Spout Big Space est une formation issue de Bruxelles qui, à l’origine, répondait au patronyme de Sputnik Space, nom choisi en l’honneur du défunt satellite russe. Cette modification est intervenue suite à une interférence durant leur premier contact avec la Terre.
Si vous n’avez pas encore assisté à l’une de ses apparitions, préparez-vous à une rencontre du troisième type.
Préparez-vous aussi à être hypnotisé par ces créatures humanoïdes venues d’une planète à anneau dont le nom restera pour l’instant secret.
Sa recette pour infiltrer vos esprits ? Du rock, quelques météorites, une pincée d’alcool, un zeste de romance, une cuillerée de perversité et une bonne dose d’énergie !
Une obsession ? Que vous dansiez jusqu’à vous liquéfier en une flaque de sueur !
Ses influences terrestres ? Violent Femmes, The Cramps, Fidlar, Bob Log 3, The Stooges, Bonaparte, Allah Las, The Hives.
Spout Big Space serait à l’origine du Big Bang. Il ne vous reste donc plus qu’à rejoindre son univers, là
Coral Pink est né en 2018, de la rencontre entre Maxime et Victor. Nantais d’origine, ils se sont établis tout récemment à Paris, composent et enregistrent dans leurs chambres.
Après avoir publié deux premiers titres de bedroom pop sur la toile (“Daydream” et “Another year”) la paire décide de monter une formation pour le ‘live’.
Coral Pink aligne alors les singles. En 2019, “Once in a while” et “School boy”. En 2021, “People I’ve known” et aujourd’hui “As new days begin”.
Le line up est entretemps passé à un quintet…
Entre atmosphères feutrées et effusions pop, les morceaux de Coral Pink offrent une large palette d’ambiances et d’émotions, une chute latente dans une réalité qui s’étiole à la mesure de leurs mélodies.
« As new days begin » aborde l’ambivalence entre la perte des émotions, souvenirs et ressentis vécus et ce qu’il en subsiste en soi jour après jour. Une introspection d’une douce mélancolie. Des synthétiseurs ronds et scintillants et une rythmique enveloppante.
Enregistré en studio sur du matériel analogique et mixé par Raphaël d’Hervez (Futur), le nouveau single de Coral Pink mêle musique psychédélique, dream et synth pop, s’éloignant un peu de ses premières influences pour créer un son qui lui est propre.
« As new days begin » est en écoute là
Réunissant Théo Gosselin à la batterie et Thomas Baignères à la guitare et au chant, Gasoline est un duo parisien dont la musique oscille entre rock/folk et garage sixties, une musique qui carbure à l'essence à zippo et puise ses racines autant sur les routes américaines qu’au sein des rues de Londres. La voix de Thomas danse avec les riffs de guitare cinglants. Les interventions de drums sont lourdes.
Théo Gosselin s’est forgé une notoriété comme photographe, alors qu’avant de rejoindre Gasoline, Thomas Baignères a roulé sa bosse dans de nombreuses formations rock'n'roll (Le Spark, Flare Voyant, Darling) …
« The Orange Album » concentre une énergie rock'n'roll brute et primitive. Le tandem ne fait pas dans la dentelle, mais a le sens de la mélodie catchy, celle qui vous entête jusque dans vos rêves ou cauchemars les plus fiévreux.
Découvrez le clip de "Hey Boy" ici
Gami vous invite dans son univers onirique pour un voyage initiatique entre l’âme et le cœur d’une hypersensible. Glissez votre âme dans cette dimension pop-rock origamique se dépliant à chaque piste et laissez-vous bercer dans le monde de Capucine Trotobas, entre douleur et douceur, colère et rédemption.
Compositrice et multi-instrumentiste, Capucine est diplômée du conservatoire et dirige également des chœurs dans ses side-projets.
Elle milite notamment au sein du Bless it Quartet et collabore avec Martin Mey dans le Minimum Ensemble…
On retrouve à la guitare Remi Bernard, habitué des formations rock indie (Avee Mana, Kriegelstein...) et derrière les fûts, Judi Massonat, aka ‘Mister Ananas’, qui multiplie également les projets et les casquettes.
Funambule experte de ses contrées, la voix de Capucine Trotobas voltige dans son univers tissé de main de maître avec ses deux acolytes, à l’aide d’instruments organiques et synthétiques.
Un doux chaos qui touche l’âme et dont vous ne reviendrez peut-être pas indemne.
Découvrez le clip de « Dont know », réalisé en animation là
JaCOB, c’est l’acronyme de Jaypee & the Cannibal Orgasmic Band, le projet full band de Jaypee-Jaypar.
Évoluant initialement comme un songwriter solitaire, le projet solo s’est transformé en ‘vrai’ groupe. JaCOB n'est ni 100% blues, ni complètement rock, ni totalement folk, mais plutôt un peu de tout ça à la fois ! JaCOB c’est une voix ténébreuse qui règne en maître sur un univers à la fois limpide et marécageux.
Le nouvel album de JaCOB, intitulé Metamorphosis, est sorti le 21 Janvier 2022. Le premier single issu de cet opus, “Another Summer Day In France”, est en écoute ici
Les 10 titres de « Metamorphosis » ont été enregistrés au studio et masterisés au Texas, afin d’enfocer le clou dans un équilibre alliant folk mélancolique et rock punitif. JaCOB est peut-être la chose ‘non-metal’ la plus ‘metal’ que vous pourriez écouter !
Il est difficile pour JaCOB de rentrer dans une case. Jaypee and the Cannibal Orgasmic Band se ballade tantôt dans des profondeurs telluriques d'un folk à la Léonard Cohen et tantôt dans les pics d'énergie d'un Tom Waits sous amphétamines, le tout est nuancé de rock musclé et de blues feutré. Toujours sur le fil du rasoir, ce grand écart est constant et à fleur de peau tannée tel le cuir d'un pachyderme. Devenir quintet est une manière d'enfoncer le pieu dans les oreilles et de délivrer une musique à pleine puissance. Là ou Jaypee envoie du bois, JaCOB dynamite, disperse et ventile…
Premier extrait de l’album "Unsaid Words", le single "Eternal Eyes" s’offre un clip assez loufoque, coloré et décalé, qui vient prendre le contre-pied des paroles de la chanson dont le ton se veut, à l’inverse, relativement grave.
Evoquant le regret d’une vie humaine perdue sur notre chère planète Terre face à l’angoisse d’une vie devenue éternelle au fin fond de l’Espace, le titre suit Emeline Marceau (Roseland) confrontée à la solitude de son éternité́ dans différentes situations, tuant le temps comme elle peut dans l’immensité́ et le vide de l’univers.
Elle y croise notamment la mort, symbolisée par des squelettes qui se moquent d’elle en dansant tout au long du clip, comme pour mieux la narguer et lui rappeler la perte douloureuse de son humanité mortelle.
Dans un excès de folie et d’imagination, la musicienne s’invente alors un monde parallèle fantasmagorique au sein du cosmos, où elle rencontre quelques personnages imaginaires et côtoie tout ce qu’elle aimait sur Terre (sa biodiversité, ses cascades, ses arbres, ses animaux, ses oiseaux etc.) ; jusqu’à ce que cette illusion s’étiole et n’affecte son esprit tourmenté, la laissant, à la fin de la vidéo, flotter dans le néant pour toujours.
Des images à la symbolique écologique venant souligner l’idée selon laquelle la vie humaine est précieuse, d’autant plus sur Terre, planète dont on sait aujourd’hui que les signes vitaux s’épuisent de plus en plus face au dérèglement climatique accentué par l’activité humaine.
La vidéo d’« Eternal Eyes » est à découvrir là
Il est des notes que l’on n’entend plus, comme ce filet d’eau qui nous échappe. Seule, la résonance erre. Elle nous répare de toutes les folies. Elle nous libère vers de nouveaux tumultes.
Trip for Léon percute de ses « Perpetual waves » (son premier Ep), déroule le fil écarlate de nos failles et s'infiltre, partout.
Imaginez, Philip K. Dick et les sœurs Casady (CocoRosie) dînant à la même table que Joanna Newsom et Beth Gibbons.
Il y a de l'enchanteresse, et de ce binôme vers un ailleurs infuse une trip-hop électro qui caresse et dévisage.
En guise de découverte, « Château de sable », issu de l’Ep « Repair », se construit ici
Après avoir publié́ trois albums autour du thème de la résilience et alors qu’on le croyait sauvé des eaux, Bertrand Betsch a décidé d’entamer la nouvelle décade en lâchant les chiens. C’est-à-dire en se confrontant aux fins dernières. Qui ne se frotte à sa perte, au néant, à la dislocation de l’âme et de la chair, en un mot, à la mort, ne peut connaître et circonscrire le champ de l’existence. Seuls les grands mélancoliques savent embrasser et prendre en charge le Destin, y compris dans ses funestes ressorts.
C’est donc au cours d’une rafale mélancolique que le nouvel album a surgi.
Un limon de poésie noire certes mais une poésie quand même, un agencement jouissif de mots et de mélodies arrachés au désespoir.
Mais Betsch n’est pas du genre à se complaire dans un chagrin narcissique, et ce qu’il donne à entendre n’est rien d’autre que l’écho du chagrin du monde dans son ensemble.
On peut reprocher bien des choses à Betsch, sauf de choisir les sentiers balisés de la facilité et de nous caresser dans le sens du poil. Qu’on se le dise, B/B/ n’a jamais été et ne sera jamais un chanteur de charme. De facto, c’est plutôt un chanteur de drames.
Il nous reste à nous abandonner au bonheur de ces mélodies émouvantes et de la déchirure saine et vigoureuse de certains riffs de guitares saturées qui lézardent cet opus qui est tout sauf un album de plus.
Le clip de « J’ai horreur de l’amour », titre maître de son futur elpee, est à regarder et écouter ici
Après avoir traversé une période dépressive sévère, David Mauro (alias Rigil Kent) est hospitalisé en urgence dans une clinique psychiatrique pendant plusieurs mois. Encouragé par le personnel soignant et notamment un musicien (et ami de longue date !) qui faisait partie de l’équipe médicale, à remonter la pente, on lui suggère l’idée de s’affranchir de ses douleurs et angoisses par la musique. Armé de son précieux Zoom R8 et de quelques instruments, David conçoit ce nouveau projet comme une sorte de journal de bord de sa maladie mentale ; un album résolument personnel qui traite de lui et de son idée de la psyché humaine
« Therapy », c’est le premier opus de Euphrates Ride. Il a été écrit et composé entièrement par le David Mauro. Par la suite, le projet a vocation de continuer au travers d’autres albums à explorer la psychologie humaine et la place des individus à la marge dans une société qui ne les reconnaît pas. Considéré largement encore comme le berceau de la civilisation, le fleuve Euphrate inspire le multi-instrumentiste et donne son nom au projet. « Euphrates Ride », comme une croisière musicale qui continuera de suivre son cours au gré des remous…
« Every single grain of sand has a mass » est en écoute ici
Après avoir passé une première partie de sa vie à bosser dans les bureaux, Ständard se décide enfin à concrétiser son rêve d’ado : devenir musicien, en 2020. Il a alors plus de 40 balais.
Ständard monte son propre studio, achète du matériel, revend aussitôt ce qu’il ne trouve pas à la hauteur et cherche sa recette, en tentant un subtil mélange entre ambiances électriques et mélancoliques mais en y ajoutant une intensité certaine tout en se servant de sa voix à la fois puissante et sensible. Un style bien british pour un Français. Quel exercice périlleux !
Après avoir sorti un 1er titre baptisé « Lost In translation », en forme de coup d’essai, en pleine pandémie, il embraie par « Maelström » le 1er single de son futur Ep, une compo doublée d’un clip aux allures de fin du monde où il déambule dans un Paris complètement désert. A propos de son clip, il a déclaré : ‘J’avais envie de marquer temporellement ce 1er clip, que l’on sache rapidement qu’il s’agisse de cette année 2020, année si particulière mais également importante pour moi puisque j’ai sorti mon 1er titre.’
La vidéo de « Maelström » est à découvrir là
Le nouveau clip de Myosis s’intitule « Child’s play ». Dans cette vidéo conceptuelle aux allures de making-of, Myosis nous propose un premier aperçu de son Ep avec cette chanson d’amour. Une simple déclaration ouverte à une personne qu’il aime, avec qui il aimerait ne faire qu’un, expliquant qu’il n’est rien sans elle. Nous retrouvons ici l’essence même du rock anglais, où les passions et le romantisme sont au service de la musique. Que se passe-t-il dans la tête d’un adolescent sur le point de passer à l’âge adulte ?
Une chose est sûre, c’est l’heure du bilan. Un premier bilan sur son enfance, puis son adolescence, sur cette vingtaine d’années qu’il a passé à expérimenter, à ressentir maintes émotions, à vivre des évènements qui ont forgé sa personnalité actuelle. Entre tourments émotionnels, exploration des vices, et révolte contre l’altérité, Myosis nous accompagne dans quelques-unes de ses pensées les plus intimes.
Le titre de l’Ep, « Pretty girls are never sad » (Trad : les jolies filles ne sont jamais tristes), renvoie au genre de réflexions que peut avoir un adolescent qui souffre d’un chagrin d’amour, qui au lieu d’accepter qu’il soit le seul décideur de sa vie, et d’essayer de façonner son comportement et sa personnalité, rejette la faute sur les filles qu’il essaye de séduire, conjecturant qu’elles ne sont jamais tristes, donc ne le comprennent pas, et ainsi ne veulent pas de lui. C’est l’exemple même de la tendance des adolescent.e.s à éviter la confrontation avec la réalité, en projetant la faute sur l’altérité, sur ce monde qui les entoure et qu’ils ne comprennent pas.
Un Ep qui s'adresse à la jeune génération, mais aussi à leurs parents, pour mieux les comprendre.
Le clip de « Child’s play » est à découvrir ici
Lauréat de plusieurs prix belges et internationaux dont le Magritte de la meilleure musique originale pour le film ‘Au temps où les arabes dansaient’ de Jawad Rhalib, Simon Fransquet appose sa musique sur deux autres longs métrages de ce même réalisateur, notamment sur la présente BO « The Pink Revolution », jamais vraiment sorti en salles à cause de la pandémie et qui n'a pas eu l'écho escompté.
Un film émouvant, puissant et bousculant qui traite de la place de la communauté LGBTQI + dans l'espace public. Un sujet fort, une mise en lumière indispensable et plus que jamais d'actualité !
Guitariste, multi-instrumentiste, luthier, producteur hyperactif, le Liégeois Simon Fransquet a composé des bandes originales pour près d’une vingtaine de films sélectionnés et primés dans les plus grands festivals à travers le monde et travaille actuellement en Inde, en Tunisie, au Maroc ou encore en Arménie.
Pour cette B.O., il a une nouvelle fois mélangé ses diverses influences issues à la fois du Jazz, de la musique classique en passant par celle du monde, la pop ou encore l’électro,
La musique de Simon Fransquet embaume les images de nappes de trompettes mêlées à divers instruments à cordes qu'il collectionne et répare. Le tout est enjolivé par la voix pop et angélique de la chanteuse Alice on the roof et par la celle du chanteur de Dan San, Jérôme Magnée, avec qui il avait déjà travaillé sur les musiques de deux autres films.
Le trailer ce cette BO est disponible ici
« Plonger » est un titre initiatique, comme un mantra pour oser se révéler dans l’inconnu. Et pour illustrer ce voyage intérieur, le clip qui l’accompagne est réalisé avec les images du jeu vidéo ‘Journey’ aux animations contemplatives et poétiques.
Almée écrit des poèmes. Elle affiche ses vers dans Paris et les fait prendre vie au piano. Entre confidences et voix intérieures, ses chansons nous parlent de désir, de confiance et de vulnérabilité.
Son premier album réalisé par ALB (Clément Daquin) paraîtra cet automne. Il proposera un délicat mélange de synthés analogiques et boîtes à rythme vintage afin de réaliser une ode moderne aux premiers paysages électroniques.
Amoureuse des mots, Almée s’appuie sur eux pour nourrir l’histoire et aller vers sa musique. Fan d’Etienne Daho comme de Sébastien Tellier, elle crée une pop chic entre introspection et envolées électroniques tempérées, où le clavier prend tout son sens.
Grâce à son podcast ‘États sonores’, Almée poursuit ses explorations de l’intime et fait de chaque épisode le volet d’une correspondance avec les titres de son album. Elle y peint tout un nuancier de messages personnels grâce aux multiples voix qui s’entremêlent.
Le clip d’animation de « Plonger » est à découvrir là
"Vanishing Patience" le nouveau clip de We Hate You Please Die vient de sortir.
La patience est vue comme une vertu, mais parfois on a bien envie de l’emmerder. De quel côté du miroir êtes-vous ? La libération de la parole nous montre que l’attente n’est plus de mise.
La cocotte-minute est sur le point d’exploser et d’ébouillanter au passage des siècles de patriarcat et de nombreux comportements oppressifs et intolérants devenus ordinaires et invisibles.
La réalisatrice Clothilde Evide nous révèle dans ce clip (disponible là) la recette pour construire la déconstruction. Mais attention, pour que cela fonctionne, tout le monde doit participer.
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