En ce jeudi 14 mai, ce n’est pas vers un ciel quelconque, mais bien dans la petite ville flamande de Vosselaar que l’Ascension du jour s’est déroulée. Tout comme la figure mythique du grand barbu qui change l’eau en vin (NDR : pour la circonstance, la bière aurait été plus appropriée), c’est un Sylosis ressuscité qui est apparu ce soir sur les planches du Biebob. En effet, fin septembre 2013, les Anglais, alors en supporting act de Trivium et DevilDriver, sont proches d’y laisser leur peau, suite à un accident de voiture. Profondément marqués par cet évènement, les artistes sortent, au début de cette année, telle une catharsis, l’album « Dormant Heart ». Déclinaison par la scène.

C’est sous un crachin indigne d’un mois de mai que votre serviteur débarque devant le Biebob. Quelques badauds, adossés à la façade, bravent la pluie et grillent une cigarette. Une porte dérobée sur le côté permet d’entrer dans cet espace hybride, à mi-chemin entre le bar et la salle de concert. Ambiance intimiste assurée. La maigre affluence est probablement la conséquence de ce jour férié. On ne peut pas dire qu’on se bouscule. Mais bon, finalement, rien de tel pour profiter du spectacle à son aise.

Tout droit venu de San Diego, Wovenwar grimpe sur le podium. Quoique responsable d’un seul elpee à son actif, paru l’année dernière, la formation californienne n’est pourtant pas inconnue sur la scène Metal. Et pour cause, elle implique le chanteur de Oh, Sleeper. Et puis des membres du combo de Metalcore As I Lay Dying qui, pour pouvoir poursuivre leur job –vu que leur vocaliste s’est fait coffrer pour avoir payé un tueur à gages, afin de liquider sa femme– ont donc décidé de changer de crèmerie. Wovenwar joue ici davantage la carte du Heavy Metal, malgré une image quelque peu hétéroclite. Tel un Gaulois à la moustache plus que fournie et voluptueuse, Jordan Mancino siège derrière les fûts. Nick Hipa, le guitariste, pourrait être un cousin germain de Chuck Billy. Et Josh Gilbert, casquette à l’envers vissée sur le front, se consacre à la basse. Un étonnant tableau ! Mais il faut reconnaître que la prestation musicale est moins éclatante. Le groupe est en effet loin de bénéficier, ce soir, d’une balance de son optimale. La belle voix de Shane Blay est étouffée et les parties de guitares sont à la fois confuses et uniformes. Ce qui n’empêchera pas le quintet de donner ce qu’il a dans le ventre. Pour un public qui va se montrer réceptif et enthousiaste. Neuf des quinze plages de leur LP seront exécutées pendant ce set, au cours duquel le frontman va s’armer de sa six cordes, pour trois d’entre elles. Tous les ingrédients étaient bien présents, et il en a fallu de peu pour que la sauce prenne.

Les roadies débarrassent ensuite le matos afin d’installer celui de Sylosis. Les Anglais ne s’embarrassent apparemment pas de décors superflus. Seuls deux petits amplis Marshall (au fond orange flanqué d’un ‘S’ entouré d’un cercle noir) évoquent l’imagerie du band. La petite salle anversoise est à peine plongée dans le noir que retentissent les premières notes de l’épique « Wheres the Wolves Come to Die ». Les artistes apparaissent un à un sur l’estrade, mais le vocaliste Josh Middleton rencontre des problèmes avec sa gratte. Très calmement, un roadie vient à son secours et l’aide à enfourcher une nouvelle, pendant que s’écoule petit à petit l’inquiétante introduction du morceau. Middleton finit par s’en sortir et y replonge sans aucune difficulté. Il rejoint son micro et commence à s’époumoner. Force est de constater que les soucis techniques rencontrés par Wovenwar ne sont plus ici du même ordre. Ce n’est certes pas encore parfait mais désormais tout à fait acceptable. Bien qu’en tournée pour la promotion de son dernier elpee, « Dormant Heart », Sylosis n’oublie cependant pas d’intégrer de plus anciennes compos, la setlist épinglant deux morceaux de chacun de ses précédents opus. 

Les Britanniques ne sont pas du style à arpenter la salle dans tous les sens. Tout le monde reste à sa place et se concentre sur l’exécution des morceaux, tissant petit à petit une bulle qui graduellement va englober l’auditoire. Pas la peine de mentir, ce n’était pas l’affluence des grands soirs. Seule la moitié de la petite salle était remplie. N’empêche que les metalheads qui assistaient au show savaient pourquoi ils étaient venus, écoutant tantôt presque religieusement certains passages lancinants et hypnotiques (« Leech », « Mercy ») mais donnant également de la voix quand la situation s’y prêtait, se lançant même timidement dans un circle-pit et un ‘wall of death’, à la demande des artistes.

L’aspect le plus impressionnant de cette soirée a sans doute été de pouvoir ressentir physiquement l’aspect technique des compos, mais également des émotions aussi diverses que variées en notes. Tout en parvenant à contenir intérieurement cette puissance presque jouissive, quoique insidieuse. Bien palpable, elle n’est jamais dévoilée au grand jour. Elle pointe juste le bout de son nez, de temps à autre. Une intensité que le band parviendra à entretenir tout le long du set qui, au final, aurait pu durer un peu plus longtemps. Une heure de spectacle, comme tête d’affiche, ce n’est pas le minimum syndical mais on n’en est pas loin. A moins d’être forcé de marcher un caillou dans la chaussure, Sylosis a donc encore de belles années devant lui.

P.S. : le 20 décembre 2014, la chronique de l’album « Dormant Heart » s’achevait par la phrase suivante : ‘(…) à voir si le band parviendra à transcender de la même manière son public, quand il montera sur les planches ». Pari gagné!’

Setlist : Where the Wolves Come to Die - Fear the World - Dormant Heart - To Build a Tomb - Mercy - Teras - Servitude - Leech - All Is Not Well - Altered States of Consciousness - Empyreal - Conclusion of an Age (rappel).

(Organisation : Biebob concerts)

Le Cirque Royal est bien garni, mais pas sold out pour accueillir Laetitia Sheriff, JOY et Dominique A, ce mercredi 13 mai. En 2012, ce dernier nous avait accordé un concert exceptionnel, soutenu d’un collectif de 9 musiciens, dont un quintet à vent, soit l’équipe qui avait participé aux sessions d’enregistrement de son album, « Vers les lueurs ». Et le spectacle n’impliquait aucune première partie. Ce soir, il sera donc précédé par deux supporting acts. Et il doit impérativement démarrer à 21h45.

Laetitia Sheriff ouvre le bal. Elle chante, joue tour à tour de la basse ou de la guitare (NDR : elle est gauchère !) et est épaulée par Nicola Courret aux drums et Thomas Poli (NDR : il a le même look que Thurston Moore, mais quand il était jeune) à la six cordes et parfois aux claviers. La musique est très électrique. Quelquefois sonique ou stridulante. Elle me fait penser aux Pixies voire à Throwing Muses ; même que la voix de Laetitia emprunte parfois les inflexions de Tanya Donelly. Le set est puissant, peut-être même un peu trop pour une entrée en matière. Mais l’ensemble tient la route, et le public qui commence à affluer applaudit chaleureusement le trio.

Un autre trio embraie, JOY, le projet de Mark Huyghens et de sa compagne, Françoise Vidick. Sous le line up originel, le couple était soutenu par la violoncelliste Anja Naucler. Elle a été remplacée depuis par la guitariste/bassiste Katel. Et elle aussi est gauchère ! Le combo a publié, l’an dernier, son second opus, « All The Battles ». Debout face à ses fûts, Françoise imprime un tempo martial, tribal aux compos. Et malgré quelques problèmes de micro, en début de parcours, elle possède un fameux organe vocal, capable de monter dans les aigus. Mais le plus intéressant procède des harmonies vocales que les trois musicos conjuguent. Etonnant, mais parfois ces échanges me font carrément penser à ABBA. Pas la musique, cependant, plus climatique, ténébreuse, toute en ruptures et déchirée par de subtils éclairs d’électricité. Le set va même s’achever par un morceau post punk pour ne pas dire cold wave. Une belle surprise, due surtout, il faut le rappeler, à la qualité des vocaux...

« Eleor », le dernier opus de Dominique A, n’est pas facile à accrocher. Tiens, un de mes confrères estimait que le Nantais émargeait aux variétés. C’est un peu mélanger les torchons et les serviettes. Comme si H.F. Thiefaine, Murat et Lavilliers avaient été ravalés au rang de Johnny, Mireille Mathieu ou Frédéric François. Dominique Ané n’appartient toujours pas au cercle de Drucker…

Bref, revenons à la tête d’affiche. Votre serviteur est installé très haut dans le Cirque Royal. Dans une corbeille (?!?!?). Ce qui va lui permettre de découvrir un light show particulièrement performant. Cet anneau au-dessus du band, les lasers de couleur rouge, bleue, verte, orange, blanche, les cercles de lumière en circonvolution, le chenillard, des stroboscopes (NDR : que je déteste toujours autant) ; on en a plein les mirettes. On a même droit à un éclairage tamisé par un écran de fumée sur l’un ou l’autre morceau. Et ces artifices collent parfaitement aux chansons. Dont huit plages extraites du dernier elpee. Parmi lesquelles j’épinglerai le magnifique et contemplatif « Au revoir mon amour » et un « Convoi », tout en crescendo. Des morceaux plus sombres, plus intimistes, toujours aussi poétiques et même autobiographiques, dont les textes parlent d’amour et de voyages lointains ou imaginaires.

Avant d’entamer son set, il soutient que le Cirque Royal est une belle salle. Il plaisante avec son public, au sein duquel les réactions fusent. Il est épaulé par son fidèle backing group, soit le drummer Sacha Toorrop (Zop Hop Op), le bassiste Jeff Halam et le gratteur/pianiste/claviériste Boris Boulbil. Souci, le son n’est pas extraordinaire. Ce qui nuit à la compréhension des chansons. Heureusement qu’on connaît les classiques, « Immortels » dont la version est percutante ou « Le courage des oiseaux » à la sauce électro.

Lors du rappel, Dominique A revient sans le bassiste pour nous dispenser le minimaliste et frémissant Marina Tsvetaïeva. Inattendu, ce n’était pas sur la set list. Le quatuor est à nouveau au complet pour attaquer le déjanté et syncopé « (Retrouvailles) ». Dominique précise cependant qu’il ne s’agit pas d’une reprise de Marc Aryan, mais qu’il a écouté cette chanson dans le tour bus. Le combo embraie par la valse électrique « L’horizon », caractérisé par sa fin épique. Et le concert de s’achever par un autre titre minimaliste, « Oklahoma 1932 ».

Un très bon concert, mais pas aussi exceptionnel que celui accordé, au même endroit, il y a 3 ans. A cause de ce problème de balances qui ne permettait pas saisir les textes. Ennuyeux quand on est un des principaux porte-parole de la nouvelle chanson française…  

Bernard Dagnies

Setlist : « Cap Farvel », Nouvelle vagues, « Le sens », « Revenir au monde »   , « Celle qui ne me quittera jamais », « Par le Canada », « Au revoir mon amour », « Semana Santa », « Immortels », « Music Hall », « Ce geste absent », « Rouvrir », « Vers le bleu », « Eleor », « Le convoi », « Le courage des oiseaux »

Rappel : « Marina Tsvetaïeva » « (Retrouvailles) », « L’horizon », « Oklahoma 1932 »

(Organisation Les Nuits Botanique)

Il débarque dans la salle, vers 20h. Elle est presque comble. Les spectateurs occupent déjà les fauteuils face à la scène et les chaises du balcon. Les retardataires devront assister au concert debout. Il revient à Walter Hus d’entamer les hostilités. Fondateur du groupe avant-gardiste Maximalist, il est belge. Il siège derrière son piano. Et derrière lui on remarque la présence d’une machinerie au sein de laquelle figure notamment un orgue et un accordéon. C’est Walter qui a développé cette structure baptisée Orgue DECAP. Commandée par ordinateur, le mécanisme fonctionne en fonction de la programmation. Et le résultat est plutôt bluffant. Alors que Hus se consacre aux ivoires, l’accordéon se gonfle, l’orgue propage ses sonorités et les percus s’activent. Un dispositif qui permet à l’artiste de construire ses compos instrumentales en crescendo. Une chouette découverte, tant musicale que technique. Les ingénieurs ont dû apprécier.

Cinq minutes plus tard, le second concert débute. Pas trop le temps de prendre un rafraîchissement, d’autant plus qu’il est interdit d’emporter une consommation dans la salle. Et maintenant elle est pleine à craquer. Difficile d’ailleurs d’apercevoir quoique ce soit pour les retardataires. Flo Morrissey amorce sa prestation. Une compositrice insulaire âgée de 19 printemps. Elle est armée de sa guitare et chante d’une voix haut perchée. Et le Grand Salon correspond parfaitement au climat intimiste de son folk empreint de douceur. En vingt minutes, Flo met le public dans sa poche. Un set court mais intense, donc…

Un peu avant 21h30, Tobias Jesso Jr débarque sur l’estrade. Hormis trois morceaux, au cours desquels il se consacre à la guitare, le Canadien siège derrière le piano. Il est grand et ses cheveux sont bouclés. Malgré ses 29 ans, il ressemble à un ado. Il est venu défendre son premier elpee, « Goon », un disque qui a reçu d’excellentes critiques. Sans doute à cause des références manifestes à John Lennon. « Without You», « Hollywood » et « Just a Dream » constituent les moment forts du spectacle. Sans oublier l’excellent « True Love ». Ses morceaux son minimalistes. Pas d’artifice ni d’effets spéciaux. Pourtant, une bonne partie de l’auditoire accroche, alors que l’autre est prête à s’assoupir. Heureusement, entre les chansons, Jesso Jr raconte des anecdotes ou des blagues. De manière à rendre le show interactif et sympathique. Et cette opération de charme fonctionne… Si le personnage ne manque pas de talent et est doué pour ficeler de superbes mélodies, son concert manquait quand même de relief et m’a même parfois paru monotone…

Béber

Tobias Jesso Jr + Flo Morrisey + Walter Hus

(Organisation : Les Nuits Botanique)

Nous sommes le cinquième jour des Nuits Botanique. Et la veille de l’Ascension. Donc d’un jour férié. Votre serviteur assure un remplacement. A l’affiche de la Rotonde, on attend du lourd : les Australiens de Twerps, les Hexagonaux de Jessica 93 et des Américains de Wand. Et pour ne pas changer, il fait particulièrement chaud sous le dôme, d’autant plus que la foule est à nouveau bien compacte.

Twerps nous vient du pays des kangourous. Un quatuor bien sympathique réunissant le guitariste Marty Frawley, la jolie guitariste Jules McFarlane et le drummer Alex Macfarlane. Il chantent tous les trois. Sans oublier le bassiste Gus Lord. Marrant, mais Twerps est un mot anglais argotique que si traduit par andouille en français. Bref, fondé en 2008, le combo a publié un opus éponyme en 2011, un disque bien reçu par la critique et le public. Puis « Underlay », en 2014. Et enfin, « Range Anxiety », cette année. Et il est venu le défendre. Sa musique est pop, cool, mais lo fi, et elle évoque les magnifiques plages au sable fin du littoral aussie…   

Caractérisé par ses accords de gratte hawaiiens, « Work It Out » est une compo particulièrement ensoleillée. Issue du premier elpee, « I Don't Mind » est une superbe ballade hantée par le Velvet Underground. La montée en puissance est construite en crescendo. La section rythmique dynamise « Cheap Education », une plage issue du dernier opus. Caractérisé par sa mélodie accrocheuse, c’est un hit potentiel. Marty se réserve le micro pour « Raft », tiré d’« Underlay », un LP paru en 2014. Sa voix est aussi fragile que celle de Satomi, la chanteuse de Deerhoof. Et il est toujours aux vocaux pour « Adrenaline », un morceau sculpté dans des accords de gratte réminiscents des Beach Boys. Des guitares qui prennent le pouvoir sur « Feelings ». « White As Now » est une berceuse pop sucrée et candide. Et le set de Twerps de s’achever par « Wait Til You Smile », un extrait du précédent long playing…

On étouffe sous la Rotonde, et je préfère prendre l’air pendant la prestation de Jessica 93.

J’y retourne cependant pour assister au set de Wand, une formation issue de la côte Ouest des Etats-Unis. Elle appartient au mouvement institué par Thee Of Sees et le charismatique Ty Segall. Elle a d’ailleurs assuré le supporting act de ce dernier lors d’une de ses dernières tournées. Leur style ? Du garage/rock psychédélique.

Le line up de Wand est classique. Un quatuor réunissant deux guitaristes, un bassiste et un drummer. La Rotonde constitue la première date de la tournée européenne. Deux albums à son actif, « Glanglion Reef » paru en 2014, et « Golem », sorti en avril dernier. La salle est pleine à craquer. C’est une véritable fournaise ! Le garage/rock de ce band consomme une électricité vivifiante, chargée de décibels. Incisifs, précis, les riffs de gratte évoluent constamment au bord de la rupture. Les drums sont puissants. A l’instar de Ty, Cory Hanson a un don pour jeter mettre l’ambiance. Le public commence à pogoter ou à se lancer dans le crowdsurfing. Pas de temps mort entre les morceaux qui s’enchaînent. Au bout d’un peu plus de 30 minutes, Cory Hanson annonce le dernier titre du concert. Le public n'est pas content. Mais Wand est malin, il va s’étaler sur plus de 20 minutes. Et malgré un volume sonore conséquent, le set n’a jamais été assourdissant. Pas d'infra-basses pour vous torturer les tympans. Normal, nous sommes dans la Rotonde. Acclamation du public conquis qui en réclame encore. Et croyez-moi, pas un spectateur ne quittera l’hémicycle, avant la fin du spectacle, ne souhaitant pas en perdre un instant, malgré la chaleur accablante. Quelle belle soirée!

Wand + Jessica93 + Twerps

Didier Deroissart

(Organisation : Les Nuits Botanique)

Les amateurs de musique électronique sont chouchoutés lors de ces Nuits Botanique. Après la Nuit dark électro ‘Night Owls’ proposée en ouverture, Flying Lotus et Fireworks en cours de route, c'est au tour du roi Rone de venir nous secouer le popotin...

Le Chapiteau est déjà bien garni quand Haring ouvre les hostilités. Le producteur belge propose des rythmes électroniques doux et lents basés sur des arpeggiatos analogiques qui sonnent très vintage. Sympa comme amuse-gueule !

C'est ensuite au tour du jeune français Théo, aka Fakear, 23 ans, de prendre possession de la scène. Fakear, c'est une invitation au voyage. A l’aide de ses ordinateurs et son contrôleur Native Instruments, il élabore des rythmes sophistiqués et propage des samples issus de la World Music, surtout les chants asiatiques, comme dans « Morning In Japan » ou « La Lune Rousse ». Evidemment, le problème chez les artistes qui militent dans la musique électronique, c'est d'identifier ce qui est véritablement réalisé en 'live'. Fakear tape avec précision sur les patches de son contrôleur ; mais quelle est la part de 'play-back' ? Nul ne le sait. Enfin, le 'son', comme on dit, est de haute qualité. L'univers musical exploré est étonnant, complètement exotique. Un chouette trip !

Mais la toute grosse foule est venue pour le prodige de l'électro à la Française : Rone. Erwan Castes ne paie pourtant pas de mine : chaussé de lunettes et l’air un peu gauche, on dirait un geek. Mais qu'on ne s'y trompe pas : à 34 ans, il est devenu une véritable superstar. Pour la petite histoire, son nom d'artiste procède d'une faute de frappe : lors de son premier concert à Paris, alors qu'il se produisait en tant que R.One (phonétiquement ‘air-wane’), le flyer mentionnait ROne, omettant le point.

Il s’était déjà produit au Botanique, en octobre 2013 ; mais ce soir, il a droit aux plus grands honneurs. Sur le podium du Chapiteau, la table de DJ de Rone ressemble à un vaisseau spatial et les lumières sont carrément époustouflantes. On se croirait dans 'Rencontres du 3^ème Type' ! La musique, elle, est plus puissante que sur disque. On sent les infra-basses et les décibels!  Le fameux « Bye bye macadam » déclenche la folie dans le public, de même que « Tohu Bohu » et « Bora ». Mais c'est évidemment « Parade » qui nous crucifie sur place par sa poignante beauté. Parfois, Rone se sert d’un thérémine (NDR : constitué de deux antennes, cet appareil est l'ancêtre du synthé). A la fin du spectacle, il s'avance vers le public, serre des mains avec un naturel désarmant, avant d'aller rapidement fumer une clope en coulisse. Ce gars représente véritablement le rêve de tout geek passionné de musique et d'ordinateurs. On vous recommande « Créatures », son dernier opus paru en février dernier. Un disque pour lequel il a notamment reçu le concours d’Etienne Daho. Un plaisir pour les oreilles et les neu-Rones...

Philippe Blackmarquis

Rone + Fakear + Haring

Ce mercredi 6 mai, le Vk* accueille en son sein And So I Watch You From Afar (ASIWYFA). Originaire de Belfast, la formation vient de publier son nouvel opus. Il s’intitule "Heirs". Et elle est venue le défendre. Fidèle au public noir-jaune-rouge, elle se produit en Belgique, quasiment tous les quadrimestres. D’ailleurs, celles et ceux qui ont manqué le set de ce soir, pourront revoir le band dans le cadre du festival de Dour, le 19 juillet prochain.

Pour assurer le supporting act de sa tournée européenne, le groupe a choisi Henry Kohen aka Mylets. Un artiste américain qui est hébergé sur le même label, Sargent House. Et c’est une excellente idée. Ce prodige de la guitare a publié récemment son premier elpee. Un disque dont la musique oscille entre noise et post math rock. Il monte sur l’estrade vers 20 heures. Malgré ses 20 printemps, il ne semble pas du tout impressionné par un auditoire à moitié rempli (ou vide selon). Pendant une heure, il va tenir public en haleine grâce à des compos bien ficelées et bluffantes de maîtrise. Et celle sur sa six cordes l’est tout particulièrement. Une excellente découverte pour une soirée qui débute parfaitement.

Vers 21h, les lumières s’éteignent. Le Vk est à présent bien garni et on sent la température monter de quelques degrés. Les deux gratteurs prennent place aux extrémités du podium, tandis que le bassiste (un barbu imposant par sa stature), s’installe au centre, devant le batteur. Dès les premières notes, pas de doute, le son est toujours aussi caractéristique. Et ce math/rock caoutchouteux fait instantanément mouche. Le headbanging peut commencer… ASIWYFA livre d’abord plusieurs morceaux tirés de son dernier LP. Et franchement, ils tiennent la route. Les Irlandais du Nord n’ont rien perdu de leur fougue et de leur énergie. Les guitaristes seraient-ils atteints d’hyperkinésie ? Une chose est sûre, lorsqu’ils ne bondissent pas, ils courent d’un côté à l’autre de la scène tout en enchaînant les solos. De vraies piles électriques ! On se demande également comment le batteur parvient à pilonner ses fûts à une cadence aussi frénétique. Et parfois pendant dix bonnes minutes. En outre, il crée une interactivité avec la foule, notamment lorsque les compos recèlent des chœurs, des exercices de style qui correspondent parfaitement au contexte. Pendant l’heure et demie de concert, l’intensité ne faiblira jamais. Toute personne normalement constituée se serait effondrée après 60 minutes de combat. Au cours duquel tous leurs meilleurs titres y passeront. Et si les spectateurs en ont eu pour leur compte, ils en réclament encore…

And So I Watch You From Afar possède la classe des groupes capables de transcender ses compos en ‘live’. Et le combo a bien compris ce que les mélomanes attendent d’eux sur les planches…

(Organisation Vk*)

Voir aussi notre section photos ici

Cette année, les Nuits Botaniques se sont exportées en province. Et tout particulièrement à Mons, capitale européenne de la Culture. Durant trois soirées elles ont déroulé leur tapis rouge, afin d’y accueillir des artistes issus d’horizons et de cultures différents.

Ce 12 mai 2015, la Nuit Belge était à la fête. Si un bon point peut être décerné à l’équipe organisatrice de l’Alhambra pour la qualité de l’affiche, on ne peut pas en dire autant du bilan public. A peine, une trentaine de personnes dans l’arène, c’est tout simplement honteux ! La musique est souvent le parent pauvre de la culture ! Encore une fois, la preuve en est !

Bel Ombre (NDR : patronyme inspiré d’un domaine sis sur l’Ile Maurice) avait l’honneur d’ouvrir le bal. Créé (officiellement) en 2014, le duo est mené tambour battant par Laurie Xhaard, la chanteuse. Elle est épaulée par le claviériste du groupe Monster Children. Et leur style lorgne clairement vers l’electro pop.

Ingénieure du son de formation, la belle jeune femme est venue défendre son premier Ep trois titres, « Rosemary». Sa seule date belge ! C’est dire l’immense privilège accordé à l’auditoire…

Prolifique à souhait, son deuxième mini album est en préparation et devrait sortir, de l’aveu même du leader, au cours de la période estivale.

Cette demoiselle prend un plaisir non feint à bidouiller les sons à l’aide de ses synthés et diverses machines électroniques, afin d’en tirer le meilleur comme le pire ; mais toujours pour le plus grand bonheur de ses aficionados.

Il s’agissait ce soir de la troisième prestation live de ce band. Si le set est bien maîtrisé, il est encore en (semi) rodage. Leur démarche minimaliste et leur attitude candide les handicapent quelque peu. Laissons leur le temps de trouver leurs marques…

Place ensuite à Moutain Bike. Les quatre potes, tous vêtus de tee-shirts de basketteur, sont venus cracher leur rock crasseux et poisseux dans l’abîme de cette salle mythique.

Désinvoltes à souhait, ces gais lurons marchent à contre-courant de la politique du rock business !

Le line up réunit Kinkle (chant et guitare), June Moan (guitare et chant), Billie Joe (basse et chant) ainsi que Nerveux –qui ne l’est pas– (batterie).

Eponyme, leur premier opus, dans les bacs depuis plus d’un an déjà (publié sur le label belge Humpty Dumpty), fait son petit bonhomme de chemin et permet au band d’écumer les salles de concerts et festivals belges.

Ce soir encore, le combo a livré un set électrique, enragé, percutant, limite parfois saturé, en parfaite cohérence avec la voix particulièrement éraillée de Kinkle.

Si l’album est une carte de visite, le concert constitue la signature du groupe. Le quatuor est véritablement taillé pour la scène ! Tout est dit !

Fùgù Mango achève ce mini festival. Le groupe est né en 2013, à Bruxelles, parce que les musicos partagaient un même amour du groove, des rythmes africains et de l’indie pop.

Jean-Yves Lontie (synthés, chant), Vincent Lontie (basse), Franck Baya et une jolie chanteuse/guitariste forment l’ossature du band qui a reçu, le temps de quelques soirées, le concours d’un ensemble vocal réunissant cinq sœurs (elles sont six normalement), à la beauté et au talent qui ne sont plus à démontrer !

La spécificité des compos de ces deux frangins charismatiques issus de Bikinians procède du recours subtil aux percus qui communiquent à l’ensemble du set une dimension relativement tribale.

Premier elpee, « Juju » véhicule consciemment des accents world. En live, les musicos parviennent à nous faire voyager aux quatre coins de la planète distillant ici et là des beats afro et latino sous une couche de synthés verdoyante et luxuriante. Le tout sublimé par les harmonies vocales de BINTI, qui apportent une douceur et une élégance, voire une certaine cohérence à l’ensemble.

Nul doute que ces dignes représentants de la scène musicale noir-jaune-rouge feront partie des grands noms de demain !

On épinglera au passage l’excellentissime reprise des Stranglers « Golden Brown ». Mieux que l’originale ! Chapeau bas, M’sieurs !

Complètement jouissif ! Mais, nom de Dieu, pourquoi toute bonne chose à une fin ?

Bel Hombre + Mountain Bike + Fùgù Mango

(Organisation : Botanique + Le Manège)

C'est la quatrième journée du Festival des Nuits Botanique. Le temps est toujours aussi propice à écouter de la musique. Votre serviteur couvre les concerts sous le chapiteau. Pas une sinécure, car le son est souvent médiocre. A cause des infra-basses. Heureusement, ce soir, hormis Tout Va Bien, les sets sont décrétés ‘unplugged’. De quoi être rassuré !

The Leisure Society ouvre le bal à 19h30. Une formation fondée à Londres en 2006, par le banjoïste/mandoliniste Nick Hemming et le multi-instrumentiste Christian Hardy. Ils sont alors rejoints par d’autres musiciens pour étoffer le line up. Qui militent également chez The Miserable Rich et Sons Of Noel and Adrian. Nick est également impliqué au sein de ce dernier combo. Inspiré par le rock, le folk et la pop, The Leisure Society a déjà publié quatre albums, dont le dernier, « The Fine Art Of Hanging On », est paru chez le très respecté label indépendant insulaire, Full Time Hobby (Timber Timbre, Micah P. Hinson, Tunng, Jacco Gardner).

C'est la quatrième fois que le band se produit au Botanique. Folk, « We Were Wasted » ouvre le bal, une compo réminiscente de Simon & Garfunkel. Il s’agit d’un extrait du premier elpee, « The Sleeper », paru en 2009. La conjugaison entre les deux voix est vraiment magique. Surtout lors des refrains. Nick se consacre à la guitare semi-acoustique. Christian aux claviers. Pas la moindre agressivité dans l’instrumentation. Nick plaisante en signalant qu'il adore la bière. Il a collé un carton de ‘Bass’ sur sa gratte. Un groupe à revoir, mais sous un format plus électrique...

Joe Bel est née en 1987, à Lyon. Il y a quelques années, elle décide d’abandonner ses études d'Histoire de l'Art pour se consacrer à l'écriture et la composition de chansons. Elle monte pour la première fois sur scène, début 2012, armée de sa seule guitare. Son premier Ep, « In The City » paraît automne 2012. Elle s’était déjà produite en 2013, à l’AB, en première partie d’Asaf Avidan. En 2014, Joe signe chez Wagram, écurie pour laquelle elle a gravé un deuxième Ep, « Hit The Roads ». Le guitariste Julien Lacharme (Aplpha Blondy), le bassiste Benoît Lecomte (JMPZ) et le batteur et percussionniste Robin Vassy accompagnent désormais la jeune autodidacte.

Joe Bel possède une voix soul douce, chaude, profonde et sensuelle, assez proche de celle de Selah Sue. Sa musique puise ses influences dans le r&b, le hip hop, le folk et la pop. Joe joue d’une gratte électro-acoustique et est accompagnée d'un musico à la guitare électrique. Elle entame son set par le titre maître de son Ep. Elle a certainement un message à faire passer à travers « No No », une compo qui raconte l'histoire d'une personne qui ne tient jamais parole. « Before » est une douce ballade folk. En une demi-heure, Joe Bel a démontré qu’elle avait du potentiel. A revoir, mais lors d’une prestation plus complète… (voir photos ici)

Tout Va Bien est un nouveau phénomène issu du Nord de la Belgique. C’est le pseudo choisi par Jan Wouter Van Gestel. Agé de 21 ans, ce Malinois a toutes ses dents… et elles sont longues… C’est un des trois lauréats de l’édition 2013 du concours ‘De Nieuwe Lichting’,  organisé par Studio Brussel. Il a assuré dernièrement le supporting act d'Ozark Henry, à l'Ancienne Belgique, et a signé chez Parlophone Music Belgium (Novastar, Das Pop). Ce qui lui a permis de publier un premier LP fin avril, « Kepler Star ». On peut donc affirmer que pour lui… Tout Va Bien !

Dès qu’il se met à chanter, on pense immédiatement à Antony Hegarty, le leader d’Antony and The Johnsons. Une voix fragile, chargée de spleen, qui vous déchire l’âme et qui colle parfaitement à sa musique atmosphérique directement influencée par Patrick Watson et Radiohead. Et les singles, « This Fight » ainsi que « Old Love », en sont les plus belles illustrations. Sur les planches, il est épaulé par un backing group (drummer, guitariste, bassiste et préposé aux synthés). « Messiah » amorce un virage électro. Jan cherche à dynamiter son show. Sa voix s’adapte alors aux beats électro. Malheureusement, le concert part en sucette. Les infra-basses reviennent au galop et le son devient à nouveau insupportable. Tout Va Bien est un talent en devenir. Il est d’ailleurs déjà à l’affiche du prochain festival de Werchter (voir photos là).

Au cours de son enfance, alors que ses amis se focalisaient sur la pop contemporaine ou le rock indie, Jonathan Jeremiah préférait sonder le passé en écoutant les vinyles de son père, et tout particulièrement ceux d’artistes intemporels comme John Martyn, Cat Stevens, Scott Walker ou encore Serge Gainsbourg. Une passion qui va avoir une importance primordiale sur sa carrière d’artiste…

Il a publié son premier opus, « A Solitary Man », en 2011. L’année suivante, il grave « Gold Dust ». Et il vient de sortir son troisième long playing, « Oh Desire ».

Jonathan pourrait jouer le rôle de Jésus Christ dans un film consacré à la Passion. Troublant ! Il déboule sur les planches, armé d’une sèche. Il a quand même le sourire aux lèvres. Il est accompagné de ses quatre musiciens : David Page à la guitare électrique, Joe Glossop au piano Hammond et aux synthétiseurs, Tom Mason à la contrebasse ainsi que Sebastian Hankins à la batterie. Les claviers sont imposants et masquent la vue de votre serviteur, qui ne distingue pas bien la section de cordes. Une section de cordes limitée à une violoniste et un violoncelliste, en l’occurrence Amber (Gabriel Rios). David s’est installé à droite, et juste derrière lui le drums siège derrière ses fûts.

Le set s’ouvre par « Gold Dust », le titre maître du second LP. Jonathan possède une voix de crooner aux accents soul délicats. Un baryton ténébreux et magnifique. Dans la musique, on ressent son amour pour le folk et la soul classiques. Les sonorités de gratte sont légèrement surf lors de cette compo qui monte graduellement en puissance. Après un plus folk « Rosario », « Heart Of Stone » adopte un profil beaucoup plus rock. Pourquoi installer un nouveau micro ? Et à droite de Jonathan ? Qui annonce une surprise. Votre serviteur pense de suite à Gabriel Rios. Et ô joie, il débarque, la gratte acoustique en bandoulière. Et ensemble, ils vont nous proposer un sublime « Arms », plage tirée du nouvel elpee. La conjugaison des guitares et des voix tient de l’enchantement. Gabriel la pousse dans les aigus. Alors que sans faire le moindre effort, Jonathan la balade dans les graves. Retour au line up de base pour « Lost », un morceau dont les orchestrations et les rythmiques funkysantes sont réminiscentes du son Motown. Après « How Halfheartedly », place au très beau « Oh Desire », titre maître du nouvel opus. Caractérisé par son refrain accrocheur, « Fighting Since The Day We Are Born » constitue un autre moment fort du concert. Jonathan Jeremiah nous réserve un petit solo de guitare semi-acoustique sur « The Birds ». Et le son ? Impeccable ! Pas d’infra-basses. Et le light show était au diapason de spectacle. Qui est passé trop vite. Souvent signe d’excellence… (voir photos ici)

(Organisation: Botanique)

Jonathan Jeremiah + Tout Va Bien + Joe Bell +  The Leisure Society

Il y a bien deux ans que votre serviteur n’a plus assisté à un concert de Roscoe. Si mes souvenirs sont bons, c’était dans le cadre du festival PacRock de Pont-à-Celles. La Rotonde est pleine comme un œuf (NDR : ça change des sardines !) Il y fait très chaud. Didier à du bol, il partage l’espace VIP au balcon. La température est moins torride pour l’instant, mais au fil des shows, elle va également gagner l’étage… Fabiola ouvre la soirée et STUFF va la clôturer. Compte-rendu.

Après avoir milité une bonne décennie au sein d’Austin Lace, opéré plusieurs collaborations (NDR : notamment chez Tellers, Yéti et Hallo Kosmo, qui impliquait feu Denis Wielemans, le drummer de Girls In Hawaii), Fabrice Detry a donc décidé de monter un nouveau projet : Fabiola. Drôle d’idée d’avoir choisi pour patronyme, le nom d’une reine de Belgique, qui s’est éteinte l’an dernier. Ariel Pink, Hot Chip, Ween et MGMT constituent plus que probablement des références majeures pour ce band dont la pop est soigneusement pervertie, groovy, métissée, sucrée et colorée. Récemment,  Fabiola est devenu un véritable groupe suite au renfort de 3 musicos : le Costaricain Guillermo Badilla, le Barcelonais Paco Jordi et l’ex-Tellers Kenley Dratwa (claviers)

Les InRocks estiment que Fabiola et Roscoe figurent parmi les 15 formations absolument à suivre, parce qu’elles seraient très susceptibles de s’exporter. Fabiola n'a pas encore enregistré d'album, mais c’est dans leur intention.

Dès les premiers accords, on se rend compte que les musiciens ne sont pas des néophytes. Leur set libère des ondes positives et une interaction s’établit rapidement avec le public, particulièrement chaud. Fabiola va bien évidemment interpréter « Kingdom », morceau qui fait le buzz sur la toile. Il s’ouvre en mode récréative avant de se fluidifier dans les nappes d’orgue. Les mélodies sont légères, mais efficaces. Les lignes de guitares et les bidouillages synthétiques font bon ménage. Finalement, leur musique me fait penser à celle du band liégeois, Two Kids On Holiday, mais en moins électro. Parfois aussi à Hallo Kosmo… Et, sympa d’adresser un clin d'oeil à Robert Palmer, artiste que j’appréciais énormément, qui est décédé en 2003… (Setlist: Bottom Of The Well/ Robert Palmer / Conquistador On Weed / My Bird/ Kingdom / Taste For Failure / Shit Is Coming Back / Break Of Dawn) 

Place ensuite à Roscoe. C’est son retour sur les planches, un an et demi après avoir décidé de se concentrer sur la confection de son deuxième opus, « Mont Royal ». Le premier, « Cracks », remonte déjà à 2012. Et il était superbe. Le quintet était ensuite allé le défendre, en Belgique, mais également à travers les pays limitrophes, notamment en compagnie de Balthazar. Ce nouvel elpee a été enregistré aux studios La Chapelle (NDR : c’est au pied du Signal de Botrange), sous la houlette de Luuk Cox qui a également bossé pour Girls In Hawaii et Stromae. Au sein du line up, Emmanuel Delcourt a cédé ses baguettes à un nouveau drummer. Il a rejoint My Little Cheap Dictaphone pour accomplir un périple au Japon.  

Une lumière bleue éblouissante précède l’entrée en scène du combo. Qui entame son set par « Nights », un extrait du second elpee. Teinté parcimonieusement d’électro, ce morceau est sculpté dans un post rock atmosphérique et visionnaire. S’étalant sur plus de 5 minutes, c'est la plus longue plage de l’LP. Et le titre qui avait précédé sa sortie, pour être traduit en clip. Un hit potentiel. Une petite perle qui lorgne vers les insulaires d'Alt-J et un Archive originel.

A travers sa prestation, Roscoe va démontrer qu’il a atteint une maturité certaine. Pas de temps mort. Les musicos sont beaucoup plus pros et le set est bien huilé. Ce qui n’a pas empêché le show de libérer une belle dose d’émotion. Pierre maîtrise parfaitement son chant empreint de douceur, et il est bien moins statique que dans le passé. Ce qui colle parfaitement au style proposé, un style plus électro (synthés et boîtes à rythmes), davantage dans l’air du temps.

Piste qui ouvre le nouveau long playing, « Fresh Short » s’étire nonchalamment au sein d’un climat atmosphérique, entretenu par les cordes de grattes aériennes et les sonorités synthétiques. Tout comme « Shaped Shades ». Sept titres de « Mont Royal » seront interprétés ce soir. Mais la setlist n’a pas négligé les compos du premier opus (« Enemies », « Lowlands », « Sorrow » et « Knives »). Plus acoustique, « Hands Off » frôle l’univers de Coldplay. Et le concert de s’achever par le plus puissant « Scratches ».

Roscoe a acquis suffisamment d’expérience pour devenir un fleuron de la Wallifornie, mais également de s’affirmer comme un des ses dignes représentants, à l’étranger. Il ne lui reste plus qu’à franchir le pas…

Roscoe se produira aux Ardentes le 11/7 et dans le cadre du festival de Dour le 17/7. (Pour les photos c'est ici)

Trop fatigué pour assister au concert de STUFF, je tire ma révérence…

(Organisation Botanique)

Stuff + Roscoe + Fabiola

Jacco Gardner est un multi-instrumentiste batave dont la musique a vraiment tout pour plaire ; et pour cause, ses compositions pop contagieuses sont subtilement teintées de délires psychédéliques. Son deuxième opus, « Hypnophobia », vient de paraître. Il fait suite à « Cabinet of Curiosities », gravé en 2013.

Il revenait à The Sunday Charmers d’ouvrir la soirée. Malheureusement, votre serviteur n’est pas parvenu à rejoindre le Botanique, en temps et en heure, pour assister à son set. Ce sera pour une prochaine fois.

Alamo Race Track sert de deuxième supporting act. Les musicos sont également néerlandais. Si sa pop est variée, il termine souvent ses shows par de longues envolées instrumentales. Le combo est venu défendre son dernier LP, "Hawks". Vu la qualité du concert, l’auditoire va plus que probablement se pencher sur l'ensemble de sa discographie. Perso, je ne connaissais ce band amstellodamois que de nom. Mais, franchement, sa prestation m’a littéralement scotché, et tout particulièrement le titre puissant « Young Spruce and Wires »…  

Le temps d'aller siroter un rafraîchissement au soleil, et Jacco grimpe sur le podium de l'Orangerie, flanqué de son backing group. Ses longs cheveux et sa timidité me font penser à feu Kurt Cobain. Cependant, le jeune homme est souriant. Il va nous accorder un set d’une bonne heure. Confirmer un excellent premier LP est toujours difficile. Deux ans séparent "Cabinet of Curiosities", une œuvre bien reçue par la critique à travers tout le Vieux Continent, et "Hypnophobia". Et manifestement, cette confirmation est malaisée. On s’en rend compte dès les premières minutes du set. Pourtant le quatuor qui l’accompagne est solide (NDR : petit clin d'oeil adressé au sosie de Freddie Mercury, préposé aux claviers), mais paradoxalement, c’est le leader qui ne trouve pas ses marques…  

Jacco Gardner ne parvient tout simplement pas à se décontracter et semble presque surpris qu’un public puisse apprécier ses chansons. Il faudra de nombreuses minutes avant qu’il ne se lâche, et attendre la fin de parcours, pour qu’il paraisse enfin détendu. Manifestement, il manque de charisme. Cependant, il compense cette carence par une extrême gentillesse (NDR : il souhaite, par exemple, une ‘bonne fête’ aux mamans). Musicalement, le set n’a pas réservé de surprise. On a eu droit à un judicieux compromis entre la quintessence de la pop Orange (NDR : pensez aux Nits) et du psychédélisme baroque. Mais pas de moments vraiment forts. Ce qui a laissé un goût de trop peu aux mélomanes.

Jacco doit absolument se décrisper sur les planches et prendre confiance. Car ses nouvelles compos sont excellentes. Quand il en sera persuadé, il pourra alors offrir des prestations bien plus convaincantes. D’ici le 2 août, dans le cadre du festival de Ronquières, il devrait avoir eu le temps de rôder son spectacle.

Personnellement, c'est à ce moment là que j’en tirerai mes conclusions… (voir les photos ici)

Adrien Mouchet

Alamo Race Track + Jacco Garner

C'est la seconde journée des Nuits Botanique, festival qui ouvre officiellement le début des festivals estivaux. Il y a pas mal de monde sur le site. Le temps est propice à écouter de la musique. Sous le chapiteau, se produisent ce soir Asa, Sophie Hunger et Talisco.

D'origine bordelaise, Jérôme Amandi, aka Talisco, est parisien. Un petit génie qui a un don inné pour proposer des chansons contagieuses, nées d’un mélange entre pop, folk et électro. Musicien dans l'âme, il apprend à jouer de la guitare vers 11 ans. Il monte son premier groupe au collège. Aventure qui cesse lorsqu’il a 19 printemps. Encouragé par ses proches, il commence à écrire et chanter ses propres compos. C’était seulement, il y a trois ans. Roy Music le signe en juin 2012. Il publie un premier Ep, « My Home », en 2013, et l'album très prometteur « Run », en 2014. Il est favorablement accueilli par la critique musicale et le public. La voix de Jérôme évoque celle de Lucas Withworth, lead singer de la formation insulaire Spring Offensive.

Sous le chapiteau, le public est conséquent. Jérôme est venu défendre son dernier opus, « My Home », un LP sur lequel figure son hit « Your Wish ». Trempées dans une pop sucrée, légèrement teintées d’électro, les plages de ce disque ont bénéficié d’arrangements précis et brillent par la limpidité des harmonies vocales.

Jérôme se charge de la gratte et du chant. Il est soutenu par une section rythmique. Un drummer qui se plante à gauche et un bassiste/percussionniste, à droite. Il s’agit de leur premier passage en Belgique. Talisco chante dans la langue de Shakespeare, mais entre les morceaux, il s’exprime dans celle Voltaire. Et à plusieurs reprises, il remercie le public de sa présence.

Entêtant et lent, « So Hold » est sculpté dans le folk. La voix mélodieuse de Jérôme est hantée par Matthew Irons (Puggy) voire Matthew Bellamy (Muse), tout au long de « Sorrow ». Même montée en puissance jouissive. Malgré le son pas vraiment performant, sous le chapiteau (NDR : à l’instar des années précédentes), Talisco nous a accordé un superbe show. Un peu trop court à mon goût, mais superbe quand même…

Didier se rend au stand merchandising de Sophie Hunger. Il demande à la matrone, chargée de tenir l’échoppe, si l'artiste a l’intention de venir à la rencontre de ses fans. Réponse sèche et négative de sa part. Elle tente néanmoins de me vendre ses albums, mais vu l’accueil, je lui brûle la politesse.

J'avais découvert Sophie Hunger, il y a trois ans, lors de la sortie de son long playing « The Danger Of Light ». Je me réjouissais donc de la voir sur les planches. Sophie se charge à la fois du chant, du piano, de la guitare, des percus et du bugle. Elle est épaulée par son backing group (guitariste, bassiste, drummer et préposé aux synthés). Véritable bourlingueuse, Sophie est partie en tournée pour présenter son nouvel et cinquième LP, « Supermoon ». Enregistré entre Bruxelles et San Francisco, il a été coproduit par Hunger et John Vanderslice, puis mixé par Mark Lawson (Arcade Fire, Timber Timbre). Il fait suite à « The Danger Of Light », paru en 2012, « 1983 », en 2010, « Monday's Ghost », en 2008 et « Sketches On Sea », en 2007.

Malgré un départ abordé au piano, le set sera plus rock. Un concert au cours duquel elle va nous réserver quatre titres issus de son dernier essai ; en l’occurrence le titre maître, « Made Miles », « Love Is Not The Answer » ainsi que « Lavender », lors du rappel. Pour la défense d’un nouvel album, c’est un peu sommaire.

Sa reprise de Noir Desir, « Le Vent Nous Portera », tient la route. Sophie Hunger chante trois morceaux en allemand : « Heharum », « Spaghetti Mit Spinat » et « Da Neue ». Des compos qui lui vont comme un gand. Elle y joue de la gratte et elle y excelle. Tout comme lorsqu’elle teinte sa pop de folk ou de jazz. Son rappel, elle l’achève par un « Superman Women » très électrique. Le set devait durer 50 minutes. Il a été solidement écourté. Probablement parce que son était médiocre. Malgré les bouchons enfoncés dans les oreilles, le résultat est resté pénible. A cause de ces infra-basses, agressives et insupportables… (voir les photos là)

Sous le chapiteau, c’est la fournaise pour accueillir la belle Franco-nigériane Asa (NDR : prononcez Asha). Elle a gravé son dernier opus, « Bed Of Stone », l’an dernier. Il faisait suite à un elpee éponyme, paru en 2007 (NDR : récompensé par le Prix Constantin, l’année suivante), « Live In Paris », en 2009, et « Beautiful Imperfection » en 2012. Sa soul/pop est colorée de jazz et d'afro-funk.

C'est la troisième fois qu'Asa se produit dans notre capitale européenne. Toute de noire vêtue, chaussées de lunettes fumées à bords blancs, elle porte sur les épaules, un long châle vert. Elle est soutenue par un backing group, dont une jolie choriste black, plantée à droite du podium. Il y a un fameux contingent de fans agglutinés de ce côté. Et il va chauffer l’ambiance. L'artiste va d’ailleurs rapidement le remarquer. Le voyage au plus profond de l’Afrique mystérieuse peut commencer. Et il débute par le hit « Fire On The Mountain », un extrait du premier LP, au cours duquel elle se sert du ukulélé. Les spectres de Macy Gray, Ayo, Tracey Chapman et même Bob Marley se mettent à planer.

Bien balisée par la section rythmique, « Satan Be Gone » est une nouvelle compo dont les lyrics évoquent les origines africaines de l’artiste. Titre récent également, le délicat « Eyo » se mue en hymne fédérateur. Plus funky, « New Year » vous incite à rejoindre le dancefloor. Et c’est la ligne de basse qui stimule l’ensemble. « Situation » nous propulse à Kingston. Irrésistible, « Bed Of Stone », titre maître du dernier LP, frôle l’univers de Norah Jones. Asa souffle dans un bugle sur « The Way I Feel », une plage issue de « Beautiful Imperfection ». Plus pop, « Maybe » est imprimé sur un tempo reggae. Les fans concentrés à droite du podium dansent comme un seul homme (ou femme, selon). Soul, « Society » est un titre qui vous ensorcelle. Depuis la pop sucrée galvanisée par des rythmes africains au funk qui vous remue les tripes, en passant par la soul qui vous transperce l’âme et les ballades langoureuses, les compos sont toutes propices à la danse. Une danse africaine qui devient carrément endiablée lorsque Asa se déleste de ses ballerines dorées. Et ce show a bénéficié d’un son correct, nonobstant ce problème récurrent dû aux infra-basses. (Voir les photos ici)

Didier Deroissart

(Organisation: Botanique)

Asa +  Sophie Hunger + Talisco

Le Botanique nous proposait deux formations du label français Enterprise : Bagarre et Grand Blanc. Elles surfent sur une vague qui déferle en France, suite au phénomène ‘Fauve’. Aux côtés de La Femme et de Blind Digital Citizen, ces groupes incarnent un certain renouveau, caractérisé par un souffle épique, une esthétique punk et une musique qui pille sans vergogne (et pour notre plus grand bonheur) les trésors de la musique électronique, post punk et/ou cold wave des années 80.

Alors que la Rotonde commence timidement à se remplir, Bagarre entame déjà son set. Le line up réunit Emma Le Masne (claviers, chant), Cyril Brossard (boîte à rythmes), Thom Loup (chant, claviers), Arthur Vayssie (chant, guitare, claviers) et Mus Bruiere (batterie). A noter que la plupart des musiciens vont changer d'instrument en cours de route.

On est immédiatement frappés par l'énergie libérée par ‘la bête hybride’ sur les planches. Les titres de leur Ep, « Bonsoir Nous Sommes Bagarre », sorti l'année dernière, font mouche à tous les coups. Caractérisé par ses accents clairement new wave, « L'Etrange Triangle » est une compo qui me botte particulièrement bien. Dans l'ensemble, cette musique protéiforme emprunte également à la house, au disco et au hip-hop pour le côté scandé des paroles. (Voir les photos ici)

Après la pause, c'est au tour de Grand Blanc, les chouchous des Inrocks, d'investir la Rotonde. Originaires de Metz, ils sont passés du jour au lendemain du statut de groupe inconnu à celui d'icônes branchées grâce à un seul titre, une véritable bombe parue l'année dernière: « Samedi, La Nuit ».

Mais c'est en douceur que le grand requin blanc entame sa danse mortelle. La jolie Camille Delvecchio chante « Degré Zéro ». Immédiatement, on pense à La Femme et à son élégance mélodique. La formation maîtrise à la perfection les variations de dynamique, calmant le jeu avant de repartir de plus belle. « Nord » accentue la pression, une compo au cours de laquelle, les accents très ‘Bashungiens’ du chanteur Benoît David sont tout à fait distincts. Hubert-Félix Thiéfaine n'est pas loin non plus. Retour vers la douceur pour « L'Homme Serpent », tel un bonbon, il est susurré par Camille à la manière de Lio. 

« Montparnasse » est entamé dans l’esprit de Dominique A : juste la voix bouleversante de Benoît et la guitare minimaliste. De quoi vous flanquer les premiers frissons dans le dos. Il y en aura d'autres ! Hypnotiques, les drums montent en régime, et on attend l’inévitable explosion. Lors de ce long instrumental, on s'envole très loin, portés par les cris et les vagues de synthés. Un grand moment de communion ; d’ailleurs, autour de nous, tous les yeux brillent de bonheur.

Après « Au revoir chevaux », une reprise du classique « Goodbye Horses » de Q Lazzarus, place au brûlant « Feu De Joie ». Le spectre de Noir Désir plane. « Braise-moi ! », crient Benoît et Camille. La température monte encore de quelques degrés grâce à « Petites Frappes » ; et on devine que le paroxysme est proche.

Et il arrive enfin. C’est « Samedi, La Nuit ». Une intro électro onirique, la voix incantatoire et puis tout explose : rythme frénétique, synthés cinglants et guitares envoûtantes. Sorte de croisement entre New Order, M83 et Bashung, la musique est parfaite. Le final est jouissif au plus haut point, le public est au septième ciel. Un superbe concert, un peu trop court peut-être, mais ce Grand Blanc a une grande carrière devant lui…

Philippe Blackmarquis 

Grand Blanc + Bagarre

(Organisation : Les Nuits Botanique)

C’est dans le cadre de la promotion de son nouvel album, sorti fin mars 2015, que Nicola Testa a accordé cette interview à Musiczine. Ne parvenant pas à aligner nos agendas respectifs, c’est par téléphone que ce sympathique entretien s’est donc réalisé.

Nicola, l’accueil critique de ton premier LP, « No more Rainbows », est excellent. Une réaction ?

Je suis évidemment très content des échos plutôt favorables des médias et du public à propos de cette sortie. Je ne m’attendais honnêtement pas à un tel engouement.

Tu as travaillé en compagnie d’Antoine Gaillet (Julien Doré, M83, Talisco, François & The Atlas Mountains, ...), déjà considéré comme une pointure dans le milieu. Es-tu parvenu à gérer facilement la pression inhérente à sa présence ?

Au début, j’étais impressionné ! Nous ne nous connaissions pas. Il a écouté mes démos. Je me suis penché sur le travail qu’il a réalisé. Nous nous sommes ensuite rencontrés à Paris, un après-midi, dans son studio d’enregistrement. Nous avons beaucoup dialogué au sujet de nos attentes respectives. Nous nous sommes rapidement trouvés des points communs dans le domaine de la musique, même si nous nous ne partageons pas exactement les mêmes goûts dans ce domaine. Ensuite, je suis arrivé en studio avec des bandes et un matos sous le bras.

L’elpee reflète un univers très contrasté. Il est à la fois très lumineux et très sombre. Comment s’est-il construit ? Avais-tu un postulat de départ précis ou alors les sessions se sont-elles déroulées naturellement ?

De manière très instinctive. Ensuite, il est clair qu’on est amené à prendre une certaine direction. C’est obligatoire ! Ce disque, je l’ai voulu varié, mais cohérent. Antoine Gaillet en a produit la quasi-totalité. Nous avons œuvré de concert afin de trouver un son qui me corresponde totalement. La suite s’est ensuite mise en place naturellement. C’était une expérience très enrichissante !

Es-tu sensible à la critique ?

On ne peut pas être totalement insensible à la critique, mais j’essaie, dans la mesure du possible, de n’y accorder que peu d’attention. On ne peut évidemment pas plaire à tout le monde ! Cela fait partie du jeu ! Je fais ce qui me plait et le public s’y retrouve. Ceux qui n’aiment pas, tant pis ! Il faut être content de soi. A partir du moment où on est fier du travail accompli, la critique devient accessoire.

On a l’impression que tes influences sont assez rétro et se nourrissent aux années 80... Tu confirmes ?

Il s’agit d’une tendance qui se généralise actuellement, dans le milieu de la pop. Mais l’album va au-delà car il propose une palette de couleurs variées : il y a des sonorités techno, rock et folk aussi. Je ne voulais rien m’interdire. Je souhaitais construire des chansons en laissant le plus possible d’ouverture. Il est la résultante de tous ces paramètres… Mais, tout en gardant à l’esprit cette culture musicale qui m’est propre.

L’elpee s’ouvre par « Rainbow » et se termine par « No more Rainbows ». Pourquoi ne pas avoir choisi de terminer ton disque par une note positive ?

L’idée était de transformer un message négatif en force. Finalement, je ne sais pas si la notre est vraiment négative parce qu’il y a quand même de l’espoir dans cette chanson. Il s’agirait plutôt d’une boucle. Lorsqu’on arrive en fin de parcours, il suffit d’appuyer sur le bouton ‘repeat’ et de recommencer par « Rainbow ». La boucle est bouclée !

La pochette est plutôt conceptuelle. Les couleurs sont brouillées et partent dans tous les sens. Pourquoi ne pas avoir opéré le choix du portrait classique ?

Sa réalisation a été confiée à d’Eric Croes. Elle représente la propre vision du disque de cet artiste. Nous avons discuté et élaboré plusieurs projets. Celui-ci s’est imposé de lui-même. L’idée était de traduire une forme de dissimulation. Il y a moi, d’une part, et tout ce qu’il y a autour de la musique, d’autre part. Toutes ces émotions prennent parfois le dessus ! Je souhaitais qu’elle incarne davantage une vision de ce que représente le disque qu’un simple portrait linéaire.

Ton LP « Wanderland » était davantage centré sur toi-même alors que celui-ci l’est plus sur les autres. Exact ?

Je souhaitais écrire des histoires qui me touchent et concernent tout le monde. Ecrire pour soi est un concept qui vous enferme dans les mêmes thématiques. Cela commençait à devenir inintéressant ! On a vite fait le tour de la question ! Le fait de décrire, en se servant de mes mots, des émotions et des histoires qui appartiennent aux autres était un défi. Je désirais évoluer comme auteur aussi.

Entre le premier long playing et celui-ci, quatre années se sont écoulées… Est-ce le temps nécessaire à la maturation ?

Je ne sais pas si cinq ans constituent le temps nécessaire… C’est en tout cas, le temps qu’il m’a fallu pour réaliser cet album. C’était un long travail. Il y tout un tas de processus en amont, à savoir la recherche de fonds, d’un producteur, … Entre-temps, j’ai aussi continué à faire du théâtre. Au final, je ne sais pas si c’est moi qui a eu besoin de temps ou alors si ce sont les choses qui ont besoin de temps pour se faire.

Tu as décroché le Prix du Public lors des Octaves de la Musique pour le clip délirant de ‘KOKO’ face à des artistes comme Stromae, BRNS, Suarez, Girls in Hawaii ou bien encore Antoine Chance. Tout roule pour toi en cette année 2015 ?

J’espère que cette année sera la mienne, d’autant plus qu’elle ne fait que commencer ! J’ai été très surpris de gagner face à des artistes de cette trempe. Je dispose peut-être d’un public moins large, mais sans doute plus fidèle !

Pour tourner cette vidéo, tu avais choisi une comédienne, Aurélie Lannoy. Dans « Rainbow », tu te mets en scène. Tu sembles tout disposé pour la danse. Qui en a eu l’idée et pourquoi ce choix délibéré ?

Je voulais me mettre à nu ! En plus, je trouve que cette option correspondait bien à la chanson. Afficher ma propre vulnérabilité à travers un clip était une bonne idée.

Le concert du 17 avril à la Rotonde a très vite été sold out. Ton single est régulièrement  diffusé sur les ondes. Comment gères-tu cette soudaine célébrité ?

Je n’ai pas l’impression d’être aussi célèbre que tu crois ! Par contre, rencontrer les gens après un concert, recevoir des mails d’encouragement ou encore des vidéos décalées où certains se filment dans leur voiture occupés d’écouter ma musique, est très plaisant. C’est ce qui m’enchante, véritablement.

Il y a une vraie dynamique scénique qui se forme aujourd’hui. Au début, tu étais seul alors qu’aujourd’hui vous êtes six sur les planches… Les choses évoluent y compris dans le visuel.

Oui, tout à fait ! Pour ce disque, j’avais envie de m’entourer de musiciens. Mais pas seulement. Former un groupe afin de créer une dynamique susceptible d’emmener la musique au-delà de ce que peut procurer un disque. Certaines chansons live auront de facto une couleur différente. La scène est magique ; elle permet un réel partage avec le public.

Tu es un artiste pluridisciplinaire, mais la musique a toujours été en toi ?

Depuis tout petit, la musique a toujours pris une grande place dans ma vie. Je ne dirais pas qu’il s’agit d’une drogue, parce que l’addiction est dangereuse. Je parlerais plutôt d’un besoin. Elle transporte et permet un voyage en dehors de soi !

Tu as participé au festival dourois ‘La Vie en Rock’, en 2014. Ce festival est destiné à rechercher des fonds pour la lutte contre le cancer du sein. Apporter ta collaboration à des actions caritatives, est-ce important pour toi ?

Les organisateurs me l’ont demandé avec beaucoup de sincérité. Il était donc important d’y répondre positivement. C’est une maladie qui nous touche tous, un jour ou l’autre, de près ou de loin. Il y a tellement de progrès encore à faire dans ce domaine. Ce sont des aventures humaines face auxquelles on ne peut pas rester insensible.

As-tu contribué à d’autres manifestations de ce type ?

Non, pas pour l’instant. Ce n’est pas non plus mon rôle ! Mais pourquoi pas, si elles peuvent aider des gens à concrétiser des projets comme celui-là.

L’industrie du disque traverse une crise sans précédent. Penses-tu qu’un jour, on pourra oublier ce support physique ?

Je ne suis pas sûr ! Le vinyle fait un retour en force par exemple. L’industrie du disque propose des produits sous des formes plus abouties, comme les éditions limitées ou ‘collector’. Le support physique a une symbolique sentimentale que le digital ne parviendra jamais à égaler !

Une question que je pose systématique aux chanteurs francophones… Pourquoi chanter en anglais ?

Pourquoi pas finalement ! Il s’agit d’une forme de langage. Si j’avais été peintre, j’aurais pu choisir l’huile, l’aquarelle ou encore le crayon. J’ai choisi une langue que j’aime. Je la connais et la maîtrise. Je prends beaucoup de plaisir à écrire et en jouer. J’aurais bien plus de difficultés à réaliser cet exercice dans la langue de Verlaine.

Comment enisages-tu ton futur musical ?

Je me vois progresser et enregistrer encore quelques disques ! Enfin, j’espère… Peut-être aussi, ferais-je autre chose… J’essaie de ne pas me projeter. J’aime le présent. Ce qui me permet d’envisager l’avenir plus sereinement !

Life Of An Owl In Alaska est un trio guitare/basse/batterie qui trouve son équilibre dans l'émotion, la mélancolie et cette saine colère à laquelle nous avons tous droit. Il pratique du post-rock et fréquente principalement le milieu underground. A son actif, un Ep paru le 19 avril dernier, chez God Hates God Records. Il s’intitule "My first Kill" et ses trois titres adoptent des noms de ville : « Paris », « San Marino » et « Kiev ».

Les mélodies sont principalement produites par la guitare électrique.

Elles reposent sur des suites d'arpèges dont les notes, tantôt caressées, tantôt attaquées vigoureusement s'entrechoquent et s'harmonisent sur des nappes d'échos habillement poussées aux extrêmes.

D'un point de vue rythmique, basse et batterie s'accordent parfaitement et se greffent subtilement aux compositions de leur acolyte.

Mention spéciale au batteur.

Il ne joue pas les morceaux, il les vit, les transpire et leur permet de prendre une troisième dimension.

Visuellement, il s'agit là d'un atout non négligeable quand on se partage les planches à trois.

Une diffusion vidéo pour les ‘live’ serait la bienvenue. Sans doute les musicos y pensent-t-ils.

Et puis, ce nom de groupe : Life Of An Owl In Alaska (La vie d'un hibou en Alaska)

Rien que ça les amis !

Mais tout est dit ! Enfin presque.

En quelques mois d'existence, le combo a déjà accordé quelques concerts.

Le premier s’est déroulé à Lille le 9 avril 2015. Et les suivants, à Sedan, Mons, Dour et Honnelles.

Il se produira ce 16 mai du côté de Jumet, à l'Open Fest.

Une aventure outre-Manche est programmée, mais on n’en sait pas plus.

Polar Polar Polar Polar était programmé dans la foulée. Il a également fait un tabac, mais dans un style différent. Quoique toujours post rock. C’est-à-dire, sans chanteur…

Un samedi 9 mai, j'ai entendu de la musique, j'ai poussé la porte et je suis entré... 

(Concert privé)