« Heads we´re dancing » constitue le deuxième album de Crash Tokio, groupe allemand formé en 2000. Ce cd est partagé en dix morceaux de pure pop-rock anglo-saxonne pétillante et dynamique, mâtinée d´électro. Dix plages plus réussies les unes que les autres ! Un vrai régal pour les oreilles ! Le combo avoue être inspiré par des artistes tels que New Order, Duran Duran ou encore le Steve Miller Band. Mais leur musique évoque plutôt tout ce qui se fait de mieux en la matière ces derniers temps, de Peter Bjorn and John aux Subways en passant par les Belges de Malibu Stacy. Les titres recèlent d´excellentes interventions ‘guitaristiques’, comme sur « Girls can dance », premier single issu de « Heads we´re dancing ». Le timbre du chanteur (Pese, également guitariste de la formation) est clair et frais. Nina Kränsel (basse et claviers) donne également de la voix sur quelques morceaux, tantôt accompagnée par Pese, tantôt en solo, comme sur la piste cachée, aux accents très électro. Un album parfaitement réussi donc, très tendance, léger et énergique. En outre, le son est d´excellente qualité. Que du bonheur et du talent !
Bienvenue dans le monde merveilleux de Southern Records, un éleveur de champions qui possède plusieurs écuries à son arc (Neurot Recordings, Ipecac, Constellation…) et nous offre le meilleur de ses poulains. La nomination « We Got Actions Too » en dit long sur l’éthique du label de feu John Loder (Steve Albini crew) qui représente à juste titre un registre de qualité. Et que demande le peuple, si ce n’est accueillir, entre ses murs, la fine fleur du rock ! Le menu est de prime abord appétissant et se dessine sur une musique folk acoustique menée par le songman William Elliott Whitmore, un éveil musical préparatoire à l’électricité qui s’ensuit. Et il est clair que les morceaux choisis (les dernières parutions en date et d’une qualité indéniable), apparaissent tels des onomatopées d’une vitrine resplendissante. A dire vrai, on se croirait en plein conte de fées où la brutalité d’un grindcore (Trencher) et la noirceur du noise (Battle of Mice, Isis) côtoient la fraîcheur de l’indie (Benoit Pioulard, Bracken) et la ferveur de la folk (Boduf Songs). Tandis que gronde un fond alternatif des plus respectables (The Melvins, French Toast), une électronica expérimentale (Mouse on Mars, Dosh) se joint au voyage. L’occasion aussi de découvrir de nouveaux lieux comme celui parcouru par le bassiste accompli Joe Lally dans des contrées épurées, chevauchant en solo sur son projet le démarquant de Fugazi. Plus qu’une rencontre, cette initiative met l’accent sur la beauté sonore d’une génération qui n’en finira pas de faire parler d’elle. Un répertoire tout simplement indispensable.
Compilée par Lubo Jovanovic, un des dj anglais les plus en vue dans le monde de la salsa, cette compilation fait suite à un premier volume qui présentait le genre aux profanes. Notre homme a privilégié les travaux récents (1996-2005) de formations salsa aux origines multiples et métissées : Colombie, Afrique, Cuba et bien entendu New York, lieu de naissance de ce type de musique. On est évidemment très loin des premiers travaux charmants et spontanés opérés par les premiers artistes du boogaloo et du jazz latin newyorkais. Fidèles aux codes du genre, les morceaux de cette compilation sont calibrés pour la danse. Ils ont été partagés en trois volumes : un pour les rythmes lents et jazzy, le deuxième pour les intermédiaires et le dernier pour les rapides. Si vous ne supportez pas les percussions chaloupées et les lignes de piano propres au style, ce triple cd est à négliger. Pour les autres et notamment les apprentis dj’s, le coffret se révèlera rapidement de toute première utilité. Parce que les ténors de la salsa contemporaine sont ici copieusement représentés. Et puis, ce box est vendu à un prix abordable.
Pour célébrer ses dix années d´existence, Soundstation présente une compilation rétrospective, intitulée « 10 en gare ! ». Celle-ci réunit des morceaux enregistrés dans les studios de la Soundstation de 1996 à nos jours, par des artistes ayant fait les beaux jours du label. Le rock y est majoritaire. Et la présence de groupes tels que Zop Hophop, Miam Monster Miam, Tout est joli/All is pretty, Hippodrome, Hollywood Porn Stars, My Little Cheap Dictaphone ou encore Adrian Bouldt en est la plus belle illustration. On y rencontre également de l´électro (Superlux) et de la chanson française enfantine (Parrondo). Deux titres inédits figurent également sur ce cd : une excellente reprise collective de « Who’ll pay reparation on my soul ? » et un splendide morceau instrumental d´André Klenes (« Soundstation march »). Bien qu´éclectique, cette compile affiche une certaine cohérence. Les onze titres choisis revêtent en effet tous un côté rétro et partagent un point commun indéniable : la qualité. Qualité qui a forgé la bonne réputation du label belge, auquel on souhaite encore une décennie supplémentaire de succès...
Dix ans après avoir commis leur premier EP, Goo Goo Blown (le bonhomme) nous invite à nouveau dans leur monde fantastique et glauque. Premier album de la formation, « Devilish FantaZiäh » commence de la plus belle manière par « I’ve got my own private killing company for assisted suicides (Corporate And National Death Yard) », un fragment sculpté dans le rock puissant qui donne le ton dramatico-gothique à l´ensemble de l´œuvre. On est immédiatement séduit par la symphonie des violons, évoquant The Divine Comedy. Après trois morceaux rock musclés aux accents métal, se succèdent de nombreuses ballades chantées tantôt en anglais, tantôt en français. L´une d´entre elles (« Bal(l)ade nocturne ») s’ouvre même dans un registre proche de Radiohead. Plus les titres défilent, plus l´atmosphère devient macabre et démentielle. Sans jamais pourtant se départir d’une dose d’originalité certaine qui fait de cette plaque, une œuvre surprenante. Cette folie noire atteint son apogée sur « Le cabinet des fées » et « Fantaisie démonacale ». L´album s’achève par un excellent morceau digne du Placebo au sommet de son art (« Daisy Soup & Pork Breast (to nuzzle in Dunwich) »). Bien que toutes les pistes soient musicalement séduisantes, en particulier lorsque le violon est mis à l´honneur, les chansons interprétées dans la langue de Shakespeare sont généralement meilleures. Quant à la voix, il ne s´agit malheureusement pas de l´atout principal du trio parisien. Celle-ci se révèle en effet souvent le maillon faible. Pas toujours en phase, elle soutient difficilement la comparaison face à la force des mélodies. Malgré tout, on appréciera le côté lugubre et décalé de « Devilish FantaZiäh », qui évoque l´univers de Tim Burton.
A l’instar de Trivium et Hatebreed notamment, Lamb of God incarne la scène métalcore, née au début du siècle, fruit d’un croisement entre le métal carré de Pantera et le NY hard core d’un Biohazard. Pour se distinguer de ses nombreux clones, et pour éviter de se momifier faute d’avoir su évoluer, Lamb of God a ajouté une touche de Death mélodique à son métal furibard. Une tendance qui se marque encore davantage sur ce quatrième opus à la fois vertigineux et écrasant, complexe et tourmenté. Le jeu de batterie de Chris Adler est tout simplement hallucinant, d’une précision chirurgicale. Le drummer s’est gavé de Dave Lombardo, cela ne fait pas l’ombre d’un doute. « Again We Rise », « Requiem » et « Redneck » ne se contentent pas de faire parler la poudre, mais apportent une touche de fraîcheur à un style musical parfois un peu lourd à digérer. Des compositions qu’il vaut mieux ne pas écouter en boucle afin d’éviter de sombrer dans une certaine morosité. Plus étonnant, la plage finale « Beating On Death’s Door » semble sortir tout droit d’un album de Testament, de Death Angel ou de tout autre groupe ayant sévi sous la bannière du trash californien des années 80. Tout au long de cette nouvelle offrande, Lamb of God prouve à son public et à ses détracteurs qu’il n’est pas dénué d’ambition !
Ce trio américain pratique un hardcore à haute teneur mélodique. Du travail de bonne facture où la qualité dans l’écriture des chansons n’a pas été négligée. On pense quelquefois à Nirvana pour la manière de placer les chœurs, à Green Day pour la sensibilité pop qui transpire du disque et aussi à Bad Religion pour les cavalcades électriques menées à un BPM élevé. Le tout sur fond d’un spleen tout adolescent. Du bon boulot qui devrait plaire aux skaters et aux indécrottables fans de punk rock californien.
Matt Walsh est chanteur/harmoniciste/compositeur. Il s'exprime par la voie du blues depuis quarante ans déjà. D’origine irlandaise, il s’est établi depuis longtemps à Münster, en Allemagne. Dès 1978, il fonde l'Electric Blues Band en compagnie du guitariste Erhard Hirt. Un patronyme qu’il va transformer par la suite, et très modestement, en Matt Walsh Blues Band. En 1999, il rejoint Janni Pestos (NDR : préposé aux cordes) chez Master Charge à Stuttgart. Puis Reloaded. Il a aussi partagé un duo en compagnie de l'excellent gratteur teuton, Gregor Hilden. Agé aujourd'hui âgé de 60 ans, il a monté son Acoustic Quartet en recrutant des musiciens locaux : le percussionniste Markus Passlick, Matthias Fleige aux guitares acoustiques et le bassiste Jürgen Knautz.
Le Quartet signe les douze plages de ce premier opus. La qualité musicale est au rendez-vous. La prise de son des instruments acoustiques est impeccable. La production est soignée. Un ensemble de caractéristiques rencontrés dès le morceau d’ouverture, "Techno blues". L’éclectisme est également de rigueur. A l’instar de "Top heavy", couvert d’accents hispaniques. Markus frappe son djembé, ses bongos et secoue un shaker. Matthias aligne des notes bien élégantes, dans un registre proche de Paco de Lucia. Il y manifeste énormément de lucidité et de panache. Ce n'est certainement pas un accident, car la même recette est reproduite lors du brillant "Since my baby's gone" ainsi que pour "Me and mine". Dépouillé à l'extrême "Checking out" baigne au sein d’une ambiance feutrée. Matt chante de sa voix grave ce blues d’excellente facture. Il souffle de courtes phrases inspirées par Sonny Boy Williamson II, pendant que la basse acoustique de Jürgen plante le décor. Le titre éponyme est sans doute le meilleur morceau de l’elpee. Encore une fois un blues sobre. Chaque sonorité est importante. Parfois on pense au climat entretenu par Santana à une certaine époque. A cause des bruitages empruntés à « Caravanserai ». La basse de Jürgen est divine. Mais le climat devient franchement magique lorsque Walsh dispense un solo digne de Toots Thielemans. Le quartet est manifestement très à l’aise lorsqu’il s’enfonce au sein de la musique intimiste. Dans ce registre, il est capable de sortir les meilleurs effets. A l’instar de la finale "Always, always". L’opus recèle cependant quelques plages rythmées. Et je pense tout particulièrement à "The land of the blues", compo au cours de laquelle Matt se met à rêver debout. Il souffle dans son harmo, en imaginant être entouré de BB, Elvis, Stevie Ray, Willie Dixon et autres légendes. "Working stiff" est un superbe blues balayé par la brise de la cité des vents. Celle de Chicago, bien sûr. Tous les instruments sont bien en place. Une certitude : si on branchait l’amplification à ce moment précis, le résultat serait sans aucun doute très consistant! Une constatation qui vaut également pour "Joleen", même si le tempo est plus enlevé.
Filmé par Steven Dantor et Matthew Galkin, ce film retrace la longue tournée effectuée par les Pixies, en 2004, consécutive à leur réunion. Une chose est sûre, la vie en coulisse n’est guère enthousiasmante et on a l’impression que les musiciens n’aspirent qu’à une seule chose : rentrer chez eux. Motif principal : l’envie de retrouver sa famille, et en particulier leurs épouses respectives ainsi que leurs enfants. Seul scoop, le quatuor avait emmené dans ses bagages Kelly Deal. Pas pour jouer, mais simplement pour accompagner sa sœur. Ce sont d’ailleurs les deux seules personnes qui semblent prendre du bon temps. Elles n’arrêtent d’ailleurs pas de rire pour un oui ou un non. En coulisses, il ne se passe pratiquement rien de bien intéressant. Chez les Pixies, la vie de tournée frôle même parfois le mortel ennui. Heureusement, lorsque Charles Thompson, Joey Santiago, David Lovering et Kim Deal montent sur scène, la magie est à nouveau au rendez-vous ; et on comprend de mieux en mieux pourquoi les Pixies sont devenus un des groupes majeurs de la fin des eighties. Mais pourquoi aussi cette tournée fut un véritable triomphe…
Nous sommes à Leeds, en 2004. Quatre garçons campent dans le salon, s’écoutant le premier album de The Rapture à fond les pistons. Un joint en main, leur esprit divague au gré de la ligne de basse hypnotique de « Heaven ». Quelques neurones en moins, ils décident de prendre leurs guitares en main(s). L’heure de fonder un groupe a sonné : The Sunshine Underground est né. Pas mauvais, les gaillards s’empressent de graver quelques disques et de cultiver une hype anticipée. Les concerts s’enchaînent, le groupe joue quelques dates à guichets fermés et assure les premières parties de LCD Soundsystem. Bientôt, The Sunshine Underground remporte le titre de ‘meilleur groupe live de l’année’ à l’occasion des Leeds Music Awards (décidemment, ces Anglais ne savent plus quoi inventer...).
Alors, que demander de plus ? Un album ? Et bien, voici « Raise The Alarm », premier disque disco-punk (?) pompier, un brin racoleur mais diablement efficace pour sauter comme un dératé sur son sommier. Des singles évidents (« Wake Up », « The Way It Is », « Commercial Breakdown ») contribuent à pousser ce rock chimique vers l’avant. Ici (« Dead Scene ») et là (« Panic Attack »), The Sunshine Underground n’échappera pas à la comparaison avec The Rapture. Mais le bât blesse plus encore lorsque le groupe se perd dans de vaines turbulences, déjà entendues du côté de The Music. Et là, ça coince vraiment. Et quand ça coince, ça coince !
Un peu comme le dernier album de Mudhoney, la nouvelle œuvre de ce trio de Portland évoque une époque révolue du rock indépendant américain des années 90, à cheval entre le grunge, les Pixies et la conscience politique de R.E.M.. Le menu musical de « The blood, The Blood, The Machine » regorge donc de chansons rock rapides. Elles sont en outre truffées de solos de guitare, dans un style rappelant tour à tour Joey Santiago et Thurston Moore. On a cependant droit à quelques mélodies bien senties (« A pillar of Salt », « Here’s your future », « Test Pattern ») et à des remarques piquantes sur l’Amérique ultra chrétienne de Bush. Présenté sans effets de manches (NDR : assurée par Brendan Canty de Fugazi, la production est sobre et électrique), le tout n’a évidemment pas l’ambition de conquérir les ondes FM. Cette petite demie heure de rock un peu bateau mais pas désagréable est néanmoins ternie par la voix un peu trop nasale de Huth Harris (NDR : elle finit par lasser !) Quoique de bonne facture, « The Body, The Blood, The Machine » n’a, en outre, aucune caractéristique vraiment marquante ou mémorable. On le conseillera donc uniquement aux acharnés du genre.
Sortez le champagne, soufflez les bougies et entamez une furieuse bataille à la crème fraîche. Intitulé « Birthday Party », le premier album des Canadiens de The Winks célèbre son arrivée sur le Vieux Continent. Et, nom de Dieu, ça se fête ! Exubérant, fun, naïf, charmant, étincelant : les adjectifs se bousculent, s’efforçant de qualifier le bonheur éprouvé à l’écoute de ce disque. A la tête de la formation, Todd MacDonald (mandoline, voix) et la mignonne Tyr Jami (violoncelle, voix) forment un couple ambigu, biscornu. Main dans la main, ils organisent une « Birtday Party » décadente, insolente, ahurissante.
Selon la légende, ce disque constitue la huitième livraison de la formation. Les sept albums précédents reposent aujourd’hui sur quelques disques gravés, alors distribués sous le manteau lors de concerts donnés à la sauvette. The Winks est un groupe aventureux, campé entre les joyeuses mélodies insouciantes d’Architecture in Helsinki et le rock épique d’Arcade Fire. Au confluent des fables enchantées de Joanna Newsom et des chœurs tragiques d’A Silver Mount Zion. The Winks signe un disque à chérir toute l’année. Sans doute le cadeau d’anniversaire rêvé par votre meilleur ami : vous l’ignoriez encore ?
Si Joseph Arthur prenait la tête de Death Cab For Cutie le temps d’une collaboration, ce projet parallèle emprunterait sans nul doute le nom de Pete Yorn. Un peu à la manière de John Mayer ou Dave Matthews, Yorn est de ces songwriters qui ont bien du mal à décoller hors des frontières outre-Atlantique. Et ce « Nightcrawler » ne changera pas la donne. Les critiques US, qui ont jusqu’ici toujours reproché à Yorn un certain manque de personnalité, ne risquent pas de changer leur fusil d’épaule à l’écoute de ce troisième album. Aussi intéressantes que… banales, les mélodies dispensées sur « Nightcrawler » semblent sensiblement moins recherchées que celles de « Musicforthemorningafter », premier essai d’une puissance pop remarquable. A quelques exceptions près (la douceur mélodramatique de « Vampyre », « Ice Age », l’étonnant « Georgie Boy » et « For Us », concocté en compagnie d’un certain Dave Grohl aux caisses), les compositions de Yorn valsent entre monotonie et inintérêt (« Policies », « Maybe I’m Right » et son intro à la « clocks » de Coldplay ou un « The Man » à la Ryan Adams). Un manque d’intérêt souligné par la présence du titre « Undercover », tiré de la bande-son de Spiderman datant de 2002 et qui, de fait, aurait plus justement trouvé sa place dans le mitigé « Day I Forgot ». Un instantané bien trop volatile.
On ne présente plus Isobel Campbell... Ex membre fondatrice de "Belle & Sebastian", la sympathique petite demoiselle nous avait offert, il y a six mois, un album convaincant en duo avec le ténébreux Mark Lanegan (ex Screaming Trees et membre honoraire des Queens of the Stone Age). Mais là où "Ballad of the broken sea" s’aventurait dans les méandres d’une Amérique profonde et inquiétante, "Milkwhite Sheets", son nouvel opus, aurait plutôt tendance à nous emmener faire un tour du côté de la Forêt de Brocéliande… Une forêt certes moins poussiéreuse et suffocante que le désert où Miss Campbell nous avait laissés lors de notre dernière rencontre...
Mais si elle a troqué les bottes et chapeau contre une grande robe blanche et une couronne de gui, Isobel n’en reste pas moins dérangeante. La musique folk minimaliste qu’elle propose tout au long de ce disque est, en effet, claustrophobe et oppressante ; comme si la faune de cette futaie hostile n’attendait que le signal de la belle pour se repaître du pauvre auditeur égaré. Paradoxalement, ce sont les instrumentaux, richement orchestrés ("James", "Milkwhite Sheets", "Over the wheat and the barley"), qui offriront le plus d’espace et d’oxygène au pauvre hère perdu tant la voix de la dame des lieux se révèle envoûtante et vénéneuse... Telle une sirène arachnéenne, Isobel Campbell attirera dans sa toile quiconque se laissera tromper par son air faussement angélique. Et, une fois la proie ferrée, Dieu seul sait ce qui arrivera... L'écoute de titres tels que "O love is teasin’" ou "Loving Hannah" peut s'avérer terriblement dangereuse. On vous aura prévenu !
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