Cette compile constitue une rétrospective de dix années de carrière de Danielson, alias Daniel Smith, qui ont précédé la sortie de l’album « Ships ». On y aborde toute sa trilogie. En solo, en famille et puis élargie à ses meilleurs amis, dont « Ships » constitue le troisième projet. Et également le dernier, puisqu’il remonte à 2006. En fait, si à une certaine époque, ses frères, sœurs, beaux-frères, belles-sœurs, son épouse, etc., étaient à des niveaux divers, impliqués dans sa création, les événements de la vie (mariages, naissances, jobs, déménagements, etc.) l’ont forcé à changer de fusil d’épaule et à faire appel à d’autres musiciens. En outre, seul Daniel est musicien professionnel. Bien sûr, certains membres de sa famille apportent encore circonstanciellement leur collaboration. Lors des sessions de studio, par exemple ; mais ils ne suivent plus Brother Danielson en tournée. Ce recueil vous donne ainsi un bel aperçu de l’évolution musicale de cet artiste dont le style au départ minimaliste, est susceptible d’être contaminé par le folk, l’indie, le gospel, la prog et même le punk. Mais toute cette expression sonore est également mise au service de messages que Smith fait passer à travers ses lyrics, qu’il chante d’un timbre extatique. Des lyrics au cours desquels il affiche sa philosophie spirituelle (NDR : c’est un évangéliste !). A cet égard, si vous souhaitez en savoir davantage, je vous invite à relire l’interview qu’il a accordée à Musiczine en novembre 2006. Sans quoi cette double anthologie inclut également des inédits, des versions live et des raretés.
La congrégation est bicéphale. Victoria Yeulet chante, agite de frêles percussions et écrit les mots. Musicien, Benjamin Posser se charge des guitares, de l’orgue et des percussions. Tout au plus, tolèrent-ils circonstanciellement la collaboration instrumentale de leur ami Ed Deegan. Ils sont anglais et vivent dans le quartier de New Cross, à Londres. Ben est un artiste qui possède de multiples cordes à son arc. C’est un multi-instrumentiste, mais également un poète notoire au sein des milieux branchés. Il y a plus de 20 ans qu’il roule sa bosse. Il est responsable de plusieurs albums en solitaire ; mais d’un seul en compagnie du groupe Tap Collective. Ensemble, ils ont composé les douze chansons de cette première œuvre. Parmi leurs influences, ils citent volontiers des bluesmen mythiques comme Son House, Bukka White et Skip James ainsi que des rockers comme Buddy Holly et Bo Diddley.
La force naturelle et tranquille de la voix de Miss Yeulet nous étreint immédiatement. L’univers est dépouillé. La guitare est pourtant bien présente et seules quelques percus agitent le décor sonore. L'ambiance devient de plus en plus lugubre sur "I was a fool". Les cordes véhiculent des accents métalliques. Le bottleneck glisse subrepticement le long du manche de Ben. Un faible écho intensifie la sensation de mal être qui nous envahit. "Don't pay no mind" est une compo plutôt surprenante. Imaginez le beat de Bo Diddley précipité dans l'ambiance des premiers disques de Buddy Holly. Alors que la voix affronte la rythmique surpuissante, de subtils grelots épicent l’expression sonore. "Head above water" nous replonge dans un passé lointain. Ecrasé par le climat suffoquant du Delta du Mississippi, on erre non loin des plantations de coton et des frêles digues du long fleuve. Les conditions de travail sont éprouvantes. Il n’y a qu’une voix et une guitare pour restituer cette angoisse quotidienne. Curieusement, j’ai parfois l’impression d’entendre un morceau du Led Zeppelin qui tourne volontairement au ralenti. Manifestement, Ben Posser sait comment s’y prendre pour permettre à la puissance vocale de sa complice d’émerger. "Never forgive" accélère le rythme. Un blues décharné, très percussif, émouvant. Notre congrégation ne veut pas nous libérer. Elle nous marque au fer. Impossible de réagir face à "Oh time love!", un boogie imprévisible. Ils repartent aussitôt sur "Hand to bear", porteurs du même message entre les dents. Le maigre public se trémousse devant les planches pourries. La voix ne désarme jamais. L'atmosphère sombre du Delta nous envahit à nouveau tout au long de "Putting you out". Le doigt d'acier accroché à la phalange de Ben glisse sinistrement le long de ses cordes. Lentement. Libérant au passage, un sentiment de tristesse infinie. Douleur que le chant n'entend pas démentir. La rythmique lourde consent à accélérer le tempo sur "Eye to eye" ; mais pour la circonstance, devant les offensives inassouvies des cordes, la voix éprouve des difficultés à se faire entendre. "The man I move" et "Feel like crying" nous transportent dans le XXIème siècle, tout en nous sensibilisant aux troubles provoqué par l'écoute des blues d'avant-guerre, décrivant la situation de leur public noir dénué. "Feel like crying" est également paru en single. Il constitue un parfait résumé de la panoplie sonore de Congregation. "There was a time" termine cet opus par les gémissements d'un amour perdu, retourné à l'état de poussière. Impressionnant!
Les 12 et 13 octobre 1982, les Clash se produisent en première partie du Who, dont c’est la tournée d’adieu, dans le state de base-ball du Queens. C’est également à cet endroit que les Beatles avaient tiré leur révérence scénique en 1966. Le second jour, il doit y avoir 70 000 personnes. Qui sont venus voir le Who. Héroïnomane, Topper Headon a cédé ses baguettes à Terry Chimes. Et à l’issue de cette tournée, Mick Jones va mettre la clef sous le paillasson. Pourtant, le groupe londonien va assumer et obliger même la bande à Pete Townshend à sortir le grand jeu. De cet épisode, SonyBmg a décidé de sortir ce « Live at Shea Stadium ». 16 titres parmi lesquels figurent la plupart de leurs grands standards : « London calling », « Police on my back », « Magnificent seven », « Rock the Casbash », « Should I stay or should I go » ou encore « I fought the law ». Le son est sale, les slogans sulfureux mais hymniques ; bref, c’est encore du Clash, juste avant leur grand ‘clash’.
Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/TheClashtv
Définir le style musical du quintet suédois Burst n’est pas la tâche la plus aisée que l’on puisse confier à un chroniqueur de metal. Autant dire que « Lazerus Bird » est un voyage initiatique, une immersion dans un postcore brumeux, mais riche d’une très large palette de sons et d’émotions. Burst navigue presque à la limite du prog, si l’on occulte l’aspect ‘hyper technique pour le principe’. Burst est évolutif, c’est un terme qui lui convient davantage.
A la façon d’un Opeth qui joue sur les contrastes, en mélangeant des sonorités death metal à des influences folk et progressives, le combo nordique célèbre la rencontre entre riches harmonies et riffs heavy metal et hardcore. Le chant clair alterne avec des hurlements death, et de nombreux breaks, tendant aussi bien vers le surf rock que vers le psyché, viennent émailler ces huit titres où l’inventivité règne de la première à la dernière note. Pas pour rien que des formations aussi imaginatives qu’Isis, Mastodon ou Opeth ont jeté leur dévolu sur Burst pour les accompagner sur les routes européennes. La liberté créative du combo est telle qu’elle nous laisse pantois, un peu comme après la première écoute d’un « Damnation » ou d’un « Images and Words ». Fort !
Il aura fallu six ans à Craig Nicholls et ses collègues de The Vines pour se remettre de l’échec critique et public de « Vision Valley ». Depuis, le quatuor a quitté les quartiers généraux de EMI pour se réfugier au sein d’une structure indé, Cooking Vinyl. Plus inspiré que l’essai précédent, « Melodia » présente la formation australienne sous son meilleur jour depuis l’admirable « Highly Evolved ». Le côté ‘propret’ de « Winning Days » et « Vision Valley » laisse place à une production un peu plus bordélique, donnant ainsi du cachet aux morceaux les plus rock du disque (« Merrygoround », le psyché « Manger » ou le terrible « Scream »).
Dans l’ensemble, Nicholls & Co délivrent néanmoins un The Vines pur jus, contenant des mélodies ‘viniennes’ reconnaissables les oreilles bouchées. En témoigne un « Get Out » qui essaie sans succès d’envoyer aux oubliettes le génial « Get Free » ainsi qu’un « A.S. III » qui tente le prolongement d’une série débutée sur « Highly Evolved » (« Autumn Shade ») et laissée en suspend sur « Winning Days » (« Autumn Shade II »). « Melodia » est en quelques mots un sensiblement bon retour aux sources. Mais sa facture classique risque probablement de ne pas convaincre ceux qui ont abandonné The Vines en cours de route.
Déjà tout auréolé des succès de M.A.N.D.Y. ou encore de Matthew Dear, le label berlinois Get Physical confirme son statut de bonne forme, en présentant sa nouvelle compilation électronique « Full Body Workout Volume 4 ». Un peu à l’image du Kitsuné en France, Get Physical propose de nouveaux artistes issus majoritairement de la scène deep house, mais comble aussi ce volume par la présence d’électroniciens déjà réputés tels que Lopazz ou encore Elektrochemie. La musique dispensée sur cette quatrième galette se décline sous une forme minimaliste. Et dès Jona et son « Blackened » aux beats exotiques, on en a une belle illustration ; même si cette plage reflète bien l’image dansante de cette compile. Comme bien souvent chez les labels allemands, la perfection est de mise, à l’instar du très technique « Baléa » de Einzelkind vs Meat. Beats racés, profonds et soutenus, les titres s’enchaînent jusqu’au très carnavalesque « Downtown » des Italoboys, évoquant ici une image de Gilles de Binche sous acide. Excellent ! Et la suite ne suscite jamais l’ennui. On atteint même le sommer de l’elpee lorsque Ida Engleberg & David West nous balancent leur « The Giant From Nibiru », une perle qui risque fort de faire chavirer les dancefloors. Nuances rythmiques, gros synthés et énergie alimentent ce morceau absolument splendide.
Grâce à ce « Full Body Workout Volume 4 », le label Get Physical se pose autoritairement comme une des meilleures écuries électro du moment. Au fil des années il a démontré son engagement auprès des artistes et sa rigueur dans le travail. Aussi, ce recueil est une juste récompense de leur investissement ; un disque qui régalera, j’en suis certain, tous les amateurs de clubbing !
C’est sous sa parure d’étoffe rouge, parsemée de 1000 étoiles, que l’ABBox recevait Arthur H, ce mardi 22 octobre 2008. Le début du set est prévu à 20h00. Pourtant, 10 minutes avant qu’il ne commence, le public est plutôt clairsemé. Et est composé en majeure partie de quadras ; les trentenaires reprenant pour la circonstance le rôle des ados… On croise de nombreux couples. Ils attendent, la main dans la main, la montée sur scène de ce clown chantant. L’ambiance est ‘love’. Le Français est venu défendre « L’Homme du Monde », son dernier album. Il s’agit ce soir, de la quatrième date de la tournée. Il y a donc fort à parier que le groupe n’a pas encore posé toutes ses marques et que le spectacle ne sera ainsi pas encore formaté. Le public est calme, un peu trop à mon goût. Je prépare mon carnet de notes en enfilant quelques décilitres d’houblon. La salle se remplit au compte-gouttes.
20h10. Sous un bruit de tonnerre, les musiciens prennent place. Le décor est composé de gratte-ciels éclairés. Le tout dans un ensemble chaotique à la Fritz Lang. Pensez à Métropolis. L’envolée des musiciens amplifie cette ambiance électrique. Ils déversent un brouhaha qui vous plombe littéralement, mais en même temps pousse le public à river les yeux vers le podium. Vêtu d’une veste dorée, Arthur H fait son entrée. Le micro à la main, il salue l’assemblée en entonnant « Candy Chérie ». Il enchaîne directement par « Radio City Light ». L’artiste semble avoir l’intention de se livrer corps et âme, ce soir. Il empoigne une guitare sèche et nous balance « L’Abondance », une ballade, ma foi, folk. Le public se réveille et frappe dans les mains. L’ambiance monte d’un cran. Sans doute rassuré par l’accueil que lui réserve l’audience, le Français marque une petite pause et laisse souffler ses musiciens. Jamais avare d’un bon mot, souvent teinté d’ironie, il déclare être content d’être venu se produire dans cette salle mythique qu’est l’AB. Que pour une fois, il ne devra pas jouer entre les plantes et les piranhas. Manifestement, il fait ici alors illusion au Botanique, où il a l’habitude d’établir ses quartiers bruxellois. Se moquant de la crise actuelle, il invite à oublier les milliards que l’on a tous perdu. Il entonne « Si tu m’aimes » et embraie par « Chercheur d’Or », que les spectateurs acclament chaleureusement. « Luna Park » et « Est-ce que tu m’aimes ? » marquent un retour au dernier album. Ce dernier morceau est interrompu par la claviériste, qui coiffée d’un chapeau de cowgirl, joue du lasso et s’assied sur un tabouret pour fredonner à la manière de Marylin Monroe, « The River of The no Return ». Arthur H, son bassiste et son batteur viennent poser des chœurs gospel. L’ambiance est bon-enfant. Personne sur les planches n’a l’air de se prendre au sérieux. Et le public est hilare. « Mon Nom est Kevin B » précède « Dance With Madonna ». Ce dernier morceau, le chanteur le présente en revenant sur les drames qui se jouent actuellement. S’offusquant avec un brin d’humour, de la Marseillaise sifflée récemment lors d’un match de foot, il relate aussi les problèmes de couple que Guy Ritchie et l’héroïne de cette dernière chanson, traversent. Après « The Goddes of Love & The Bizness Man », le combo marque une nouvelle pause en laissant seul sur scène Monsieur H. Il excuse cependant leur absence, prétendant qu’ils sont gênés : ‘Ils ont tellement honte que je me plante, qu’ils se sont cassés !!’ lance-t-il. Il éprouve, en effet, des difficultés à se souvenir des accords de « Le Nantais », qu’il finira par sublimer de sa voix rauque, sa marque de fabrique. Et dédie cette chanson feu sa Mamie, qui habitait Liège. La formation est à nouveau au poste pour attaquer « La Naissance d’un Soleil » et « Ma Dernière Nuit à New York City ». Replantage de l’artiste sur l’intro d’« Adieu Goodbye ». Il faut avouer qu’il n’a plus trop l’habitude de servir d’une gratte, le bougre. Il a même privilégié le piano lors de la confection de son dernier opus. Mais les cordes vont vite plier sous le talent, et la mémoire de l’auteur va rapidement refaire surface. Pour un début de tournée, les erreurs sont rares. On sent une excellente homogénéité et une excellente entente entre les différents musiciens. On perçoit déjà la fin du concert, lorsque s’éclairent à nouveau, les rideaux pourpres de la salle. Des milliers d’étoiles scintillent et illuminent de leur poésie, le très touchant « Cosmonaute Père et Fils ». Il est 21h50, il y a déjà 100 minutes que le groupe joue. Il remercie les auditeurs et tire sa révérence.
Le public reste un peu sur sa faim et réclame un rappel, qu’il sait déjà acquis. Arthur H s’est changé avant de revenir saluer une dernière fois son auditoire. Il a revêtu les habits de Super H. En fait, hormis la lettre imprimée sur le torse, il a enfilé le même costume que celui de Superman. Le slip jaune est de rigueur. Au lieu d’accorder une dernière chanson, il a envie de jouer avec son public. A l’instar d’un comique du music-hall, il empoigne le micro et cherche à le faire réagir. En lui demandant de participer à un exercice de lazzis. De siffler la Marseillaise, tout en revenant sur l’ampleur que cet épisode a prise. Et les spectateurs jouent le jeu quand il entonne ‘Allons enfants de la patrie …’. La cacophonie est telle, qu’il demande de monter la puissance de son micro. A nouveau tout le monde se marre. Lui en premier. Afin de sortir dignement de scène comme il y est monté, le groupe offre une dernière bonne vieille chanson. « Cool Jazz » vient donc clore les festivités ; et c’est sous les applaudissements chaleureux, que les 5 artistes saluent pour de bon, leur public. Les lumières se rallument, les amoureux s’enlacent une dernière fois avant de penser à quitter la salle ; et moi je me grouille sinon je vais louper mon métro. Je me rends compte que je suis bien le seul à me dépêcher de quitter les lieux. Tout le monde en effet, semble vouloir prolonger un instant encore, ce fort sympathique moment que nous avons partagé. Dommage que le show n’ait pas attiré plus de foule. Il y aurait sans aucun doute eu, plus d’heureux dans la ville…
Organisation Live Nation
Originaire de Houston, cette Texane est particulièrement talentueuse. Non seulement elle compose et chante, mais joue aussi de la guitare, des claviers de la trompette, et parfois même de l'accordéon et de la mandoline. Elle compte déjà huit albums à son actif. Son blues est subtilement teinté tantôt de country, de swing, de zydeco, de surf, de gospel ou de soul. A ses débuts, elle militait au sein des Imperial Monkeys. Aujourd’hui, Carolyn dirige son propre groupe ; mais elle participe également à différents projets. Elle assure ainsi les vocaux au sein de la formation du guitariste Terry Lightfoot, Band of Wonder, est impliquée dans l’aventure d’un groupe féminin de southern rock répondant au patronyme de Sis Deville ainsi que dans celle de l’Austin Volunteer Orchestra. Son dernier album, "Blood less revolution", remonte à 2003.
Ce nouvel opus a été enregistré chez elle à Austin. Il est partagé entre compositions personnelles et reprises d'artistes qu'elle apprécie. La production a été assurée par Ray Benson, un personnage qui s’est forgé une solide réputation aux commandes de la formation de western swing, Asleep at the Wheel. Pour concocter cet elpee, Carolyn a reçu la participation de quelques amis ; mais elle est bien sûr épaulée par son fidèle line up. C’est-à-dire Cole El Saleh aux claviers, Jamie Oldaker aux drums, Glenn Fukunaga à la basse et le plus souvent, Lloyd Maines aux cordes.
Le disque s’ouvre par le titre maître. Une compo rythmée. Sa puissance vocale naturelle nous cueille littéralement à froid. Elle y démontre une grande habileté à pincer les cordes électriques. Et pour la circonstance sur une lap steel guitare horizontale, responsable de cris métalliques. Terri Hendrix –une concitoyenne– signe "I found the lions". Une chanson à la dimension R&B offensive, dansante et cuivrée. Ainsi que "Throw my love". Une excellente cover taillée pour notre Miss Wonderland. Elle y étale toute ses aptitudes musicales. Un sanglot étreint sa voix tout au long de "Bad girl blues", une ballade country empreinte de douceur, un morceau souligné par les remarquables interventions à la steel guitare de Lloyd Maines. Elle me rappelle aussi parfois la longiligne louisianaise Marcia Ball. Elle se rapproche même de son style sur "Walk on", une compo coécrite en compagnie de Ray Benson. Face aux chœurs, aux cuivres, et à l’harmonica de l'ami Guy Forsyth, elle crie sa rage de vivre. Elle souffle même dans une trompette et se joint aux saxophones de John Mills. Le "Still alive and well" de Rick Derringer" est saignant. Une reprise au cours de laquelle Carolyn affiche une dextérité étonnante sur les cordes amplifiées. Elle cosigne "Long way to go" avec Benson. Elle y opère un retour dans le far-West inondé de soleil. Tout au long de ce morceau de country, traversé par le violon de Jason Roberts d'Asleep at the Wheel, on imagine parcourir les plaines arides du Texas. Mais surtout on est ébloui par la pureté de sa voix. Ballade aux accents jazzyfiants, "I don't want to fall for you" libère un swing léger, tout en subtilité. Et David Sanger, encore un autre Asleep at the Wheel, préposé aux balais, n’y est pas étranger. Carolyne emprunte le style laidback de JJ Cale sur "Trouble in the city". Une version musclée et cuivrée, dynamisée par le piano roadhouse d'El Saleh et par une guitare bien vivace. "I live alone with someone" est un blues imprimé sur un tempo indolent, caressé par une voix confessionnelle, mais bigrement convaincant. Carolyne chante passionnément et rageusement "The farmer song", la plus jolie ballade de l’opus. Epaulée par les interventions au dobro de Cindy Cashdollar, une autre concitoyenne qui ne manque par de charme, elle y joue de la mandoline. Cette œuvre s’achève par "Feed me to the lions". Elle chante en s’accompagnant au piano. Une plage raffinée délicatement par un quatuor à cordes : les racines américaines rencontrent la musique de chambre. Saisissant et superbe à la fois !
Le festival ‘Roubaix à l’accordéon’ en est à sa douzième édition. Il accueille dans la rue, les bistrots ou en salle, de nombreux artistes et groupes de tous les styles, venus des quatre coins du monde. Un mélange des genres qui permet de retrouver à la même affiche Mano Solo, Juliette Greco, Juliette, Blankass ou encore Pigalle. C’est le cas cette année. Et Pigalle, formation punk mythique du début des années 80, se produisait ce jeudi 21 octobre en la salle Watremez…
En première partie, Balbino Medellin a reçu un bon accueil du public ‘ch’ti’. Son premier album « Le soleil et l’ouvrier » lui a permis d’accomplir une tournée de plus de 80 dates, dont un détour par la Cave. Un concert dont les Roubaisiens semblent se souvenir. D’ailleurs les premiers rangs réunissent des aficionados qui reprennent les refrains en chœur. Ces mêmes fans associent ainsi ce concert à une double affiche. Il est vrai que ses textes de la vie de tous les jours, interprétés d’une voix si particulière, soutenus par la guitare et l’accordéon, sont très agréables à écouter. Et puis il y a le physique du chanteur : imaginez un hybride entre Mr Propre et un marin qui aurait échoué dans tous les ports du monde. Mais au fil du temps, le set finit par nous lasser ; et on décide d’aller prendre une bonne bière (belge) au bar.
Car on est venu pour Pigalle. Un groupe fondé en 1982 dans une cave du quartier du même nom. ‘Un quartier magique à l’époque. Au temps où le quartier était encore vivable…’ s’amuse à rappeler son fondateur François Hadji-Lazaro. Pour la reconnaissance du grand public, il faut attendre fin 1990, et la sortie de leur album « Regards affligés » ainsi que du single « « Dans la salle du bar-tabac de la rue des Martyrs » (dont le refrain reste ancré en tête, comme un paquebot bien amarré). C’était la grande époque du rock alternatif français, qui bousculait tous les genres. Tant musicalement, à travers un punk énergétique, souvent teinté de folk, que commercialement, vu leur méthode d’auto-distribution. Et leur label ‘Boucherie Production’ en est la plus belle illustration. Mais cet élan va s’essouffler fin des années 90.
10 ans plus tard, et après trois albums solos, François Hadji-Lazaro reprend la route flanqué de ses fidèles compagnons : J-P à la batterie, Boubouche à la basse ainsi que les deux François. Combarieu à la guitare et Benichou aux claviers ainsi qu’à l’accordéon (NDR : quelle polyvalence !) Une compile est également sortie entretemps : « Neuf et occasion ». Vu son titre, pas étonnant qu’il réunit vieux tubes, compos originales et collaborations diverses, comme celle apportée par Emily Loiseau.
Ce mardi 21 octobre, leur tournée passait donc par Roubaix, dans le cadre de la fête à l’accordéon. La salle joliment rénovée de Watremez n’est pas remplie ; mais il y a bien 500 personnes pour manifester leur enthousiasme. Comme souligné dans les comptes-rendus consacrés aux Charlatans et aux Cranes, deux formations qui ont également aussi connu leurs heures de gloire début des 90’s, l’audience est surtout composée de trentenaires voire de quadragénaires. Mais aussi éclectique. Punks, skins, altermondialistes et autres looks caractéristiques.
Le set commence tranquille. Pourtant, dès « Les lettres de l’autoroute » la foule se met à remuer et les premiers pogos se déclenchent. François Hadji-Lazaro passe aisément de la flûte traversière à l’accordéon, du banjo à la guitare ou au violon. Les titres mélancoliques et les morceaux plus festifs alternent. On comprend ainsi plus aisément la signification du titre de leur avant-dernier elpee, « Rire et pleurer ». Ce spectacle de deux petites heures est ponctué par la reprise du « Les Vieux à la poubelle » des Garçons Bouchers, puis un « La salle du bar tabac… » assez électrique, histoire de clôturer le show dans la bonne humeur. Avant que le groupe ne revienne une énième fois sur scène pour se lancer dans une version acoustique et plutôt expérimentale du même titre.
Après ce show, on aurait bien arrosé notre soirée de quelques bonnes bières (belges s’il vous plaît, Bavik et Petrus sur la carte). Mais le personnel préposé à la sécurité en a décidé autrement. Ca ne rigole pas en France ! Nous avons donc été priés de quitter la salle le plus rapidement possible. En emportant quand même le sentiment d’avoir vécu une chouette soirée, malgré tout.
Pigalle – Balbino Medellin
Organisation : La Cave aux Poètes
Depuis près d’un an, les frères Dewaele tournent sans cesse aux quatre coins du monde. Qu’ils militent au sein de Soulwax ou de 2 Many DJ’s, les Gantois poussent la barre très haut sur la scène électro et ne possèdent à l’heure actuelle aucun rival en matière de bootlegs. Et ce n’est pas pour rien qu’on les appelle encore et toujours ‘The Bootleg Kings’.
Entre remixes et production, Soulwax ne parvient toujours pas trouver le temps de composer ; et il faudra certainement être patient avant de les revoir nous proposer un album rock. Pias a dès lors proposé au combo de mettre en œuvre un documentaire consacré à cette longue et exténuante tournée. Bien que peu enthousiaste à l’idée de tourner un film, le groupe a accepté finalement le challenge, mais en en posant une condition unique : le choix du réalisateur. C’est sur Saam Farahmand qu’il s’est porté.
« Part Of The Weekend Never Dies » nous plonge dans l’univers électro trash du groupe contemporain le plus dansant. Au travers d’interviews d’ami(e)s, de fans, de producteurs et artistes (Tiga, Justice, James Murphy, Erol Alkan, etc) l’histoire de ce groupe belge fascinant est illustrée par de petites anecdotes amusantes et parfois sensibles. Durant 69 minutes, nous découvrons la face cachée des fameuses soirées ‘Radio Soulwax’. Les coulisses y sont le plus souvent représentées et les images de leurs shows nous font vivre d’énormes sensations. Et si ces images marquent les esprits, c’est qu’il faut surtout souligner l’impressionnant travail de montage de ce dvd. A l’aide d’une seule caméra, le réalisateur réussit à proposer des plans hallucinants. Un travail de longue haleine opéré par Saam Farahmand qui est parvenu à refléter le plus fidèlement possible le portrait des Nordistes. On retrouve également sur ce dvd quelques bonus dont « Nite Versions Live at Fabric and 120 other places » ainsi que des commentaires. La petite surprise procède de la collaboration apportée par SoMe, graphiste ‘maison’ du team Ed Banger qui a concocté avec un humour correspondant parfaitement à Soulwax, l’introduction de ce documentaire.
Bref, ce film montre à quel point l’influence de Soulwax est énorme dans l’univers du dancefloor ; et qu’on le veuille ou non, Stephen et David Dewaele prouvent au travers de ce dvd qu’ils sont bel et bien les parrains des nuits sans fin ! Et cette remarque, je ne suis pas le seul à la partager.
Todd Rundgren vient de fêter ses 60 balais en juin dernier. Pas n’importe qui, puisque non seulement il est multi-instrumentiste, compositeur, interprète, chanteur, ingénieur du son et producteur, mais il est surtout un expérimentateur invétéré. En 1992, il avait ainsi été le premier à proposer des œuvres interactives. Et aujourd’hui encore, il est toujours à la pointe de l’aventure et de l’innovation. Le succès, il ne l’a récolté qu’au cours des seventies. Et s’il a pu continuer à expérimenter, c’est à cause de son talent de producteur. Ce qui lui a permis d’arrondir ses fins de mois. Il a ainsi bossé pour The Band, Patti Smith, les Sparks, les New York Dolls, XTC, Psychedelic Furs, Iggy Pop, et la liste est loin d’être exhaustive. Et constitue une influence majeure pour Prince…
Il vient donc d’enregistrer un nouvel album. Chez lui à Hawaii, là où il vit aujourd’hui. Et difficile de faire plus solo, puisqu’il y joue à l’homme-orchestre. Todd y a quand même privilégié la guitare, même si les accents prog, les pastiches et les clins d’œil jalonnent l’intégralité de l’opus. Pastiche d’AC/DC sur l’hymnique « Strike », un morceau au cours duquel il hurle même comme feu Bon Scott, de Deep Purple circa « In rock » sur le pseudo boogie « Gun ». Clin d’œil à Led Zeppelin sur l’enlevé « Panic » (NDR : ce riff de guitare !), mais aussi sur le blues rock rampant « Weakness », un slow abordé dans l’esprit du tubesque « Since I’ve been loving you », malgré des variations ‘rundgreniennes’, au Floyd sur le cosmique « Afraid » et à Metallica tout au long de « Mercenary », malgré l’un ou l’autre intermède plus atmosphérique. Sans oublier l’interlude planant chanté à la manière de Sting, infiltré au beau milieu du single potentiel « Today ». Un morceau irrésistiblement dansant, dynamisé par des percus excitantes, presque latino (des boîtes à rythmes ?) et balisé par une ligne de basse grondante. Sans quoi, hormis l’autre boogie « Mountaintop » et le décapant « Mad », le reste de l’elpee nous replonge dans un style plutôt éthéré, développé en compagnie de Utopia, au cours des seventies. A l’instar de l’approche bluesy, ‘hendrixienne’ exercée sur « Bardo » ou sur le très mélodique et emphatique « Courage ». Caractéristique de l’album, ses 13 titres se résument à un seul mot. Enfin, on épinglera à nouveau la qualité de ses textes à caractère sociologique. Mais ici, il faut quand même une bonne connaissance de la langue de Shakespeare, pour pouvoir en disserter…
On ne croyait plus à la possibilité de voir naître un nouvel opus de Queen. Depuis 1995, année de la sortie du posthume « Made in Heaven », plus rien n’a été publié du côté de ‘Sa Majesté’. On connaissait la passion commune de Mercury et de May pour Paul Rodgers et la formation Free. Mais on n’imaginait pas que le guitariste à la longue chevelure bouclée et son compère de batteur Roger Taylor s’embarqueraient avec Paulo lors d’une tournée mondiale baptisée ‘Queen + Paul Rodgers’. Pour concrétiser définitivement cette nouvelle association, quoi de mieux que d’enfanter d’un véritable album studio ? Mais soyons sérieux. « The Cosmos Rock » n’est pas un album de Queen. On ne ressuscitera jamais le regretté Mercury. Mais pourquoi donc ne pas avoir intitulé cette plaque May Rodgers and Taylor ?
Il y a bien eu Emerson Lake And Palmer, alors… Bref, ce manque total d’honnêteté, qui relève du pur business, n’enlève rien à la qualité artistique de l’objet, car « The Cosmos Rock » comporte un sérieux paquet de bonnes chansons variées, passant du blues au hard, de la pop à la soul. Pas mal de piano au menu et des influences évidentes. Comme ce « Time to Shine » que l’on pourrait imaginer rendre un hommage au « Pinball Wizard » des Who. Caractérisé par ses phrasés à la UFO ou à la Thin Lizzy, « Warboys », le meilleur du lot, sonne absolument heavy. Sublime ! Puis viennent toute une série de chansons beaucoup plus directes, orientées pop/rock à l’instar de « Cosmos Rockin », du single « C-lebrity » un brin plus hard, et du joyeux « Surf’s Up… School’s Out ! » et son harmonica déjanté. Sur « Voodoo », un blues diablement efficace, Brian et Paul se complètent à merveille, tandis qu’un clin d’œil à l’intro de « We Will rock You » apparaît sur le stonien « Still Burnin ».
Soulignons enfin la production énorme de ce pavé riche de 14 titres dédicacé évidemment à la mémoire de Freddie Mercury. On regrette qu’il ne soit pas également dédié au regretté Paul Kossof !
Aussi sympas que Riri, Fifi et Loulou. Aussi charmeurs que le Bon, la Brute et le Truand. Aussi généreux que Melchior, Balthazar et Gaspard, revoici Peter Bjorn et John, les bras chargés de cadeaux. Souvenez-vous de ce trio suédois. Il nous avait ensorcelés en 2006, de son single « Young Folks », une ballade qu’on avait irrésistiblement envie de siffloter, après l’avoir écoutée. Pas vraiment connu de la grande scène jusque là, ce tube planétaire est parvenu à faire sortir de l’ombre notre combo. Occasionnant par ce truchement, la réédition de leurs premiers très bons elpees, « Peter Bjorn & John » de 2002 et « Falling Out » de 2005, tout en aidant à booster au box office, leur galette de l’époque : « Writers Block ».
Certainement remis de leur montée fulgurante dans les charts mondiaux, les trois Suédois se sont remis au travail pour leur quatrième long playing. Et quel travail mes enfants ! Possédant à présent les clefs du succès, Peter, Bjorn et John auraient pu tout simplement se rendre chez un serrurier afin de copier le trousseau et nous ressortir un ersatz de leur succès. Trop facile pour Peter Morén, Björn Yttling et John Eriksson. Plutôt que d’assurer sans se mouiller, le trio a décidé de ramer à contre-courant de la démarche facile. La première caractéristique de cette émulsion provoquée par « Seaside rock » s’explique par l’absence de voix chantée, tout au long des 10 plages proposées. La galette n’est pratiquement qu’instrumentale. Autre particularité qui vaut le détour, le trio à décidé de rendre hommage à leur beau pays, en intégrant style musical et instruments qui les bercent depuis l’enfance. C’est ainsi que de « Inland Empire » à « At The Seaside » on se sent à la fois fouetté par le vent de ces contrées et enroulé en même temps par la chaleur des récits des pêcheurs, parsemé le long de l’album. Un voyage d’une durée de 41 minutes, au cours duquel la valse des émotions fait la nique à l’étiquette pop gentillette que l’on avait vite attribuée au groupe. Simple et profond, la sobriété de cet opus n’affecte en rien la chaleur habituellement transmise sur les précédents essais. « Seaside Rock » est un exemple de liberté d’expression et de prise de risque. Impossible donc de passer à coté de ce petit bijou sans le remarquer et en faire bonne presse. Dont acte.
Flashback: 1986! Wayne Hussey et Craig Adams quittent le Sisters of Mercy d’Andrew Eldritch et fondent Sisterhood, dont ils changent rapidement le patronyme en The Mission. Les rejoignent le guitariste Simon Hinkler (NDR : il a séjourné un bref moment chez Pulp) et le drummer Mick Brown (NDR : un ex-Red Lorry Yellow Lorry). Le premier single « Serpent’s Kiss » atteint le n°1 des charts indépendants. Ce qui leur permet de décrocher un contrat chez Mercury. Pendant 5 années, la formation va susciter un engouement considérable auprès des amateurs de musique gothique. Et pour cause, c’est à cette époque, qu’elle va composer les meilleures chansons. Et sortir ses meilleurs albums. A partir de 1991, The Mission va disparaître dans la zone crépusculaire de l’underground. Subissant, en outre, toute une série de changements de line up. Il y végète d’ailleurs toujours, même à travers les exercices en solitaire des différents musiciens.
Ce box réunit trois disques immortalisés en public entre 1986 et 1990. Des sessions accordées pour la BBC. Cinq en tout. Pour Janice Long, Liz Kershaw et Richard Skinner. Elles figurent sur le premier volume. Et sont particulièrement réussies, il faut l’avouer. Notamment la cover du « Like a hurricane » de Neil Young, celles du « Tomorrow never knows » des Beatles et les incontournables « Severina », « Wasteland », « Wishing well » ou encore « Deliverance ». Un véritable régal ! Et du live retransmis par la radio britannique lors du festival de Reading en 1987, à l’Arena de Wembley en 1988 et au Machester Appolo en 1990. Sur les deux autres cds. Davantage destinées aux fans. Des adaptations trop linéaires à mon goût, gâchées en outre, par le chant trop souvent approximatif de Wayne Hussey. Dommage car on y rencontre des reprises du Free, des Stooges, de Patti Smith et d’Aerosmith. Et puis les parties de guitare sont excellentes. L’objet est cependant luxueux. Inséré dans un boîtier en carton, il est illustré par des images au graphisme gothique d’époque et contient un booklet très complet et fort intéressant.
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