Prenez un bon son rap, issu d’une subculture américaine, et ôtez-lui toute animosité. Déposez dessus un flow décapant, des voix campées magistralement, des cuivres ‘couinants’ et des violoncelles décomplexés, et vous obtiendrez Flobots. Si vous l’associez à une teinte de rock alternatif, où le fantôme d’une énergie positive et un engagement politique style Rage Against The Machine planerait, vous serez en possession de « Fight With Tools ». Vous êtes vernis. Cette petite surprise issue du label Universal Republic (Amy Winehouse, Jack Johnson, Money Mark,…) cumule plusieurs effets à son audition. Le premier est de saisir parfaitement le langage et l’ambiance qui s’en dégagent sans même se forcer. Le deuxième provoque une envie irrésistible de battre la mesure, du genre à se claquer la main sur la cuisse. Le troisième procède de la qualité de l’album : il n’y rien à jeter sur l’album et il semble rouler tout seul. Il n’émane à aucun moment, même lors de break beats découpés à la scie, une sensation d’instabilité inconfortable. Le dernier effet, et pas des moindres celui là, se définit en un frisson, produit par la clarté des cordes du violoncelle, dont le ton onirique est particulièrement saisissant. Riche et pertinente, cette galette fleure la saveur des grandes cuisines, celles où la marmite est chromée et où les aliments cuisent sans attacher. Vous l’aurez compris, « Fight With Tools » n’est pas surprenant que dans sa constance qualitative ; il l’est aussi par la découverte d’endroits inusités, et l’association d’éléments diamétralement opposés à la base finissent par se rejoindre en un noyau. Il en ressort une sensation d’unité, où tout est possible, où tout semble accessible. Flobots ? D’la balle mec !
Difficile de passer derrière celui qui aura apporté un minimum de crédibilité au milieu peu apprécié du télé-crochet. Et après ses performances décalées à la ‘Nouvelle Star’ de M6, dieu sait que les critiques l’attendaient au tournant, prêt à apposer l’étiquette ‘caricature’ sur la pochette de son premier essai. A ces derniers, Julien Doré répond par un joli bras d’honneur adressé sous la forme d’un « Ersatz », écartelé entre rutilance et disparité réfléchie. « Les Limites », le frétillant single porte-drapeau, était loin d’annoncer la couleur. Et le jeune homme le fait comprendre dès les plages d’ouverture. « Acacia » et son écriture à la Nick Cave ou « Les Bords de Mer » dévoilent un Julien Doré folky et un brin plus affecté qu’il n’y paraît.
« Ersatz » contient de véritables réussites telles que « De Mots », fruit d’une excellente collaboration entre Doré et Arno, « Les Limites », « First Lady », « Figures Imposées » le second single très 80’s relevé par un clip divinement kitch et, surtout, le ravissant « Piano Lys ». Mais parce que son premier disque ne pouvait être parfait, Doré se barre parfois dans des délires accessoires comme sur le politiquement incorrect « Bouche Pute » dont seule la seconde partie instrumentale relève l’intérêt, la reprise falote du « SS In Uruguay » de Gainsbourg ou encore « Pudding Morphina » un duo avec Christophe interprété dans un anglais plus qu’approximatif. Malgré ces quelques faiblesses, « Ersatz » est un premier travail efficace dont les failles devraient permettre à Julien Doré de confectionner un second ouvrage solide. Just wait and see…
A ma gauche, Dan Le Sac, bidouilleur confirmé. A ma droite, Scroobius Pip, prodige du spoken word. Une rencontre. Providentielle s’il en est. Le premier fusionne sans complexe beats electro et hip hop aux rythmiques pop ou rock les plus inattendues. Le second dessert sa prose comme s’il était né le micro à la main. Cette collaboration démarre l’an dernier, lorsque Dan Stephens alias Dan Le Sac et David Meads aka Scroobius Pip proposent via Lex Records un premier EP explosif intitulé « Thou Shalt Always Kill ». Les choses s’enchaînent alors très rapidement pour les deux gaillards qui, après la sortie de « The Beat That My Heart Skipped », un second single aussi détonant que le précédent, se voient signer un deal au sein de l’obscur label Sunday Best. Et ce dernier, qui jouit d’une distribution via Pias, a sans conteste décroché le gros lot, « Angles » étant probablement l’une des tueries de 2008.
La première œuvre du duo s’ouvre sur « The Beat That My Heart Skipped », une mise en bouche alléchante. Dès les premières rimes, on boit les paroles du prophète Pip en secouant la caboche sur les beats bien capitonnés de frère Dan. Ce dernier n’hésite pas à catapulter des loops fiévreux (« Back From Hell ») et enivrants (« Angles », « Reading My Dreams ») ou des samples déroutants (« Letter From God To Man », « Fixed »). Quant au premier, il réécrit les commandements avec une justesse toute contemporaine (« Thou Shalt Always Kill »), prône le positivisme (« Magician’s Assistant », « Waiting For The Beat To Kick In ») et se fait la voix du Seigneur, sans complexes (« Letter From God To Man »). Sur « Development », les deux hommes annoncent : ‘Underground intelligent Hip-Hop development progression is our intent, ladies and gentlemen’. « Angles » le prouve largement. Immanquable.
Dans un magazine spécialisé, un journaliste a écrit que cette formation était à l'actuelle décade ce que Jesus & the Mary Chain était aux 80’s. Il n’a pas tout à fait tort. En fait, les Buffalo Killers (NDR : ils sont originaires de Cincinnati dans l’Ohio) puisent leur inspiration majeure dans une certaine musique des sixties. Les accents de leur musique sont manifestement psychédéliques, même si elle s’avère raisonnablement pop. Côté harmonies vocales, on ne peut s’empêcher de penser au Buffalo Springfield de Neil Young et Steve Stills. A moins que ce ne soit du Vanilla Fudge. Quant aux guitares largement amplifiées et déjantées, elles évoquent plutôt Steppenwolf voire Iron Butterfly. "Let it ride" constitue leur second elpee. Il a bénéficié du concours de Dan Auerbach, le chanteur/guitariste des Black Keys, à la production. Il fait suite à un opus éponyme. La force de frappe des Killers repose sur les frères Gabbard. Ils se partagent les vocaux. Zachary se réserve cependant la basse et Andrew, la guitare. Ils sont épaulés par le batteur Joseph Sebaali. Au cours de la première moitié de 2008, ils ont tourné en compagnie des Black Keys. Et cet automne leur nouveau périple leur permettra de jouer en supporting act des Black Crowes.
"Get together now today" nous replonge en effet très loin dans le passé. Au temps des trios post ‘summer of love’ responsables d’un hard rock dit progressif. La musique est très bien produite. La voix nonchalante est soutenue par des harmonies vocales réminiscentes du Buffalo Sprindfield. L’intensité instrumentale est très marquée. Blue Cheer est un combo qui avait fait un tabac en 68 (NDR : pour votre gouverne, sachez que ce band est toujours actif en 2008 !), lors de leur reprise du "Summertime blues" d'Eddie Cochran. Cette influence est manifeste sur "Let it ride". A cause de cette manière d'éructer les mots ; et puis de ces accords de guitares tourmentés et largement amplifiés. Couverts d’accents délicieusement pop, "Leave the sun behind" baigne au sein d’un climat beatlenesque, époque "Sgt Pepper". Les Buffalo Killers adorent restituer ces 'nuggets', des pop songs psychédéliques, délirantes, qui ont marqué le cœur des sixties. "If I get myself anywhere" en est une belle illustration. Tout comme "Give and give", une plage caractérisée par une grande richesse mélodique. Par contre, l’immersion dans le blues ne leur sied pas trop. Boogie rock, "On the prowl" est ainsi trop complaisant pour convaincre. Là où ils sont dans leur jus, c’est lorsqu’ils s’imprègnent de la folie du Blue Cheer. Ils le confirment une nouvelle fois sur "It's a shame" et "Take me back home". Luxuriant et puissant, mais toujours aussi pop et mélodique "Black paper" achève l’opus. Un titre dont l’approche est similaire à celle de Neil Young sur ses premiers albums.
Blue Mountain est devenu une véritable légende chez lui. A Oxford, dans le Nord du Mississippi. Mais Blue Mountain c’est avant tout est le nom d'un patelin, situé entre la ville d'Oxford et le Tennessee tout proche, près de la Holly Springs National Forest. Ce groupe a vécu une première aventure entre 1991 et 2001. Et s’appuyait déjà sur le couple légitime Cary Hudson/Laurie Stirratt. Le premier est chanteur/guitariste. Sa charmante épouse bassiste. Elle est également la jumelle de John Stirratt, également bassiste, mais chez Wilco. A cette époque, Blue Mountain avait beaucoup tourné et enregistré pour le label Roadrunner. Et avant de se lancer dans ce projet, le couple avait sévi au sein des Hill Tops. Depuis l’été 2007, ils viennent donc de remettre le combo sur rails. Ils ont à nouveau fait appel au drummer Franck Coutch, qui les avait déjà épaulés pendant sept ans, lors de la première mouture du band. Réunissant de nouvelle compos, ce "Midnight in Mississippi" paraît au même moment qu’"Omnibus", un autre elpee qui rassemble de nouvelles versions d'anciennes chansons.
L'opus s’ouvre par "Groove me". Un titre de country/folk/pop empreint de charme, de douceur et surtout très accessible. Le groupe véhicule une étiquette alt country. Je ne vois pas trop ce qui est alternatif ici, tant leur sens mélodique est aiguisé et leur production léchée. Ou si vous préférez, tant ce type musical est susceptible de plaire à toutes les oreilles. Encore que côté lyrics, on y décèle d’évidentes références à la drogue. Ce qui explique sans doute pourquoi on les traite de marginaux… Leur country/rock me botte quand il évolue dans un registre proche des Byrds du début des 70’s. Lorsqu’ils étaient drivés par Jim McGuinn et Graham Parsons. Tonique, "She's a wild one" en est une belle illustration. Les échanges entre cordes acoustiques et électriques sont superbes. Tout comme sur "Free state of Jones", par ailleurs. L’opus recèle quelques compos sculptées dans des mélodies tendres, doucereuses, parfois un peu trop sucrées à mon goût. A l’instar de "Butterfly" ou encore "70's song", un morceau qui me rappelle furieusement une ballade de Joe Dassin. Par contre, dans le style, "Rainy day" est de toute beauté. Dommage que la formation ne laisse pas plus souvent éclater sa réserve, se contentant trop souvent de laisser les portes entrouvertes. C’est d’ailleurs un dessein que je leur souhaite, afin que le band puisse véritablement se réaliser. Et il le démontre sur le très percutant "Midnight in Mississippi". La voix est beaucoup plus rageuse. Le timbre me rappelle même Bob Dylan. Les petites interventions à l’harmonica aussi. Cette manière paresseuse de chanter colle bien au style de Hudson. Et on en a une nouvelle illustration sur "Emely smiles" ou encore "Pretty please", un morceau très riche, inflitré par des nappes d’orgue. Et comme nous sommes dans le Mississippi, le blues n'est jamais bien loin. "Gentle soul" trempe dans un frome de country laidback instituée par JJ Cale. Les parties de cordes en slide y sont fort intéressantes. Et le couple n'oublie pas de célébrer les dimanches soirs d'autrefois, quand ils partaient vers le juke joint de Junior Kimbrough à Chulahoma, écouter le Mississippi blues pur et dur de Junior et de R.L Burnside. Ce qui nous vaut en final, un "Skinny dipping" aux accents du Delta très métalliques…
Enfin ! Après huit années d’attente interminables le grand ‘Rock n’ Roll Train’ est de nouveau sur les rails. AC/DC a donc pris tout son temps, mais l’engouement de ses fans ne semble pas avoir pris une ride. Ses concerts au Sportpaleis d’Anvers les 1er et 3 mars 2009 ont affiché complet en moins de 90 minutes, et les précommandes de « Black Ice » ont été trois fois supérieures à celles du dernier né de Metallica. C’est dire si le gang des frères Young a le vent en poupe.
« Black Ice », quinzième livraison du plus grand phénomène de toute l’histoire du hard rock, a bénéficié de la production léchée de Brendan O’Brien, réputé notamment pour son travail accompli auprès de pointures comme Pearl Jam ou Rage Against the Machine. Afin de ne pas déroger à la règle, l’enregistrement et le mixage ont été réalisés par Mike Fraser au Warehouse Studio de Vancouver. Inamovible, le rock d’AC/DC constitue une sorte de formule sacrée. Le combo n’a d’ailleurs jamais sorti de véritable mauvais album. Bien sûr, « Black Ice » est loin d’être aussi obsédant qu’un « Back in Black » ou un « Powerage ». Il n’en possède ni la magie, ni ses hymnes incontournables. Mais comment résister au son unique des guitares des Young brothers, à la batterie linéaire mais implacable de Phil Rudd, à la basse vrombissante de Cliff William, aux refrains fédérateurs scandés par un Brian Johnson dont le timbre rocailleux demeure intact. Tout est réuni pour plaire aux fans. Et si le single « Rock n’roll Train » est l’unique titre susceptible de figurer sur un des 287 « Best of » qui sortiront dans les dix prochaines années, on retiendra quand même un « Big Jack » qui donne envie de taper du pied dès les premières mesures, un « Stormy may Day » surprenant, grâce à l’utilisation inattendue de la slide guitare, et une plage titulaire qui referme la plaque noire avec autant d’élégance. « Black Ice » n’est pas un grand album d’AC/DC, c’est un album d’AC/DC tout simplement. Bien sûr, difficile de nier qu’un certain Airbourne a dépassé son maître, en sortant, il y a quelques mois une plaque ressemblant furieusement à un « Highway to Hell II ». Il serait d’ailleurs suicidaire de la part de la bande à Angus d’engager ces jeunes compatriotes pour la grande tournée à venir…
Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/acdc?ob=1
Quel bonheur ! De toute la vague des groupes ‘metal à chanteuses’, Within Temptation a toujours été, pour votre serviteur, le plus intègre, le plus prometteur aussi ; celui qui restera et qui réussira à se faire aimer par l’ensemble de la communauté metal. « Black Symphony », sorti en format double dvd et double cd, renforce encore la crédibilité du combo emmené par la charismatique Sharon Den Adel. Au-delà du metal, et tout simplement de la musique, la nouvelle œuvre apparaît tel un spectacle grandiose, une prestation majestueuse, un triomphe au romantisme gothique. Symphonique à la base, la musique de Within Temptation est magnifiée par la conjonction d’une vingtaine de choristes et d’un orchestre de soixante musiciens ! Le groupe s’est donné les moyens de ses ambitions et réussit haut la main là où d’autres ont échoué lamentablement. Il s’agit même ici probablement de la plus belle collaboration entre un groupe heavy et un orchestre classique.
La play list fait la part belle aux deux derniers efforts des Bataves, « The Heart of Everything » et « The Silent Force » ; mais lorsque le combo se lance dans les réinterprétations de son chef d’œuvre, « Mother Earth », on atteint les sommets de la grâce et de l’élégance qui caractérisent la musique des Hollandais. Lors de ce spectacle, enregistré et filmé au Ahoy de Rotterdam en février 2008, la jolie chanteuse est accompagnée par Keith Caputo, ex Life of Agony, sur le single « What have you Done », mais aussi par George Oosthoek d’Orphanage, responsable des parties de chant gutturales sur « The Other half of Me ». Mais le moment le plus émouvant du concert est sans nul doute le duo échangé en compagnie d’Anneke Van Giesbergen, ex The Gathering, sur un « Somewhere » transcendé par les deux plus belles voix féminines de la scène metal gothic. Deux heures qui passent à la vitesse de l’éclair ! Absolument imparable.
Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/wtofficial?ob=4
Depuis la sortie de « Love Is A Schizophrenic Hungry Monster », Elvis’ Ghettoblaster est de plus en plus présent sur la scène rock belge. Critiques élogieuses à leur égard, présence à quelques festivals dont celui de Dour : il semblait donc évident pour le trio bruxellois de planter leur décor dans l’arène de la Rotonde du Botanique. Une soirée à l’ambiance particulièrement décontractée, très cool si vous préférez, reflétant l’attitude des musiciens aussi habiles un verre en main que sur leurs instruments.
Avant le gros moment rock’n roll de la soirée, Hey Yeah ! tente tant bien que mal de chauffer la salle. Pas facile, car il n’y a pas foule ; même si on peut qualifier l’audience d’encourageante. Le rock de ce jeune trio bruxellois ne manque pas de subtilité. L’influence des Libertines est assez marquée. Leur show souffre quand même d’une carence en relief et se complaît dans une certaine naïveté. Ce qui n’empêche pas une frange de l’assembler de marquer sa satisfaction.
Les trois trublions d’Elvis’ Ghettoblaster débarquent enfin. Ils sont plutôt loquaces et multiplient les traits d’humour. En outre, leur nonchalance leur colle bien à la peau. Visiblement quelques bières ont suffi pour leur assurer une sérénité certaine. Et la formation brise d’entrée un silence embarrassant en balançant une intro instrumentale, histoire de remettre les esprits en place et puis aussi d’entamer le show. « Rockus Porkus », « Stoner » et « Die » préludent une soirée rock en puissance. Il y a bien quelques petits problèmes techniques, mais vu l’expérience des musicos, ces détails ne semblent pas les perturber. Orphelin de leur chanteur, le combo éprouve quand même quelques difficultés à trouver le bon équilibre au niveau des vocaux. Heureusement, le trio compense ces imperfections par un aplomb digne de chevronnés ; et puis affiche un réel plaisir à se donner à fond, propension qu’il va s’évertuer à entretenir tout au long du set. Et comme tout baigne, le groupe n’hésite pas à expérimenter quelques nouvelles variations ; à l’instar d’une version reggae surprenante de « Champagne and Wine ». Un petit bonheur ! Bien sûr, on pourra leur reprocher l’absence de boucles électro qui jalonnent le second opus du trio. Mais difficile d’en demander davantage à notre ami Enzo qui cumule chant, guitare et claviers. Et il faut le souligner, son art à jongler entre les différents instruments est stupéfiant. Au sein de la setlist, j’épinglerai cependant quelques petites pépites comme une superbe adaptation du « Feel Alright » des Stones et puis un nouveau morceau, encore sans titre, bourré d’énergie et d’électro ! Live, Elvis’ Ghettoblaster est sans doute moins pêchu que sur disque ; cependant, au cours de cette soirée il a manifesté un état de forme et une efficacité qui font plaisir à voir et à entendre…
Applaudissements nourris mais sincères de l’assistance peuplée de fidèles aficionados. Dommage qu’il n’y ait pas eu un peu plus de monde. Un bel exemple à suivre ! Chapeau les gars !
Organisation Botanique
Déjà 3 ans que les Cranes ne s’étaient plus produits en Belgique. Qu’étaient-ils devenus ? La voix d'Alison Shaw était-elle toujours aussi pré-pubère? Et surtout, les ‘grues’ étaient-elles encore susceptibles de déplacer suffisamment de fans pour remplir le VK ?
Pour celles et ceux qui ne connaissent pas The Cranes, imaginez un peu la musique de The Cure période « Pornography » voire « Disintegration », si Robert Smith avait été de sexe féminin. Enfin, pas seulement, puisqu’il y a du Tolkien dans l'ambiance. Il y a de l’éther atmosphérique aussi. Bref, un trip au sein duquel il faut oser et être capable de rentrer. La salle de Molenbeek n’était qu’aux trois-quarts remplie. Et en majorité de trentenaires. Dommage ! En fait, à l’instar des Charlatans, qui s’étaient également produits au VK en février dernier, la formation issue de Portsmouth éprouve de grosses difficultés à renouveler son contingent de fans. Evidemment, en n’accordant plus de concert chez nous depuis 2005 (un crochet par le VK et une première partie de Cure à Lokeren), difficile de se rappeler au bon souvenir de ses aficionados.
Début de set, les morceaux manquent carrément de pèche. Et le son est tout à fait catastrophique. Mécontent, un spectateur dit même tout haut ce que tout le monde pense tout bas. Et dans la langue de Molière ! Déjà pas trop à l’aise en début de parcours, la brave Alison n’y comprend rien, imaginant que cette critique lui est adressée. Curieusement, à partir de cet instant –je ne suis pas ingé du son, mais bon je n’ai pas les oreilles bouchées– la qualité sonore est devenue, au fil du temps, de plus en plus nette. Bizarre... Enfin, passons… Bref, à cet instant, la prestation est encore trop inégale pour convaincre. Alison cherche ses marques ; et surtout à poser sa voix. A leur décharge on notera que cette date bruxelloise n'était que la seconde de leur périple (NDR : le combo avait joué à la Maroquinerie de Paris, la veille). Et leur dernière tournée date déjà de trois longues années.
Mais le show s’est bonifié en deuxième partie. Là, la magie a vraiment (et enfin) commencé à opérer. Carton plein pour "Far away", "Adrift", "Everywhere" et "Paris and Rome", avant une série copieuse de rappels. Soit plus de deux heures de concert. Générosité, tendresse, émotion... ce band est définitivement le genre musique à écouter en boucle pendant un gros câlin. Pas besoin d'un pétard. Leurs mélodies ont toujours eu la formule pour générer des hormones zen, destinées à atteindre directement le cortex reptilien (le plus primaire). Alors, oui, certaines tonalités sont un peu surannées, comme nous le reprochait l’un ou l’autre spectateur lambda. Mais ce côté vintage donne in fine tout son charme à la formation insulaire. Et puis, il y a Alison. Toujours d'une gentillesse, d'une attention rare vis-à-vis de son public. Nous sommes ses invités. Elle ne veut pas nous décevoir… Laissons les enchaîner les dates et rôder encore leur set (leur nouvel album sort cette semaine). Et si pour l’été prochain, des organisateurs de festivals ont suffisamment de flair pour les inviter, ils devraient (comme naguère) casser la baraque.
Setlist :
1 Clear
2 Jewel
3 Vanishing point
4 Future song
5 Worlds
6 Wires
7 Panorama
8 Feathers
9 Sunrise
10 Far away
11 Adrift
12 Here comes the snow
13 Flute song
14 Everywhere
15 Paris & Rome
NB : dans leur élan de générosité, les Cranes ont encore interprété trois titres qui ne figurent pas sur la setlist officielle.
Le label Ruff a monté, voici quelques années, un projet fort intéressant : le Blues Caravan. Une initiative qui permet aux artistes de cette écurie d’opérer une tournée à travers le monde. En 2005 Ana Popovic, Candye Kane et Sue Foley y avaient participé. En 2006, Aynsley Lister, Ian Parker et Erja Lyytinen. Lors de l’édition 2007, la part belle a de nouveau été accordée aux ladies ; et en particulier à Sue Foley, Deborah Coleman et Roxanne Potvin. Enfin, en 2008, ce sont toujours les filles qui se sont taillé la part du lion. Pour la circonstance, on remarque le retour de Candye Kane et de Deborah Coleman ; mais également on assiste à la participation d’une nouvelle figure, Dani Wilde. La ronde californienne Candye Kane est la plus connue. Elle s’est souvent produite chez nous. Une véritable bête de scène à voir et à revoir en ‘live’. Miss Coleman ne jouit pas de la même notoriété. Mais elle n'en est pas moins talentueuse. Originaire de Virginie, c’est une guitariste féline. La surprise ou si vous préférez la découverte nous vient de la très jeune chanteuse/guitariste anglaise, Dani Wilde. Elle a chopé le virus du blues à l’écoute de ses consœurs féminines, Shemekia Copeland, Sue Foley et Susan Tedeschi. La Blues Caravan 2008 est un long périple qui s’étale de janvier à novembre…
Nous sommes à l'Harmonie de Bonn, en Allemagne. Le 27 janvier dernier. Le trio féminin est soutenu par un backing band dirigé par la solide gratteuse américaine, Lara Chavez ; c’est-à-dire la guitariste du Lara Price Band. En ouverture, nos gazelles sont à l’avant-plan pour attaquer une version funky du "Won't leeave" de Ray Charles. La gamine Dani Wilde prend le relais en solo pour interpréter quatre de ses compositions, issues de son elpee "Heal my blues". Sauvage et très offensive, Dani est manifestement très à l’aise sur les planches ; et en particulier lorsque le tempo est enlevé. Son chant est vigoureux, mais elle ne possède pas le potentiel de Miss Kane. Elle donne même l’impression de forcer ses cordes vocales en permanence. Elle est donc certainement perfectible à cet égard. Miss Wilde libère une intensité à peine contenue, permanente. C’est un autre jeune (26 ans), mais un Néerlandais qui se charge des parties d’orgue : Govert Van der Kolm. Dani arrache ses cordes un peu comme elle chante : à l’énergie. Une chose est sûre, cette très jeune britannique est à suivre! L’imposante et toujours souriante Candye Kane a du métier à revendre. Mais la pulpeuse californienne a aussi beaucoup de talent. Elle aligne cinq titres sur ce recueil. Rien que du bonheur ! Dès l’attaque de "You need a great big woman", le son irrésistible du jump blues de la West Coast transpire. Rapidement, une sonorité de guitare insolite s’élève. Légère comme l’air elle émane du doigté de Laura Chavez. Une diablesse, mais probablement la star de l’équipe. Dommage que la section rythmique, pourtant constituée de redoutables musiciens, ne soit pas taillée pour ce swing californien. Et pour cause, Michael Griot se réserve habituellement la basse dans le Blues Mob du New-yorkais Michael Hill tandis que Denis Palatin est un solide batteur lorrain qui bossé aussi pour Ana Popovic et Anthony Gomez. Saluons une nouvelle fois la sortie fulgurante opérée par Miss Chavez sur "I'm lucky". Deborah Coleman est la dernière à monter sur les planches. Elle concède un excellent "Bad boy", un blues très personnel, aux accents R&B. Sa voix profonde est très différente de celle de ses deux complices. Par contre, sa relecture du "I got to know" de Jimmy Morello me botte moins. A contrario de son adaptation du "Fight" de Luther Allison. Sa voix est majestueuse et prend ici toute sa dimension. En finale, toutes les filles reviennent en bloc pour libérer de la bonne énergie. En l’occurrence pour le très gospel "Somethings got a hold on me", "Whole lotta love" et en toute fin de parcours "Rocking on the Blues Caravan". Quelle ambiance!
En consultant le booklet du septième album d’Oasis on ne peut que penser au célèbre « Sergent Pepper’s » des Fab Four. A cause du recours à ce pop art bien spécifique ; même si les moyens technologiques sont aujourd’hui bien plus conséquents. Et bien sûr, des références aux Beatles jalonnent tout l’album ; mais pas seulement. D’abord, il faut reconnaître que la bande aux frères Gallagher s’est rendu compte qu’en continuant dans la lignée de « Don’t believe the truth », elle allait droit dans le mur. On ressent donc, tout au long de cet opus, une véritable volonté de changement, même si c’est toujours Dave Sardy (Dandy Warhols, Marilyn Mansun, Slayer, Cold War Kids) qui se charge de la production. Et il faut reconnaître que le résultat est plutôt convainquant. Un disque qui a été enregistré aux mythiques studios Abbey Road (NDR : ben tiens !) et mixé au Village Recorder de Los Angeles.
Hormis la ballade à l’eau de rose « I’m outta time » et le trop moyen « Ain’t go nothin’ », le reste passe plutôt bien la rampe. Et baigne très souvent dans une électricité vivifiante. A l’instar de « Bag it up », morceau qui ouvre l’elpee et adresse déjà un premier clin d’œil au psychédélisme des Beatles. Ou encore « The turning », dont le groove insidieux, puissant et hypnotique n’empêche pas la mélodie d’être contagieuse. Et soudain, c’est le spectre du Plastic Ono Band qui se met à planer. Tout d’abord sur le swamp rock démoniaque « Waiting for the rapture ». A cause d’une des deux lignes de guitare, aussi cinglante que celle qui survoltait « Cold turkey », même si l’intro semble avoir été pompée au « Five to one » des Doors. Et puis tout au long de « (Get off your) high horse lady ». Un country blues réminiscent du « Double blanc », mais dont le tempo binaire est calqué sur celui du « Give peace a chance » du P.O.B. Quant à savoir si ce sont des portes de garde-robes qui ont été utilisées, c’est une autre histoire. Autre compo très électrique, le single offensif « The shock of the lightning » tisse une bien jolie mélodie, alors que les vocaux épousent des inflexions sinusoïdales. C’est une des rares fois où Liam hulule. Signé Andy Bell, « The nature of reality » campe un boogie ‘hénaurme’ sous tension constante. C’est encore Bell qui balise le groove presque house du raga « To be where there’s life », une plage issue de la plume de Gem Archer, cependant. Mais les deux titres les plus intéressants sont, à mon humble avis, « Falling down ». Une sorte de cocktail entre psychédélisme et new wave, élaboré en crescendo dans l’esprit de Talk Talk. Une sensation accentuée par ce mince filet de clavier vintage. Et puis tout au long du lancinant et tourmenté « Soldier on ». Un titre à l’atmosphère étrange, troublante, traversée par des oscillations de claviers presque floydiens. Et pour en revenir aux Beatles, sachez que c’est toujours Zak Starkey, le fils de Ringo Starr, qui siège derrière les fûts.
L’édition limitée de l’opus propose un bonus Dvd consacré au ‘making of’ de l’enregistrement du disque et à deux clips vidéo. Une excellente surprise !
La découverte de Fonda 500 s’est produite, un peu par hasard, en 2005, au cours du festival ‘D’Hiver rock’, à Tournai. Un set agréable, joyeux, parfois susceptible de glisser dans le délire. Et autant l’avouer de suite, ce nouvel opus réveille en mon fors intérieur, cette sensation.
Cette formation est donc britannique. Issue de Hull, très exactement. Et sa musique évolue quelque part entre Weezer et Belle & Sebastian. Une solution sonore surprenante, amusante même, atmosphérique, caractérisée par des accès d’électro vintage qui semblent sortir de nulle part. L’image qui illustre la pochette de l’album en est d’ailleurs le meilleur témoignage. Un vieux lecteur de cassette récupéré dont ne sait sur quelle brocante. C’est à la fois kitsch et vintage, tout comme le patchwork de photos du booklet.
Un conseil : lorsque vous introduisez le CD dans votre lecteur, zappez rapidement la première plage (« Music should always be played by the hands of the animals »). Son titre est interminable et son écoute plus que dispensable. Vous embraierez ainsi sur l’excellent « Je m’appelle Stéréo ». Un single potentiel ! Enfin presque, puisque Fonda 500 s’est également diverti à brouiller les pistes, en rallongeant le morceau, pour le porter à 6 minutes. Ce titre-phare s’élève en crescendo. Telle une cocotte-minute, elle se met à siffler, puis à imploser (NDR : la boîte à rythmes !), avant d’atterrir en douceur. Et j’épinglerai encore « Electronique Bee 101 », une autre plage qui cogne très sec ainsi que « Meet the bear », une invitation à rencontrer ce plantigrade. Un des membres du groupe prend ainsi un malin plaisir à se déguiser régulièrement en ours, sur scène… Un chouette album que je vous invite à découvrir également.
Sous-titré "The songs of Robert Johnson", cet opus rend un nouvel hommage à l'œuvre du mythique guitariste. Et pour cause, les quinze plages sont issues de sa plume. Le line up de Possession implique six musiciens : Tucker Smallwood au chant, Arlen Roth aux guitares, Pat Conte à la guitare acoustique, T.C James aux claviers, Jerry Jemmott à la basse et Herb Lovelle à la batterie. L'enregistrement date de 1995. Il s’est déroulé à New York City. Il vient d'être remixé en 2008. Et c’est Fred James, un musicien notoire issu de Nashville qui s'est chargé de la production de ces bandes.
Smallwood s’est surtout illustré comme auteur et acteur. Notamment pour la télévision. Il est aussi musicien et chanteur intéressant à ses heures. Arlen Roth est un guitariste renommé. Respecté par ses pairs, il compte déjà une carrière de 35 années à son actif. Et huit albums. Dont le dernier, "Toolin' around Woodstock", a bénéficié de la participation d’invités tels que Levon Helm, Sonny Landreth et Bill Kirchen. Il vient d’ailleurs de sortir.
Possession débute par le populaire "Walking blues". La version est assez amplifiée. La voix passe bien la rampe, la guitare et la basse sont bien mises en évidence, mais le son synthétique du clavier gâche toutes les bonnes dispositions en présence. Je préfère nettement le traitement plus acoustique de "Stones in my passway" ; un traitement opéré par Roth au dobro dont la sonorité est très métallique. Cette ambiance traditionnelle est reproduite sur "If I had possession over judgement day" et "Crossroads blues". A l’instar de la plage qui ouvre l’elpee, la version plus électrique de "Terraplane blues" est loin d’être irrésistible. Seule la slide lumineuse de Roth sauve les meubles. Le timbre de Smallwood est assez puissant. Il me fait souvent penser à celui de Jack Bruce. Cette voix guide "Travelling riverside blues" avant de céder le relais aux cordes créatives d'Arlen. Il faut quand même reconnaître que le style de Possession est très personnel, et évolue manifestement à des années-lumière des Anglais Eric Clapton et Peter Green. Même à travers les hommages rendus au maître Johnson. On est ainsi souvent déconcertés, mais aussi déçus. Tout dépend de sa propre sensibilité. Et la manière d'aborder "Sweet home Chicago", quoique très originale, en est une nouvelle illustration. Personnellement, ce sont les adaptations les plus classiques qui me bottent le mieux. A l’instar des blues lents "Mean black spider" ou "When you got a good friend". Le traitement appliqué à "32-20" est plus jazz, quasi manouche ; alors que dynamisé par le piano honky tonk de T C James (autrefois leader du Fist-O-Funk Orchestra), "Phonograph blues" baigne au sein d’un jazz traditionnel. L’adaptation très dépouillée de "Me and the devil blues" nous plonge dans l'atmosphère très cool des cabarets de nuit. Au détour du chemin, une chanson de Robert Johnson est susceptible de se transformer en ballade à la mélodie accrocheuse. Et je pense tout particulièrement à "From fur until late" et "Love in vain", proches de l'ambiance New Orleans de Little Feat.
La cinquième édition du Riffs n Bips a donc vécu un gros succès populaire. Plus de 6 000 personnes s’y étaient donné rendez-vous ! Pour parvenir jusqu’au site, pas de problème. Mais pour trouver l’entrée réservée à la presse, fallait une bonne boussole. Et à l’intérieur, on a l’impression de participer à un jeu du labyrinthe. Heureusement, les bénévoles sont extrêmement sympathiques et nous aident à retrouver notre chemin. Finalement, après avoir effectué le même parcours plusieurs fois, on a compris ; et on ne se retrouve plus par hasard derrière le podium.
Entrée en matière réussie pour The Von Durden Party Project, une formation dont les membres sont issus des quatre coins de la Wallonie. Un set musclé, pétillant, énergique au sein duquel les musiciens recrachent élégamment toutes leurs influences qui oscillent de The Subways aux Queens of the Stone Age, en passant par les Infadels, les Kinks et Blur. J’ai même envie d’y ajouter Franz Ferdinand pour le sens mélodique et les Arctic Monkeys pour l’attitude. En gros le combo joue une sorte de stoner/punk/garage balayé par un zeste d’électro, pour faire dansant. C’est bien dans l’air du temps, c’est sympa, mais ce n’est pas nouveau. Responsable d’un album à ce jour « Death Discothèque », la formation doit encore digérer ses influences pour se créer sa propre voie. Et ma foi, elle en a le potentiel.
Starving est un peu la formation locale, puisqu’elle est issue de Dour. Le line up implique un nouveau batteur et une nouvelle claviériste. Par contre, c’est toujours Claudia qui est sous les feux des projecteurs. Son timbre vocal limpide mais argentin continue d’apporter un vent de fraîcheur à une musique plutôt eighties. Faut dire que les synthés vintage n’y sont pas pour rien. Pourtant le groove proposé par le line up est solide. Mais on ne peut se détacher de l’attitude sexy de la vocaliste. D’autant plus qu’elle a opté pour une coiffure plus sobre. Moins chauve-souris. Les textes sont pour la plupart interprétés dans la langue de Molière. Finalement assez sombres. Et je ne sais pas pourquoi, mais j’ai l’impression que Claudia est occupée de marcher sur les traces de Jo Lemaire. Carrière en solo en vue ? Seul l’avenir nous l’apprendra.
Dès que White Rose Movement monte sur les planches, mes yeux se focalisent sur le leader/vocaliste, Finn Vine. Non seulement, il porte des lunettes, mais il ressemble à Jarvis Cocker, l’ex-leader de Pulp. Aussi, on imagine forcément se taper une musique très eighties. Pan dans le mille ! Issus de l’Est de Londres, ces jeunes dandys semblent avoir été nourris à la new et à la cold wave. Celle de New Order, tout particulièrement. Mais aussi de Simple Minds circa « Sons and fascination » et Depeche Mode. Synthé glauque. Batterie robotique. Univers plutôt sombre. C’est à la mode, mais quand on a vécu l’époque en direct, on reste perplexe…
Nada Surf est un combo que j’ai toujours beaucoup apprécié. Et il faut reconnaître que sur les planches, ils ne déçoivent jamais. Mais depuis février dernier, époque à laquelle ils s’étaient produits à l’Orangerie du Botanique, leur set n’a pas beaucoup changé. Seul détail, Daniel Lorca, le bassiste, joue assis. D’après les dernières infos, il se serait pété le genou. Ce qui rend leur prestation moins percutante. On aura quand même droit à quelques superbes titres, dont certains repris en chœur par le public, comme les inévitables « Popular », « Inside of love », « Weightless », « Hi-speed soul », « Always love » et « Fuck it », véritable moment de défoulement pour la foule. Et reconnaissons-le, Matthew Caws est toujours aussi sympa !
Formation gantoise, Arid jouit d’une grosse popularité. Aussi bien dans le Nord que dans le sud du pays. Premier atout, les musiciens sont loin d’être des manchots. D’ailleurs, personnellement, j’estime que c’est le groupe qui s’est fendu du meilleur set ce soir. Pas pour rien qu’un rappel lui a été réclamé. Mais instrumentalement parlant. Et pas seulement pour le succès récolté par ses tubes. Ou parce qu’ému par le romantisme ambiant, quelques vieux couples ont entamé un slow. Que ne chante pourtant pas Klaus Meine des Scorpions, même si à cet instant, la voix de Jasper Steverlinck m’y fait beaucoup penser. Pour certains, il possède un très beau timbre. Mais ses inflexions constamment dispensées dans le même registre finissent par agacer. Et la force du groupe devient alors une faiblesse. J’ignore si on lui a un jour reproché. Ou alors, s’il a écouté ces griefs. Car Jasper a suffisamment de talent pour marcher sur les traces d’un certain Jeff Buckley... Pas qu’on lui demande de se jeter dans l’Escaut, mais tout simplement qu’il module son organe vocal. Et Arid pourrait alors passer en division supérieure.
Cali est un extraordinaire showman. Et il l’a une nouvelle fois prouvé ce soir. Il monte sur les planches, coiffé d’une casquette (qu’il jettera dès le second morceau) et enflamme instantanément le public. Il arpente le podium de long en large et entame son premier morceau en criant dans un porte-voix. Ils sont sept sur scène dont deux cuivres : un tromboniste et un trompettiste. Il se prend tout à coup pour un Mc’s, mais surtout enchaîne les tubes et au beau milieu de son concert, nous balance un réquisitoire musclé pour nous rappeler la situation des sans-papiers. Il se souvient de sa famille persécutée par le régime franquiste (NDR : sa famille est d’origine catalane) et ose la comparaison. Moment très émouvant. Le show défile à du 200 à l’heure. Il invite régulièrement le public à participer à la fête. Et avant de reprendre le « Without you » de U2, rythme personnellement une compo sur une caisse claire, qu’on est venu lui apporter. Rappel inévitable. Cali descend dans le public. « C’est quand le bonheur ? ». Il fonce au bout de la salle. Monte sur une table et se laisse porter par la foule jusqu’à la scène. Cali a beaucoup transpiré. Les spectateurs aussi. Un spectacle ‘live’ d’exception. Accordé parfois au détriment de l’aspect musical… Mais c’est sans doute une question de goût…
La tête d'affiche de ce 5ème festival Riffs' n' Bips était bien le collectif bruxellois Front 242. Fondé en 81, ce groupe est une des sources de l'Electro Body Music ; et on pouvait donc rêver d’un show de rêve pour l'organisation. En outre, la formation peut toujours compter sur un contingent de fans fidèles. Tout comme lors du festival FeestInHetPark à Audenarde, leur set s’est révélé très dynamique. Le public a bien réagi à des titres comme "Take-one", "Welcome to Paradise" ou encore le morceau ‘trance’ "Moldavia". Enfin, des compos comme "Religion" et "Headhunter" ont permis de vivre un final étincelant. Côté regrets, on notera la brièveté de la prestation (une heure à peine) ainsi que l’absence de grands classiques. (J.M.)
Et pour clôturer le festival, Dr. Lektroluv était de la fête. Chemise blanche, masque vert, énormes lunettes, combiné téléphonique en main (en réalité un vieux cornet…) il assène ses beats techno et electro. Un pilonnage qu’il va opérer jusqu’aux petites heures pour le plus grand bonheur des nightclubbers… (J.M)
Ah oui, et je vous invite à rejoindre notre rubrique ‘Live photos’ pour y découvrir les superbes clichés réalisés par Sindy…
Nederlands 
Français 
