Etonnant! Alors que la plupart des groupes ou des artistes rendent leur musique plus accessible au fil de leurs albums, Under Byen prend le chemin totalement inverse. Troisième opus du collectif danois, « Samme Stof Som Stof » est en la plus parfaite illustration. Un disque imprévisible, aventureux, à la limite expérimental, qui tranche avec tout ce qui existe actuellement sur la scène pop/rock actuelle. Une seule constante : la voix d’Henriette Sennenvaldt dont le timbre velouté, sensuel, rappelle toujours autant Björk, mais sans les inflexions furieuses et énervées. Elle chuchote d’ailleurs davantage qu’elle ne vocalise. Dans sa langue natale. Mais c’est à peine si on s’en rend compte, tant sa manière de chanter se fond dans l’ensemble. Il règne une tension palpable, captivante, tout au long de cet opus, une tension entretenue par le flux et le reflux de l’instrumentation mystérieuse, riche (violon, violoncelle, marimba, basse, claviers, piano, theremin, trombone, percus, samples, etc.), complexe, ainsi que des arrangements squelettiques susceptibles d’exploser à tout instant en une multitude de débris soniques. Sculptées dans des couches voluptueuses de son et d’émotion, les douze plages de « Samme Stof Som Stof » intriguent, perturbent et finissent par vous envoûter. Si vous appréciez à la fois Thom Yorke, Björk, Godspeed You ! Black Emperor, Sigur Ros et Portishead, vous ne pouvez passer à côté de ce disque. En mon for intérieur, je suis de plus en plus convaincu qu’Under Byen est en passe de devenir une référence sur l’échelle de la musique contemporaine… Mais il est absolument indispensable de disposer d’un esprit particulièrement ouvert pour apprécier ce type de disque. Vous voilà prévenus !
Du rock tranchant, bien cramé, servi à point par un gars et deux filles énervés à souhait, voilà le programme mis en place par ces natifs de Cardiff. Le rock’n roll et le Pays de Galles font bon ménage. Ou, plutôt, leur rock’n roll déménage. Aujourd’hui, on ne peut d’ailleurs s’empêcher de songer aux combustions électriques des incroyables (et regrettés) McLusky. Au chant, Adam Taylor trempe ses textes dans une fièvre chaotique proche des coups de semonce assenés par les premiers ébats des Pixies.
Chez The Victorian English Gentlemens Club, personne ne se pose de questions. On fonce, tête baissée, poing levé. Derrière les élucubrations vocales de Taylor, Louise Mason (basse) et Emma Daman (batterie) s’en donnent à cœur joie. Quel bonheur de s’arracher les amygdales ! Quel plaisir de rugir au nom du rock’n roll ! Un nom de scène formidable, une musique qui déménage des quartiers entiers, The Victorian English Gentlemens Club tient son destin en main. Leur album éponyme a la rage au ventre et de la hargne à revendre. Avis aux consommateurs.
Nous étions prévenus. Un ami bien avisé s’était déjà emballé : ‘Eh, faut écouter Wixel ! Impossible de passer à côté de cet album quand on aime Manyfingers ou Explosions In the Sky. Eh, faut vraiment écouter Wixel ! Ce sont des Belges en plus. Franchement... Faut écouter Wixel !’ Impossible de le raisonner. Alors, comme demandé, nous avons écouté Wixel. Et, de fait, on s’est trouvé face à un très bon disque. Séduisante rencontre entre post-rock instrumental et electronica ingénue, la musique de Wixel étend ses chaleureuses textures à l’infini. « Heart » est un disque somptueux, fruit de l’acharnement et de la méticulosité sonore de Wim Maesschalck, son auteur. Revenir à ce disque, c’est s’épanouir, se réjouir de nouvelles subtilités acoustiques. Redécouvrir des sons. Parfois, une guitare électrique vient chatouiller les tissus électroniques de Wixel. Mais sans jamais les effrayer. Les mélodies mélancoliques demeurent la marque de fabrique de cette reposante entreprise. Fermez les yeux, oubliez-vous, écoutez Wixel !
Une ambiance lourde à en crever, c’est le pari qu’on fait deux fortes personnalités à l’image de la maison mère ‘Neurot Recordings’ sur leur projet parallèle Battle of Mice : Julie Christmas, la chanteuse furie de Made out of Babies et Josh Graham, guitariste de Red Sparowes. Ajoutons à ces deux là le batteur Joel Hamilton (Players Club, Books of Knots) et le bassiste Tony Mainone (Books of Knots, ex-Pere Ubu) pour un résultat splendide de ‘lunatisme fuliginesque’.
Malgré la mésentente des deux membres fondateurs de Battle of Mice, sept titres noise atmosphériques sortent de cette collaboration sur l’opus « A Day of Nights » signé sur le même label. Dès le départ, l'album s’engouffre dans des saturations aiguisées et chargées d’une humeur funeste. « The Lamb And The Labrador » et « Bones in the Water » rappelant le climat postcore d’Isis et Red Sparowes. Les morceaux « Sleep and Dream », « Salt Bridge » ou encore « Wrapped in pain » apparaissent davantage comme des exercices de spleen funéraire auxquels se prête Julie Christmas, accordant son timbre sur une ambiance occulte à souhait. L’ornementation de pleurs pianistiques nous plonge dans des cavités souterraines inexplorées. Illustration en musique d’un malaise omniprésent tel Neurosis, « A Day of Nights » respire l’amanite phalloïde, un poison mortel auquel on se laisse prendre sans détours, dans une plaisante suffocation.
Cérémonie au rythme lourd et dépressif ou messe noire célébrée par des backing vocaux qui ne font qu’aggraver la situation, la nouvelle signature de la souricière ‘Neurot Recordings’ est un recueil méchamment commotionné tirant sa révérence sur « Cave of Spleen », l’ultime descente dans les abysses émotionnels.
Quiconque déclare ‘So much trash on the radio today’ (« You Shout You Shout You Shout You Shout »), a plutôt intérêt à assurer. Mais quand on essaie d’imiter ses aînés, sans forcément avoir leur talent, il devient difficile d'éviter le résultat mitigé. C’est la leçon à retirer de ce « Not Accepted Anywhere ». Certes, cet album plaira à l'auditeur pour qui les mélodies scandées par Kaiser Chiefs et Bloc Party sont encore un terrain inconnu (enfin, si c’est encore possible). Le premier essai de The Automatic navigue entre morceaux sans réel intérêt (« Lost At Home », « Team Drama », « Rats ») et petites merveilles pop (« Raoul », « Recover », « By My Side »). Un déséquilibre desservant une formation qui aurait aisément pu être labellisé ‘the next big thing’, si ce n’était pour un manque de maturité. « Not Accepted Anywhere » souffre également de lourdeur et d’uniformité tant dans les voix limite punk et emo-pop que sur certains arrangements. Les quatre rejetons de The Automatic iront peut-être loin. Mais ils devront passer leur tour sur ce coup là.
Bob Brozman est né à New York. En 1954. Il joue de la guitare depuis plus de 45 ans. Un musicien unanimement apprécié, réputé pour sa technique infaillible. Cet esthète du blues fait d’ailleurs autorité dans les milieux branchés. Maintenant, il ne faut pas imaginer qu’il se cantonne exclusivement au blues ; en fait, il aime se frotter aux musiques traditionnelles. Ce qui lui permet d’embrasser d’autres projets. En 2006, il a ainsi enregistré "Songs of the Volcano", en compagnie de 5 musiciens papous, issus de la Nouvelle Guinée. Il a également accompli un exercice de style consacré au ‘world blues’, au cours duquel il aborde divers courants musicaux issus d'Afrique occidentale, d'Inde, des Caraïbes ou d'Hawaï, en intégrant des éléments de jazz, funk, hip hop, ska ou calypso. Sa discographie est très abondante. Ses débuts remontent à 1981. A l’époque, il relevait du label Kicking Mule. Une discographie qu’il a réalisée en solo ou en compagnie de collaborateurs.
Ce nouvel album s’ouvre par l’enregistrement d’un laïus prononcé par le Rev J.M Gates, en 1929!! Bob chante d’une voix monocorde ce "Dead cat on the line", une compo marquée par la sonorité métallique des cordes de sa guitare National Baritone Tricone. Il assure tout lui-même y compris les percussions, n’hésitant pas cogner des objets de culte chinois. Sa façon d'attaquer les cordes est majestueuse et très personnelle. Son blues dégage beaucoup de charme. Sa technique est prodigieuse. Et l’éblouissant "Rattlesnake blues" en est la plus belle démonstration. Il fait littéralement chanter ses cordes tout au long du lumineux "One steady roll". Une forme de beauté immaculée envahit sa musique, tant la sensibilité se conjugue à la musique. Et "Death come creepin" ainsi que "New Guinea blues" en sont les plus beaux exemples. Mais également "It's mercy we need", une plage dont la limpidité procède de son dépouillement. Impressionnant ! Brozman opère également des arrangements de thèmes notoires. Le Poor me" de Charley Patton, tout d’abord. Un morceau qui exsude une tristesse infinie. Le "Cypress Grove blues" de Skip James, ensuite. A découvrir absolument !
Aurora ‘Rory’ Block est née en 1949. A Princeton, dans le New Jersey. Elle a passé sa jeunesse et son adolescence à New York, dans les quartiers branchés de Soho et de Greenwich Village, où elle a pu prendre part au mouvement folk qui a marqué les années 60. Ce qui lui a permis de côtoyer des artistes comme John Sebastian, Maria Muldaur ou encore Stephan Grossman; mais également des grands noms du blues rural et primaire tels que Mississippi John Hurt, Skip James, Son House et Reverend Gary Davis. C’est à cette époque qu’elle a procédé à son immersion dans le blues traditionnel, expression qu’elle n’a depuis plus guère quittée. Elle est demeurée fidèle, durant une vingtaine d'années, au label Rounder, pour lequel elle a concocté de nombreux albums (NDR : le premier, "High heeled blues", est paru en 1981). Au cours des dernières années, Rory a décroché la bagatelle de quatre WC Handy Blues Awards. Depuis "Last fair deal", paru en 2003, elle est passée chez Telarc, pour lequel elle a encore commis "From the dust" en 2005. Son dernier projet remonte à l'année dernière. Un opus consacré à Robert Johnson, au cours duquel elle a pris le soin de respecter l'esprit du légendaire musicien, en épousant la tradition du Delta Blues. Faut dire qu’elle a été surprise et en même temps ravie d’apprendre que Johnson n'était pas parti sans descendance. Un fils, des petits-fils et des arrière-petit-fils vivent ainsi dans le Mississippi. Sur l’image de la pochette de cette nouvelle œuvre, derrière l'énigmatique Rory, on aperçoit le sourire espiègle d'un jeune noir. Il s’appelle Richard Johnson et ressemble étrangement à son bisaïeul…
Rory attaque le canon du blues "Cross Road blues", une pointe d'agressivité dans la voix. On reste pantois devant la technique, le talent et l’assurance manifestés à la slide par cette femme si respectueuse de ce blues d'avant-guerre, vieux de soixante ans déjà. Elle embraie par "Preaching blues". Le bottleneck suit à la trace les interventions vocales plutôt assez âpres. Miss Block retrace la mythique épopée du génial Robert, en treize chapitres. Un prestigieux défilé, au cours duquel se succèdent "Walking blues", "32-20 blues", "Terraplane blues", "Me and the devil", "Come on in my kitchen", et "If I had possession over judgement day". Rory a fort bien saisi la complexité du jeu de Robert. Bien sûr si elle n'est certes pas la première à dépoussiérer le répertoire extraordinaire de ce personnage trop tôt disparu ; mais elle accomplit sa mission avec une passion jamais prise en défaut…
L’étymologie est parfois trompeuse. Blottie derrière Bless, Bénédicte rend hommage aux racines latines de son prénom. ‘Bénie de Dieu’ Bless ? Peut-être. En attendant, Béné s’est plantée. Car en se penchant sur son prénom, on constate que Bénédicte découle de la contraction de deux mots latins : ‘bene’ (‘bien’) et ‘dicere’ (‘dire’). Bless n’est donc pas bénie de Dieu. Mais nous ‘dirons’ ici tout le ‘bien’ qu’on pense de son premier album. De ce souffle de voix inspiré, la jeune femme rejoint une mouvance allant de Françoise Hardy à Keren Ann. En français ou en anglais, ses textes trahissent quelques désirs sexuels (« Ce plaisir (ne m’est pas donné) », « Monsieur X »), recherchent le réconfort (« Fais un vœu », « La raison pure ») et témoignent d’une écriture soignée, sophistiquée.
Sur cet album éponyme, Bless s’essaie à toutes les besognes. Son timbre, doux et fragile, s’expose ainsi aux émotions les plus diverses. D’une ritournelle mélancolique (« Anyway »), Bless se lâche, se donne corps et âme et s’abandonne dans un rock sulfureux (« Dusty Dirty Duty »). Sagesse apparente ou démence invisible, vrais mensonges et demi vérité, Bless se défile et défie les genres. A l’écoute de ce disque, on songe à la force tranquille d’Holden, à la désinvolture affranchie de Coralie Clément. On demeure ‘sans voix’ et c’est agréable. Un peu comme Bless finalement...
Blackstrap est une formation suédoise réunissant une fille et trois garçons. Malgré les bonnes critiques, les ventes de leur premier album (« Ghost Children ») sont demeurées confidentielles. Faut dire que le groupe est quasi-inconnu hors de son pays d'origine. « Steal My Horses And Run » constitue donc le deuxième album de ce groupe réunissant Maria (chant, synthé, guitare), Jonatan (chant et guitare), David (batterie et percussions) et Henrick (basse).
Jonatan définit cette œuvre comme ‘du rock simple qui libère une grande énergie’ ; mais aussi ‘ un mélange de cris primaux et de belles sonorités’. Paru début 2006, cet opus nous entraîne bien loin de la Scandinavie. Il nous propulse même de l'autre côté de l'Atlantique. Il y a un côté psyché américain très prégnant tout au long de ce disque. Et des influences qui oscillent de The Jesus & Mary Chains à Spiritualized en passant par le Brian Jonestown Massacre. Un morceau comme « To Be Gone » aurait aussi bien pu être écrit par Newcombe en personne. Les sonorités atmosphériques sont cependant fluidifiées par la voix de Maria. A l’instar de « Still Soar ». Cette plaque ne se limite pourtant pas aux ‘belles sonorités’, certaines plages dispensant une intensité digne de BRMC. D'ailleurs, la ressemblance entre la voix de Jonatan et celle de Peter Hayes est frappante. Et je pense tout particulièrement à « By Down Low » et « The Bitter, The Sweet ». Blackstrap est vraiment un bon groupe. Et j’imagine que sur scène sa puissance doit être décuplée. Sans pour autant négliger de cultiver une sérénité à laquelle il semble viscéralement attaché. Car Blackstrap évite soigneusement de surcharger son expression sonore. Il cherche tout simplement l’équilibre le plus parfait possible entre rock purement électrique et feeling intimiste
Fraîchement signé chez 4AD, Beirut et son nouveau label célèbrent cette collaboration par la réédition de son splendide chef d’œuvre « Gulag Orkestar » (NDR : voir chronique correspondante), enrichi de « Lon Gisland », un EP forgé à l’aide des mêmes ingrédients ensorcelants. 5 plage (NDR : 4 dans la version promo que nous avons reçue) qui ne font que confirmer l’incroyable talent de Zach Condon. De ces nouveaux titres, on retiendra surtout « My Family’s Role in the World Revolution », courte plage instrumentale étonnamment allègre et dansante. On l’a déjà dit et on ne se gênera pas pour le répéter : tant « Gulag Orkestar » que maintenant « Lon Gisland EP » constituent quelques unes des plus belles œuvres de l’année. On l’attend sur scène de pied ferme.
Dans la grande famille des compilations où des artistes reconnus choisissent les morceaux qui les ont marqués, nous vous annonçons la naissance de la série « My Definition ». C’est à Nightmares On Wax que revient le privilège d’ouvrir le bal. Pour ceux qui l’ignorent encore, « Nightmares On Wax » est un projet électro imaginé par George Evelyn, un personnage souvent crédité pour avoir contribué à créer le style hip hop atmosphérique et enfumé que l’on a baptisé ‘trip hop’, au début des années 90. L’homme nous gratifie d’une agréable sélection qui lorgne énormément vers un hip hop (américain, anglais et même polonais) cool et décontracté ; mais la soul, le funk ne sont pas non plus en reste. Si le but de ce genre de compilation est de nous surprendre agréablement en découvrant des titres peu connus, il faut reconnaître que l’objectif est largement atteint. Les amateurs de sons funky et cool devraient donc trouver ici leur compte ; ce disque constituant un support idéal pour pavaner en voiture toutes vitres baissées, le son à fond, au milieu des gaz d’échappements et du froid.
Pascale Delagnes est une auteur-compositeur-interprète belge qui s’est illustrée en 2004. Elle a en effet remporté deux récompenses durant cette année. Lors de la finale de la biennale de la chanson française à Bruxelles, tout d´abord. Et ensuite à l’occasion du Festival International de la Chanson de Granby, au Québec, en tant que lauréate interprète.
Elle nous livre aujourd´hui « Ma petite robe rouge », premier album composé de quatorze titres. Même si l´ambiance ‘guinguette’ domine - logique lorsqu´on sait que l´accordéon est l´instrument de prédilection de l´artiste - cet opus se veut éclectique. Le piano et la guitare électrique ont également leur mot à dire. Et des morceaux comme « Ton silence » et « Mon petit destin » en sont la plus belle illustration. Les mélodies prennent tour à tour des accents jazzy (« Je veux »), orientaux (« Maleka ») africains (« Chanson pour Fidèle ») ou encore espagnols (« Soledad del desertio »). Quant aux sonorités elles évoquent de temps à autre la pétillante Olivia Ruiz. Les textes sont tout aussi variés. Ils nous emmènent à la rencontre de personnages (« Maleka », « Java du parc de Josephat ») ou nous font part des états d´âme de l´artiste tantôt amoureuse, tantôt nostalgique (« Seule », « Skwingo », « Mon petit destin »).
« Ma petite robe rouge » est donc une œuvre ‘à rebondissements’, hors du commun et dynamique, bien qu’un peu trop longue. Il faut dire que Pascale Delagnes dispose de plusieurs cordes artistiques à son arc. Outre ses talents musicaux, cette comédienne de formation participe à divers projets théâtraux. Ce qui laisse présager une jolie mise en scène de « Ma petite robe rouge » dont l´auteur déclare qu´‘elle s’adapte tant à la salle, dans une ambiance plus intime, qu´en plein air voire à la rue, au sein d’une ambiance plus festive’.
Conduite par le chanteur/compositeur André Drouet, cette formation française pratique un curieux mélange de variété française aux couleurs vieillies des années 80, de musique slave, de jazz, de dub et de flamenco. Le tout alimenté par des paroles absconses qui évoquent les pires moments d’Alain Bashung. Un univers au sein duquel on a bien du mal à pénétrer, même s’il n’est pas dénué de qualités musicales. Et je pense tout particulièrement à la version disco jazz de « Je pars ». Le manque manifeste de moyens est probablement le principal responsable de la froideur de l’atmosphère sonore. Elle n’invite pas vraiment à l’écoute, alors que la majorité des instruments acoustiques nécessitaient un traitement sonore plus chaleureux. Un disque guère séduisant donc ; la pochette peu engageante risquant même d’éloigner les mélomanes curieux.
Adepte d’une discrétion peu commune à notre époque, ce jeune chanteur anglais n’a pas encore dépassé le cercle des connaisseurs de la scène ‘soul’ actuelle. « Hear the sound » constitue pourtant son quatrième disque. Il paraît chez Afro Gigolo, structure que notre homme a créée pour se sortir des contraintes imposées par les gros labels. Dommage qu’on ne parle pas davantage de ce disque, car la musique proposée ici est de qualité supérieure. Un mélange subtil de soul et de funk dominé par les guitares et posé sur un tapis de percus. On pense à Terry Callier et Bill Withers pour la douceur des atmosphères, à Stevie Wonder pour certains refrains et on le comparera à la chanteuse Des’rée voire à Curtis Mayfield pour les affinités vocales. Si Bebel Gilberto s’invite sur la bossa pop de « Comigo », le reste est emmené par Victor Davies responsable d’une flopée de bonnes mélodies aux parfums tubesques : « Gold and Diamonds », « Day By Day », « Til You Come Home », « One More Time ». A découvrir.
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