Trois ans après la sortie tonitruante de son elpee « La fête est finie », Orelsan nous propose deux beaux projets en cette fin d'année 2021. D'abord sa série documentaire, en octobre, ensuite son nouvel opus intitulé « Civilisation », en novembre. Et ce timing a du sens ; et pour cause, il s’agit de deux essais à parcourir comme une œuvre unique en deux parties. En immersion dans les images filmées par son frère, on a la sensation de le côtoyer pendant les 6 épisodes de la série, comme si nous plongions dans un album de photos de famille. Et maintenant, après avoir écouté ce disque, on le quitte comme on sort d’une salle de cinéma. Et son dernier LP est un film fort ! Il suscite autant l’envie de danser et de chanter que de débriefer l'histoire qu'il raconte ou de revenir sur ses différentes punchlines.
À travers les 15 titres de son long playing, Orelsan dépeint une photographie actuelle du monde qui nous entoure. Comme on écrirait une carte postale, il raconte ce qu'il voit. Des faits relatés les uns à la suite des autres, sobrement décrits, qui laissent le loisir à l'auditeur d'entendre le cynisme du rappeur, de deviner ce qui lui pose sans doute question et d'y mettre nos propres réflexions. Effectivement, comme il le dit lui-même dans l'introduction de « Casseurs Flowters Infinity » auquel participe Gringe, il ne parle que de sa meuf et de la société dans cet album ! D'ailleurs, ce titre est vraiment rafraîchissant. On sourit et on entonne avec eux, presque bêtement, ‘bimbadaboum’, pendant le refrain. Et alors qu'on l'écoute nostalgiquement des moments qu'on n'a pourtant pas vécus, ce morceau met en lumière cette relation floue qui existe entre le public et l'artiste, mais qu’ils entretiennent.
Cependant, même si les paroles sont lourdes de sens et que chaque mot pèse, Orelsan enchaîne très justement les plages ; tantôt les instrus sont douces et brumeuses, tantôt les ambiances groovy, voire funk vous incitent à remuer…
L'histoire commence par « Shonen » sur lequel sa voix est presque tremblotante. Tout au long de « La quête », il rappe avec cette nonchalance qui le caractérise en avouant qu'il a perdu foi en l'univers. Il se livre aussi à travers ces mots : ‘Les choses que j'ose dire à personne sont celles qui remplissent les salles’, une phrase qui illustre à quel point l'intime est ‘politique’. Et puis après s’être levé pour « Du propre » et « Bébéboa », on a envie de danser encore et encore. Pourtant les paroles ne sont pas anodines. Au contraire. Et c'est sans doute sous cette approche que son talent s'exprime le mieux. Interpeller avec légèreté. Les morceaux aux paroles criantes de vérité continuent de s'enchaîner, et les instrumentales de Skread sont toujours incroyables. Et puis bien sûr, on ne peut pas passer à côté de « Dernier verre » en feat avec The Neptunes. Enfin, le rappeur clôture par le titre maître où les paroles rejoignent celles du premier morceau. Et finalement, il y a peut-être un peu de soulagement que ce soit terminé... Aurait-il mis le doigt sur ‘du trop vrai’ ? Peut-être ! En tout cas, la boucle est bouclée, de shonen à civilisation, d'Aurélien à la société, on imagine le générique du film défiler. Alors au-delà d'aimer ou non l'artiste et son album, le projet d'Orelsan est une œuvre qui ne peut se résumer en quelques lignes d'une chronique : on aurait envie d'en faire l'objet d'une discussion podcast –ce qu'il accomplit presque lui-même sur « Manifeste »– afin de décrypter toutes les références glissées tout le long du projet ou pour relever la présence de la thématique de l'alcool qui s'est immiscée vicieusement dans de nombreux titres. En tout cas, on a envie de partager l’espoir de l’artiste : si on est ensemble, on peut créer un nouveau monde ! « Civilisation » appartient déjà à ces œuvres qu'on écoute encore et encore. Juste parce qu'elle est joyeusement fascinante et tristement sublime…
Outre ses dérives psyché chez Wooden Shjips ou Moon Duo, Ripley Johnson s’autorise des aventures folk au sein de son projet solo, Rose City Band. Un retour à l’essentiel peut être dû à la crise de la Covid.
Son second album, « Earth Trip », révèle ses envies opiacées. Il a ainsi déclaré : ‘J’essayais de capturer ce que l’on ressent lorsque l’on prend des drogues psychédéliques et qu’elles commencent juste à monter ; les objets commencent à bourdonner à la limite de votre champ de vision, vous commencez à voir de légères traînées, peut-être même que la nature du son change subtilement. Mais vous n’êtes pas encore complètement parti’. Hormis ces observations très particulières, le climat s’avère très roots et bluegrass, la présence d’une steel guitare accentuant cette impression. Cependant, cet americana est tellement bien ficelé qu’il devient rapidement irrésistible ! Un véritable plaisir laidback !
Avant d’entamer une carrière en solitaire, Mac McCaughan a sévi comme chanteur/guitariste au sein du groupe américain Superchunk. Mais il est également membre fondateur du mythique label Merge (Arcade Fire, Spoon, Destroyer, …), écurie qu’il avait lancée en 1989, pour servir d’abord de tremplin à son band.
Ce n’est qu’en 2015 qu’il grave son premier elpee solo, « Non-Believers » ; et après deux singles, il enregistre deux disques en compagnie de la harpiste Mary Lattimore. D’abord un Ep (« New rain duets ») en 2019, puis un album (« AVL »), en 2019. « The sound of yourself » ne constitue donc que son deuxième opus individuel.
Soutenue par des claviers omniprésents, la musique de cet LP navigue quelque part entre electronica, dream-pop et rock. Une œuvre partagée entre morceaux instrumentaux propices à la méditation et plages aux mélodies langoureuses mais accrocheuses. Après une intro instrumentale tapissée de claviers et infiltrée discrètement de cuivres, McCaughan entre dans le vif du sujet en attaquant « The Sound of Yourself » et « I Hear a Radio », deux plages aux mélodies efficaces que souligne par la voix androgyne de l’Américain.
Si « 36 and Rain » est entièrement interprété au piano, « Burn a Fax » se distingue par une superbe intervention au saxophone.
Pourtant, « The Sound of Yourself » baigne au sein d’une atmosphère glaciale (NDR : elle est même bien de saison !). Même le plus direct « Cicling Around » ne parvient pas à briser la glace.
Après avoir écouté ce long playing, on a l’impression d’être à la fois refroidi mais envoûté. Paradoxal, quand même. En espérant ne pas devoir encore attendre 6 longues années avant de connaître une suite à cet album. En attendant, on restera attentif aux soubresauts de Superchunk…
Alors que le public lambda est sans doute passé à côté du premier elpee de Juliette Armanet, les fans trépignaient d’impatience en attendant la sortie du second. Faut dire que 4 années séparent « Petite amie » de « Brûler le feu ».
Commençons de suite par se démarquer des comparaisons plutôt faciles et lourdes livrées sur la toile. Il n’est pas question ici de rentrer dans cette surenchère de jeux de mots sur le feu, la combustion, sa capacité à ‘enflammer’ la scène et autre métaphores douteuses. On pourrait nous taxer de rabat-joie ou de manquer d'imagination, mais malheureusement un constat s’impose : ce nouvel album ne nous a guère transportés.
Pourtant, le départ avait de quoi rassurer. « Dernier jour du disco » est un titre judicieux. Les vibes rétros pop invitent à danser joyeusement en pantalon à paillettes. On retrouve ses mots d’amour sur « Qu'importe » et « Tu me play ». L’instrumentation est entraînante voire explosive et on se surprend à répéter inlassablement les refrains en boucle. Les sonorités de « Boum boum baby » nous plongent dans le passé, mais la nostalgie n'a pas suffi... Ce titre nous a perdus et la suite n’est pas parvenue à nous rattraper. Les morceaux se ressemblent et se confondent. Les paroles sont parfois creuses. Elles traitent systématiquement de l'amour, sans pour autant apporter ce petit plus susceptible de nous convaincre. On reste coincé à la surface de la recette ‘couplet-refrain-bridge-refrain en boucle et fin’.Parler de relations amoureuses en se servant de la métaphore d'une écharde dans « Epine » a ravivé l’espoir. Et même réveillé notre intérêt. Mais la piste est finalement restée ‘simple’ (ce qui n'est pas un problème en soi !) et on n’a pas flashé... Dommage ! On avait vraiment très envie d'accrocher !
Heureusement, il reste le timbre aérien, sublime et délicat de sa voix. Et on l’adore !
Juliette Armanet déclare s’être dépassée pour réaliser ce projet. Elle a eu envie d'explorer d'autres univers, de se livrer ; et la vulnérabilité à laquelle elle s'abandonne en nous l'offrant est touchante. De même pour son audace à reprendre ‘Joyeux anniversaire’ » sur « HB2U » ! Alors, si on n’a apprécié que quelques titres sur ce long playing, on ne la lâchera pas autant ! On a même envie de continuer à la suivre... Parce que sa voix céleste a de quoi séduire, et puis elle est capable de se frotter à d'autres styles qui pourraient même nous plaire…
Gabriel Rios a publié son cinquième elpee, « Flore », en février dernier. Une œuvre qui recèle de véritables hymnes à la musique d’Amérique latine et des Caraïbes. Des morceaux qui remontent à l’enfance de son père et de son grand-père. Des chansons qu’ils auraient adoré l’entendre chanter. Une concoction enivrante à la fois nostalgique et iconoclaste qui redécouvre une culture musicale qu’il a laissé derrière lui depuis plus de vingt ans, lorsqu’il a quitté Puerto Rico pour l’Europe. Cet album n’est pourtant pas seulement un hommage aux classiques latinos, c’est également une réalisation qui reste fidèle aux arrangements et à l’instrumentation de la Salsa Nuyorican des années 60 ainsi qu’aux anciennes ballades populaires mexicaines et cubaines. Mais également un vibrant hommage à son père musicien, atteint de la maladie d’Alzheimer. C’est cet opus qu’il va défendre, ce soir, sur les planches de l’Ancienne Belgique, en mode AB Flex, c’est-à-dire, configurée en places assises. Et le concert est sold out.
Le supporting act est assuré par la pétillante Emmy D’Arc. Issue de Hasselt, dans le Limbourg, c’est la première fois qu’elle foule les planches de l’AB.
De son véritable nom Ine Tiolants, elle est aujourd’hui âgée de 24 printemps, et avait remporté le ‘MNM Rising Star’, en 2018. Depuis, elle a décidé d’opter pour un pseudonyme. Elle adore interpréter des reprises de ses artistes préférés, et tout particulièrement des chansons signées Bruce Springsteen, Eddie Vedder et Johnny Cash ou encore Sinéad O'Connor et Dixie Chicks.
Il y a déjà pas mal de monde dans la salle, quand Emmy grimpe sur l’estrade. Elle ouvre le set par le nerveux « My Silver Lining » et embraie par son premier single « The Odds » que le public semble vraiment apprécier. « I’m Alright » est davantage propice à la sérénité. Sa voix y est haut-perchée ; une voix tour à tour perçante, sucrée ou salée qui rappelle celle de Selah Sue. Elle a trois guitares à sa disposition. Deux semi-acoustiques et une électrique dont elle ne se servira qu’à une seule reprise. Derrière son sourire ravageur, se cache manifestement une perfectionniste qui ne manque pas d'ambition. A l’instar des icônes qu'elle admire, elle s'inspire de sa propre vie, des pensées qui flottent et rebondissent dans sa tête. Sculptée dans l’americana, « One Of The Weak » est une autre compo paisible, empreinte de délicatesse et de douceur. Dans l’imaginaire, on s’imagine traverser les grandes les plaines de l’Ouest américain. On attend impatiemment son premier Ep. Un grand talent en devenir…
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Setlist : « My Silver Lining », « The Odds », « I’m Alright », « One Of The Weak », « Reveal », « Walk », « Mercedes Benz », « Troy ».
C’est la neuvième fois que votre serviteur assiste à un concert de Gabriel Rios. Ce soir, il va nous livrer une prestation semi-acoustique. Il est soutenu par son fidèle, Ruben Manama, à la contrebasse et aux chœurs. Ce dernier se plante à proximité d’un piano imposant de couleur noire, d’une gratte et de son instrument de prédilection. Pas de trace de la violoncelliste Amber ; et c’est bien dommage ! Armé de sa six cordes, Gabriel s’installe du côté droit, devant un micro au pied duquel il a posé une percussion électronique. Il est sobrement vêtu d’un jeans et d’un tee-shirt. Cool, il présente chaque morceau ; et le public, qui connaît parfaitement les paroles des chansons, reprend très souvent les refrains en chœur.
D’habitude, Gabriel entame ses shows par sa version du « Voodoo Chile » de Jimi Hendrix, seul à la gratte. Une forme de rituel… qu’il n’accomplira pas ce soir. Judicieux, le light show met bien en exergue les deux musicos, même si Gabriel est davantage sous le feu des projecteurs, notamment à travers les lumières qui convergent vers la foule. Un étrange contraste d’ombres et de lumières communique une ambiance différente à chaque titre. De temps en temps, Ruben pousse un cri ; et notamment lorsqu’il siège derrière les ivoires.
Mélange détonant de swing, de rock et de funk et parfois de jazz, la musique de Rios ne manque pas de charme, mais aujourd’hui elle baigne inévitablement dans une ambiance latino.
L’intégralité de « Flore » sera passé en revue au cours du set, mais dans le désordre. Et lorsque le duo attaque le titre maître, Ruben se lèvre et empoigne sa contrebasse, il frotte délicatement ses cordes avec un archet, alors que Gabriel dispense de délicates notes de ses cordes. Le voyage vers les Caraïbes et Porto Rico et l’Amérique Latine est impressionnant.
Le set de 75 minutes se terminera par une version épurée de « A caballo vamos pal' monte » du Buena Vista Social Club. Et c’est encore par une cover de la célèbre troupe cubaine, « El Carretero », que Rios entame le rappel, un collectif que votre serviteur avait eu l’opportunité de voir en ‘live’. Quel merveilleux souvenir, d’ailleurs ! Enfin, cerise sur le gâteau, le concert s’achève par le bouleversant « Gold ».
Musicien talentueux, chic et sexy, Gabriel séduit toujours autant sur disque que sur scène. Alliant tendresse, technique qualité et simplicité, son spectacle, ce soir, est passé trop vite…
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(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
Il y a près de 15 ans que MC. Taylor promène ses messages, aux quatre coins des Etats-Unis, à travers son projet Hiss Golden Messenger. « Quietly blowing it » constitue son neuvième elpee, un disque qui, à l’instar de sa discographie, perpétue l’héritage de grandes figures de l’americana. Sans jamais connaître un succès de foule, le songwriter est pourtant parvenu à se faire une place au soleil et constitue l’une des valeurs sûres du label Merge.
Vu la pandémie, l’artiste a composé les morceaux, chez lui, à Durham (Caroline du Nord), entre mars et juin 2020. Ils sont ensuite passés par la case studio afin de les étoffer instrumentalement.
Après une première écoute, on se rend compte que MC. Taylor a conservé une même ligne de conduite pour concocter ses chansons. Mais on ne s’en plaindra pas, vu la qualité des compositions. Armé de sa guitare acoustique, il nous livre des folk songs teintées de blues et de country. Le long playing alterne morceaux intimistes et dépouillés, à l’instar de « Way Back in the Way Back » ou de « Quietly blowing it » et plus électriques comme « Mighty Dollar » et « Hardlytown », mais toujours dans un climat propice à la quiétude.
Suivant sa bonne habitude, Hiss Golden Messenger vient encore d’écrire une belle page du folk américain...
« Mother Afrika », c’est le titre du nouvel et 7ème album de Roberto Zanetti et les mots manquent pour le décrire. Peut-être est-il d’ailleurs préférable de ne pas trop lire d’articles concernant cette sortie ou de ne pas trop connaître l'intention du compositeur pour apprécier ce disque. Effectivement, à première écoute, on part à la recherche de l'Afrique dans tous les recoins des morceaux, avant d’essayer de réfléchir à définir le type de jazz auquel on est confronté. Et après avoir tellement cogité, on se rend compte qu’on passe à côté de l’essentiel. Mieux vaut alors tout oublier et appuyer de nouveau sur la touche ‘play’ ; et on en conclut qu’on a bien fait !
Cet LP est agréable à écouter partout, tout le temps, et il peut s'adapter à toutes les oreilles, adeptes ou non de jazz. « Katherine Johnson » nous est resté dans la tête et on y revient sans se lasser. C'est peut-être là que nous avons préféré Roberto Zanetti au piano, sans oublier son solo d'improvisation sur « Avalon Blues ».
L'artiste est soutenu par d’excellents musiciens : Valerio Pontrandolfo au saxophone, Luca Pisani à la contrebasse et Massimo Chiarella à la batterie. Le saxophoniste joue délicatement sur les nuances tout au long de « Ballad for Afrika ». Dommage que les interventions chaleureuses, rondes et rebondissantes de la contrebasse ne soient pas plus présentes ! En outre, elles auraient pu être davantage mise en exergue et les solos, plus longs. Des traces de gospel et de blues parsèment, pour notre plus grand plaisir, les pistes de ce long playing. A contrario, les sonorités africaines ne sautent pas aux oreilles, malgré le titre de l’opus. Ou alors parfois, elles transparaissent lors des solos improvisés du drummer. Il s’agit peut-être aussi d’un manque de culture, acquis qui permettraient de situer ce ‘conte d'histoire afro-américaine’, à travers l'elpee. Cependant, « Mother Afrika » reste un album plaisant à écouter, car il navigue loin des performances démonstratives souvent redoutées dans l’univers du jazz. Fluides, les morceaux s’enchaînent naturellement et finalement incitent à réécouter l’intégralité de l’elpee, avec une joyeuse naïveté.
Roberto Zanetti Quartet
Ben Mazué se dévoile et ose ouvrir son cœur, tout en créant une intimité forte avec ses auditeurs. Ils sont ses confidents. Il les laisse entrer dans sa vie. Il leur donne sa confiance en se livrant, en leur offrant son intimité. Il leur parle comme à un ami, à une amie et leur confie, ses doutes, ses peurs, ses joies, ses peines dans une générosité et une douceur immense.
Trois titres inédits figureront sur la réédition (sortie ce 3 décembre 2021) de l’album « Paradis » (NDR : une pépite couronnée d’or en France !) dont le single, « Des nouvelles ». Dans cette chanson, il rend un hommage poignant à sa maman, un hommage qui s’adresse également à toutes les mamans du monde. Interrogeant le vide qu’un être cher laisse derrière lui.
En mode piano/voix, la musique est d’une simplicité magnifique.
Sur l’opus, paru en novembre 2020, Ben Mazué emmène son public avec lui sur l’île de la Réunion à la recherche d’un paradis, perdu et à (re)trouver. Ses paroles sont délicates, ses réflexions profondes et d’une intelligence fondamentale. Cette quête fait écho à celle du Grand Jacques et de ses Marquises.
Aznavour disait qu’il était un des auteurs de chansons les plus autobiographiques de son temps. Aujourd’hui, Ben Mazué est un champion athlétique du genre pour le plus grand bonheur de ses auditeurs…
Après avoir réhabilité John Carpenter, il semble que le label de Brooklyn, Sacred Bones, ait décidé de mettre en exergue des cinéastes cultes ! Il y a près de 25 ans, David Lynch et Angelo Badalamenti enregistraient « Thought Gang » ; mais cet opus vient enfin de bénéficier d’une sortie officielle ! Une conséquence de la 3ème saison de ‘Twin Peaks’, probablement…
En mode spoken word, le jazz expérimental du duo avait été interprété en totale improvisation et faisait suite à leur collaboration sur la première saison de la célèbre série policière télévisée ; mais le résultat n’avait jamais été gravé depuis. Grady Tate, le batteur d’Herbie Hancock, y avait participé.
Free jazz, cette musique n’est, bien entendu, pas facile d’accès ; et ce n’est pas une surprise lorsqu’on connaît l’univers barré, déroutant, intéressant et unique de Lynch.
Un album avant-gardiste, à la limite de l’art contemporain. Plus ‘Island Empire’ que ‘A True Story’, donc…
Il y a 23 mois que votre serviteur n’avait plus assisté à un concert. Et finalement, celui de The Hives était une excellente opportunité pour reprendre le chemin des salles, vu sa réputation de groupe ‘live’. Hormis quelques singles, le band n’a rien sorti de neuf depuis 2012 ; et son dernier album remonte à 2012 (« Lex Hives »). On doit donc s’attendre à une setlist qui privilégiera les hits.
La salle est déjà bien remplie lorsque The Dahmers grimpe sur l’estrade. Egalement un combo suédois qui accompagne la tête d’affiche pour cette tournée. Avant que le set ne démarre, les baffles crachent « It's Not Unusual », un hit de Tom Jones qui remonte à 1965 ! Les quatre musiciens sont vêtus de noir, un squelette blanc dessiné sur leur combinaison. Deux d’entre eux, dont le lead singer se servent d’une guitare ‘flying V’, comme de nombreux solistes, dans l’univers du metal. D’ailleurs la musique proposée trempe dans une forme de garage aux accents métalliques, et tout particulièrement à travers les soli de gratte. Au bout de quelques morceaux, les références se dévoilent, oscillant des Ramones à Kiss, en passant par Thin Lizzy et les Misfits. Le line up est complété par un bassiste et un drummer. Le patronyme du band est inspiré du célèbre tueur en série, Jeffrey Dahmer, et reflète le goût du groupe pour les films d’horreur. En fait, c’est après avoir fêté une fête Halloween, en 2011, que les musiciens ont eu l’idée d’opter pour ce look.
Le set est énergique, très électrique, mais pas toujours très rigoureux, perdant ainsi en efficacité ce qu’il gagne en impétuosité. Moment insolite, lorsqu’au milieu du concert, le chanteur/guitariste troque sa six cordes contre un accordéon, apportant ainsi à la compo un air de guinguette qui sent bon la France. Et finalement, le public réservera au quartet un accueil plus que favorable, reflétant ainsi encore un besoin urgent, aussi bien pour les musiciens que l’auditoire, de revivre des concerts…
L’entrée en scène de The Hives est saluée par un tonnerre d’applaudissements. Tout d’abord, la section rythmique, puis les deux guitaristes. Et enfin Howlin’ Pelle Almqvist. Qui crie à plusieurs reprises « Come on ». C’est le titre qui ouvre le set, mais aussi une invitation à participer la fête. Et la réaction est immédiate dans la foule. Les gobelets de bière voltigent dans les airs, arrosant collatéralement, les spectateurs, dans la fosse. Près du podium, les exercices de crowdsurfing se multiplient. Un remue-ménage qui va durer tout le concert. Sur les planches, Almqvist fait le show. Il jongle avec son micro à la manière de Roger Daltrey, balance son pied de microphone comme un punching-ball, bondit, harangue la foule, l’invite à agiter les mains ou à les frapper en cadence, arpente l’estrade de long en large ou descend dans l’arène pour serrer des mains, et se laisse même porter par la foule. En fin de morceau, il prend régulièrement la pose d’une rock star. Petit bémol, il un peu trop tendance à ressasser les mêmes slogans, parfois longuement entre les morceaux, en français ou en anglais, (‘les filles, criez… les garçons criez… les garçons et les filles, criez…’), ce qui finalement ne permet pas à l’intensité du show d’atteindre son paroxysme. Deux roadies (également préposés aux percus et au pré-mixing), déguisés en ninja, se multiplient aux quatre coins du podium pour accorder les guitares, remettre le matos en place, tester un micro ou donner du mou à son câble, lorsque le vocaliste s’aventure dans la fosse… Quant aux musicos, ils sont vêtus de costumes noirs traversés de motifs d’éclairs blancs. Et quand les lumières s’éteignent pendant le spectacle, ces éclairs fulgurent dans l’obscurité. Mais au fil du concert, les musicos vont finir en chemise… détrempée… Derrière le groupe, une immense toile est tendue sur laquelle est imprimée son patronyme, en lettres caractéristiques, qu’il utilise depuis plus de 20 ans.
Des accents empruntés à Franz Ferdinand et aux Black Keys (ce riff de guitare !) pimentent « Won’t be long ». Le drumming devient tribal (NDR : il est vraiment balaise, ce Chris Dangerous) pendant « Walk idiot walk », un morceau aux accords de grattes décapants. Les Paranoiacs hantent « Hate to say I told you so », un morceau au terme duquel, le batteur monte sur ses fûts. Pelle invite un jeune spectateur à prendre la place du bassiste, pendant deux ou trois minutes, et le gars s’en sort plutôt bien.
Il récupère un enfant de 10 voire douze ans, dans la fosse, masqué et casque sur les oreilles, parce qu’il se rend compte du danger créé par les mouvements de foule et l’installe en sécurité, à droite du podium.
Le rappel est inévitable et la formation attaque « I’m alive », son titre le plus pop. Alqmvist annonce la grande finale, « Tick, tick boom », que la foule reprend en chœur. Le groupe se perd dans un drone de 30’, puis les musiciens restent figés comme des figures du musée Tussauds, pendant deux à trois minutes. Pelle n’oublie pas de présenter longuement ses musicos, avant que la formation ne reprenne le morceau en cours. Il demande à la foule de s’asseoir, et insiste pour qu’elle s’exécute. Et lorsqu’elle se relève, c’est dans un élan de folie, qu’elle participe enfin à l’explosion ultime…
Après la distribution des sticks par le batteur (adroit, il parvient à les envoyer jusqu’au balcon !), c’est bras-dessus, bras-dessous que le quintet et les deux ninjas viennent saluer l’auditoire, Pelle promettant de revenir très bientôt se produire dans la salle lilloise. On a quand même vécu un bon moment de rock’n’roll, et ça, ça fait du bien…
Setlist
Rappel
Les Girls in Hawaii ont effectué une dernière escale à Soignies, le temps d’un set qui marquera la fin de la tournée de cette année. Une date qui restera ancrée, sans doute, dans la mémoire collective.
Le Centre culturel est plein à craquer, signe de la popularité du groupe brabançon. Une image qui détonne alors que la pandémie frappe une nouvelle et énième fois le plat pays.
Fort heureusement, les Sonégiens ont mis en œuvre des contrôles très stricts ; le fameux CST et la carte d’identité devaient être présentés. Avec pour effet qu’hormis quelques marginaux, la quasi-totalité des participants avaient laissé tomber le masque. A tort ou à raison, chacun jugera.
Diminutif de Loïc, Lo assure le supporting act. Tantôt assis derrière son clavier ou aidé de son pad électronique, le jeune Bruxellois, nouvel étendard de la curiosité musicale belge, se fend d’un slam mêlé de tendresse et de spleen sous un beat puissant.
Il est venu défendre un premier Ep découpé en six morceaux, « Parades », dont les clips ont été réalisés par Simon Vanrie (Girls In Hawaii, Stephan Eicher). La plupart de ces titres ont été écrits fin 2017, début 2018. Ensuite, la Covid est passé par là, mettant entre parenthèses le projet. Un temps nécessaire qui lui a permis de le retravailler et de peaufiner ses compos. Tout juste pour le meilleur.
Du haut de ses 28 berges, le slameur baigne dans la musique depuis qu’il a 16-17 ans. Le piano, dont il avait appris les bases plus jeune, lui permet aujourd’hui de mettre en musique le trop plein d’émotions et d’y développer un univers singulier, introspectif, mais parfois un brin autocentré.
Il attise la curiosité grâce à des chansons vraies, une écriture ciselée et pas mal de candeur. On y sent en tout cas l’influence de Nekfeu dont il est un fan de la première heure. Ou encore de rappeurs français et belges, comme la Fonky Family, IAM ou MC Solaar, dont il s’est également imprégné du style, jadis.
Entre rires et larmes, ce jeune garçon « Mort-Né » rayonne en affichant une palette de compositions contemporaines riches, intelligentes, humaines et proches du peuple.
LO est devenu une valeur sûre. Un de ces artistes derrière lequel se cache une entité à la fois complète et sans fausse pudeur.
Si le public scande de le voir à poil sur scène, lui, sans se laisser démonter, promet de s’exécuter… peut-être plus tard.
Un set parfaitement maîtrisé et surtout une sacrément belle surprise !
Après une pause d’une dizaine de minutes, Antoine Wielemans, Lionel Vancauwenberghe et leurs acolytes montent sur le podium et attaquent « Organeum ». Une plage issue de « From Here To There », elpee paru en 2004 qui leur a permis de devenir, à l’instar de dEUS, l’un des porte-étendards du rock belge.
Quelques minutes plus tard, « Indifference » et ses loops synthétiques venus tout droit de « Nocturne » sont martelés en guise de refrain aux aficionados venus en nombre. Histoire de chauffer la salle.
L’ombre de feu Denis Wielemans qui militait derrière les fûts et décédé tragiquement d’un accident de la route en 2010, plane toujours. Un vibrant hommage lui est rendu à travers le magnifique « Misses », tiré du gargantuesque « Everest ». Un joli clin d’œil tirant un trait sur le deuil et à cette résilience nécessaire auxquels le combo a dû faire face, il y a quelques années.
L’atmosphère s’électrise inexorablement. C’est alors que le batteur s’enivre avec charley, ride, caisse claire et grosse caisse sur l’entraînant « This Farm Will End Up In Fire ». Une chanson où la tessiture vocale du singer, légèrement éraillée, prend tout son relief pour laisser rapidement place à « Time To Forgive The Winter », un morceau qui prend à nouveau une place de choix depuis le lancement de cette nouvelle tournée.
La précision du jeu des uns et des autres est impressionnante. Et « No dead » en est une autre démonstration, notamment quand la rythmique syncopée et les chœurs viennent lécher encore un peu plus ce tableau arc-en-ciel. Aucun doute, le groupe n’a rien perdu de son potentiel en près de deux décennies.
Il faut attendre « Bees and butterflies », morceau doucement mélancolique et à la douceur âcre et mielleuse, pour retrouver un brin de sérénité, chaque membre du band conjuguant en chœur le refrain entêtant.
Le forcément légendaire « Switzerland » où électro et piano s’allient parfaitement au service de la chanson, vient encore quelque peu raviver le feu sacré du combo, juste avant que les flammes ne s’extirpent naturellement par un « Rorschach » et son flot de guitares salvatrices et saturées. Un pur régal !
« 9.00 AM », « Mallory’s Heights » (hommage à l’alpiniste George Herbert Leigh Mallory) et « Guinea Pig » marqueront un vrai/faux retour, bien nommé rappel.
Avant de tirer sa révérence et quitter ses hôtes d’un soir, Antoine salue Yves Merlabach, qui a assuré leur promo durant trois albums et est devenu aujourd’hui Président de l’association ‘L’Envol’, dont vocation est de récupérer divers objets et de les redistribuer aux plus nécessiteux. Un beau geste pour celui qui désormais œuvre pour les plus démunis.
Le monstrueux « Flavor » et son intro répétitive à la basse résonne alors et permet au leader et sa clique de littéralement s’époumoner artistiquement. Si le premier s’amuse à grimer sur les frontaux distribués de part et d’autre de la scène (au risque de se prendre une gamelle), ses comparses laissent libre cours à une folie passagère ou têtes et membres inférieurs communient ensemble, laissant apparaître un spectacle étrange entre mouvements saccadés et danse de Sioux.
En guise de cadeau, les musicos font profiter du parterre d’un tout nouveau morceau dans la lignée parfaite de l’univers des Girls. Un titre qui semble-t-il annoncerait un nouvel album prévu pour 2022. Affaire à suivre !
Girls in Hawaii a une nouvelle fois prouvé, ce soir, qu’il reste l’un des groupe phares et incontestable de la scène indé-pop musicale belge.
(Organisation : Centres culturels de Soignies et Braine-le-Comte)
Après avoir gravé cinq albums en compagnie du groupe Girls in Hawaï, entre 2003 et 2017, Antoine Wielemans, le chanteur et guitariste, a décidé de se lancer dans la chanson française. Il vient ainsi de sortir son premier elpee solo, « Vattetot ».
Pari réussi pour ce premier opus d’une douceur mélancolique et envoûtante.
On reconnait son style pop rock, mélange d’instruments acoustiques et des percussions de boîtes et autres nappes électroniques. Sa voix, à la limite du parler, laisse une belle place à la mélodie très travaillée.
Il reprend des thèmes tels que l’obsolescence programmée d’IKEA, la mort d’un être cher allégée par la présence de son chien Bernie, la grasse matinée après une bonne soirée bruxelloise, la dépendance aux réseaux sociaux, les actes manqués, la fragilité de la vie et la déprime, le spleen de la fin d’été ainsi que la magie de la nuit.
‘« Vattetot » évoque les doutes et les interrogations d’un homme de 42 ans dans une société de plus en plus ballotée, divisée et insécurisante sans sombrer dans le misérabilisme.’
Un LP à écouter lors d’un concert aux accents intimistes, en boucle au coin du feu ou dans sa voiture pour aller, pourquoi pas, à Vattetot-sur-Mer.
En concert le 4 février 2022, au Botanique, à Bruxelles.
Quel plaisir d'avoir des nouvelles de la chanteuse germano-nigériane, Ayo. Active depuis de nombreuses années sur la scène jazz et soul, elle est surtout connue pour son titre « Down on my knees » ; mais elle n'a jamais arrêté de composer de la musique. Paru l’an dernier, son sixième opus, « Royal », vient d’être réédité en version ‘deluxe’.
Pour elle, le choix du titre est important ; et « Royal » est riche de sens et de spiritualité. L'artiste, très croyante, s'est inspirée de la ‘source royale’, de la lumière, de l'énergie et de l'amour pour réaliser cet opus et cela se sent : il transpire les ‘good vibes’ du début à la fin. Y figurent 15 titres dont 3 reprises. Mais personne ne s’attendait de sa part à de tels exercices de style. Et tout particulièrement « Né quelque part », une chanson signée Maxime Forestier qu’elle se réapproprie complètement, et la cover lui va très bien. Elle adapte également le célèbre titre « Afro Blue » dont on ne se lasse pas et elle l'interprète avec une douce et délicieuse nonchalance.
Parmi les titres les plus appréciables, on épinglera l’entraînant « I'm in love ». Sa voix chaude et lumineuse s’y ballade avec groove. Et impossible de passer à côté du solo d'improvisation au piano sur « Throw it away ». Trop bon, également !
Lors des sessions, l’artiste a bénéficié du concours de Freddy Koella (guitariste de Bob Dylan et Willy DeVille) à la gratte, Gaël Rakotondrabe au piano, Laurent Vernerey à la contrebasse et Denis Benarrosh aux percus. Sans oublier Keziah Jones qui participe à « Ill'be right here ». Une équipe qui a entouré Ayo avec justesse pour lui laisser toute la place de s'exprimer vocalement ; elle qui a l'habitude de se consacrer à la guitare.
Bref, c'est un album à écouter sans modération avec, dans les oreilles, la même saveur qu'une cuillère de miel en bouche : c'est doux, chaud et sucré. « Royal » est un régal, et bonne nouvelle, la version ‘Deluxe’ est enrichie de 3 inédits.
Deux ans après avoir gravé son elpee « Mr Sal », Niska, une des stars du rap français, revient à la surface en publiant « Le monde est méchant ». Son nouveau projet qu'il présente comme une mixtape, sans doute parce qu'il rassemble de nombreux featurings, est pensé et construit comme un album. Le rappeur aux hits ensoleillés, dansants et populaires, s'y livre un peu plus intimement sur ces dix-sept titres. Il rappe sur des instrus énergiques et décrit d'autres couleurs, plus grises, de la réalité. Tout au long de « Paris » par exemple, il raconte comment ‘les lumières brillent pendant qu'on s'éteint’. Sur « Service » en compagnie de Mayo ou sur « 44 », les mélodies sont douces et Niska chante son dégoût de l'être humain. Alors même si on perçoit chez l'artiste cette nouvelle vision, plus sombre ou méchante, du monde, on découvre aussi avec plaisir des sons ‘ambiançants’. Et ce, en feat. avec des jeunes rappeurs plus jeunes, notamment Maes, Guy2Bezbar ou 1PLIKÉ140. De quoi se réjouir de voir le rappeur confirmé rencontrer les univers de ces derniers cités. Niska, s'est d'ailleurs mis également à la drill et ça lui va bien. Évidemment, impossible de ne pas parler de la présence de Ninho sur « N.I » et même s’ils sont habitués à partager des morceaux, l'alchimie est toujours là, car ils se renvoient les mots dans une délicieuse fluidité.
Un coup de cœur ? Le morceau « Jota », auquel participe Hamza ! D'autant plus qu'on ne s'y attendait pas, puisqu'à première vue leurs univers ne semblaient pas particulièrement connectés ; et pourtant, on se remet le son encore et encore. Bref, Niska nous offre un album bien ‘fourni’ et relativement ‘hétéroclite’, mais surtout cohérent et qui nous a plu ! L'artiste a encore des choses à raconter, de la créativité et son public pour l'écouter.
La question est inévitable. Quid de cette fameuse phrase d'un des morceaux de l'album qui a fait tant de bruit sur les réseaux sociaux ? Que ce soit celle-là ou toutes les autres paroles à caractère misogyne que l'on peut entendre de façon générale, il est parfois difficile pour certain(e)s de prendre position. Mais elles sont toujours moins dérangeantes que l'objet dont elles sont le reflet, à savoir notre société sexiste. Alors oui, on a monté le son, dansé et chanté sans se culpabiliser.
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