Géographiquement, Paolo Nutini sort déjà de l´ordinaire - malgré son nom, il est né en Ecosse - mais ce n’est pas l´aspect le plus remarquable de sa personne. Du haut de ses dix-neuf printemps, ce jouvenceau étonne. A cause de son timbre rauque, puissant et émouvant, et puis de son sens mélodique incroyablement développé. Initié par son grand-père aux géants Noirs tels que Ray Charles, il s´est très tôt révélé un excellent chanteur, développant une voix évoquant Otis Redding, Marvin Gaye, Rod Stewart ou Van Morrison, et aiguisant son songwriting. Il a ainsi offert quelques apparitions remarquées au sein de célèbres programmes de la BBC - Top of The Pops, Late Night With Jools Holland - et partagé la scène avec quelques grands noms tels que Robert Plant, Solomon Burke ou Ben E. King. Bref, le poulain idéal pour Atlantic Records.
« These Streets » aligne une dizaine de titres naviguant entre pop, folk et soul, à la mélancolie communicative. ‘A la base, cet album est comme le journal intime de mes trois dernières années’, déclare l’intéressé. Episodiquement, quelques petites touches électriques assurent le relief nécessaire à l´ensemble. A l’instar du Stonien « Jenny Don’t Be Hasty » ou de « Loving You » parcouru de chœurs très soul. « Alloway Grove », la dernière plage, laisse même transparaître quelques tonalités countrysantes et recèle un sympathique ghost track : « Last Request ». Un des morceaux-phares de l´album, proposé sous une version dénudée où la voix ne s´accompagne que d’un piano et d´une guitare acoustique.
Rien de bien révolutionnaire ici cependant, mais on doit admettre être en présence d’un très grand talent en devenir…
A l’instar de son funk soul brother Madlib, Oh No aime fouiller les greniers à la recherche de la perle rare, ces disques que personne n’écoute mais qui recèlent des pépites à sampler. Si son frère s’est déjà distingué dans le ‘crate-digging’ en sortant il y a trois ans l’exaltant « Shades of Blue » (un album à base de samples Blue Note), il s’agit d’une première pour Oh No, qui s’attaque quant à lui au patrimoine musical de Galt MacDermot. Le compositeur de la BO de « Hair » a dit ‘oui’ à Oh No, et voilà le résultat : 22 tracks groovy à mort, comme quoi c’est dans les vieilles casseroles qu’on fait les meilleures soupes. Alors que « The Disrupt », son premier album, faisait la part belle aux ambiances cafardeuses, « Exodus » sonne davantage uptempo. D’autant qu’au micro on retrouve une belle brochette d’invités de marque : Buckshot, Cali Agents, Vast Aire (en petite forme), Posdnuos (DE La Soul), MED, Wildchild, Dudley Perkins, Murs,… Qui font tous preuve d’un enthousiasme contagieux : une vraie fête foraine ! Personne ne sait s’ils ont maté ensemble cette histoire de provincial qui monte à New York pendant le Summer of Love et goûte aux joies du patchouli, mais peu importe : big up à MacDermot, et ‘let the sunshine in’ !!!
Ouf ! On a eu chaud. Les premières notes de « How The Leopard Got Its Spots » évoquant des riffs à la Interpol, on craignait être tombé sur un énième émule de Joy Division. Le premier essai de Portugal. The Man est avant tout une cours de récréation anarchique, un grand foutoir mélodique. Melting pot d’influences, Mars Volta et Blonde Redhead en tête, « Waiter : "You Vultures !" » passe du coq à l’âne sans ménagement (le tendre « Waiter » bousculé par la hargne dispensée sur « Chicago »). Venu tout droit des plaines de l’Alaska et de l’Oregon, Portugal. The Man intrigue de la même manière qu’une fiction à suspense dont on voudrait connaître le fin mot. Et l’auteur de refuser de divulguer celui-ci, même une fois son œuvre achevée. Fascinés, on se perd encore et encore dans les méandres du scénario, espérant découvrir un semblant de réponse. Le seul aboutissement de cette recherche étant une profonde addiction, on finit par s’abandonner volontairement aux expérimentations orchestrées par des entités créatives et inspirées. Entre indie et emocore, « Waiter : "You Vultures !" » est, surtout, une œuvre culte.
Le groupe de néo métal français nous livre son sixième album, intitulé « Alphabet Prison ». Côté musique, rien de neuf sur la planète Pleymo. Si la section rythmique est à nouveau bien mise en évidence, le combo reste fidèle au genre en dispensant des sonorités puissantes, remuantes et agressives, qu’il saupoudre épisodiquement de phrasés rap. Une exception qui confirme la règle : le dernier morceau (« Qu´est-ce qu´il nous restera ? »), unique et très réussie ballade de l´opus. Ces sonorités élèvent Pleymo au rang des meilleures formations de la scène néo métal, à l´instar des Linkin Park ou des Deftones, qui ont d´ailleurs salué le talent des six français à multiples reprises. L´originalité d´« Alphabet Prison » procèderait pourtant plutôt des textes, plus profonds, parfois empreints d´un brin de nostalgie (« Un parfum nommé 16 ans », « Je regrette », « Qu´est-ce qu´il nous restera ? »). Comme l´indique le titre de ce disque, le thème principal des lyrics traite du manque de communication dans notre société. L´album recèle également un titre hommage au Japon (« 4 a.m. Roppong ! »), où Pleymo connaît un succès sans précédent.
Produite par l´Américain Mudrok (NDR : il a également collaboré auprès des jeunes espoirs de la scène néo métal internationale, Godsmack et Avenged Sevenfold) l´œuvre proposée (un compromis entre le Pleymo de « Moddaction » et celui de « Kubrick » ?) est une jolie synthèse de ce que le groupe nous présente depuis sa création !
Plus connus sous le patronyme de State River Widening (trois albums au compteur), Keiron Phelan et David Sheppard signent ici un nouveau disque de toute beauté, où s’entrechoquent visions bucoliques et frissonnements panthéistes. Guitares, contrebasse, synthés, flûtes, violon (Josh Hillman, de Willard Grant Conspiracy), trompettes, moog,… Une kyrielle d’instruments sert ici à la peinture d’une musique ambient-folk impressionniste, qui évoque à la fois Rothko et Caroline Ross (la voix d’Ines Naranjo, douce et cajoleuse), Savath + Savalas et Beach House, bref ces artistes précieux qui privilégient la réserve à la frontalité, l’atmosphère à l’impudence. Onze titres d’obédience acoustique qui invitent à la félicité : produit par Guy Fixsen de Laïka, « Harps Old Master » ne dévoile ses charmes qu’après de longues écoutes. Il faut l’apprivoiser, comme ces foyers qu’on attise doucement par crainte qu’ils s’éteignent... Mais une fois qu’ils crépitent, on peut s’y réchauffer sans se brûler le bout des doigts. C’est beau, un disque, la nuit : c’est encore mieux quand il s’agit de celui-ci.
Le Phantom Blues Band est surtout connu comme backing band de Taj Mahal depuis 1993 ; c’est à dire depuis la sortie de l'album "Dancin' the blues". Leur premier elpee, "Limited edition", était paru en 2003. Les musiciens sont tous des vétérans du blues. Pour la plupart issus de la scène texane. Deux figures de proue : Johnny Lee Schell et Mike Finnigan. Ils se partagent le chant. Le premier est guitariste. Le second claviériste. Figurez-vous qu’ils avaient participé à l’enregistrement du célèbre album "Electric Ladyland" de Jimi Hendrix, mais aussi apporté leur collaboration à Crosby, Stills and Nash, Dr John et Carlos Santana. Le lin up du groupe implique Denny Freeman, un guitariste d’origine texane (NDR : il a sévi chez les Cobras en compagnie de Stevie Ray Vaughan), Larry Fulcher à la basse et Tony Braunagel aux drums (NDR : une assise rythmique particulièrement soudée), ainsi que d’une section de cuivres (NDR : plusieurs WC Handy Awards leur ont été décernés !) au sein de laquelle figurent le saxophoniste Joe Sublett et le trompettiste Darrell Leonard. Leur musique gravite autour du blues, du R&B, du jazz, du funk et de la soul, un melting-pot qui emprunte autant à New-Orléans, Memphis qu’à la West Coast.
"Do the dirt" ouvre les hostilités sur un mode funky. La section rythmique y démontre toute sa solidité. Soutenu par les chœurs de Mike et Larry Johnny, Lee chante de sa voix puissante. L’orgue hammond se fond parfaitement dans l’ensemble. Le "My aching back" de Lowell Fulsom est un blues saignant proche de BB King. Piano et orgue se superposent. Les cuivres entrent dans la danse. Les vocalistes semblent s'amuser! Marqué par la voix surpuissante de Finnigan, le tempo s'élève. Les deux cuivres ont le champ libre et participent aux échanges jazzyfiants entretenus par le piano, la section rythmique et les percussions de Lenny Castro. Taj Mahal (NDR : c’est le boss !) ne résiste pas à l’aubaine et vient souffler dans son harmo sur "I only have love", une plage très Memphis R&B. La production de John Porter est excellente. Les vocaux sont souvent mis en exergue. Et en particulier sur les magnifiques ballades "Rain down tears" et surtout "Let them talk", proche d’un Ray Charles. Ou encore de "I'm looking for a miracle", souligné d’arrangements gospel. Les rythmes spécifiques de la Nouvelle Orléans envahissent "Big boy Pete". L’exotisme jamaïcain parfume "Book of rules". Un traitement très latin a été administré au "Havana Moon" de Chuck Berry. Le "Think" de Jimmy McCracklin brille par sa simplicité et son instantanéité. Le "Mary Ann" de Ray Charles a subi un traitement dansant. Slow blues brûlant, "Part time love" est un plaisir pour les oreilles. D’autant plus que le gratteur Johnny Lee sort de sa réserve avec beaucoup de tact et de feeling. Il remet le couvert lors du bonus track. Un blues lancinant intitulé "Baby doll". Album captivant et varié, "Out of the shadows" mérite vraiment une écoute attentive. Une condition indispensable pour apprécier cet opus à sa juste valeur.
Enregistré le 8 mai 2006 au Mermaid Theatre en compagnie du BBC Concert Orchestra, ce live philharmonique des Pet Shop Boys s’avère le cadeau de Noël idéal pour tous les fans du duo britannique. 17 titres réarrangés à la sauce orchestrale, qui prouvent encore une fois que Neil Tennant et Chris Lowe comptent parmi les plus habiles songwriters pop de ces vingt dernières années. Et ça débute sur les chapeaux de roue par un rutilant « Left To My Own Devices » tout en cascade de cordes, suivi du magnifique « Rent », orchestré par Badalamenti himself, le compositeur attitré de David Lynch. Craig Armstrong se mesure quant à lui au splendide « You Only Tell Me You Love Me When You’re Drunk », avant un « Sodom And Gomorrah Show » tiré de « Fundamental », dernier (bon) album du duo sorti cette année. L’élan symphonique qui est donné aux compositions pop des PSB n’a pour une fois rien de superfétatoire : il ne s’agit en aucun cas d’un exercice pompeux et suffisant, puisque ça marche, et c’est sans doute là l’essentiel. Après un « Casanova in Hell » chanté (sans chuinter) par Rufus Wainwright, les PSB nous offrent un extrait de leur BO composée pour le « Cuirassé Potemkine » d’Eisenstein (« After All »). Mais on retiendra surtout les versions pétaradantes d’« It’s Alright » (‘an old rave classic’, ironise Tennant) et d’« It’s A Sin », ainsi qu’un « Jealousy » interprété dévotement par un Robbie Williams pour une fois profil bas (l’un des titres de son dernier album ne s’intitule-t-il pas « We Are The Pet Shop Boys » ?). Produit par Trevor Horn (accrédité aussi en tant que ‘Musical Director’), ce « Concrete » ne donne en fin de compte qu’une envie : se replonger dans la discographie protéiforme des Pet Shop Boys, qui comme le bon vin vieillissent bien. Tchin tchin !
Quelques notes de piano déposées là, pêle-mêle, et des cordes en cascade comme autant de soupirs lascifs suspendus au-dessus de l’abîme. L’Allemand Max Richter nous offre ici sa propre vision d’une vie pleine de rêves consommés, quand au réveil on se lamente d’avoir les paupières et le cœur lourds. Un homme parle, c’est Robert Wyatt, il nous berce de sa voix fatiguée qui porte en elle les fantômes d’une époque révolue. Que nous dit-il ? Que rien n’est grave, qu’il faut oser se laisser emporter par ce vague à l’âme qui sied si bien à nos doutes hivernaux. Après le sublime « « The Blue Notebooks » (2004) et la production du second Vashti Bunyan, Max Richter répète à l’envi son désir de quiétude, de mélancolie fine. Philip Glass, Rachel’s, Johann Johannsson, voire Satie, Bach : l’art de la fugue, ici, se conjugue sur le mode du néo-classicisme. N’y voyez aucun désir mortifère : juste des airs de rien, une sensation de drame qui fige un instant nos pensées incertaines. Il n’y a rien à retenir de ces soundscapes pluvieux, si ce n’est de troublantes impressions d’existence au point mort. Le temps passe et la vie coule entre nos doigts gelés, tel un sablier qu’on renverse sans bruit. On ne peut rien y faire, à part en profiter.
Ils sont trop jeunes pour avoir connu le deuxième Summer of Love, KLF, Adamski, la New Beat et les Happys Mondays, et pourtant : les trois zigotos de Shitdisco rêvent de MDMA et s’habillent en fluo, à l’instar de leurs potes de Klaxons et de Datarock. La presse anglaise leur a déjà collé une nouvelle étiquette : ‘new rave’, back to the K-hole, les pupilles dilatées et les bras en l’air dans un sursaut de franche extase, comme en 90. Pour l’instant ce revival n’a pas encore franchi la Manche, mais ce n’est qu’une question de semaines : apprêtez-vous donc à ressortir vos ‘Smiley’ et l’intégrale de Technotronic… ‘Aciiiid !!!’ ??? Vitalic n’a qu’à bien se tenir : en 2007 les nineties seront à nouveau à la mode. Plus ‘Magick’ que ça tu meurs !!!
The Servant écrit là sa quatrième histoire chez Recall Records. Trois ans après l’album éponyme qui les a révélés au grand public (souvenir d’une diffusion massive sur les ondes du fameux hors d’œuvre « Orchestra »), le made in London rapplique. Ciel mon Servant ! D’une classe à l’anglaise, allant même jusqu’à sortir les violons pour détruire une relation en beauté, Dan Black, micro en main, mène la danse pour une ballade en pleine campagne. Depuis son cottage molletonné à la vue imprenable sur une pop-rock traditionnelle, Black devient un hôte des plus attentionnés, mêlant une fougue embrasée à une pudeur romantique typiquement british. Soutenu par des sautes d’humeurs guitaristiques, transitant du mellow folk à quelques pirouettes rock, notre homme nous amène progressivement sur une tempérance aux couleurs locales. L’effet se fait sentir : les baguettes frôlent les peaux, la basse tente quelques vibrations et l’ensemble se fait discret.
Tout comme le majordome du film "The Servant" de Joseph Losey, le groupe joue sur les ambiguïtés. Sous des compositions prosaïques bien qu’efficaces, des textes pour ados acnéiques en mal d’amour inscrivant ‘We should be together, you and me forever’ dans les WC de leur bahut, le quartet s’étale. Et très vite, Black se perd dans des déclarations amoureuses pubères tandis que Coldplay se cache dans le fond de cette classe londonienne fredonnant le « Moonbeams » dans un snobisme à la Morrissey. Un ensemble ravissant. Trop peut-être...
Après Ewan Pearson et Luciano, c’est Alex Smoke qui s’atèle à la tâche proposée par son label Soma : mixer sur un seul disque ses tracks préférés, et le moins qu’on puisse dire c’est qu’il nous offre ici un sacré beau cadeau de Noël. Eblouissant de bout en bout, ce mix évite en effet les clichés faciles trop souvent en vigueur : pas de gros poumtchaks à mi-parcours, ni de nappes ambient à la fin pour négocier la descente. Les vingt premières minutes font ainsi la part belle au digital dub le plus réconfortant, et l’Anglais de nous enchaîner adroitement Burial, Basic Channel, Model 500 et Rhythm & Sound : attention à la claque ! Enfin un mix qui ne prend pas le technophile lambda pour un décérébré en manque de kick : il faut de fait attendre Robert Hood (alias The Vision) et Thomas Brinkmann pour entendre ce pied qui donne envie de danser, mais rien ne nous y oblige. S’ensuivent Claro Intelecto, EPY et quelques perles signées de sa main (« Pingu », « Squat », sous pseudo Quixote, et « Always & Forever »), de quoi le clamer haut et fort : après deux beaux albums de minimale racée et pas bégueule (« Incommunicado » et « Paradolia »), Alex Smoke vient de signer un mix d’une élégance rare, sans faute de goût ni marketing putassier. Classe.
Est-il étonnant de baptiser son groupe Swan Lake quand on s’appelle Bejar ? En l’absence du ‘t’ final, les liens familiaux ne sont pourtant pas à chercher du côté de Maurice... Béjart. En attendant, nous sommes là, assis sagement, écoutant attentivement le ballet de ces trois stars du rock indépendant : Daniel Bejar (chef d’orchestre chez Destroyer et chef de file des excellents New Ponographers), Spencer Krug (des incomparables Wolf Parade) et Carey Mercer (Frog Eyes). Le trio s’applique ici à retravailler le concept de super-groupe. Et, comme souvent dans ce genre d’états généraux du rock, l’expérience présente quelques failles. Aussi, au lieu de converger vers un moule nouveau, berceau créateur de substances évolutives, les trois musiciens entretiennent ouvertement le mythe de leur formation respective. Chacun apporte sa voix, cherchant à l’emporter sur les des deux autres. Les atmosphères des trois groupes se côtoient ainsi sans jamais se rencontrer. Triste constat. Mais ne baissons pas les bras : une chanson du calibre de « Nubile Days » évoque, en effet, le meilleur de Wolf Parade. C’est déjà ça...
A force de tourner ensemble, les barbus de Sunn O))) et les nippons de Boris se sont mis dans la tête qu’ils devaient enregistrer un disque. Non pas un ‘split album’, mais bien un album de collaboration, où chacun aurait son truc à dire et son riff à jouer (5 minutes min.). Après l’hénaurme « Black One » pour les uns (pièce maîtresse du genre doom-drone-avant-metal) et « Pink » pour les autres (du rock’n’roll irascible et couillon), voici donc « Altar », produit marqueté pour plaire aux ados qui s’estiment différents. Ils ne seront pas déçus, même si « Etna », le morceau d’ouverture, manque curieusement de singularité. On reconnaît bien sûr la batterie pied au plancher d’Astuo (Boris, donc) et les drones reptiliens d’Anderson et d’O’Malley, mais le séisme tant attendu n’est même pas mesurable sur l’échelle de Richter. Après un interlude sans grand intérêt (« N.L.T. »), voilà que nos soi-disant pourfendeurs de la cause doom se mettent au piano, aux tambourins et au slowcore : « The Sinking Belle (Blue Sheep) » sonne ainsi comme du Low reprenant Julee Cruise, avec Jesse Sykes au chant. Mais où sont donc passés les malades de Xasthur et de Mayhem ? Auraient-ils échangé leurs Immodium contre une plaquette de Xanax ? Alors qu’on aimait Sunn O))), voire Boris, pour leurs ambiances laxatives, voilà qu’ils nous emmerdent à vouloir épurer leur gros son. Et ce n’est ni Joe Preston (pathétique prestation au vocodeur sur « Akuma No Kuma ») ni Kim Thayil (Soundgarden) qui nous feront changer d’avis : cet « Altar » pue le consensus mou, malgré le fait qu’il reste une aventure sonique hors du commun.
Fantaisie contemporaine et exotique, la dénomination géographique à délocalisation permanente est devenue très courante sur la scène indépendante. Après les Australiens d’Architecture In Helsinki et les valeureux Suédois d’Im From Barcelona, voici les Allemands d’Urlaub In Polen. Plus à l’est encore. Et toujours plus éclectiques. Le duo, originaire de Cologne, livre un troisième album tout en courbe. Les fluctuations sonores apportent à ce disque une touche hybride, tout bonnement insaisissable. D’un krautrock bidouillé au synthé, en passant par de l’électro calcinée aux riffs plombés, sans oublier la ballade lo-fi mâtinée de pop, Urlaub In Polen ne rejette aucune hypothèse. « Health and Welfare » réinvente de vieilles recettes par adjonction d’élégantes petites trouvailles. La troisième livraison des Allemands révèle leurs excellentes influences musicales sans contribuer à forger l’identité harmonique du projet. Chaque composition se trouvant finalement en opposition avec la précédente. En ce sens, Urlaub In Polen est un peu à l’image de son substantif polonais. Conservatisme ou progressisme, il faut choisir. La Pologne peine à trancher. Urlaub In Polen suit la tendance...
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