bavarde tout simplement avec les gens qui sont venus nous y voir. On souffle et on décompresse. Tu ne sais jamais dire. Quand c'est un grand et bon show comme à Dour et que tu as vraiment senti que l'énergie du public était vraiment forte, on a davantage de difficultés à décompresser.
Wiebe : Quand je rentre à la maison, j’ai besoin d’une heure pour reprendre mes esprits. J’essaye de dormir un peu. Car si je repars directement, je ne pourrais plus dormir après. C'est exactement le même phénomène qui se produit, quand je conduis 90 minutes. C'est bizarre…
The Subs, une réunion de Dj's ou de musiciens ?
Jeroen : Les deux, nous comptons au sein du line up un Dj et deux musiciens. C'est le mix.
Eclectique est incroyablement prolifique, la scène gantoise regorge d’excellents groupes. Une explication ?
Jeroen : À Gand, la scène électro est toujours en ébullition. Depuis au moins 15, si pas 20 ans. Avant ? Je ne sais pas. Tout a commencé par The Glimmers, Two Many Dj's et puis nous. J’ignore pourquoi ? Peut-être y a-t-il des vitamines dans l'eau potable. Ce mouvement s’est finalement ancré dans une forme de tradition. Quand quelqu'un entame un projet, d’autres veulent lui emboîter le pas, mais en mieux. Et finalement, c’est devenu une marque de fabrique. La nouvelle génération est prête à prendre le relais. Une nouvelle vague en route vers le succès.
Vous êtes gantois et pourtant surtout notoires à l'étranger ?
Jeroen: Oui, il faut bien vivre quelque part.
Wiebe : Quand on se produit en Wallonie, c’est un peu comme si on se produisait dans un pays étranger. S’y imposer est parfois difficile pour les groupes flamands.
D’où vient votre passion pour la musique ?
Jeroen : Nous y baignons depuis que nous sommes tout gosses. C’est plus facile quand tes parents sont musiciens. C’est une passion qui se transmet de père ou de mère en fils ou fille. Quand tu viens d’une famille qui n’a pas cette passion, c’est plus difficile de faire le pas et ton parcours est jalonné d’incertitudes. C’est un job stimulant. Si tu décides de reprendre la friterie familiale, c’est différent. Et bien moins attrayant.
Wiebe : J’ai d’abord été Dj. Je pense que quand tes parents sont musiciens, tu évites de te lancer dans la musique.
Parallèlement à The Subs, développez-vous également d’autres projets ?
Jeroen : Plein ! Je milite chez Friends In Paris. J'y bosse en compagnie d’un gars de Londres, où je vis. On est occupé de monter un concept quelque peu secret. On n'a pas encore discuté de ce qu'on allait réaliser ensemble et on n’a pas encore signé de contrat. Mon collègue Wiebe cherche à créer un label. Et nous proposons à d’autres artistes de le rejoindre…
Est-ce qu'il vous arrive de remixer des chansons d'autres groupes ?
Jeroen : On l’a fait pour Alt-J et La Roux. Nous y consacrons moins de temps, aujourd’hui. Comme notre album est plus pop, il y aura moins d'intérêt pour les clubbers à le remixer. Nous allons donc réaliser nos propres remixes de ce disque Ainsi, The Subs va remixer The Subs. Parce qu'on a voulu enregistrer un long playing pop…
Dr Lektroluv, vous êtes sur son label, est-ce une référence ou un ami pour vous ?
Jeroen : Un peu des deux.
Selah Sue a collaboré à votre album. Comment la rencontre s'est-elle opérée ?
Jeroen : J'envoie des petites démos et parfois nous travaillons ensemble. Je la connais, nous avons déjà travaillé ensemble. Nous partageons le même management et nous appartenons au même cercle d'artistes.
Et par quel hasard avez-vous reçu le concours de Jean-Pierre Castaldi?
Jeroen : Jean-Pierre chante sur notre album. Je l'ai appelé. Il était très sympa. Il n'avait pas entendu le morceau avant. Je lui ai fait écouter le titre au téléphone et il a accepté immédiatement.
Faire la fête, c'est important pour vous ou est-ce tout simplement rock'n'roll ?
Jeroen : Faire la fête, c'est basique pour moi. C'est important et tout le monde doit faire la fête le plus possible. Quand tu es trop fatigué, tu ne sais pas faire la fête.
(Photo : Hanse Cora and Uber&Kosher)
La Maison des Jeunes de Sambreville fêtait, en 2014, ses 40 années d'existence. Quatre décennies déjà que l'institution se décarcasse pour dynamiser la région de Sambreville. Et tout particulièrement dans le domaine de la musique. Nous sommes le 6 septembre 2014, soit le deuxième jour du festival organisé par cette MJ. Driving Dead Girl est un quatuor réunissant le chanteur/guitariste Dim Wild, le second gratteur Ronald Dondez, le bassiste Ruggero Catania et le drummer Vincenzo Capizzi. Ces trois derniers se sont volontiers prêtés au feu de nos questions.
Est-il exact que le festival de Dour a servi de détonateur au groupe ?
Ronald : Dour a été très important pour nous. C’est là que nous avons entamé notre aventure. Nous avions gagné le concours 'tremplin', ce qui nous avait permis de participer au festival. Je suis issu de Mons, donc un peu le régional de l'étape ; aussi se produire lors d’un tel événement alternatif était une aubaine pour nous.
Pourriez-vous nous relater la genèse de Driving Dead Girl ?
Ronald : En fait, Dim et moi étions amis depuis très longtemps. Au départ il évoluait dans l’univers du punk. Nous avons ainsi joué ensemble, brièvement, dans le même groupe. Puis nous avons monté Driving Dead Girl. Qui a vécu de nombreux changements de line up. Vincenzo y milite depuis pas mal de temps. Ruggero vient de débarquer. Il est vrai que plusieurs bassistes se sont succédé, avant son arrivée. Nous comptons 10 ans d’existence. Et Dan Diaz y a milité 4 ans. Pour tout savoir, si je suis montois et les 3 autres sont issus de Bruxelles.
Vincenzo : J’ai débarqué au sein du groupe, il y a 6 ans.
D'où vient le nom du groupe ? Driving Dead Girl signifie ‘conduire les filles mortes’. Ce patronyme a-t-il une signification particulière ?
Ronald : Aucune, en fait. Nous aimions ces mots-là et nous les avons réunis. En même temps, tout n'est pas faux non plus. Quelques anglophones nous ont avoué qu’il sonnait bien. Nous voulions simplement en dénicher un qui tienne la route.
Votre musique est souvent qualifiée de rock/garage. Une réaction ?
Ronald : J'allais justement t’en parler. Ce style de musique en englobe d'autres. Nous, on y a ajouté un zeste de psyché. Mais on pratique du rock pur et dur, tout simplement. On ne prétend pas émarger au garage, ce sont les autres qui le déclarent.
Vincenzo : On a déjà du mal à trouve notre place. On ne joue pas du punk, mais du rock. Energique.
Ruggero : Quand j’ai débarqué au sein du groupe, je n’ai pas pensé au genre de musique pratiqué ou que j’allais jouer. Je me suis amusé et c'est le but que je continue à poursuivre.
Avez-vous suivi une formation académique ou êtes vous autodidactes ?
Vincenzo : Pendant une année, j’ai fréquenté le Jazz Studio d'Anvers. Je n'ai pas d'autre formation particulière. On joue instinctivement.
Par quel hasard êtes-vous atterris sur le label at(h)ome ?
Ronald : En fait, c'est notre manager Bertrand qui s'est occupé de ce deal. Au début, nous étions hébergés chez Bad Reputation, un label français. On n’y a pas rencontré de problème majeur. Mais on ne peut pas dire que la communication et la promotion étaient optimales. On a alors décidé de changer. Bertrand a entrepris les démarches et a contacté at(h)ome qui était emballé par le projet.
Parmi les artistes belges sur se label, il n'y a que vous et MLCD ?
Ronald : En fait MLCD est chez notre tourneur. Il booke nos concerts et ceux de MLCD en France.
Vincenzo : Mais, il y a aussi un autre groupe belge…
Vous comptez 10 ans d'existence et avez gravé 3 elpees dont le dernier est paru l'année passée. Vous carburez au diesel ?
Ronald : Carrément oui. On est un peu fainéants, On se laisse bien vivre. Mais quand il faut, il faut.
Envisagez-vous de publier prochainement un nouvel album ?
Ronald : On a composé de nouveaux morceaux et on bosse dessus. Nous ne sommes qu’aux balbutiements de l’écriture. On a prévu sa sortie en 2015 ; mais il faudra mettre la gomme. Il devrait paraître au plus tard, fin décembre.
Vous avez prévu de nouveaux morceaux, dans la set list de votre concert ?
Vincenzo : Du futur album ? Non. On en a composé quelques- uns, mais ils ne sont pas encore finalisés. Du troisième, oui c’est prévu. Mais, comme on ne t'a jamais vu à nos concerts, tu vas découvrir les plages du troisième.
Bie sûr que je vous ai déjà vu en concert, et il n'y a pas très longtemps. A l'Ancienne Belgique. Vous vous produisiez au club, juste après Alter Bridge, une formation de métal. Etre programmé après Von Durden et avant The Experimental Tropic Blues Band, c’est une belle opportunité ?
Vincenzo : On a déjà partagé la même affiche. Ce sont tous des amis. C'est chouette, on est très contents et impatients de se revoir. Et puis Von Durden remplace au pied levé Vegas. D'habitude, on les précède. Ils ont davantage de notoriété que nous. Nous avons tourné en compagnie d’Experimental, en France et aux Pays-Bas.
Eprouvez-vous davantage de difficultés à vous produire en Belgique plutôt qu’à l’étranger ?
Ronald : Dans notre cas, il est vrai qu’il est plus difficile de se produire en Belgique qu'à l'étranger. S’exporter est donc une obligation.
Vincenzo : Nous avons effectué des tournées en Tchéquie, en Slovénie, en Slovaquie et en Italie. Après avoir accompli le tour des maisons de jeunes branchées et transité par quelques salles de concert, tu as vite fait le tour de Belgique.
Sur les planches, vous vous montrez particulièrement dynamiques. Accordez-vous une grande importance au ‘live’ ?
Ronald : C'est ce que je préfère dans la vie d'un groupe.
Vincenzo : Monter directement sur scène, sans répéter à chaque fois, me procure un tas de bonnes sensations. Mais les répètes sont nécessaires, sinon on s'éclate systématiquement. Quand je reviens de tournée, je me sens mal dans la peau. Après deux ou trois jours, j'ai le cafard, je suis crevé, mais j’aimerais bien reprendre la route.
Entre les Ramones, Pearl Jam, Nirvana et John Spencer, vous avez une préférence ?
Vincenzo : Spencer et Ramones. Et Pearl Jam quand on est bourrés.
Ronald : John Spencer.
Ruggero : Certainement pas Pearl Jam.
Quelle est la décennie musicale la plus riche, dans l’histoire du rock, pour Driving Dead Girl ?
En chœur : Les sixties !
(Photo : Lara Herbinia)
C’est à l’issue de leur concert accordé à la Rotonde du Botanique, dans le cadre de leur ‘Release Party’, que Nicolas Scamardi et Elliott Charlier, respectivement drummer et chanteur de Von Durden, nous ont accordé cette interview. Elliott va entreprendre un tour du monde, à partir du mois de février. Un rêve d’enfant qui se réalise. On en parle…
Elliott : Le départ est fixé au 8 février 2015. J'avais envie de faire ce voyage. J’ai toujours aimé voyager. Comme mes parents. Et je les accompagnais dès mon plus jeune âge. Ce que je n’ai plus fait depuis mes 18 ans. Je ne m’en plains pas, car mon agenda débordait de concerts. J'aurais bientôt 30 ans, et si je décide de fonder une famille, il faudra que je me fixe. Partir à l’aventure deviendrait alors plus compliqué. C’est donc le bon moment.
Dès lors, toute la tournée va se dérouler avant ton départ. N’est-ce pas un peu précipité, 3 mois juste après la sortie de l'album ?
Elliott : C’est selon le point de vue. Si tu envisages la stratégie promotionnelle, c’est un peu court. Mais à mon avis, l’industrie du disque réfléchit beaucoup trop. Elle se prend la tête avec des tas de méthodologies. Nous, on veut simplement prendre du plaisir. Et jouer de la musique, avant tout. Finalement, on est ravi du déroulement des événements.
Christine Verschorren est une pointure dans le milieu de la musique. N’est-ce pas trop difficile de travailler sous sa houlette ?
Nicolas : Nous l'avons choisie pour produire notre album, car elle bosse d’une manière très particulière, hors des sentiers battus. On a pourtant l’habitude de travailler en compagnie de pros. Nous ne souhaitions pas être aidés, mais accompagnés différemment, par un(e) ingé son. Elle a une approche différente de la mise en forme. Et se distingue par sa capacité à te plonger dans un autre univers…
La voix d’Elliott colle bien au style hard. Dans les moments les plus paisibles des compos, elle me fait parfois penser à celle de Lenny Kravitz. Vous partagez mon point de vue ?
Elliott : C’est cool, deux fois aujourd’hui qu’on me le dit.
Elle est travaillée ou naturelle ?
Elliott : Je ne la travaille pas hors du groupe. Uniquement lors des répètes. Je ne prends pas de cours de chant. Je n'ai pas de projet parallèle. Je ne participe qu’à l’aventure de Von Durden.
Et Fabrice ? Il me semble qu’il développe plusieurs projets?
Nicolas : Fabrice est capable de maîtriser tous les genres de musique. Il considère son implication comme un job. Il joue merveilleusement bien de la basse. Son background est impressionnant. Et pourtant, il ne participe au projet que depuis trois ans. Il est polyvalent. Il peut intégrer n’importe quel line up et apprendre leurs morceaux en deux semaines. C'est un mec sur lequel on peut compter. Il adore l’aspect familial de la vie d’un groupe. Il a besoin de bien s’y sentir. Il peut également devenir un mercenaire. Il connaît son truc. Il ne joue plus chez Ozvald.
« Lucky In Love » est le titre le plus funk de votre répertoire ? On n’est pas loin de Jessie J. C’est une référence pour Gladys, la bassiste ?
Nicolas : Absolument ! Elle est fan de toute la production américaine : Pink, Katy Perry, Jessie J, c'est vrai. C’est une géniale ‘performeuse’ qui communique à nos compos un sacré groove.
Les medias décrivent votre musique comme ‘Brute de décoffrage’. Une explication ?
Nicolas : C'est parce qu’elle est dispensée ‘live’, sans artifice. Christine y est pour quelque chose. La musique n’est ni léchée, ni assujettie au clic. Si certaines fréquences sont susceptibles de te casser les couilles, mais qu’elles sont bonnes, on les laisse. Nous avons la totale liberté de création. Nous avons réalisé notre album en 2 ou trois semaines. Le mix et tout le reste y compris.
Quel est vraiment le style de votre musique ?
Elliott : C'est du Rock.
Nicolas : On ne peut rien dire d'autre. C'est du rock, malgré ses multiples influences. Qu’on digère progressivement. Celle qui te fait penser à Kravitz est certainement due à la mélodie.
Le Grand Jojo, Queens Of The Stone Age, Pearl Jam, Stromae, Beatles, Arno et les Sex Pistols. Au sein de cette liste, vous avez détecté des intrus ?
Nicolas : Le Grand Jojo. Pas vraiment mon truc. Mais il donne du bonheur à des tas de gens. Faut surtout pas qu'il arrête.
Elliott : Rien. Même pas le Grand Jojo. C'est du talent qui ne me parle pas.
Vous semblez bénéficier d’une bonne équipe pour assurer la promo…
Elliott : La promo doit passer par toutes les formes de medias. Que ce soit sur papier ou via Internet. C’est indispensable pour être visible. Si tu ne l’es pas, les gens pensent que tu n'existes plus. Oui, c'est important et c'est la raison pour laquelle nous avons choisi Olivier Biron, comme attaché de presse. Il est particulièrement compétent. C’est même le meilleur avec lequel nous ayons eu la chance de bosser. On se sert également des réseaux sociaux comme une majorité d’autres artistes. C'est important.
Nicolas : La plupart de nos connaissances estiment que bénéficions d’une presse de dingue. Depuis un mois, les articles pleuvent, grâce à son implication. C'est un tueur et il abat un boulot monstre.
Continuez-vous à collaborer avec Julien Henry de ‘Film Fabrique’ ? Il apporte son concours aux projets de The Experimental Tropic Blues Band, il me semble ?
Nicolas : C'est lui qui se charge du visuel d'Experimental. Il est doué et adorable. On s'est entendu sur le projet et on a décidé de poursuivre notre collaboration.
Elliott : On n'en trouve pas des centaines comme lui dans le métier. Il accomplit un boulot remarquable…
Le patronyme de Von Durden Party Project s’est réduit à Von Durden. Pourquoi ?
Nico : Parce qu’au départ, je drivais un autre groupe, Melchior. Je voulais faire la distinction entre ce band et le projet Von Duden. Quant au mot Party, c’est parce qu’on voulait mettre l'accent sur le côté festif et ‘dance’ de notre musique. Puis nous avons abandonné ces épithètes...
Les Death-Metalleux canadiens de Kataklysm ont annoncé que ce 31 juillet sortia leur prochain album, ‘Of Ghosts and Gods’. Ce nouvel LP sera mixé et masterisé par Andy Sneap, connu pour avoir produit entre autres Testament, Amon Amarth, Exodus et Megadeth. Réalisée par l’artiste macabre Surtsey , la cover de ce douzième opus ‘décrit la réalité de l’existence magnifiquement perturbée de l’humanité et sa disparition imminente entre le Mortel et l’Eternel’. Tout un programme.
Tracklist
01. Breaching The Asylum
02. The Black Sheep
03. Thy Serpents Tongu
04. Soul Destroyer
05. Vindication
06. Marching Through Graveyards
07. Shattered
08. Hate Spirit
09. Carrying Crosses
10. The World Is A Dying Insect
Considéré par le magazine anglais Metal Hammer, comme un des groupes phares de la nouvelle génération du Metal, Of Mice and Men se produisait ce mardi 24 mars, à l’Ancienne Belgique. Sa popularité n’est certainement plus à mettre en doute aux Etats-Unis, car il est considéré comme une des valeurs sûres de la scène californienne contemporaine ; cependant, il reste encore bon bout de chemin à accomplir pour s’imposer sur le Vieux Continent. C’est donc en toute curiosité (existentielle) que je me suis rendu au show des Américains, afin de constater le bien fondé des articles consacrés à un de ces piliers de cette nouvelle vague… Verdict.
C’est désormais devenu une habitude : si vous voulez assister à un show à l’AB et dégoter une bonne place, il faut patienter et faire la fille, vu que les portes ne n’ouvrent désormais plus qu’un quart d’heure avant le spectacle. Inutile de préciser que vous avez intérêt à vous dépêcher si vous voulez mettre vos effets personnel dans les casiers et arriver à temps pour voir le ou les groupe(s) d’ouverture. Pas de chance aujourd’hui : il pleut. Histoire de tuer le temps, j’observe la foule qui patiente à l’entrée. Manifestement, une majorité de jeunes sont venus, ce soir, supporter les Californiens. La ‘New Metal Revolution’ (dixit Metal Hammer) passe apparemment par de nouvelles recrues.
Les premières balles de cette soirée sont tirées par Volumes, band de Metalcore originaire de Los Angeles. Leur Hardcore est éclaboussé de sonorités Neo-Metal. Tout en empruntant des rythmiques vocales au rap, le chant est caractérisé par une alternance entre chant hurlé et clair. Les Yankees vont rapidement chauffer les premiers spectateurs présents. Il faut aussi avouer que ce n’est pas non plus l’affluence des grosses affiches. Pas de place assise et les balcons sont fermés. En outre, la fosse n’est remplie qu’à moitié. Il n’empêche que l’assemblée répond positivement et s’exécute lorsque le groupe l’inviter jumper, sur le rythme des djent riffs (type de riff particulier, initié par Messhugah et son guitariste Fredrik Thordendal ), propres à ce nouveau type de groupe de Metalcore. Pas de mise en scène particulière, les deux chanteurs emplissent l’espace et délivrent un set dense et musclé, à l’exception d’un morceau perdu en milieu de set, où le chant clair dominant vient quelque peu briser la tension communiquée au show. Saluons au passage cet instant intéressant où Volumes demande d’éteindre les lumières de la salle afin que le groupe ne soit plus éclairé que par les lampes de poche dont sont équipés la plupart des smartphones (nouvelle génération, je vous le disais, où la lumière des briquets fait place désormais à celle des portables). La salle s’illumine donc désormais d’une lumière blanchâtre, mouvant au rythme des headbangings, tel un gros spot qui serait actionné de haut en bas. Une bonne entrée en matière, certes pas révolutionnaire, mais qui a le mérite de planter le décor de la soirée. (Pour les photos, c’est ici)
Rechargez, armes ! Au tour de The Amity Affliction de prendre d’assaut la scène bruxelloise. Un large backflag, composé d’un cœur en cordes tressées et entouré du nom du groupe, tapisse l’arrière de la scène. Deux représentations de squelettes occupés à prier, drapés de noir, sont disposées de part et d’autre de l’espace. Issue de Brisbane, la formation australienne va nous proposer un set de Metalcore ultra mélodique, au chant clair prédominant, parsemé çà et là de touches électros. Malgré leurs douze années d’expérience, le quatuor va nous imposer un show répétitif, dont le calme des morceaux, lorgnant quelque fois vers le post-hardcore, viendra dégonfler l’ambiance insufflée par leurs prédécesseurs. ‘Belgium, you’re the best show of this tour’ balance Joel Birch, un des deux chanteurs du combo. Formulé sans grande conviction, cet éloge tombe un peu à plat. Il en ira de même pour le bravehart de faible intensité lancé quelques minutes plus tard, le style de musique se prêtant peu à ce type de rencontre musclée. Le public se réveille néanmoins, un peu (trop) tard, lors de l’avant-dernier morceau « Open Letter », extrait de l’LP « Chasing Ghosts ». Les deux chanteurs invitent l’auditoire à reprendre le refrain en chœur. Les spectateurs ne se feront pas prier deux fois et donnent de la voix. Une prestation en demi-teinte qui non seulement m’a laissé sur ma faim, mais surtout a fait redescendre l’ambiance de quelques degrés. (Pour les photos c’est là)
Fini de rigoler à présent. L’étrange masse placée en hauteur à l’arrière-plan, recouverte d’un tissu noir, est à présent dénudée, laissant apparaître la batterie de Valentino Arteaga aux deux grosses caisses frappées du logo du groupe. La salle est plongée dans l’obscurité, simplement éclairée par une lumière bleutée. Tel un coup de fusil, le backflag à l’arrière du podium se déroule, dévoilant une esperluette au milieu cercle. Des bruits d’ondes résonnent avant que ne déboule Austin Carlile, chanteur charismatique d’Of Mice and Men, qui hurle les premières paroles du morceau « Public Service Annoucement » : ‘You all have something to say - or something to ask – I don't live in a cage…’ Le public embraie directement et crie d’une même voix avec le vocaliste. ‘… it's none of your business’. Ca y est, le coup d’envoi est donné et la machine se met en route.
Première impression : l’artillerie lourde est sortie, le son est percutant, propre, net et précis. Vêtu d’une chemise blanche recouverte d’une veste noire, Austin Carlile se débat comme un beau diable, déployant le registre de ses impressionnantes capacités vocales. Il faut attendre le second morceau, « Glass Hearts », pour qu’Aaron Pauley, bassiste et chanteur à la voix claire du band, ne s’avance jusqu’au bord de l’estrade. De nombreux groupes de Metalcore ou de Deathcore ont aujourd’hui recours à la voix claire, sans pour autant disposer d’un vocaliste capable de chanter juste. Facile de palier cette carence, à coups d’auto-tune, lors de séances d’enregistrement en studio. L’expérience se révèle par contre sans pitié lorsqu’il s’agit d’un live. Et force est de constater que si Aaron Pauley a une très belle voix, il la maîtrise parfaitement. Tout en épanchant une palette d’émotions particulièrement riche. En outre, elle est capable de monter facilement dans aigus. Franchement, c’est d’ailleurs la première fois que j’entends pareil organe, chez ce type de combo.
Aaron et Austin constituent par ailleurs un excellent duo, crevant la scène pratiquement rien qu’à eux deux, les autres membres du quintet se révélant plus discrets. Autant Aaron, au chant hurlé, possède un physique anguleux et marqué, autant Austin revêt une apparence plus ronde, tant au niveau de la voix que des traits. Une rencontre entre le dur et le doux. Et paradoxalement parfaitement complémentaire, procurant un agréable relief. Les trois elpees du band seront revisités, tout au long du show, en chronologie inversée, par ‘pack’ de chansons. Un concert intense, où le public ne pourra reprendre son souffle que pendant les noirs entre le passage d’un album à l’autre. ‘Belgium, you’re really incredible. Show us that you’re going to do the party with us. Show us !’, met au défi, pointant son index, le frontman du groupe, redoublant par la même occasion la frénésie ambiante dans la fosse.
Of Mice and Men ne bénéficie certes pas (encore) de la même popularité qu’aux Etats-Unis, mais l’auditoire est totalement dédié à leur cause. A voir le large sourire affiché par les musiciens, cette ferveur semble les toucher. Plus d’une fois, les fans montreront au quintet que leurs morceaux ne leur sont pas inconnus, s’époumonant sur les plus gros titres tels que « Broken Generation », « Feels Like Forever » et « Would You Still Be There ». Les spots s’éteignent, les artistes quittent l’estrade, en n’oubliant pas de saluer leur public. Tous ne sont pas encore partis que les fans réclament déjà leur retour. Toute en testostérone, une dernière salve est entamée par un « The Depths » ravageur, issu du deuxième long playing, « The Flood », un disque paru en 2011. ‘Peu importe la langue ou le pays, tout le monde sait maintenant ce qu’on va faire… Je veux que tout le monde s’asseye par terre et attendez mon signal…’, s’adresse Austin Carlile à la foule consentante. Les premières notes de « You’re not alone » résonnent et toute l’Ancienne Belgique se dresse tel un seul homme, continuant à jumper jusqu’à la fin du morceau. C’est donc dans une atmosphère de sueur que les Américains se retirent, promettant de revenir bientôt.
Malgré un set un peu court –à peine un peu plus d’une heure– Of Mice and Men a confirmé sa réputation de tête de file d’un nouveau genre qui ne demande qu’à susciter la curiosité et surtout à se propager. En esquivant les recettes faciles et le symptôme du récurrent, dont souffrent parfois les adeptes de cette nouvelle forme de Metalcore, les Californiens ont donné, ce mardi soir, une leçon de style tout en ouvrant la voie à un boulevard de possibles. La révolution est certes en marche, reste maintenant à voir jusqu’où les rebelles voudront mener le combat. (Pour les photos, c’est ici)
Setlist : Public Service Announcement - Glass Hearts - Broken Generation - OG Loko - Let Live - You Make Me Sick - This One's for You - Feels Like Forever - Bones Exposed - Would You Still Be There - Another You - Identity Disorder - The Ballad of Tommy Clayton & The Rawdawg Millionaire- Second & Sebring - The Depths - You're Not Alone
Cette interview devait se réaliser avant le début du spectacle. Soit vers 21h30. Mais à 18 heures 35, je reçois un SMS : le concert est avancé à 22 heures, et c’est donc après le show que l’entretien se déroulera ; soit vers 23 heures. Qu’importe, le plaisir sera d’autant plus grand. J’espère toutefois que la formation m’accordera le maximum de disponibilité… Pas de stress ! Après tout, ces aléas appartiennent au monde des artistes… et par conséquent, des journalistes…
Lorsque le set prend fin, je gagne le backstage afin d’y rencontrer le trio. A ma grande surprise, seul le chanteur se prête au jeu des questions/réponses.
Question bateau, mais nécessaire afin que nos lecteurs puissent mieux te définir, pourrais-tu nous relater tes expériences musicales ?
J’ai commencé au sein de petits groupes, il y a une quinzaine d’années. En fait, il n’y en a pas beaucoup. Trois, tout au plus ! Il y a 10 ans que je milite chez Lemon Straw. Pour ma part, je suis auteur-compositeur et quand tu joues dans plusieurs formations, tu ne peux pas réaliser tes propres projets.
Quelles sont tes influences musicales ?
Elles sont diverses. C’est bizarre, mais j’ai écouté pas mal de variétés françaises, lorsque j’étais adolescent. Puis, j’ai aimé des groupes comme Wet Wet Wet, Talk Talk, Depeche Mode. Ensuite, en grandissant les Beatles, Led Zeppelin, Genesis, Peter Gabriel, Police. Je m’intéresse aussi beaucoup à la scène actuelle.
Pourrais-tu me donner le titre de trois albums que tu considères comme ‘culte’ ?
L’album « Blanc » des Beatles (NDR : ce titre lui a été attribué, parce que sa pochette extérieure est entièrement blanche) ; « III » de Led Zeppelin et « Synchronicity » de Police.
Comment définirais-tu la musique de Lemon Straw ?
Aujourd’hui, c’est de la pop/folk/electro.
Peut-on la qualifier de légère (épurée) ?
Oui.
Tu sembles également très proche du public ? Est-ce important pour toi ?
C’est important, parce tu peux être vraiment près de ton public, à partir du moment où les gens se déplacent pour toi. Nous sommes en plein développement. C’est une proximité qui se travaille. Grâce à la confiance que tu acquiers. C’est forcément important, parce que sans eux, tu n’existes pas.
Ce deuxième LP s’annonce comme une aventure différente et constitue un changement important dans l’univers musical du groupe. Lemon Straw s’enrichit de sons planants : des claviers atmosphériques, de la lap steel guitare, des chœurs et une utilisation décomplexée de la boîte à rythmes. Les fans de la première heure pourraient ne pas s’y retrouver. Qu’en penses-tu ?
Je pense qu’ils s’y retrouveront parce cet album constitue une passerelle. Maintenant, il y a toujours des changements qui ne plaisent pas toujours à tout le monde. Ce qui constitue toujours un risque. Nous l’assumons. Toutefois, nous ne passons pas du blanc au noir. Pour te donner une idée, avant, nous privilégions les teintes ‘blanches’, mais maintenant elles évoluent dans les tons ‘beige/beige-foncé’. Il s’agit d’une progression, d’une évolution, mais pas d’une révolution.
Giani, on ressent toujours chez toi une certaine fragilité, une sensibilité dans la voix… Te considères-tu comme une source d’émotion ?
Je ne sais pas. Mais, je la vis et si les gens sont touchés, alors oui. Je pense que c’est l’émotion qui me motive à composer et à chanter.
« See you on the other side », titre figurant sur le premier elpee, raconte une histoire sur l’amitié. On la retrouve à nouveau sur cet elpee, mais des arrangements plus contemporains y ont été apportés. Pourquoi ce choix ?
Notre ancien claviériste Renaud est décédé il y a quelques mois. On a tout vécu ensemble. J’estimais que pour ce deuxième album, sur lequel il a quand même un peu participé, il était important de lui rendre hommage. Cette chanson, je l’avais écrite pour lui. Il fallait qu’il y ait une trace de Renaud. C’était important pour nous tous !
C’est une forme de thérapie en quelque sorte ?
Oui, aussi. Sûrement. C’est l’acceptation.
Lemon Straw est donc avant toute chose, une histoire d’amitié ?
J’ai travaillé à l’usine pendant six ans. Un jour, j’en ai eu mare. J’ai pris des cours de guitare et rencontré Boris. Puis Renaud. Au départ, elle n’existait pas, mais au fil du temps une réelle amitié s’est installée. Ce n’est donc pas seulement une histoire musicale. Je suis le parrain de la fille de Boris. C’est une petite famille en quelque sorte.
Cinq années se sont écoulées depuis la sortie du premier long playing. Pourquoi avoir attendu aussi longtemps avant de publier celui-ci ?
En fait, j’avais de nouvelles envies. Je ne parvenais pas à les exprimer. Je ne voulais pas sortir un truc pour lequel, je ne me sentais pas prêt. C’était vraiment difficile. On a failli splitter. Puis, on a malheureusement dû se séparer de Renaud. Il a fallu ensuite retrouver un autre claviériste. J’ai vécu certaines situations personnelles aussi, parfois chouettes, parfois beaucoup moins. Ce sont des événements qui t’inspirent et te permettent d’avoir une nouvelle vision de la composition. La créativité se réinstalle. Elle a nécessité cinq ans ; mais c’était un mal nécessaire. Je pense que si ce second album était sorti plus tôt, l’émotion aurait été absente.
En 2014, lors de la sortie de l’Ep 3 titres, tu avais eu l’idée de customiser le support à l’aide d’une housse artisanale en tricot. Et elles avaient toutes des couleurs différentes. C’était une initiative particulièrement créative. Aimerais-tu la réitérer ?
C’est encore à l’ordre du jour. On vend encore l’Ep dans sa housse en tricot. Sur scène également, il y a du tricot. Qui recouvre le pied de micro. C’est une petite scénographie exprimée en forme de clin d’oeil. Ce sont des seniors qui ont permis la réalisation de ce projet. Humainement et socialement, c’était vraiment une chouette idée. Et puis, il a un côté chaleureux, coloré.
Les chansons véhiculent des messages forts. Pourquoi ne pas chanter dans la langue de Molière ?
Je ne sais pas. Peut-être s’agit-il d’une manière de me cacher. Je n’ai peut-être pas le talent pour écrire en français. Peut-être pour chanter en français. La semaine dernière, on a fait un concert où j’ai dû m’y mettre. Il semble que ça a plutôt bien fonctionné (rires). Peut-être qu’un jour… mais j’estime ne pas encore avoir un niveau suffisant pour rédiger dans cette langue.
La set list est-elle immuable ou la modifies-tu en fonction des circonstances ?
Pour l’instant, c’est une ébauche. La set list a été constamment modifiée. Mais le répertoire que nous avons accordé ce soir, nous le reproduirons lorsque nous devrons jouer entre 45 et 50 minutes… Il s’agit d’un nouveau spectacle que nous avons dû mettre en place rapidement. Nous avons donc misé sur la sécurité avant tout. Il y a tellement de changements qu’il faut pouvoir les maîtriser. Dans le futur, elle se modifiera, c’est sûr.
Comment verrais-tu Lemon Straw dans 10 ans ?
Ecoute, c’est simple. Soit dans dix ans je suis encore là, soit j’arrête. J’ai envie d’en vivre. Je suis quelque part un privilégié, parce que j’en vis partiellement, mais pas encore totalement. Mais pour pouvoir en faire un job professionnel et aller au bout de tes idées, tu dois, à un certain moment, t’installer et t’y consacrer full time. J’espère avoir un jour cette chance, mais je ne mise pas tout là-dessus.
La toile et les réseaux sociaux, est-ce important pour toi ?
C’est important parce nous sommes dans cette mouvance. Mais sincèrement, si les réseaux sociaux n’existaient pas, j’épargnerais beaucoup d’énergie et j’aurais plus de temps à consacrer à autre chose. C’est important aussi parce que les musiciens doivent développer les réseaux sociaux. C’est de la communication. Il faut savoir communiquer. Il y a plein de tâches à gérer. Aller chercher les gens pour qu’ils t’aiment ou qu’ils te découvrent, oui. Mais, je préfère que le processus se fasse naturellement. C’est clair, il faut un peu de promo, mais ce système me met parfois dans une situation inconfortable. Je dois le faire alors je le fais. Le feedback est réconfortant. Mais quelquefois, j’aimerais y consacrer moins de temps.
A ce sujet, quelle est ta position sur le téléchargement illégal ? Comment réagirais-tu si tu en étais victime ?
La musique doit être écoutée. Si les internautes téléchargent illégalement, mais qu’ils viennent te voir concert, why not ? Je préfère cette option plutôt que de ne pas être écouté du tout. Cela ne me dérange pas, tant que tu peux exister et tourner.
De nombreux artistes déclarent qu’il est illusoire de vivre décemment de la musique en Belgique. Les sources de revenus proviennent essentiellement de places de concerts et surtout, majoritairement, du merchandising. Partages-tu ce constat ?
On a un sigle qui pour l’instant passe bien en radio. Mais là où tu gagnes ta vie, c’est en jouant sur scène. Il y a les droits d’auteur aussi. Ce n’est pas la vente d’albums qui te permet de gagner réellement ta vie.
Le vinyle et la bonne vieille cassette audio, ringard ou effet de mode ?
La cassette est un objet devenu obsolète. Le vinyle, quant à lui, est un objet d’une certaine classe. Lemon Straw n’a pas encore le statut pour pouvoir en graver. Mais, si on pouvait, c’est sûr que nous en presserions quelques-uns. C’est l’objet que je préfère. Imagine qu’il y a quelque temps, on te présentait un vinyle alors qu’aujourd’hui, les clés USB prolifèrent. Le vinyle est d’ailleurs en train de regagner du terrain.
Cet échange verbal durera une bonne vingtaine de minutes… Nous discutons encore de tout et de rien… Giani me quitte et rejoint les groupies qui l’attentent. Les autographes seront légion ce soir. C’est une certitude !
Sharon Osbourne, femme d’Ozzy Osbourne mais également manager de Black Sabbath, a annoncé que le groupe fera son concert d’adieu, en novembre, à l’occasion du Ozzfest festival au Japon (21 et 22 novembre).
Mais ce n’est pas pour autant qu’on n’entendra plus parler de ce groupe unanimement reconnu comme initiateur du Heavy Metal. En effet, Ozzy Osbourne a déclaré qu’ils enregistreront prochainement un successeur à l’album ‘13’ et qu’ils espéraient, à cette occasion, retrouver Bill Ward, le batteur original de Black Sabbath (cette place étant actuellement occupée par Tommy Clufetos, ex-batteur de Rob Zombie). Mais le band doit également composer aujourd'hui avec la santé très fragile de leur guitariste, Tony Iommi, combattant un cancer.
Effet d’annonce (à la Scorpions) ou repos bien mérité après quarante-sept ans de carrière ? Seul l’avenir nous le dira !
Rarement un album n'aura porté aussi bien porté son titre : "Bestial Burden"! Il s’agit du second publié par Margaret Chardiet, alias Pharmakon, dont le style purement et simplement expérimental risque de retourner l'estomac de plus d'un mélomane. Et pour cause, le climat qui y règne est tout simplement morbide. Néanmoins, il s’explique ; surtout quand on connaît les circonstances dans lesquelles la jeune New-yorkaise a écrit les textes. Alors qu'elle devait se rendre en Europe, afin d'y effectuer une tournée, l'Américaine se découvre un énorme kyste. Vu les terribles douleurs endurées, elle doit être opérée d'urgence et reste longuement alitée. Cet opus reflète le sentiment qu’elle a éprouvé, lors de sa convalescence. Une réflexion autour de l'attachement de l'âme à son corps.
Tout au long du long playing, on partage la douleur ressentie par la jeune femme au cours de cette période. L’album s’ouvre par un morceau sur lequel le souffle de la jeune fille devient de plus en plus intense. L’ambiance est sordide et bouleversante. Une bande son idéale pour un film d’horreur ! Et quand on écoute les deux morceaux suivants, qui macèrent dans une sorte de noise claustrophobe, difficile d'imaginer que les cris perçus puissent émaner d'un être humain ; et encore moins ceux d'une jeune femme d'à peine 23 ans. Sur « Primitive Struggle », la simulation d’étouffement est accentuée par les percussions rappelant les battements de cœur. De quoi se sentir de plus en plus mal à l’aise, malgré la fin de ce voyage douloureux au sein d’un corps malade…
« Monsieur Toto remet le couvert » est paru en 2014. Il recèle sept titres.
Deux plages datent de 2013 et figurent sur l’album « Monsieur Toto n'aime pas la variété », « Engoudi » et « Le couteau »
Ce projet vous ouvre les portes d'un voyage printanier, tant la musique et les textes sont empreints de douceur, simplicité et légèreté.
Les arrangements musicaux sont efficaces et la structure des morceaux, quant à elle, très radiophonique.
Les textes sont tous écrits en français, avec une certaine fougue et un humour d'un genre huppé, parfois grinçant, mais surtout attachant.
Le style est ‘pop’, ultra mélodique, disent-ils, ces messieurs.
En effet, Monsieur Toto est le bébé conçu par deux papas (François et Sébastien).
Il ne ressemble ni à l'un, ni à l'autre ; puisqu'ils sont gais.
Bien qu'il ait une tête de chien, ce dernier n'est pas parisien.
Il est nivellois, tout simplement.
Si je suis parvenu à danser sur les six premières plages, tout en essuyant la vaisselle de la veille, la septième m'a plutôt ralenti dans ma lancée.
« Dans les bois », c’est son titre.
De la neige, d'un groupe deux clans, et des prénoms.
Il fait froid, très froid ; de la neige craque sous les pieds.
Alors que l'angoisse atteint son apogée, deux coups de feu retentissent... et leurs échos.
‘Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme’.
Lavoisier avait bien raison.
Je vous renvoie aux ‘Prénoms’ du Liégeois Jeronimo qui, sans doute, s'est inspiré, à sa manière, d'un des titres phare de l'excellent groupe français Diabologum : « A découvrir absolument »
Dans cette voie qui consiste à pousser la comparaison à son paroxysme, je pousserais le bouchon un peu plus loin encore en évoquant cette chanson moins connue de Jérôme Mardaga, « Elle s'en va tuer un homme »
Il est temps pour votre serviteur de vous livrer son premier coup de cœur de l’année ou plutôt son premier coup de poignard planté dans le cœur ! Surtout quand on a une fascination pour les groupes capables de produire une certaine richesse musicale à quatre mains. Si vous êtes nostalgiques du spleen sataniste entretenu par le Black Sabbath originel, et que vous n’êtes pas allergiques à une certaine approche expérimentale du métal, alors je vous invite à me rejoindre, à vous agenouiller et à pleurer devant l’autel dressé par Lucifer’s Fall… Pas besoin de Prie-Dieu, juste la sensation du froid des dalles de pierre bleue, pour sentir toute la souffrance exprimée par Philip Howlet (Chant/Basse/Guitare) et Ben Dodunski (Batterie), rebaptisés pour l’occasion Deceiver et Unknow and Unamed. Leur rencontre s’est opérée au sein de Rote Mare, groupe australien de doom. En 2013, ils tentent l’expérience commune en sortant une démo : « Dungeon Demos 2013 ». Satisfait du résultat, HammerHeart Records les prend sous son aile et décide de publier leur premier elpee éponyme, « Lucifer’s Fall ». Il sortira ce 5 mai 2015.
« The suffering wizard » pose les jalons d’une musique sombre, mélancolique, ni trop lente ni trop longue, lourde et résonnante pour nous narrer les souffrances d’un être vieilli et meurtri de ses illusions de pouvoir. Il est condamné à la vie sur Terre, Satan est son nom. Tout au long des neuf titres, Howlet nous traîne dans les lamentations humanisées de sa déchéance. Pas de cris, pas de growl, un chant clair, expressif, émouvant pour psalmodier un texte bien écrit. La musique tend parfois à prendre des accents heavy métal classiques, tire sur un groove ténébreux plus énergique comme sur « Unknown Unnamed ». Ce qui est frappant dans l’ensemble c’est la faculté de Lucifer’s Fall à faire tomber juste les solos de gratte, mais aussi de proposer des variétés de chants clairs allant du plaintif à l’aigu, du sombre à l’énergique. Frappante aussi la qualité de l’écriture et la transposition permanente qu’on peut y apposer à la réalité du monde d’aujourd’hui. « Deceiver », qui conclut la partie chantée de l’album, peut très bien faire figure de dénonciation politique tout en restant dans le sujet diabolique de la manipulation.
Beaucoup de variété pour un album plein d’intelligence, entraînant, qui ravira les amateurs purs de Doom, les suppôts de Satan en promenade dans nos cimetières, les nostalgiques d’une musique old school qui pourrait redevenir moderne de par leurs œuvre. A conseiller vivement aux fans de Saint Vitus, My Dying Bride, Electric Wizard ou encore Reverend Bizarre…
Lucifer est tombé, tendons les bras vers les Cieux et poussons le volume à fond !
Les Tambours du Bronx, c’est une équipe de 16 musicos qui viennent d'univers, on peut dire, différents. Il y a plus de 30 ans qu’ils frappent vigoureusement sur de gros fûts métalliques. La durée de vie d’un fût n’est pas très longue. Car les martèlements subis sont tellement intenses et acharnés qu'ils ne passent jamais le cap de deux représentations. Le collectif est né en 1987, dans une commune près de Nevers (c’est dans la Nièvre), à Varennes-Vauzelles. Quartier de cheminots et d'ouvriers, ce Bronx local engendre un bloc, une meute au milieu des machines. La cadence de l'usine et des ateliers sera son rythme. Le style sera donc industriel. Enfin pas seulement, puisqu’il mêle également afrobeat, rock, techno et world. En outre, la troupe utilise des sonorités synthétiques et des samples qu’ils mettent au service de leurs compos. Ces expérimentations vont permettre aux TDB de devenir une des références incontournables, dans le genre. En 1989, le groupe est invité par Jean Paul Goude, dans le cadre du bicentenaire de la Révolution Française. Cet événement va lui permettre de faire un tour du monde. Et puis de vivre des collaborations auprès de quelques monstres du métal, tels que Metallica, Korn ou encore Sepultura, en compagnie duquel il a immortalisé un Dvd enregistré en public, intitulé « Live at Rock In Rio ». Sans quoi côté discographie, avant de sortir ce « Corros », il avait déjà publié 5 elpees et 2 Dvd ‘live’.
Le nouvel opus est partagé entre titres studio et ‘live’.
Une très brève introduction précède le cri du corbeau, le nouveau symbole des Tambours qui côtoie maintenant le rhinocéros, la fidèle mascotte adoptée il y a plus de 28 ans. « Arolium » vous plonge dans un univers torturé. Une forme de symphonie classique qui parvient à intégrer harmonieusement les percus en fureur.
Caractérisé par son refrain entêtant, « Clockwork » a la pêche. Si la touche électro apporte un plus, les percussions sont davantage instinctives. « Crazy Noises » nous propose un petit périple en Orient, à la recherche du Taj Mahal, une compo percutante, mais soignée. Et « Lost », chez les Indiens d'Amérique. Pas ceux du 18ème, mais du 22ème siècle. Une projection dans le futur. Moins agressif, « Erotica » adopte un profil indus plus climatique. « Human Smile » vous grise par son esthétisme. Jaz Coleman, le leader de Killing Joke, prête sa voix à « Human Smile ». « Orient » n'en porte que le titre. Les Tambours sont déterminés, mais leurs martèlements sont précis. « Schizomania » réalise la fusion parfaite entre percus et électro. Le guitariste de Sepultura, Andress Kisser, balance ses riffs sur « Kaiowas ».
Le second cd propose des plages plus classiques et davantage acoustiques, des compos qui s’étalent de 1990 à 2014 et démontrent la large palette de créativité de ces 16 têtes et 32 bras qui constituent les Tambours du Bronx.
Lorsque les événements se déroulent naturellement, autant tirer parti de la situation… c’est ce qu’ont dû se dire François Maury et ses sbires en pleine surchauffe créative ! Quelques mois à peine après avoir concocté l’inusable « Piano Ombre », le combo sort déjà « L’Homme Tranquille », un Ep enregistré en Afrique lors de leur tournée accomplie en 2013. Les Français en profitent pour développer plus profondément ce côté afro qui faisait déjà tout le charme de leur musique… De retour sur le Vieux Continent, ils ont ramené des ‘jams’ réalisées en compagnie de musiciens locaux et ont décidé d’en sélectionner quatre pour figurer sur ce 4 titres.
Le disque s’ouvre par le single dansant « Ayan Filé », une plage immortalisée à Ouagadougou à laquelle ont participé les Burkinabés ‘Papa’ Djiga Boubacar (qui se sert d’un n’goni, sorte de oud d’Afrique de l’Ouest), Luc Kyenbreogo (au n’goni basse) et Sanou Darra (au chant et au balafon, une variante de xylophone local). Les rythmes indigènes se marient à merveille à la douce voix de François Maury et les guitares cristallines des Atlas Mountains.
Tout au long de l’« Homme Tranquille », François & the Atlas Mountains nous proposent d’ouvrir une véritable parenthèse tranquillement enchanteresse…
Nederlands 
Français 
