Au sein de la génération blues/rock contemporaine, Joe Bonamassa est sans doute celui qui récolte le plus de succès. Le célèbre magazine ‘Guitar Player’ le clame! Et reconnaissons que ce jeune chanteurs/guitariste possède plus d’une corde à son arc. Sa technique de gratteur est irréprochable. Sa voix taillée pour son répertoire. Il est bon compositeur. Il est capable de mêler du heavy blues au rock carré, sans oublier d’y injecter, circonstanciellement une certaine douceur, notamment lors des plages lentes et acoustiques. Son blues rock est hanté par l'esprit du british blues boom. Un mouvement qui remonte déjà à quatre décennies. Il a recueilli une part de l’héritage abandonné par les Jeff Beck, Jimmy Page et consorts pour aujourd’hui en récolter les fruits. A l’instar de plusieurs musiciens blancs, il a reçu, au cours de son parcours musical, le parrainage du vieux BB King. Ce dernier l’avait d'ailleurs embarqué en 2005, dans le cadre de sa tournée célébrant ses 80 piges.
A trente et un balais, le gamin vient de concocter son huitième elpee. Un disque immortalisé sur les planches. Son premier opus, "A new day yesterday", était sorti en 2000. C’était déjà un ‘live’. Et "A new day yesterday live" paraît déjà deux ans plus tard. Le tracklisting de son nouvel essai enregistré en public fait la part belle aux compos issus de ses deux derniers albums studio : "Sloe gin" et "You and me". Ce qui ne la pas empêché de conserver trois morceaux qui figuraient sur le ‘live’, édité en 2002.
Joe est soutenu par le bassiste Carmine Rojas, le drummer Bogie Beales et le claviériste Rick Malick. "Bridge to better days" ouvre les hostilités. Cette plage donne bien le ton à l'heure et demie de concert. Un rockin' blues puissant, qui me rappelle furieusement ici Mountain, un trio américain drivé par l'imposant (NDR : et le mot est faible !) Leslie West. Depuis ses débuts, Joe s'évertue à reprendre le "Walk in my shadow" du Free. Un titre issu du tout premier elpee de la formation londonienne. Alors encore jeune à l’époque, il faut le souligner. Malheureusement, j’estime que Joe ne parvient pas à faire oublier la voix de Paul Rodgers (aujourd'hui associé à Queen) ; et pas davantage le style minimaliste de Paul Kossoff. Sa reprise du grand classique "So many roads" est plus convaincante. Ce blues lent libère une énorme intensité dramatique, malgré l’exercice de style tout en dextérité qui suit. J’apprécie tout particulièrement le medley "India/Mountain time". L'introduction est majestueuse. L'artiste réussit à nous plonger au sein d’une atmosphère indienne. On y rencontre toute la richesse sonore qui peuple les palais des maharajas, avant de glisser progressivement vers un climat southern rock. Celui de "Mountain time", ponctué d'une sortie exceptionnelle sur les cordes. C'est bien dans ces circonstances que l’empreinte des grands se manifeste. Bonamassa appartient bien à la planète rock. Son "Sloe gin" n'est pas mal ficelé dans le genre. L’elpee recèle quelques reprises. J’épinglerai ainsi une bonne version du "One of these days" de Ten Years After, une autre d’"Another kind of love" de John Mayall, l'excellent "Ball Peen hammer", une compo signée par le regretté artiste texan Chris Whitley mêlant judicieusement cordes acoustiques et claviers ainsi qu’une cover kilométrique du "Just got paid" de ZZ Top. Introduite par l'instrumental "Django", cette adaptation épingle un long intermède au cours duquel le bon Joe se prend pour Jimmy Page. Issu de la plume de Warren Haynes (Allman Brothers Band/Govt Mule), "If heartaches were nickels" est une reprise qui va comme un gant à Bonamassa. Joe chante autoritairement cette version lente et mélodique. Il s’attaque victorieusement au "High water everywhere" de Charley Patton. A cet instant, il est très proche du Georgien Tinsley Ellis ; et démontre qu’il excelle dans ce style très sudiste. Et avouons que notre jeune artiste est capable de varier son répertoire. Sa voix est puissante pour chanter "Woke up dreaming", un morceau au cours duquel il s’accompagne à la sèche. Il termine ce set par la reprise du "A new day yesterday" de Ian Anderson du Jethro Tull, un titre fétiche qu'il fond au passage dans une adaptation du "Starship trooper" de Yes. Quel showman!
Résolument frais et bienveillant, « Me and Armini » glisse sur la peau. De sa voix douce, Emiliana Torrini caresse les pensées chiffonnées du matin. On ne s’en plaindra pas. On n’y cherchera pas non plus midi à quatorze heures. Ce troisième album de l’Islandaise s’écoule sans heurts comme sans véritable saillies. Bien moins torturées que Björk, son éternel terme de comparaison –même label, nationalité et timbre de voix– les narrations d’Emiliana ne tombent pas pour autant dans la monotonie. « Me and Armini » couve un improbable reggae lascif (dans la lignée de la reconversion de Sinead O’Connor) ; « Jungle drum » se laisse emporter par une fraîcheur et franchise sans réserve. « Birds » achemine en acoustique les courbes de la mélancolie. Des tons changeants à l’image d’un passé métisse, comme dira en interview l’Italienne/Islandaise émigrée à Londres.
L’album délaisse ainsi les humeurs trip-hop de "Love in the Time of Science" (1999) et la candeur folk de « Fisherman’s woman » (2005) pour zigzaguer au travers d’un éclectisme assumé. Par-ci s’immiscent un pedalsteel, un glockenspiel, un mélodica. Par-là s’affolent des guitares sèches et un piano lascif. Mais c’est surtout lorsque les morceaux outrepassent la ballade romantique que l’album prend son envol. Le relief grimpe surtout lors du fantastique « Heard it all before », où, sur une rythmique franche et des vocalises plus trempées –inévitablement comparables à Björk– Emiliana Torrini allie sensualité et détermination. Pourvu que ce filon soit mis à découvert pour un prochain album où la douceur s’enroberait davantage de tempérament.
Après avoir tâté de la soul et du rhythm’ blues sur “Fosbury”, sous la houlette des Yankees de N.E.R.D., expérimenté l’une ou l’autre aventure en solitaire (Xavier sous le pseudo Axe Riverboy, Pedro au sein d’un projet électro-dub baptisé MaRadioStar et Médéric à travers un concept electro lo fi répondant au patronyme de Rainbow Dogs), Tahiti 80 a décidé d’en revenir à ses sources. C'est-à-dire à de la pop fondamentale et sophistiquée. Qui navigue aujourd’hui quelque part entre les Zombies et Nada Surf, sans les envolées de guitare. C’est d’ailleurs le groupe rouennais qui s’est chargé de la mise en forme des douze plages de l’opus. Un disque dont le titre est inspiré d’un jouet Fischer Price destiné à l’éveil du nourrisson. Les musiciens de la formation ont même expliqué qu’il recèle tellement de boutons et d’alternatives, qu’ils ont fait le rapprochement avec leur studio. Les harmonies vocales sont limpides, parfois même ‘brianwilsonesques’, les mélodies ensoleillées, contagieuses, rafraîchissantes, l’instrumentation impeccable, la production raffinée (il y a même quelques arrangements de cuivres sur le slow très sixties « Fire escape » ainsi que sur « Come around » et un zeste de clavier vintage épice « Unpredictable »). La plupart des compos sont allègres et vous donnent même envie de les fredonner sous la douche. Alors que manque-t-il (NDR : rien à voir avec le coureur cycliste français décédé en 1987) à Tahiti 80 pour faire la différence. Le succès. Et là, il n’y a que le public qui peut décider…
C’est en accusant un retard assez substantiel que ce « Blood Spirits And Drums Are Singing » est chroniqué. Une sacrée tranche de noise rock sans concession proposée par ce quatuor suédois. Les six longs titres de cet album rappellent pêle-mêle les stridences industrielles des premiers Einstürzende Neubauten, le hardcore expérimental des années 90 (Big Black, Jesus Lizard en moins drôle), les atmosphères paranoïaques et les rythmiques martiales des Swans. Vous l’aurez compris, il ne s’agit pas ici d’un disque que vous pourrez passer dans n’importe quelle soirée, sauf si vous avez envie de casser l’ambiance ou de faire déguerpir vos invités… Blague à part, ce disque tribal séduira les fanas de ‘drones’ et d’expérimentations sonores bruitistes. Sombre et sans concession, à l’instar du très bon et dansant « Rythm Is The Key ».
La chanteuse Rupa peut se vanter d’un parcours hors du commun. Fille d’Indiens installés à San Francisco, elle est retournée dans son Inde natale afin de poursuivre sa scolarité, avant d’atterrir dans le sud de la France, où elle est entrée en contact avec la culture Rom. Elle est revenue à San Francisco pour suivre des études de médecine et chanter dans les bars et cafés du coin. Accompagné des April Fishes, elle sort « Extraordinary Rendition », un elpee presque entièrement chanté dans un français un peu maladroit. Entre légèreté et gravité, cet album hésite entre ambiances manouches et bal musette. Et le tout est souligné par quelques touches de jazz enfumé ainsi que de folklore balkanique. Tirant un peu sur la longueur, cet opus uniforme souffre un peu des limitations vocales de Rupa et d’une inspiration mélodique pas toujours optimale. Tout n’est pas à jeter (« Une américaine à Paris »), mais ce disque est surtout réservé aux fans de musique acoustique festive et à ceux qui ne jurent que par l’exotisme un peu toc de Pink Martini.
Votre serviteur a toujours été un adepte du bon death metal old school. De Morbid Angel à Obituary, de Carcass à Suffocation, de Mayhem à Immortal, dans un registre plus black, la surenchère de la brutalité métallique n’a jamais été un problème. Je confesse toutefois que mes chastes oreilles ont été peu réceptives à des formations telles que Napalm Death, Dying Fetus, Cannibal Corpse, et autres tueurs qui ont engendré la vague death/grindcore.
Misery Index appartient sans nul doute aux héritiers de ce courant, et doit autant à Brutal Truth qu’au combo punk hardcore Discharge, une référence en matière de rock violent. Misery Index possède le grand mérite de ne pas céder à la tentation d’exploiter les grands clichés du style, et n’est pas de ceux qui pratiquent la langue de bois. C’est bien d’un groupe engagé dont il est question. En bons visionnaires de la situation mondiale, Misery Index éructe sur les malversations des dirigeants d’une Amérique en pleine récession économique. Autant dire que les banques, les politiques, les religieux et les marchands d’armes en prennent pour leur grade, au fil des onze chapitres de cette œuvre âpre, dérangeante, robuste… Courses folles contre la vitesse, guitare outrancières et chant haineux pour un combo qui soigne, malgré tout, sa différence avec ses pairs. Car Misery Index possède un son bien à lui et nous offre des titres groovy et des riffs particulièrement bien soignés. Bien plus qu’une copie de Cannibal Corpse ou de Pig Destroyer, le bolide assène ses coups de massue avec panache, tout en bottant les fesses de ceux qui dirigent le monde. « Traitors » va enflammer les amateurs de death/grind à défaut de pulvériser la planète !
Enregistré en concert dans un club de Rotterdam, cet Ep cinq titres, majoritairement instrumental, témoigne des premiers pas d’une formation composée de vétérans du post-rock hollandais des années 90. Les longues plages instrumentales trahissent les racines post-rock des cinq gaillards mais témoignent aussi d’un amour certain pour le jazz rock des années 70 et les incursions contemporaines d’Erik Truffaz. Des synthés baroques, des guitares wah-wah, des touches de violons s’articulent autour d’improvisations ‘modales’ (basées sur un thème mélodique unique) pas toujours inspirées. On est proche des ambiances de l’album « Bitches Brew » de Miles Davis (en beaucoup mois bien, évidemment), à la différence près que les thèmes mélodiques de The Mirror Conspiracy sont ancrés dans le rock et non dans le jazz. Autre différence fondamentale : ces cinq titres manquent singulièrement de magie. Les impros fleurent un peu la musique de galerie commerçante et les thèmes manquent du souffle nécessaire pour qu’on se sente transporté dans un autre monde. Pour les amateurs du genre, donc ; et encore…
Danseuse et chanteuse pour le théâtre national éthiopien depuis l’âge de six ans, Minyeshu a quitté l’instabilité de son pays natal pour venir s’installer en Europe. Ce deuxième album solo de la chanteuse propose le mariage de chants, rythmes et instruments typiquement éthiopiens à des styles proches du jazz (« Buna »), du pop/rock et même du reggae (sur « Afrika »). Le beau et épuré « Tileshign athidg » constitue l’exception stylistique de « Dire Dwa ». Le reste de cet album, dont le titre rend hommage à la ville natale de Minyeshu, cherche beaucoup trop à mélanger les genres. Une formule qui risque fort de rebuter les fans purs et durs de musique éthiopienne, telle qu’elle est magnifiquement représentée dans les compilations « Ethiopiques ». Ce qui n’enlève rien à la qualité du disque. Car malgré quelques aspects un peu ‘occidentalisés’, il recèle quelques très bons moments mélodiques et peut constituer un bon point d’entrée dans la très riche et complexe musique éthiopienne.
Ben là, on baigne en plein dans l’ambient. Ce « Strange attractor » n’est disponible qu’en téléchargement via le site du groupe (http://www.mercuryrev.com) et est issu des mêmes sessions d’enregistrement que « Snowflake Midnight ». Pas de vocaux, mais un ‘spoken word’ en fin de parcours. Donc un album quasi instrumental. Difficile dès lors de faire plus visionnaire. Le groupe a d’ailleurs expliqué que les onze compos de cette œuvre reflètent parfaitement leur manière de travailler depuis deux ans. Et que si les morceaux ont une fin, ils laissent à l’imagination de chacun le soin d’y trouver un prolongement. Ambient donc, mais traversé d’un zeste d’indus et épicé d’un chouia de techno. Et là je me répète, mais si vous voulez en savoir davantage, il suffit de prendre connaissance de l’interview que le guitariste Grasshopper et le drummer/claviériste Jeff Mercel ont accordée à Musiczine. Personnellement, je me demande même si les plages les plus atmosphériques de cet opus ne pourraient pas servir de bande-son aux reportages ‘Ushuaïa’ de Nicolas Hulot… Quant au reste, il est digne de la production des meilleurs artistes électro, signés chez Warp. Lorsqu’il ne prend pas carrément ses sources chez un maître comme Terry Riley. Un avis que partagent d’ailleurs de nombreux magazines spécialisés britanniques…
Pour mieux cerner le concept de cet album, je vous invite à lire ou à relire l’interview que le guitariste Grasshopper et le drummer/claviériste Jeff Mercel ont accordée à Musiczine. Et pour cause, Mercury Rev a décidé de se frotter à la musique électronique. Une démarche comparable à celle de Radiohead pour « Kid A » et « Amnesiac », même si manifestement la perspective est différente. Beaucoup de softwares de la nouvelle génération on été utilisés. Et en particulier des générateurs de notes aléatoires. Pourtant, j’ai plutôt l’impression que sur leur septième opus, la formation américaine s’est surtout imprégnée des seventies et des eighties. De l’indus et de l’ambient, notamment. Puisant apparemment ses sources tantôt chez Tangerine Dream, Depeche mode circa ‘Violator’, Ryuichi Sakamoto, Boards of Canada et surtout John Foxx. Certaines compositions osent quand même des climats plus torturés. A l’instar de « People are so unpredictable (there’s no bliss like home) », caractérisé par ses cadences variées. Ou du trip hop « Dream of a young girl as a flower ». Et puis, il y a toujours la voix haut-perchée, emphatique, de Jonathan Donahue, responsable de lyrics aussi poétiques que visionnaires. Sans oublier la préservation du sens mélodique très spécifique à Mercury Rev. Maintenant, il est évident que ce type de solution sonore exige un indispensable support visuel pour être apprécié à sa juste valeur. A moins que sur les planches, sous une forme hybride, elle prenne une autre dimension. Mais franchement, je crains fort que les aficionados purs et durs du combo aient beaucoup de mal à accrocher…
Kaiser Chiefs ne chôme pas. Et pour cause, “Off with their heads” constitue déjà le troisième album de la formation de Leeds en quatre ans. Plus de Stephen Street, cependant, à la mise en forme, mais Eliot James (The Rakes, Bloc Party) et surtout Mark Ronson (Lily Allen, Amy Winehouse). On aurait pu d’ailleurs éprouver les pires craintes en voyant débarquer le bidouilleur/producteur londonien. Pas de souci, il a juste fait appel à Lily pour une compo (le contagieux « Always happens like that ») et à Sway sur « Half the truth », un morceau qui s’ouvre en mode new wave, à la sauce XTC très précisément, avant que le rappeur ne vienne poser son flow en fin de parcours. Bref, hormis les dispensables « Good days bad days », « Addicted to drugs » qui pompe un peu trop « Addicted to love » de Robert Palmer et l’insipide « Tomato in the rain », le reste tient la route. Depuis les allègres « Spanish metal (NDR : un mélange entre flamenco, prog et metal) et « Never miss a beat » (NDR : bien balancé et vivace, c’est aussi le single) jusqu’à la ballade émouvante « Remember you’re a girl », chantée par le drummer Nick Hodgson, en passant par « Like it too much » et ses cordes à la « Eleanor Rigby » arrangées par David Arnold, le très eighties (Yazoo ?) « You want history », malgré son clin d’œil appuyé au « Girls & Boys » de Blur (NDR : l’esprit de Damon Albarn plane quand même souvent tout au long de l’opus) et le très sixties « Can’t say what I mean », caractérisé par ses claviers rognés et ses cordes de guitare croustillantes (Inspiral Carpets ?) Bon maintenant, il faut reconnaître que les lyrics ne cassent pas des briques, mais ce n’est pas la priorité chez ce type de groupe britannique, pourvu que les compos soient hymniques (ça rime !)…
Pas facile de livrer un successeur à un album d’aussi bonne facture que « Giant », sorti en 2006. Les premières écoutes de « Next Year In Zion » laissent un goût de trop peu. Alors on impute cette situation au départ d’André Düne. Et on conclut que son frère David-Ivar, seul aux commandes depuis le départ de son frère, n’a pas réussi à rééditer la magie de « Giant »… Mais ce serait poser un jugement hâtif sur « Next Year in Zion ».
Enregistré dans les conditions du ‘live’ au sein d’un studio français, « Next Year In Zion » recèle les mêmes ingrédients musicaux que son illustre prédécesseur : une orchestration riche (cuivres, percussions, chœurs) et une ambiance chaleureuse et mélancolique à la fois. Entre folk (Dylan et Leonard Cohen surtout), cuivres jamaïcains (notre homme est fan de reggae) et soul des sixties, David-Ivar a tout de même pondu quelques chansons de toute grande classe. De « Try To Think About Me » à « On A Saturday », en passant par « Someone Knows Better Than Me » et le testament apocalyptique de « Poison In The Rain », le disque constitue une belle réussite dotée d’une grande richesse mélodique susceptible d’enterrer la moitié de la production pop/rock actuelle. Même s’il faut avouer que l’ami David-Ivar semble quelquefois courir (en vain) derrière un nouveau « I wish that I could See You Soon », ce disque très recommandable réchauffe le cœur.
Après 5 travaux et 13 années de bons et loyaux services au sein de The Wallflowers, aujourd’hui en hiatus, Jakob Dylan prend la route en solitaire. Fière progéniture d’un certain Bob, l’interprète se tourne vers le folk rock, l’un des styles qui a fait la popularité de son père. A priori peu judicieux lorsque l’on déclare haut et fort que l’on désire se détourner de l’étiquette ‘fils de’. « Seeing Things » est donc la première déclaration d’individualité de Jakob Dylan. Et force est de constater que le singer-songwriter la rédige avec brio, parvenant à échapper aux inconvénients d’une comparaison inexorable.
Pour sa première œuvre en solo, Dylan se promène paisiblement entre folk, americana et blues. « Seeing Things », produit par Rick Rubin, présente une facette de l’interprète que celui-ci n’avait jamais pu exploiter au sein de sa formation originelle. « War Is Kind », « Valley Of The Low Sun », « Something Good This Way Comes » ou l’impeccable « I Told You I Couldn’t Stop » sont autant de morceaux très justement dépouillés et brillamment écrits. Les vocalises de Jakob Dylan, plus magnétiques qu’auparavant, absorbent l’auditeur d’une manière si naturelle que « Seeing Things » semble s’achever bien trop rapidement. Le fils de la légende délivre un premier ouvrage impeccable et se détache sans aucun mal de l’ombre paternelle.
Formé en 1997, The Datsuns est issu d’une scène peu reconnue pour son rock. La Nouvelle-Zélande, ce n’est pas l’Angleterre, ni même l’Australie. Pourtant, en l’espace de trois albums, ces disciples du hard seventies ont réussi à se faire connaître auprès d’un public relativement large. Leur premier effort, tout simplement baptisé « The Datsuns », sort en 2002. En plein revival rock garage, le combo se voit adulé, en Europe notamment, à l’instar de leurs voisins de The Vines. La vague retombant, les sorties de « Outta Sight, Outta Mind » en 2004 et de « Smokes n’ Mirrors » en 2006 se font beaucoup plus discrètes mais demeurent des plaques parmi les plus honorables du genre.
Flanqués d’un nouveau batteur, les disciples du MC5, de Led Zep et des Sonics reviennent en force. Et pour cause, leur « Headstunts » est d’une plus grande richesse musicale encore. Oeuvrant toujours dans une veine à mi-chemin entre le hard rock et le garage des années 70, ce quatrième elpee se démarque de ses prédécesseurs par quelques tonalités pop et une volonté évidente de toucher un public moins orienté vers le métal.
Ce qui n’enlève rien à l’énergie ravageuse des Datsuns ; car si la formule se renouvelle, elle fait mouche dès la première écoute. On ne s’ennuie pas un seul instant depuis le titre d’ouverture –également nouveau single– « Human Error » jusqu’au psychédélique « Somebody Better ». Cette œuvre boucle ainsi ce pavé qui suinte la nostalgie tout en s’inscrivant parfaitement dans l’air du temps ! Le combo sait parfaitement ce qu’il veut et s’amuse à désorienter son public avec finesse et malice. « Headstunts » n’est-il pas une subtile anagramme de The Datsuns ? Une plaque parsemée de surprises et de titres forts. Probablement le meilleur album des Néo-Zélandais. Le plus abouti en tous cas !
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