En voilà un qu’on croyait mort et enterré. Et, contre toute attente, le père d’Athur H renaît de ses cendres, délivre un « Amor Doloroso » de toute beauté et en profite pour serrer la main à son glorieux passé. Souvent présenté comme un des monuments de la chanson française, Jacques Higelin subissait les effets du temps. D’ailleurs, le nouveau millénaire ne semblait point correspondre à l’œuvre du Français. Mais c’était mal connaître Higelin, son verbe élégant, sa poésie chancelante. D’un phrasé impeccable, il donne une suite convaincante à son admiration pour Charles Trenet (écouter « L’hiver au lit à Liverpool », « Se revoir et s’émouvoir »), réintègre le panthéon de la chanson par la grâce d’un album somptueux, presque radieux, quand l’homme ne décide pas d’appuyer ‘sur la gâchette’ (« Prise de bec », « Ici, c’est l’enfer ») et de raviver quelques idées noires. Sur « Amor Doloroso », Jacques Higelin chante l’amour (« Amor doloroso », « J’t’aime telle », « J’aime ») sous toutes ses facettes : joie, tristesse, douleur, bonheur et confusion. Aimer chanter. Voilà sans doute le secret de cette belle résurrection.
Sueurs froides, convulsions, rires nerveux… On imagine aisément l’état dans lequel devaient être les Zutons au moment d’entrer en studio afin de donner un petit frère au très réussi "Who killed The Zutons", sorti il y a tout juste deux ans. Il faut dire que la production d’un second opus est toujours un exercice périlleux. D'ailleurs, on ne compte plus les combos portés disparus suite à une offensive de deuxième ligne menée trop précipitamment… Dans le cas des sociétaires de Liverpool, il y a fort à parier que les musiciens seront bien présents à l’appel, une fois le combat terminé, et qu’il y aura même de la promotion dans l’air ! En effet, "Tired of Hanging Around" se révèle aussi riche et varié que son prédécesseur. L'album recèle, en effet, quelques titres qui devraient valoir de belles satisfactions à un quintette qu’on avait un peu trop vite comparé à The Coral. Plus direct, plus pop et surtout moins empâté que son collègue de label (les deux groupes sont signés chez Deltasonic), The Zutons a le chic d'agrémenter son rock ‘so british’ de touches soul, conférant à sa musique cette saveur si particulière… Saxophones et harmonies vocales magnifiques viennent ainsi colorer des titres déjà rendus efficaces par une kyrielle de mélodies plus évidentes les unes que les autres.
Premier coup de cœur, "It’s the little things we do" démontre toute l’étendue vocale du chanteur-guitariste David McCabe dans un registre très soul rock. "Secrets" met ensuite l’auditeur à genoux à coups de cuivres hybrides, tout droit sortis d’un disque de musique ‘klezmer’, tandis qu’un titre comme "Oh Stacey (Look what you’ve done !)" n’a pas fini de nous arracher quelques larmes émues malgré son côté enlevé, très ‘up tempo’. Comme dans les meilleurs moments d’Otis Redding ou de Wilson Pickett, The Zutons prouve qu’on peut avoir la ‘gnaque’ et être nostalgique en même temps. C’est la marque des grands…
BB & the Blues Shacks est incontestablement un des meilleurs groupes européens de blues. Fondé en 1989, il est responsable de toute une série d’albums fort intéressants, dont "Live at Lucerne Blues Festival" en 98, "Straight blues" l'année suivante (NDR : une plaque partagée entre face swing et blues), "Midnight diner" en 2001 et enfin "Blue Avenue" en 2004. "Live at vier Linden" est un nouvel opus enregistré ‘live’. Une œuvre immortalisée dans leur bonne cité de Hildesheim, au cours de l'été 2005. Leur répertoire puise allègrement au sein de la musique des années 40 et 50, et principalement dans le west coast swing. Pour y parvenir, ils possèdent tous les atouts indispensables et nécessaires dont deux leaders/solistes extrêmement talentueux ; en l’occurrence les frères Andreas et Michael Arlt, respectivement, guitariste/harmoniciste et chanteur. Ils sont soutenus par le pianiste Dennis Koeckstadt et une section rythmique taillée sur mesure : Henning Hauerken à la basse acoustique et Andreas Bock aux drums. Les frangins Arlt signent, en outre, l’intégralité du tracklist proposé tout au long de ce concert.
L’elpee s’ouvre par "Hot shot bop", un instrumental qui met déjà en exergue le talent fou manifesté par Andreas sur les cordes. Chicago blues rythmé au refrain inspiré, "Let's get crazy" est une synthèse de toutes les influences embrassées par Michael : de Little Walter à Sonny Boy Williamson en passant par Big Walter Horton. "She's goth er eyes on you" est un blues qui baigne dans les swamps de la Louisiane. Michael s’y révèle très proche de la démarche d’un Kim Wilson, tandis qu’Andreas - et ce n’est pas une surprise - marche dans l'ombre de Jimmie Vaughan. Le spectre Fabulous Thunderbirds envahit à nouveau "Lose my mind". Les Teutons sont de grands spécialistes aux ivoires. A l’instar d’Axel Zwingerberger ou encore de Christian Rannenberg. Dennis nous le rappelle tout au long de ce boogie. Et se déchaîne lorsqu’il embraie par "Stompin' and rollin'". Le guitariste reconnaît pour influences majeures des personnages aussi notoires que T-Bone Walker et Tiny Grimes. Plages swing, "Can't hide love" et "Hear my baby naggin'" en sont les plus belles démonstrations. Incroyablement doué, il se révèle même proche des meilleurs élèves américains tels que Kid Ramos, Alex Schultz, Junior Watson ou encore Rusty Zinn. Andreas possède plus d'un tour dans son sac. Il a bien étudié la technique des guitaristes du Chicago Westside. Et en particulier celui d’Otis Rush et de Magic Sam. Long blues lent, "Good night's sleep" est un nouveau tour de force. La voix de Michael Arlt passe également bien la rampe. Assez proche de Kim Wilson, elle donne sa pleine mesure sur "Letter from my baby". Ce concert chaleureux s’achève par "Ain't a home no more", un shuffle conquérant sans doute, très texan sans aucun doute. Un disque tout simplement brillant !
Depuis son exil à New-York, c’est à dire en 2004, CharlElie avait quelque peu délaissé la musique pour se consacrer à la peinture. Faut croire qu’après deux ans et demi de silence, le virus de la musique l’a rattrapé, puisqu’il vient d’enregistrer un nouvel album : « New-YorCoeur ». Un disque qu’il a entièrement conçu dans la mégalopole, en compagnie de musiciens américains. La plupart des textes - toujours aussi noirs, lucides, rebelles, poétiques - ont été écrits, avec pour toile de fond, New-York. Et très exactement son urgence ! Un fil conducteur qui lui permet d’épancher ses visions socio-philosophiques sur le monde contemporain, rejetant la démission facile et la fatalité (« Même à Spielberg »), dénonçant l’abandon criminel des mines anti-personnel (« J’suis miné »), manifestant sa révolte (« Une certaine lenteur rebelle »), confiant ses doutes (« L’empire du pire »), stigmatisant le syndrome de la convoitise contemporaine (« Jamais assez (Never enough) »), se livrant à un plaidoyer pour la tolérance (« Tous les hommes »), s’interrogeant sur son propre destin (« Follow the line », dans la langue de Shakespeare) ou encore affirmant sa liberté de pensée (« Emmerdeur ») ; la plupart du temps en tirant parti d’une instrumentation musclée, à la limite du métal ou du boogie voire du blues. Ce qui ne l’empêche pas de se réserver l’une ou l’autre chanson plus douce. A l’instar de « Juste un instant », une ode au bonheur immédiat, aux plaisirs simples, ou encore « Ton jour de gloire », lueur d’espoir au sein du grand bordel. Une petite surprise, le cinématique « Au cœur de Manhattan », abordé dans l’esprit du célèbre « Chacun fait ce qu'il lui plait » de Chagrin d'amour. Bref, un bien bel album pour ce doux rêveur tellement réaliste.
Après Gwen Mac Crae, le label Hi&Fly rend hommage à une autre légende de la soul et du funk. Choriste de James Brown à la grande époque, Lyn Collins est la chanteuse du titre « Think ». Le break de batterie de « Think » a été samplé tellement de fois que James Brown a dû en attraper des furoncles. Et la mélodie vocale de Lyn Collins a elle aussi été soumise à de multiples emprunts. Enregistré à Paris dans le cadre de l’unique tournée solo de Miss Collins, ce concert recèle quelques versions longues des classiques de James et Lyn joués dans la plus pure tradition gospel, des adaptations caractérisées par des intros kilométriques et entrecoupées d’intermèdes parlés. Même au beau milieu des morceaux. Bénéficiant du concours des très compétents Soulpower All Stars, le set est placé à l’enseigne du groove le plus déchaîné. Exception qui confirme la règle : le calme (et très beau) « Put It On The Line », une belle tranche de soul sudiste. Entrecoupé d’extraits d’interviews accordés par la diva funky, cet objet s’adresse surtout aux fans de James Brown et de cette grande dame, qui nous a quittés en 2005. Pour votre info, sachez que d’autres travaux de feu Lyn Collins figurent également sur les volumes 1 et 2 des compilations « James Brown ’s Funky People ».
L’annuel et copieux recensement des tubes ragga et dancehall opéré par le label Greensleeves permet à ceux qui ont du mal à suivre le rythme démoniaque des sorties jamaïcaines de rester plus ou moins à la page. Les amateurs retrouveront donc ici les travaux de vétérans dont l’inusable Yellowman, Sizzla, Buju Banton, Beenie Man, Bounty Killer ou encore Wayne Marshall mais aussi les nouveaux ténors du genre comme Mr Vegas, Tony Matterhorn, Vybz Kartel, Macka Diamond (écoutez son très bon album « Money-O ») ou encore le curieux et pas très convaincant Mavado. Le ragga dancehall puise allègrement dans l’électro, le r’n’b américain (style Timbaland), les rythmes traditionnels jamaïcains et les sons de la dance européenne la plus populaire, celle qui abuse des effets vocodeur sur les voix. Beaucoup de paroles branchées sur le sexe et les armes à feu, mais aussi (et plus simplement) de simples appels à la fête. Au-delà des inévitables morceaux faibles, on rencontrera ici une belle brochette de tubes capable de mettre le feu à n’importe quel dancefloor : écoutez des petites tueries comme « Easy Skanking » ou « Rude Boy Love » pour vous en convaincre.
Dans un paysage hip hop que les vieux de la veille n’hésitent pas à qualifier de morne, ils sont quelques irréductibles à conjuguer leurs talents pour maintenir au plus haut la bannière de cette culture. Ceux-là n’ont pas oublié d’où venait l’inspiration de leurs pairs et s’attèlent aujourd’hui à perpétuer cet héritage, déterrant à l’envi racines jazz, blues, funk, soul… L’écurie californienne Stones Throw est, depuis 1996, la chapelle de ce genre de fidèles. Elle aurait même tendance à prendre des allures de cathédrale au lendemain du gâteau et des dix bougies. Pour fêter dignement la consécration, la bande à Peanut a récolté ses meilleures galettes sur un double album anniversaire jouissif. Et dans la foulée, le sieur cacahuète nous soumet Chrome Children, florilège de faces B et autres sessions inédites jusqu’ici confinées en studio. Si le tracklist a du mordant (Madlib, MF Doom, Oh No, J.Dilla, J-Rocc, Percee P…), les sensations se révèlent douces-amères. Quatre bombes irrésistibles néanmoins : du « Take it Back » de Madlib au « Movin » de Roc C, en passant par « Monkey Suite » de Madvillain ou le funkylicious « Third Rock » de Pure Essence. L’ambiance est tropicale mais les ardeurs ont tôt fait de se rafraîchir. Les efforts conjugués de tous les autres poulains Stones Throw n’y changeront rien ; la compile trace sur la piste mais ne décolle plus ! Mais comble de bonheur, les petits ‘homies’ de la planète rap qui, comme moi, seraient restés sur leur faim, pourront se rassasier en visionnant l’explosif DVD live livré en bonus (un concert de 45 minutes et des interviews, pas de l’arnaque !!!). L’occasion pour eux de (re)découvrir Madlib, l’étalon du label, son acolyte MF Doom, et leur clique de joyeux drilles, boutant allègrement le feu aux planches d’un festival texan devant une foule qui fait des bulles… Un dernier opus en demi-teinte donc, qui, à défaut de vous décaper les oreilles, vous enflammera les pupilles.
C’est bon de manger du son. Et c’est encore meilleur quand il est à point. A remuer la tête comme tout mélomane qui se respecte, se tape le rythme à s’en faire rougir les genoux et se braque sur un repeat insatiable. « All is Violent, All is Bright » paru en 2005, fait partie du lot dès la première écoute. Le second opus du trio irlandais franchit le cap de l’exploration sonore dans une finesse absolue. De l’ambient cru oui mais post rock qui calme direct, comme un naufrage en pays accidenté. Face à une nature abrupte (des vidéos engagées traitant de la folie humaine, des guerres et autres massacres alimentent leur set) où s’échappent des mélopées mises en scène par les frères Kinsella, émerge une musique emplie de rigueur. Aux complaintes de guitares déchirées et boucles synthétiques cristallines, s’agrippe un clavier torturé sur un air masochiste à la Trent Reznor dans sa phase « Downward Spiral » (particulièrement sur « Remembrance Day »). Sauf que l’action se passe sur les flancs escarpés de « Glen of the Downs », et qu’elle est un pur produit local livré par le propre label du groupe, Revive Records. Force est de constater que cette échappée catalyse les cellules souches parées à un éclatement sur les vingt dernières secondes. Sous des combis spatiales, God is an Astronaut nous embarque dans un vortex plaisant et sans nom suivant des lignes aériennes qui ne battent certainement pas de l’aile. Affaire à suivre
Pour écouter le rock ‘pétrochimique’ des Georges Leningrad, il convient d’être remonté à bloc, légèrement débloqué et complètement déguisé. No-wave ou post-punk, musique expérimentale ou avant-gardiste, Les Georges Leningrad brouillent régulièrement les pistes. Chaque nouvel essai discographique de la clique québécoise demeure l’occasion de réitérer un formidable numéro d’équilibriste, une acrobatie étrange, un balancement permanent entre la folie furieuse et le délire incompris.
Intitulé (pour Dieu sait quelles raisons) « Sangue Puro », le nouvel album des Georges Leningrad échappe, une fois encore, à toute catégorisation. Aux commandes de ce navire fantôme, il ne reste que trois moussaillons : Poney P, Mingo et Bobo Boutin. Tous les autres marsouins se sont jetés par-dessus bord, atteints d’atroces démences. Plus que trois, donc. Après « Deux Hot Dogs Moutarde Chou » et « Sur les traces de Black Eskimo », « Sangue Puro » demeure à l’image de ses deux prédécesseurs : il ne cherche pas à plaire. Ce nouvel album préfère choquer, brutaliser les esprits et entraîner nos âmes inconscientes dans une inavouable transe épileptique. Danses de sioux(sie & the Banshees), prototypes sonores et effluves musicales intergalactiques sont donc au programme de cette livraison dadaïste.
De cet album, on retiendra surtout « Eli Eli Lamma Sabachtani », un trip tribal transcendantal reposant sur un lit de percussions percutées. On se souviendra longtemps aussi de « Mammal Beats », une ode bestiale où se croisent cris d’animaux (éléphants, tigres, etc.) et refrains échauffés. En final, un morceau intitulé « The Futur For Less » nous donne la vague impression d’être enfermé dans la salle des machines d’un sous-marin nucléaire dérivant au large de la mer des Tchouktches. Ou n’importe quelle étendue d’eau salée au nom improbable. De toute façon, on s’en fout : en compagnie des Georges Leningrad on est quand même bien barré !
Memo est un harmoniciste texan qui jouit d’une énorme popularité en Europe ; et plus particulièrement en Allemagne où il s’est établi depuis quelques années. Il n’a cependant rejoint les Bluescasters qu’en 1995, une formation jusqu’alors drivée par Kai Strauss. Sous le nouveau line up, le groupe commet un premier album en 1996 : "Let's all get drunk and get tattooed". Puis "10,000 miles" en 98 et "Big time in big D" en 2003, un opus concocté chez lui, au Texas, pour lequel il avait reçu le concours des gratteurs locaux, Anson Funderburgh, Mike Morgan et Johnny Moeller. Excusez du peu! Flanqué de ses Bluescasters, Memo accorde plus de 120 concerts par an. Une espace au sein duquel il y démontre toute l’étendue de son talent. Cosmopolite, le line up de base des Bluescasters implique le gratteur allemand Kai Strauss, le bassiste turc Erkan Ozdemir et le batteur hollandais Henk Punter (NDR : un membre fondateur de T-99). Cependant, à l’époque de l’enregistrement de cet elpee - immortalisé live au Famous Monday Blues d’Oxford, en novembe 2004 - le rôle de bassiste était encore dévolu au Teuton Klaus Schnirring.
Le quartet démarre pied au plancher par "You got me rollin'". L’ambiance transpire la Louisiane. Alerte, la guitare de Kai vagabonde au gré des sentiers, au bord des bayous. "I've been thinking" trace un axe Chicago Los Angeles. Créatif, Kai n’hésite pas à prendre un billet de sortie, passant en deux trois mouvements du swing de la West Coast au blues urbain de la Cité des vents. Le début du set est assez varié. Strauss s’y réserve les vocaux. Très rock'n'roll, mais dans un style texan, son. "What you're doing to me" évolue sensiblement dans un registre proche de Jimmie Vaughan. Blues lent épique de huit minutes, "Greyhound" est une nouvelle occasion accordée à Kai de se révéler l'animateur le plus talentueux du quartet. La montée en puissance de son solo y est absolument incroyable. "Angel in high heels" change à nouveau de cap en optant pour le West Coast swing. Memo chante autoritairement alors que Kai s’inspire, pour la circonstance, des gratteurs issus de L.A ; et en particulier Hollywood Fats, Kid Ramos et Alex Schultz. Une intervention brillante qu’il reconduit sur "Tell me what's the reason", plage dont le rythme est entretenu par la basse d'Erkan. Au milieu du concert, la formation s’offre un petit intermède. En l’occurrence une cover d’"His latest flame", une compo signée Doc Pomus et Mort Shuman qui figurait au répertoire d'Elvis Presley. Le combo embraie alors par un boogie, cheval de bataille sur les planches, monté à partir de titres tels que le "I wanna ramble" de Junior Parker et le "Feelin' good" de Magic Sam. Pour la circonstance, Strauss parvient encore à réunir la quintessence des gratteurs du Westside. Ce qui ne l’empêche pas d’y ajouter un zeste de swing ; et puis surtout de s'envoler à travers "You got what you wanted". Un regret : il faut attendre la fin de concert pour que le géant Memo se décide enfin de faire décoller avec son harmo pour un "I wanna ask you pretty baby" réminiscent des meilleurs moments des TBirds. D’excellente facture, cet elpee (NDR : ou plus exactement ce concert) s’achève par le décapant "Big time operator".
A croire que le clonage est autorisé sur les terres anglo-saxonnes. Les Strokes et leurs cousins Franz Ferdinand ont ouvert la porte aux falsificateurs et peu d’entre eux en sont ressortis indemnes. La recette est simple pour attirer une myriade de petits joueurs : prenez une mélodie efficace (facile) et balancez dessus un rythme suave avec une pointe de dynamisme (easy), secouez le tout et vous obtenez The Immediate. Le shaker déjà vu. Malgré une tentative d’accroche, le résultat est clair : le premier album du quatuor irlandais laisse un grand vide derrière lui. On soupire, on s’ennuie et on s’endort. La formation est pourtant grandiloquente. Touche-à-tout (3 instrus minimum chacun) les musiciens sont capables d’utiliser leurs cordes (notamment vocales) et de digérer leurs influences (Pink Floyd sur « Let This Light Fill Your Eyes », Velvet Underground sur « Can't Stop Moving »). A en attirer plus d’un producteur flairant la pépite qui a de fortes chances de se refléter sur les ondes. Pari tenu pour Chris Shaw (Wilco, Super Furry Animals, Public Enemy, Dylan) qui a ouvert la brèche pour mettre en forme ce premier album crédité de critiques unanimes outre-manche (‘Oh my god !’). Une production qui a de l’allure donc et un avenir tout tracé pour une énième récupération indie pop rock. Mieux vaut en rire.
Pour célébrer le 25ème anniversaire de la naissance de cette formation liverpuldienne, Beggars Banquet a pris l’excellente initiative de ressortir leur tout premier album. Sous deux formats : double et triple. En fait, remasterisé, l’album éponyme bénéficie, pour la circonstance, d’un ou de deux ‘bonus discs’. La deuxième plaque réunit des sessions accordées dans le cadre du Radio show 1 de John Peel, des flips sides, des remixes et des ‘extended versions’ Paru en édition limitée (NDR : 1500 exemplaires !), le box recèle surtout un troisième cd consacré à des versions alternatives du premier elpe, des versions immortalisées pour la plupart à la BBC (deux pour John Peel, of course, et quatre pour David Jensen). Et le conditionnement réservé est en tous points remarquables. En fait le disque (on dirait le vinyle mais en miniature) est protégé par une chemise à l’intérieur de sa pochette cartonnée. Un feuillet reprenant les paroles y est également inséré. Comme à l’époque des 33 tours. Et cerise sur le gâteau, il recèle un booklet abondamment illustré et commenté (NDR : notamment par Ian McNabb et le manager Tony Barwood). Un superbe hommage à ce trio qui, nonobstant les quelques hits décrochés en Angleterre et aux States, n’a jamais été reconnu à sa juste valeur.
On ne s’attardera pas trop sur les deux derniers titres de cet ep, traitement dub d’anciennes compos, mais bien aux trois autres plages particulièrement intéressantes. Trio chicagolais, The Jai Alai Savant (NDR : patronyme d’un sport insolite particulièrement violent pratiqué aux States et dont les règles semblent s’inspirer à la fois du squash et du rollerball) évoque, à premier abord, TV On The Radio. Mais au fil des écoutes, on se rend compte des véritables influences de la formation, qui oscillent de The Police (période « Regatta de blanc ») à Porno For Pyros (et pas seulement à cause du timbre vocal du chanteur, assez proche de Perry Farrel), en passant par le Clash (les accents dub). Soit un hybride entre reggae blanc et punk atmosphérique. Un premier album devrait sortir au printemps prochain. Et suivant la formule consacrée : ce groupe est à suivre de très près !
Nick Drake, mort ? Elle est bien bonne, celle-là. On nous cachait la vérité jusqu’ici mais le secret le mieux gardé du label Secretly Canadian est enfin révélé au grand jour. Digne successeur de Drake et déjà responsable d’une belle brochette d’albums et d’EPs (la plupart édités sous la houlette du label Sub Pop), Damien Jurado s’extrait des ténèbres pour nous y entraîner à notre tour. And Now That He’s In Our Shadow, plus moyen de se défiler. L’univers sombre, enivrant et circonspect de l’homme dévore les solitaires d’une traite. Les chœurs omniprésents de Jenna Conrad (dont un véritable duo sur « What Were The Chances ») entourent l’ensemble d’un léger voile de luminescence, guidant vers l’absolution tout pécheur ayant succombé au charme des psaumes de Jurado. A l’issue de l’aventure, on se sent apaisé, moins seul. Tant qu’il y’aura la musique. Tant qu’il y’aura d’aussi belles œuvres. Septième essai, « And Now That I’m In Your Shadow » n’est pas sans rappeler Matt Ward, Bonnie ‘Prince’ Billy ou même Neil Young. Une oeuvre splendide qui devrait accorder à Damien Jurado la reconnaissance qu’il mérite. Nos tympans ne s’en sentiront que d’autant mieux.
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