On le pensait mort et bien enterré. Tu parles… Le mouvement girl band renaît de ses cendres. Et on le doit au grand retour (attendu ???) des All Saints. Oui. Elles ont osé. Pour commencer, évitons toute exégèse sur les potentielles raisons et motivations de cette résurrection. Après tout, on n’est pas dupes. Parlons plutôt de l’effet de ce « Studio 1 » sur le système nerveux. Ce quatrième album, le premier depuis la prétendue séparation des supers copines en 2001, a de quoi donner aux hypocondriaques, matière à se plaindre. D’abord l’évidence : mal aux oreilles. Les voix de Shaznay et de Natalie sont toujours aussi agaçantes (rappelez-vous le cauchemardesque « Never Ever ») et quasi insupportables sur des morceaux comme « Chick Fit » ou « One Me And U ». Ensuite, mal au crâne. 42 minutes de All Saints c’est tout simplement trop, même si on avoue avoir légèrement remué le popotin sur le single « Rock Steady », le faussement ragga « Scar » et « In It To Win It ». Justement, parlons-en de ce popotin et du dernier symptôme : un sacré mal aux fesses. Au bout des douze pistes, on a l’étrange sensation de s’être fait enc****. En effet, même si l’on ne peut pas nier le fait que ce « Rock Steady » soit extrêmement bien produit et regorge forcément de tubes, l’ensemble donne l’envie de traîner les quatre filles en justice pour faux et usage de faux. N’est pas Lily Allen qui veut. Heureusement, il y a des gens comme les deux joyeux lurons de MSTRKFT qui acceptent de décortiquer à leur sauce un titre comme « Rock Steady » pour en faire une bonne raison d’avoir mal aux pieds : un pur produit de dancefloors (NDR : ce remix n’est évidemment pas inclus dans l’album). En résumé, All Saints reviennent comme elles étaient parties : sans la moindre sincérité. Combien de temps tiendront-elles avant de se crêper à nouveau le chignon ? Les paris sont ouverts.
Revoici débarquer nos hurluberlus d’Akron / Family, et pas forcément où nous les avions laissés. A chaque nouvelle sortie, on sent le collectif fouiller, explorer et expérimenter un peu plus. Nous avons affaire ici à un folk chamanique doté d’une nette tendance à l’improvisation. Dès les dix minutes d’un « Blessing Force » d’ouverture royal, rien ne va plus. Les étiquettes volent et se fracassent sur la solide couche d’audace de ces authentiques cinglés. Un riff rageur qui se transforme en gospel de foire avant de muter en un merveilleux charabia free tout droit sortit de la cuisse d’Albert Ayler. Pas surprenant lorsque l’on sait que l’album a été enregistré avec l’apport de Hamid Drake, incroyable batteur ayant côtoyé les plus grands, de Don Cherry à Pharoah Sanders. Rayon collaborations, la famille a bénéficié de l’aide des musiciens de Do Make Say Think et de Broken Social Scene, ce qui donne indéniablement de l’ampleur à leur mixture sonore. Autre morceau de bravoure, « The Rider », splendide comptine traversée d’éclairs de fureur glaciale. « Meek Warrior » ou « No Space in this Realm » sont emplis d’une ferveur toute religieuse mais pas forcément dans le sens christique du terme. La réponse se trouve probablement dans le titre « Lightning Bolt of Compassion », chanté dans une langue qui nous est étrangère. Vivez l’expérience, traversez les âges. Ecoutez les murmurer ‘We’re gone, gone, gone beyond. Gone completely beyond’... et vous aurez tout compris.
Référence évidente à l’Electric Ladyland d’Hendrix, Acoustic Ladyland dispense un freeform jazz aux accents postpunk et électroniques étonnant (si, si). « Skinny Grin », second essai de la formation, peut de prime abord déconcerter l’oreille peu habituée à ce type de délires sonores. Démarrant sur les douces notes de piano et de saxo entrecoupées par quelques saturations de guitares de « Road Of Bones », le combo laisse éclater sa rage sans crier gare sur un « New Me » baroque et grandiose. « Skinny Grin » oscille entre plages placides (« Red Sky », « Hitting Home ») et agitées (l’éponyme, « Salt Water ») et définit une certaine tourmente pouvant envahir n’importe qui à n’importe quel moment. Semi-instrumental, l’ouvrage compte les vocalises d’entre autres Alice Grant (de Fulborn Treversham) ou encore celles d’Anne Booty sur l’excitant « Cuts & Lies ». Défiant les âmes les plus opiniâtres à s’abandonner à leur folie, Acoustic Ladyland franchit sans révérence les dernières limites imposées par les genres et ouvre au monde les portes d’une musique à priori moins accessible. Captivant.
Rien à voir avec Chopin, malgré le fait que Michael Krassner et sa bande (cette fois Fred Lonberg-Holm au violoncelle, Jacob Kollar au piano préparé et Frank Rosaly aux percussions) jouent une sorte de musique électroacoustique qui emprunte autant ses humeurs au baroque qu’à l’americana de Ry Cooder, au post-rock de Constellation qu’aux soundscapes de Clogs et de Max Richter. Pour ce quatrième album, Boxhead Ensemble continue donc son parcours cinématographique : huit pièces à l’amplitude souffreteuse, qu’on pourrait écouter en regardant du Lynch ou du Eugène Green. Si les « Nocturnes » n°5, 3 et 7 convoquent l’imaginaire US à coup de pedal steel fantômes, les autres pièces mêlent davantage pizzicatos et nappes lointaines extirpées d’un orgue en berne (« Nocturne 10 »). Seule la « Nocturne 4 », parasitée de cliquetis électroniques à la Raster_Noton, nous arrache d’une torpeur bienséante. La pellicule semble écornée, et le film de buter sur une image étrange : celle d’un quatuor prisonnier de ses propres lubies, qui n’arrive pas à se renouveler. Voilà qui est fort ennuyeux.
Deux ans après « Zweite Meer », l’Allemand Frank Schültge Blumm récidive dans une veine post-pop-jazz qui rappelle à la fois Tortoise (circa « TNT »), Tied & Tickled Trio et Jagga Jazzist. Entouré d’une pléthore de musiciens (douze en tout, dont Anne Laplantine aux machines et Harald ‘Sack’ Ziegler au cor), le Teuton a profité d’un été ensoleillé à Berlin (d’où le titre) pour enregistrer ce qui s’apparente à son disque le plus lumineux. « Summer Kling » déroule ainsi ses arpèges radieux et ses glissandos mats le long de seize titres aux ambiances fragiles, comme un mois d’août en pleine Bavière. Seize miniatures où l’on entend des flûtes, du melodica, de la trompette, du violon, du trombone, de la clarinette, du piano, du metallophone, ou encore de la contrebasse et du banjo… Autrement dit une véritable auberge espagnole, qui n’empêche pas notre homme d’avoir les idées claires. De ces seize ritournelles aux confins du jazz et de la pop cinématique on retiendra non pas des mélodies, mais une certaine idée de la note bleue : comme la couleur d’un ciel sans nuages, à la sérénité réconfortante. Atmosphère, atmosphère, ce disque a une gueule d’atmosphère.
La première fois qu’on a entendu les Blood Brothers, c’était il y a quatre ans lors de la sortie de l’album « Burn, Piano Island, Burn », une méchante claque math-hardcore tourneboulant nos certitudes musicales et rythmiques, aux effets plus sournois qu’une intraveineuse de kétamine. S’enfiler ce disque d’une traite, c’était s’exposer à de sérieux black-out épileptiques. Cinq types de Seattle déchaînés sur leurs guitares et leurs fûts, soufflant le chaud (piano, cuivres, percus) et le froid (synthés, voix) en pleine déroute politique (Bush, l’Amérique – grosse colique cathartique). Sur ce nouvel album (leur quatrième), les Blood Brothers creusent toujours le même trou : Amérique et fosse septique, autre rime, ‘same bullshit’. Sauf qu’ici le chant se fait parfois plus triste, voire moins crispant. Sur la moitié des titres, les Blood Brothers tentent ainsi de renverser la vapeur, même si personne n’est jamais à l’abri d’une sale brûlure : sous le pansement la plaie suppure, mais cette fois sans risque d’amputation. On peut presque danser sur ce disque (du cabaret-disco-punk ?), à moins d’avoir peur de se fouler la cheville : aïe, ça fait mal, mais comprendre la douleur c’est déjà la tuer. ‘Everybody needs a little devastation’ : tu l’as dit bouffi, alors qu’est-ce que t’attends pour faire péter la sauce ?!?
« Douar » est le second album solo de Karim Baggili, jeune compositeur, virtuose de la guitare et du oud. Ces deux instruments sont bien évidemment mis à l´honneur sur cet opus, offrant une jolie variété de sonorités. Même si le flamenco domine, des mélodies arabes, grecques ou encore russes s´entremêlent pour former une œuvre colorée, métissée, pleine de chaleur et d´enthousiasme. Les onze morceaux de « Douar », tour à tour envoûtants, relaxants ou festifs, nous invitent au voyage. Il faut dire que l´artiste connaît le mélange des cultures. Il est en effet né en Belgique d´une mère yougoslave et d´un père jordanien. Son talent s’est révélé en 2000, lorsqu´il a remporté le premier prix de l´Open Strings Festival à Osnabrück, en Allemagne. Il travaille aujourd´hui en compagnie de nombreuses formations et compose pour les courts-métrages. Un artiste à écouter d´urgence, pour oublier la grisaille de l´hiver…
Aperçus en première partie des concerts européens de Two Gallants, les Américains de Cold War Kids tentent, cette fois, une percée sur le Vieux Continent par l’entremise de « We used to vacation », premier EP publié sur nos terres. Soit quatre titres pour découvrir l’univers de ce quatuor californien. Une énergie empruntée au meilleur de la scène post-punk et un lyrisme proche des complaintes de Jeff Buckley charpentent les bases sonores de ce nouveau projet fomenté du côté de Long Beach. Le nouvel album de Cold War Kids est attendu pour le début de l’année 2007. D’ici là, on se remémore avec bonheur la folle exubérance dégagée lors de leur concert. Bien plus puissant encore que les titres ici proposés par le groupe. Sur scène, Cold War Kids laisse entendre un groove chaotique, des envolées de riffs nerveux et de puissantes lignes de basse. Voilà, peut-être, comment sonnerait la musique de Starsailor si la formation anglaise n’avait pas oublié de brancher ses guitares...
A l’instar de Maher Shalal Hash Baz ou de Shogu Tokumaru, Takuji Aoyagi (alias Kama Aina) est l’un des fiers artisans de la cause folk-pop nippone. « Club Kama Aina », son cinquième album, empile ainsi mélodies diaphanes et ritournelles limpides, dans un esprit DIY pétri de sincérité touchante. Entre bossa lo-fi (« Mud Cat ») et pop country souriante (« Wedding Song »), voilà donc une galette qui ne paie pas de mine mais distille au compte-gouttes sa petite dose de bonne humeur. Piano, banjo, accordéon, xylophone, cordes délicates et invités de marque (Isobel Campbell, Stephen Pastel et Bill Wells)… Rien de pesant, rien de solennel : juste un tressaillement complice, révélant à la fois l’éternité qui nous déborde et l’éphémère qui nous traverse. Sorti sur le label Rumraket (Efterklang, Grizzly Bear), « Club Kama Aina » s’avère ainsi la preuve supplémentaire qu’au Japon on conçoit la musique pop comme on écrit des haïkus : en pinçant notre cœur avec légèreté. Une onde, un flux, un abandon : bienvenue au Club Kama Aina, d’où sourd l’invisible.
Après Fischerspooner pour New York et Damian Lazarus pour Londres, le magazine Time Out a demandé au duo Black Strobe de jouer les guides touristiques parisiens. Au menu : non pas la Tour Eiffel et les jardins du Louvre, mais des clubs branchés (Le Baron, Le Pulp, Le Rex,…), des restos chics, du shopping pour frimer (Colette,…), de l’art et des bars, voire du strip-tease. Mieux que le Guide du Routard, ce dual disc propose également un mix d’Ivan Smagghe et d’Arnaud Rebotini, forcément EBM : Front 242, Bastards of Love, DJ Hell, Midfield General, et même du Bauhaus, c’est dire. On retrouve également deux tracks faits maison (« Abwehr Disco » et « Deceive/Play »), et du gros beat (Trentemoller, Boys Noise, Mickey Oliver,…) façon Frank Sinatra, Vicious, Champagne, Sexe, Champagne, Gigolo, MTV, Sunglasses at Night, Champagne, Gratin Dauphinois, Sexe, Yeah !!! L’elektroklash est mort, vive Black Strobe, Champagne, Gigolos, Boys, Girls, MTV, Bastard, Yeah, Cocaine, Yeah, Frank Sinatra, Sexe, Champagne ! Trop fort ce disque, on s’croirait presque en 2002 à danser sur Vitalic en marcel Armani. Champagne, Cocaine, Madame Hollywood, Golden Shower, Gigolo, Sexe, Girls, Disco Inferno, Champagne, Boys, Frank Sinatra. Vivement la compile Berlin, qu’on se tape une bonne tranche de techno minimale… Champagne !
Il y a trente ans naissait aux States Thirsty Ear, d’abord société de distribution (pour des labels anglais comme Beggars), puis label à part entière dès 1990. ‘Blue Series’, sous-label dédié au jazz sous ses formes les plus aventureuses, est né d’une rencontre entre le pianiste ‘nu-bop’ Matthew Shipp et l’ex-Black Flag Henry Rollins. Leur volonté : dévergonder le jazz en le confrontant à d’autres genres musicaux, comme le rock, l’électro et le hip hop. A l’instar d’ECM dans les années 70 ou de Blue Note dans les années 60, Thirsty Ear parie donc sur l’innovation, l’échange et la transmutation. « The shape of jazz to come » : c’est donc ici que ça se passe, avec des artistes comme William Parker, Tim Berne, David S. Ware ou encore Nils Petter Molvaer. Sur cette compile l’on retrouve également Sex Mob, John Medeski, Meat Beat Manifesto, Carl Hancock Rux, Eri Yamamoto, DJ Spooky et Dave Lombardo, Mike Ladd, Beans (Antipop Consortium), The Yohimbe Brothers,… Bref du jazz, et bien plus, parce qu’il n’est pas question pour ces artistes de se laisser étiqueter et de tourner en rond... Il reste encore tellement de terrain à défricher !
Aux dernières nouvelles, Elvin Estrela, alias DJ Nobody, fricotait du côté de Mystic Chords of Memory (le groupe de son ami Chris Gunst). Aujourd’hui, on le retrouve producteur, seul derrière les mannettes, remixant amoureusement les travaux de quelques acolytes notoires. Busdriver, Her Space Holiday, The Postal Service, Clearlake et autres Clue To Calo écoutent ainsi leur morceau sous un jour nouveau.
« Revisions Revisions : The Remixes 2000-2005 » ne constitue pas réellement un album de Nobody. Il s’agit davantage d’une vaste compilation de remixes façonnés pour ses potes entre 2000 et 2005. Et si le garçon aime mélanger les sons (jazz, hip-hop et electro de préférence), ce disque ne reflète pas spécialement son côté aventureux et expérimental. Les remixes proposés par Nobody ne tentent jamais le grand écart. Ici, pas de folie. Mais de jolies chansons lustrées et gracieusement remodelées par cet artisan tout-terrain. L’univers des projets remixés n’est vraiment guère affecté par la touche de l’artiste. Voilà sans doute le (gros) point faible de ce « Revisions Revisions : The Remixes 2000-2005 ». Pour le reste, c’est une compilation idéale pour se détendre, la tête dans les étoiles, les doigts de pieds en éventail.
Il n’est plus besoin de présenter cette formation mythique, inspiratrice d’une époque avant-gardiste et révélatrice d’un son synthétique qui lui est propre. On ne présentera pas non plus la voix charismatique de Dave Gahan ni les compositions efficaces et accrocheuses de Martin L. Gore tant leur succès fut retentissant, tant leur discographie est saisissante. Une dizaine d’albums, des collaborations remarquables (le producteur Mark Ellis aka Flood sur les albums phares « Songs of Faith and Devotion » et « Violator » mixé par François Kevorkian) viennent s’ajouter aux multiples reprises de titres devenus cultes. Cette reconnaissance place la formation dans la cour des grands, dont certains (Johnny Cash, Marilyn Manson, Placebo, Rammstein etc.) les rebaptisent par des covers, « Personnal Jesus » figurant incontestablement en tête. Une popularité qu’ils atteignent grâce à l’élaboration d’hymnes authentiques tels « Enjoy The Silence », « Never Let Me Down Again » et le développement de sons synthétiques mélodiques, rythmiques et percutants comme le fameux « Just Can’t Get Enough ». Résultat d’un travail précurseur sur leur époque. Ce Best Of n’est que la première partie d’une rétrospective de la carrière du groupe depuis ses débuts en 1981 soutenu depuis toujours par Daniel Miller du label Mute Records. Résistant aux nombreuses fluctuations (les départs d’Alan Wilder, un des piliers du groupe, pour son projet Recoil ou Vince Clarke pour Erasure), le combo survit. Gahan et Gore continuent de perpétuer leur image et de sculpter davantage leur son en s’entourant de musiciens talentueux, notamment Peter Gordeno (synthés, guitare). La musique de Depeche Mode, c’est d’innombrables singles qui ont marqué la scène electropop et qui pérennisent malgré une certaine évolution musicale. Symbolisant une référence immortalisée dans le panthéon des groupes emblématiques d’une époque, Depeche Mode est indubitablement présent.
Après le résultat mitigé de l’éponyme, trois ans auparavant, fans et critiques attendaient Deftones au tournant. Au vu d’une sortie sans cesse repoussée et d’un single porte-drapeau pas vraiment exceptionnel, additionné à l’un des plus mauvais clip vidéo jamais réalisé (« Hole in the Earth »), on aurait pu légitimement penser que le pire était à venir. Cette bonne blague ! Entre deux ou trois repas concoctés par sa jolie et tendre moitié, Chino Moreno a trouvé le courage de passer la porte du studio pour rejoindre ses quatre confrères californiens et créer l’une des plus belles œuvres du groupe. « Saturday Night Wrist » est ce qu’on pourrait qualifier de chaînon manquant entre « Around The Fur » et « White Poney ». Entre hymnes brut de décoffrage (« Rapture », « Rats!Rats!Rats! », « Combat ») et odes prodigieusement salvatrices (« Beware », « Cherry Waves », « Rivière »), les Deftones se renouvellent et surprennent sans cesse, là où d’autres stagnent lamentablement sur les mêmes notes et les mêmes thèmes (Korn, pour ne pas les citer). Vocalement, Moreno déploie plus que jamais un arsenal d’émotions toujours bien placées. Une simple écoute de l’époustouflante tirade d’adieu « Xerxes », belle à en pleurer, suffit à en témoigner. Ce cinquième ouvrage, agrémenté d’un magistral morceaux instrumental (« U,U,D,D,L,R,L,R,A,B,Select,Start »), compte la discrète mais dispensable présence de Serj Tankian (System Of A Down) sur un « Mein » efficace. Moins timide, Annie Hardy (Giant Drag) partage le micro de Chino sur le politiquement incorrect « Pink Cellphone », titre tièdement accueilli par les fans. En cause, un son trop Team Sleep-esque et le monologue final d’Annie Hardy, très cru mais pourtant hilarant (à condition d’être amplement second degré). Ayant pour sujet la sodomie à l’anglaise, ce dernier a tout simplement été amputé de la version finale du disque. Il n’est d’ailleurs inclus que dans la version ‘Parental Advisory’, disponible uniquement aux States et, roulement de tambours… en Grande-Bretagne. Si « White Poney » reste inégalable, « Saturday Night Wrist » devrait réconcilier les fans déçus de l’éponyme. Un joli 4 sur 5 pour la discographie d’un combo dont la virtuosité s’amplifie à la même allure que le tour de taille de son leader...
Nederlands 
Français 
