‘Bert Jansch est à la guitare acoustique ce que Jimi Hendrix représentait pour la guitare électrique’. Cet éloge provient de la bouche de Neil Young, loin d’être un manchot lui-même. Jansch, personnage légendaire s’il en est, a influencé et inspiré, au cours des années, tellement de musiciens qu’il serait bien trop long et fastidieux de les énumérer ici. Ce qui nous intéresse par contre, c’est de constater que son aura illumine aujourd’hui encore le faciès poupon de nombre de nos contemporains et pas des moindres. Ainsi, Devendra Banhart, Beth Orton, David Roback (Mazzy Star) ou Otto Hauser (Vetiver, Espers) se sont bousculés au portillon pour avoir le plaisir tant convoité de figurer au dos de la pochette de leur idole. Bien leur en a pris, car le moins que l’on puisse dire, c’est que Bert Jansch n’a perdu ni la main, ni l’inspiration. Une seule écoute de « High Days », où le maître et sa guitare se retrouvent en tête à tête, suffira à convaincre les tympans les plus bouchés des environs. A tomber ! Voici donc venu le moment de saluer le boulot de Noah Georgeson (Banhart et Newsom) à la coproduction (et à la basse gironde sur l’entraînant « Texas Cowboy Blues »). Un travail d’orfèvre digne de celui de Rick Rubin pour monsieur Cash. Les musiciens sont dans la pièce avec nous. Sans blague, il suffit de tendre la main pour toucher les fesses de Beth Orton.
La demoiselle honore d’ailleurs d’une vraie présence (Devendra n’assure qu’une dispensable deuxième voix sur un titre) trois des moments les plus flamboyants de l’album. Pour le plus grand ravissement des oreilles, non pas un mais deux banjos (aah, le banjo) pointent le bout de leur nez en fin de parcours et c’est tout le chemin qui s’éclaire. Coup d’œil par dessus l’épaule, de bout en bout le voyage ne fut qu’allégresse et la guitare, faut-il le préciser, une compagne d’une rare beauté. Un plaisir de tous les sens.
Keltia est une jeune artiste belge dont l´univers musical est atypique. Cette auteur-compositeur-interprète, a accompli ses premières armes seule, en s´accompagnant simplement à la harpe celtique. Elle a également assuré les premières parties d´artistes tels que Louisa John-Krol, Francesco Banchini (GOR) ou le groupe Iona. Intitulé « 1666 », son premier opus plonge au sein d’une ambiance inquiétante, étrange, digne d´un conte de fées. Son mélange de folk, de rock et de sonorités celtiques et orientales s´inspire des œuvres de Kate Bush, Bjork, Enya ou encore Dead Can Dance. L´originalité de sa musique séduit et rappelle effectivement l´univers de ces différents artistes ; mais également celui d’Emilie Simon. Malheureusement, son timbre peut se révéler irritant, surtout lorsqu´il est poussé dans les aigus. Pourtant, la qualité de cette œuvre va crescendo. En effet, elle ne prend réellement son envol qu´après les deux premiers titres (NDR : un peu trop longs) et s’achève par son meilleur fragment : le titre maître. Quoique difficile à aborder, ce cd ne manque pas d’intérêt.
Richard Melville est un de ces sentimentaux modernes qui puise son inspiration dans une musique chargée d’émotions. Adoptant divers pseudos sur la scène électro new yorkaise, Melville reste fidèle à ses racines et particulièrement à son ancêtre Herman Melville, l’auteur du roman fantastique Moby Dick. Et c’est en remontant jusqu’aux sources qu’il y rapporte des trésors incontestables du blues et ses dérivés. On l’aura compris, Moby privilégie les émotions fortes, la sensibilité d’un piano et la beauté d’une musique soul qu’il réarrange sur des beats électro. Ce travail de sampling lui aura valu une certaine renommée mais aussi une étiquette. Le revers d’une médaille vendue à des millions d’exemplaires, inondant les foyers et frappant de plein fouet les radios ressassant les tubes « Natural Blues », « Porcelain » ou encore « Find my Baby », si ce n’était pas l’album 'joué' en entier.
Ce "Very Best Of", fontaine de jouvence sonore, a une autre spécificité : celle de faire connaître Melville sous un autre angle. Celui du guitariste qui a fait ses premiers pas dans le rock alternatif et retrouvant une deuxième jeunesse sur son tube interplanétaire « We are all made of stars ». Ou celui de DJ, accumulant les résidences dans les clubs new yorkais, balançant des galettes techno-dance à la « Feeling So Real », « Go » ou encore « Move », trois titres issus de ses albums non reconnus du grand public (« Everything is Wrong » et « I like to Score »). Moby accumule ainsi les hits, se montre dans les charts occidentaux, mais demeure malgré lui affublé d’une étiquette depuis "Play". Certaines tentatives de décrochage finissent même par l’enterrer. On pense, notamment, à l’élaboration du thème de James Bond et à quelques featurings (Mylène Farmer, Debbie Harry) peu convaincants. Une compilation pour les nostalgiques, les aficionados d’une musique électronique, les groupies des icônes Farmer et Harry. Rien de plus.
Me First And The Gimme Gimmes, c´est l’All-Star Band du label Fat Wreck Chords. On y retrouve ainsi Dave Raun et Joey Cape, batteur et guitariste de Lagwagon, Spike, bassiste des Swingin´ Utters et chanteur pour l´occasion, Jackson alias Chris Shiflett, guitariste des Foo Fighters, et enfin à la basse, Fat Mike himself, frontman de NOFX et patron de Fat Wreck (NDR : est-il encore nécessaire de le rappeler ?)
Formé en 1995, le projet se voulait un cover-band punk des ‘meilleures pop songs’ toutes époques confondues. L´opus précédent, « Ruin Johnny´s Bar Mitzvah » ( ! ) s’est ainsi fait un plaisir de détourner « Stairway To Heaven », « O Sole Mio », « Strawberry Fields Forever » ou « Hava Nagila » ! Tout au long de « Love Their Country », les cinq trublions s’attaquent au country/western et se livrent à un réjouissant jeu de massacre sur les œuvres de Garth Brooks, The Dixie Chicks, Willie Nelson ou Johnny Cash. Douze covers déjantées parmi lesquelles on retrouve un « Ghostriders In The Sky » atomisé, un hilarant « I´m So Lonesome I Could Cry » (il fallait oser mélanger country, skate punk et cornemuse !), le « Jolene » de Dolly Parton - déjà repris sur scène par les White Stripes - ou encore « Desperado » des Eagles. Le tout avec un entrain et une bonne humeur indéniable.
En revanche, on peut reprocher à l’elpee de ne faire que vingt-cinq minutes ; ce qui paraît assez limité… Mais au-delà, le délire ne serait-il pas devenu rapidement ennuyeux ? Il est évident que l´on n´est pas face à un disque se prenant au sérieux. Le joyeux bordel dans lequel se terminent certains morceaux en est la plus parfaite démonstration ! Le concept est drolatique, même s´il a déjà été mis à d’autres sauces – notamment via les covers country/bluegrass de standards du rock par les Hayseed Dixies ou nos Moonshine Playboys nationaux – mais l´auditeur appréciera d´autant plus la chose s’il possède les références musicales nécessaires. Dans le cas contraire, il aura tout de même entre les mains une réjouissante série de punk songs.
Ils sont innombrables, ces songwriters à la voix de velours, guitare en bandoulière. Les surprises sont donc rares. Fionn Regan peut se targuer d’en être une, et non des moindres. Avant lui, Damien Rice, Josh Ritter, Elliott Smith, José Gonzales - pour ne citer qu’eux - se sont démarqués. « The end of history » est un joli recueil de chansons mélancoliques. Le folk de l’Irlandais est comparable au finger-picking de Bert Jansch, au dépouillement de Dylan et à la poésie (parfois cruelle) de Nick Drake. Excellent guitariste, Fionn Regan n’hésite pas à dépoussiérer le piano (« Bunker or basement ») mais sait rester sobre. Ce minimalisme renvoie à l’essentiel : des mélodies imparables et une plume intelligente. Sombrement réaliste mais aussi empreint de naïveté (« Hey Rabbit » emmène où ‘Alice au pays des merveilles’ nous a laissé), ce premier opus est une étonnante réussite. ‘For the loneliness you foster, I suggest Paul Auster’, le conseil est intéressant, la chanson magnifique (« Put a penny in a slot »). Et s’il a le falsetto de Damien Rice (« The cowshed ») et l’habilité de José Gonzales (« Hunters Map »), Fionn Regan possède surtout un univers littéraire, une humilité et une maturité qui laisse présager que « The end of history » n’est que le remarquable début de l’histoire.
Autant l´annoncer d´entrée de jeu, je ne suis peut-être pas tout à fait objectif pour le coup ; étant en pleine période punk rock, j´étais à la fois enthousiaste et curieux en recevant cette galette labellisée Fat Wreck Chords (NDR : la boîte de Fat Mike, bassiste et frontman de NOFX).
Originaires de Richmond (Virginie), les cinq furieux de Strike Anywhere n´en sont pas à leur coup d´essai. « Dead FM », leur troisième album, est une véritable tornade mariant avec jubilation mélodies skate-punk et déchaînements hardcore. Vocaux puissants, guitares saturées à tous les étages et batterie façon TGV, on ne peut pas dire que l´on soit en terre inconnue – l´influence des vénérables NOFX est palpable – mais la personnalité du groupe est là et l´écoute de « Dead FM » laisse augurer le meilleur sur scène. Quant aux textes, les titres parlent d´eux-mêmes : « Sedition », « Prisoner Echoes », « Iron Trees », « House Arrest »… Les cinq garçons semblent stigmatiser à leur tour les dérives sécuritaires d’une Amérique en chute libre.
Au total, trente et une minutes (‘bonne galette punk être galette courte’ me souffle le sage Pogote-Avec-Les-Keupons) pour quatorze titres joués à 200 à l´heure comme autant de directs en pleine tronche, procurant une furieuse envie de brailler « Oï-Oï-Oï ! » à chaque refrain. Un disque purement jouissif, à l´instar du grand ‘Fuck You !’ balancé à la fin de « Hollywood Cemetery ».
Chanteur à la voix d’or (entre McCartney et Beck), Pascal Deweze appartient à cette catégorie de musiciens flamands réputés pour leur créativité. Des artistes qui, au cours des années 90, ont intronisé la Belgique sur la carte mondiale de la pop. Après avoir dispensé sa power pop chez Metal Molly (et leur tube « Orange »), l’ami Pascal n’a pas chômé. Il a notamment apporté sa collaboration à l’enregistrement des albums de la formation batave, Bettie Serveert, joué chez Chitlin’ Fooks et fondé, en compagnie de Mauro Pawlowski (leader des Evil Superstars), les excellents Mitsoobishi Jacson et Shadowgraphic City.
Depuis quelques années, Sukilove constitue son principal projet. Le troisième album de sa formation a bénéficié du mixage avisé d’Aaron Prellwitz. Pas un type né de la dernière pluie, puisque quelques pointures ont déjà fait appel à ses services… dont Neil Young. Posée sur un tapis de guitares et de claviers fortement électrifiés, cette œuvre sombre et atmosphérique est alimentée par des rythmiques rock essentielles. Ce « Good is in your bones » fait même penser aux travaux solos de John Parish voire à un Tom Waits plus expérimental ; encore que certains aspects pop (NDR : les plus limpides !) s’inspirent manifestement d’un McCartney. Marécageux, psychédélique, ce disque - ma foi fort agréable à écouter - recèle trois compos absolument remarquables : « Mama », « Let’s Dive » et « Even the angels sin ». Dommage cependant que le reste ne soit pas de la même facture…
Avis aux boulimiques, Stuck in The Sound est fait pour vous, tout frais sorti de la confiserie Discograph. Un premier album ô combien prometteur, enduit de riffs désinvoltes et survoltés, arrosé par les acrobaties vocales de José Reis Fontão, version française d’un Bixler-Zavala (At The Drive-In). Preuve que le Vieux Continent se maintient en forme dans un registre rockambolesque, « Nevermind The Living Dead » (grand frère d’un EP éponyme autoproduit en 2004) est sans conteste l’une des meilleures récoltes de l’Hexagone: véritable machine de guerre où fusionnent les genres (métissage réussi entre un rock pro Pixies et expérimentations à la Mars Volta), son arrivée est saisissante, nous catapultant instantanément sur les scènes underground anglo-saxonnes. Après une traversée festivalière au cours de laquelle ils ont partagé l'affiche aux côtés de Franz Ferdinand, Queens of the Stone Age, Foo Fighters ainsi que les Pixies ou apporté leurs collaboration - sur invitation - à Dirty Pretty Things, The Kooks et même à Deportivo, la bande de groupies de Frank Black sort officiellement sa première galette (réarrangeant « Delicious Dog » et « I Shot My Friends » issus de leur production maison), un bijou fécond d’énergie 'subjuguante'. Et la garantie de sacrées courbatures aux mollets! C’est peu dire quand il s’agit pour le combo de dégainer « I Shot my Friends ». Misant sur un rock alternatif, il poursuit son attaque lors d'un « ToyBoy » explosif, single où saturent à merveille les cordes emballées par une batterie échauffée.
Jouissant d'une fameuse réputation scénique, les Parisiens ne font pas dans la dentelle et posent des mines susceptibles de fracasser les baffles les plus chétifs. A l'instar des décapants « Cramp Push and Take it Easy » ou « Don’t Break The Bar Please Dumbo! », deux fragments bourrés de dynamite. Le temps de retrouver ses esprits sur le folk mélodique de « Waste », œil d’un cyclone dévastateur, la marée refait surface. Que ce soit sur « Don’t Go Henry », « Never On the Radio » ou « I Travel The World », l’ambiance surexcitée est à son comble. A se ronger les ongles ! Le corps à terre, écrasé par un morceau éponyme à la mélodique impitoyable, un ange passe. Au terme de ce combat de boxe auditif, Stuck In the Sound pousse son rock expérimental à l’extrême sur « It’s Friday », avant de s'envelopper dans des atmosphères indies alternatives. Et des titres comme « Third Eyed Girl » et « You Ain’t For Me » happent le peu d'énergie qu’il nous reste. Vainqueurs haut la main avec les félicitations du jury. Une tuerie pour rester polie.
"King size" constitue le deuxième album du groupe Tricycle. Fondé en 1999 il a été nominé aux Octaves de la Musique, en 2005. Un trio réunissant Tuur Florizoone, Philippe Laloy et Vincent Noiret, trois talentueux musiciens dont les carrières solo ont déjà été couronnées de succès. Sur cet opus, on trouve des mélodies jazzyfiantes aux accents world ; et plus précisément brésiliens. Pas étonnant, lorsqu’on connaît l´attachement de Tuur Florizoone à ce pays d’Amérique du Sud. Tout au long de ce disque, l’accordéon domine, rendant les morceaux tantôt festifs (« 4 & 3 + 4 »), tantôt nostalgiques (« Tribute to Vissotsky », « Epilogue »). Le piano, la flûte, les cuivres, les percussions ou encore la guitare apportent joliment leur contribution. Pour élargir davantage sa palette sonore, Tricycle a reçu le concours de différents guests. Laurent Blondiau, Stephan Pougin et Victor Da Costa ont ainsi pris part à l´aventure "King size". Une diversité d´influences et instrumentale destinée à nous emmener en voyage. Comme il est mentionné sur la pochette: "We hope you enjoy the journey"...
Décidément, l’ex chanteur des Dead Kennedys ne signe que des perles sur son label Alternative Tentacles ! Après Ludicra, dans un registre plus black, voici le monumental Turn Me On Dead Man, au rayon métal psyché. Pour la petite histoire, le groupe originaire de San Francisco, tire son nom d’un légendaire message subliminal que contiendrait le « Revolution n°9 » des Beatles, un fragment du double album blanc paru en 1968. Depuis qu’il est tombé dans notre boîte aux lettres, « Technicolour Mother » ne quitte plus notre platine laser ! Il possède toutes les qualités pour figurer parmi nos favoris de l’année, constituant sans nul doute la découverte ‘métal’ la plus captivante de ce dernier trimestre 2007.
Prenez un zeste de Hawkwind, ajoutez-y une grosse louche de Black Sabbath, une pincée de Ravi Shankar et saupoudrez le tout d’un soupçon de Jane’s Addiction. Voilà de quoi vous mettre l’eau à la bouche et vous donner une vague idée de la saveur des onze compositions qui constituent l’œuvre de ce groupe aussi génial que déjanté. Le visuel très psyché de la pochette en dit long sur l’album qui initie un style que Turn Me On Dead Man ne lâchera probablement jamais. Si les influences sixties et seventies sont évidentes, la rondelle reste néanmoins des plus contemporaines. Terrifiant, souillé jusqu’à la moelle, échevelé, spatial, imprégné de substances illicites, « Technicolour Mother » a quelque chose de crasseux, de dérangeant, mais de diablement jouissif. La prise de son y est volontairement crue, et le concept général balance entre voyages interplanétaires hallucinés et nirvana artificiel. Les plages « Pharmaceutical Rainbow » et « Wondermint » justifient à elles seules l’achat de ce monstre psychédélique, doom et stoner. Vraiment énorme !
Signées sur le label italien Homesleep, les quatre Californiennes de The Ian Fays jouent un rock sautillant qui n'est pas sans rappeler Sleater Kinney, The Pipettes et Legoparty. Sara et Lizz, les deux jumelles, occupent le devant de la scène en robe à rayures noires et blanches, telles de jolies Daltoniennes. A leur gauche, Lena, dont le rôle s'avère limité : titiller un triangle ou des clochettes comme s'il s'agissait d'un clitoris en cuivre ou taper dans ses mains d'un air concentré. Pour le reste rien de très excitant : juste du rock indie au groove simpliste, qui ne rentrera sans doute jamais dans les annales (et c'est écrit sans jeu de mot machiste).
'CSS Suxxx !!!', crie Lovefoxxx dans son collant pas sexy pour un sou. Entourée de ses quatre copines musiciennes et d'un mec qui martèle ses fûts, la petite Brésilienne sautille et sourit, jetant des œillades aguicheuses à la centaine de fans présents dans la Rotonde. 'C'est drôle, j'arrive à voir la tête de tout le monde, on s'croirait presque au zoo !', lance-t-elle, mutine, dans un éclat de rire. Les hits s'enchaînent, l'album y passe, du grandiose « Alala » au faiblard « Meeting Paris Hilton », qui sonne comme du Metric. Quelques personnes se dandinent gentiment, mais sinon l'ambiance est polie : sur « Off The Hook », Lovefoxxx descend dans l'arène, 04anse avec les premiers rangs, avant de remonter sur scène et d'oser un petit stage diving à la fin du concert, durant l'hymne « Let's Make Love and Listen to Death From Above ». Un tube de l'année, que tout le monde semblait attendre pour enfin se lâcher, voire dodeliner de la tête. Il était temps. En rappel une cover amusante du « Pretend We're Dead » des sauvageonnes L7, sans doute ce qu'écoutaient ces Brésilien(ne)s quand elles avaient 10 ans. Ca fait beaucoup de 'mort' pour seulement deux chansons, mais il s'agit sans doute de la 'petite' - celle qui donne envie de 'faire l'amour' en écoutant Cansei De Ser Sexy. 'Marre d'être sexy' ? D'où le collant, sans doute, et la moustache oxygénée. Aye aye ayyyye !!!
Accrochez-vous, préparez-vous à grincer des dents, à enfoncer vos ongles dans vos fauteuils, à festoyer et à mourir. En provenance de Vancouver, les Canadiens de You Say Party ! We Say Die ! ne se chauffent guère au même bois que leurs compatriotes de The Arcade Fire, Death From Above 1979 (R.I.P.) et autres Wolf Parade. Le rock furibond de ces cinq énervés prend davantage la direction du dance-floor (You Say Party ?), rejoignant un créneau braillard (We Say Die ?) déjà initiée au pays par Metric. La sauvageonne Becky Ninkovic prend donc un malin plaisir à rugir sa révolte sur une toile de fond déchirée par des riffs férocement aiguisés. Ce premier album de punk-rock, sans doute accouché sous les sunlights, est plutôt à l’avantage de la formation. La hype auréolant l’extravaguant patronyme trouve ainsi une certaine légitimité. Malheureusement, sur scène, You Say Party ! We Say Die ! culbute facilement dans le grand-guignolesque, plongeant ses hymnes électriques dans un tintamarre généralisé. Rien que d’y (re)penser, l’envie de balancer l’objet dans la poubelle la plus proche se fait méchamment (res)sentir. « Hit The Floor! » demeure donc bien plus captivant que les apparitions scéniques de la formation.
Le rock déjanté de Dionysos s'en est allé à la conquête de l'Aéronef. C'était ce jeudi 30 novembre 2006. Dès la montée sur les planches, le décor est planté! Ça saute, ça virevolte, ça se roule par terre ; le tout dans un cadre à rendre jaloux un certain Tim Burton. Le spectacle est magique. Le public hurle sa joie. Matthias où vas-tu chercher ton énergie ? Le groupe se lance dans un set de folie, où se marient poésie et humour. Plus de 2 heures d'histoires délirantes. Le groupe passe en revue tous les instruments à cordes imaginables : mandoline, guitares, violon, violoncelle et même ukulélé !
Le set démarre sur les chapeaux de roue par « Giant Jack ». Défilent alors « L'homme qui pondait des œufs », « Miss acacia », « La métamorphose de mister chat », « Le retour de Bloody Betty », et l'incontournable single « Tes lacets sont des fées », sans oublier « Old child ». La version acoustique de « Neige » est touchante. On prend également plaisir à redécouvrir les classiques, tels que « Wait », « Thank you Satan » ou encore « Song for Jedi », probablement le meilleur titre du groupe! Au fil du temps, la formation est parvenue à élargir son audience. Mais s'il y a la musique, on assiste surtout à un spectacle unique auquel le public participe, sans la moindre réticence. Car l'Aéronef en a vu de toutes les couleurs, au cours de cette soirée… Matthias monte sur les enceintes et se laisse porter par le public (littéralement et physiquement !) Il monte sur la mezzanine. Il rampe sur la marée humaine ou 'slamme', si vous préférez. Une performance qu'il va accomplir à plusieurs reprises. Mais n'est-ce pas également la marque de fabrique de Dionysos ? Faut dire que chez cette formation, la fête est permanente. Et Matthias en est l'électron libre. Babette est toujours aussi charmante. Et puis elle possède une voix très douce qui ne peut que faire fondre les cœurs. Est-ce du rock, de la pop, du show, de la poésie ou une forme artistique nouvelle inventée par la formation d'outre-Quiévrain ? On n'en sait trop rien. Une chose est sûre, le numéro proposé est total, stupéfiant. Ereintant aussi. D'ailleurs, les spectateurs sont repartis épuisés… mais surtout heureux. N'est-ce pas là l'essentiel ?
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