Bienvenue dans les limbes. Durant ce voyage vers l’au-delà, vous serez accompagnés par Liz Durrett, votre passeuse attitrée (ou ‘Grim Reaper’, c’est selon…). La promenade ne durera pas plus de 37 minutes. Cet endroit étant sombre et nébuleux, nous vous conseillons de ne pas traîner à l’arrière. S’il vous arrivait malencontreusement de vous perdre, tentez de vous situer et de suivre la voix éthérée de votre guide. Nous tenons également à vous signaler que, malgré l’ambiance mélancolique et pesante de ce lieu, il est probable que vous ne ressentiez aucune tristesse. Certains d’entre vous s’en sentiront même si apaisés qu’ils refuseront de quitter ces terres. Malheureusement, vous êtes à l’endroit précis où toute chose prend fin, aussi difficile que soit le fait de s’en séparer. Sachez également que, contrairement aux croyances, vous ne verrez pas de lumière au bout du chemin. Au mieux, une infime lueur vous indiquera la fin de ce dernier. Ici, tout a été étudié pour permettre le repentir et le recueillement des âmes. Veillez à remercier votre guide avant de traverser la mezzanine qui vous mènera là où tout est éternel.
Peu connus chez nous, les Américains de Elf Power ne sont pourtant pas les premiers venus. « Back To The Web » s’inscrit ainsi dans la discographie du groupe comme le huitième album de la généalogie. La formation, originaire d’Athens (NDR : en Géorgie, pas en Grèce), demeure effacée par l’ombre de REM, son illustre voisin de pallier. Moins obnubilés par la FM que la bande à Michael Stipe, Elf Power officie au cœur de l’indie rock américain. Mercenaires, planqués derrière le timbre d’Andrew Rieger, nos Américains revisitent les frasques psychédéliques des Flaming Lips, mais sans l’aplomb d’un Wayne Coyne. Plus introspective, ostensiblement tournée vers les décors de l’americana, la musique de Elf Power convie violons et contrebasses au grand mariage des guitares. La cérémonie compte quelques bons moments (« Somewhere Down The River », « King Of Earth ») et les invités du banquet affichent un sourire de circonstance. Mais une fois les réjouissances terminées, la vie reprend son cours. « Back To The Web » est là, quelque part dans nos mémoires. Mais il n’a guère marqué nos esprits.
Après s’être drogué les tympans aux sons de « Rehearsing My Choir » (2005), album conceptuel (hommage psychotique à mamy Friedberger par ses petits-enfants adorés) et hautement expérimental, Matthew et Eleanor Friedberger nous reviennent pour un quatrième disque touchant - cette fois – la réalité du bout du petit orteil. Pourtant, l’entrée en matière de Bitter Tea à de quoi repousser les derniers courageux et finir de rassembler les adeptes de la secte du rock transcendental. Culminant au sommet de cette approche déglinguée, « Black-Hearted Boy » nous gratifie d’un moment d’anthologie : une bande inversée des vocalises d’Eleanor. C’est donc barré au possible ! En grand gourou de la folie psychédélique, Matthew prêche la démence musicale et c’est tout un pan de « Bitter Tea » qui verse dans une surprenante expérimentation (« I’m In No Mood », « Teach Me Sweetheart », etc). Et puis, au grand étonnement de nos oreilles, les Fiery Furnaces renouent avec la pop. C’est le bonheur. « I’m Waiting To Know You » réactive la controverse : sont-ils réellement fous ou jouent-ils la carte de la maladie mentale ? On les pensait perdus. Et revoilà les Fiery Furnaces serpentant dans des univers chancelants, communément identifiables sur « Blueberry Boat » (2004) et « The Fiery Furnaces EP » (2005). Assez éloignés du schéma type de la chanson, tel que défini par les musicologues contemporains, les Fiery Furnaces explorent d’autres dimensions. Seuls sur leur planète, ils signent « Benton Harbor Blues », mélodie sixties désuète plantée dans un décor de jeu vidéo. Et sur ce, aucun doute : les champignons magiques de Mario Bros colorent la verte prairie de nos Fiery Furnaces !
Déversant sur les ondes une brit-pop proprette et gracieuse depuis la sortie du EP « Swim » en 1996, Feeder fait partie de ces groupes pour lesquels on ne peut s’empêcher d’éprouver de la sympathie. Formé en ‘92 par Grant Nicholas (chant) et Jon Lee (batterie) avant d’être rejoints en ‘95 par Taka Hirose (basse), le trio réunit tous les ingrédients scénaristiques d’un bon gros mélo : des personnages attachants, une histoire bouleversante, un happy ending… Bien plus intéressante que le scénario lui-même, « The Singles » en serait la bande-son indissociable. De par cette rétrospective, dont le point de départ a été fixé à 1997, année de sortie de « Polythene », Feeder clôt un chapitre mouvementé de sa carrière. Cette dernière ne décolla véritablement que lors de la publication de « Yesterday Went Too Soon » (’99), disque qui contribua à faire de la formation une valeur sûre en Grande-Bretagne. Mais ce récapitulatif n’en serait pas un s’il manquait à l’appel les inévitables « Buck Rogers » et « Seven Days In The Sun », tous deux issus de « Echo Park » (2001), disque à l’origine de la gloire internationale du trio. C’est d’ailleurs peu après la tournée de promotion de ce dernier que Jon Lee met fin à ses jours. Accablés par cette perte, Grant Nicholas et Taka Hirose prennent la sage décision de continuer leur route en tant que duo. Ils sont cependant rejoints à la batterie par Mark Richardson, ex-Skunk Anansie pour l’enregistrement de « Comfort In Sound », disque pesant, hanté par le fantôme de Jon Lee. « Just The Way I’m Feeling » et « Come Back Around » restent d’ailleurs aujourd’hui les singles les plus poignants du groupe. La charge émotionnelle de l’écriture de Grant Nicholas s’assouplit tandis que « Pushing The Senses », dernier album en date, s’étend dans les bacs. Entre-temps, la collaboration de Mark Richardson, qui devait être temporaire, devient permanente. Enfin, retour au présent. Les inédits « Lost & Found », « Save Us » et « Burn The Bridges », qui sont indubitablement les titres les plus enjoués depuis la période « Echo Park », témoignent de la renaissance d’une formation restée trop longtemps en deuil. La page est apparemment tournée. Feeder continue sa route, le cœur moins lourd et l’esprit plus apaisé.
Dans le registre plus c’est kitch, plus c’est con, voici les Gitogito Hustler. Quatre Nippones qui chantent comme si leur vie en dépendait et qui, par la même occasion, mettent la nôtre en péril. D’une voix haut-perchée, elles scandent leurs hymnes à deux balles qui sonnent tous comme des génériques de cartoon pour arriéré du bulbe. Sans foi ni loi, elles piquent les intros et les riffs d’à peu près tout le monde sans aucune vergogne. Et pour ne rien arranger, massacrent le « Locomotion » de Jerry Goffin et Carole King qui ne leur avaient pourtant rien fait de mal. Petit aveu, complètement bourrés, on a bien ri quelques minutes mais la gueule de bois n’en fut que plus sévère. Dans les notes de pochettes, elles sont comparées aux Supremes, aux Ronettes et aux Shangri-Las. Odieuse insulte, elles n’arrivent pas à la moitié de leurs talons aiguilles. Autant s’user les yeux en matant les bas résilles de ces grandes dames que les oreilles par la faute de cet abject objet. Mon mal de crâne va mieux, merci.
Echappé de Moshi Moshi Records, Hot Chip signe son premier essai sur une major. De prime abord émétique, le voyage électro-pop kitsch du combo ne s’apprécie que si effectué en plusieurs étapes. Discerner si le contenu de « The Warning » est de nature emphatique ou tout simplement inventive s’avère être une tâche des plus laborieuses. D’abord, il y a ces premiers morceaux, « Careful » et « Colours », sirupeux et dérisoires. Noyé entre ces deux titres, même l’excellent single « And I Was A Boy From School » perd de son potentiel. Toutefois, la vitalité déployée sur « Over & Over » permet au navire de quitter les eaux troubles et à ses passagers de voguer vers des lieues plus accueillantes. Malheureusement, même si l’équipe clôture sa croisière atypique sur une note positive (le très new-wave « No Fit State »), elle ne tient que difficilement la distance. Original et rasoir à la fois, « The Warning » ne s’inscrira pas dans les annales de l’électro. S’ils veulent faire des vagues, les Hot Chip devront pagayer plus fort que ça…
Oh Jewel, Oh ma belle, que ce nom te sied à merveille. A chacun de tes retours mon petit cœur bat comme celui d’un écolier face à sa jolie maîtresse. Je dois l’avouer, tu es mon péché mignon. Il m’arrive cependant d’être déçu par certains de tes délires minaudiers ou carrément pédants. Mais oui, souviens-toi de l’horrible « Spirit » de 1998. Pire encore « 0304 » (2003), cette atrocité que je n’arriverais jamais à saisir. Heureusement, pour mon plus grand bonheur, ton naturel revient toujours au galop. « Goodbye Alice In Wonderland » nous emmène à nouveau dans ton univers naturel, là où le soleil semble briller éternellement. Ce même univers que tu avais grossièrement laissé en plan après « This Way » (2001). Tel un roman autobiographique, chaque morceau nous dévoile un chapitre de ton intimité. Tu es capable à la fois de nous fasciner (« Long Slow Slide »), de nous toucher (« 1000 Miles Away ») ou, pour la bonne mesure, de nous emmerder de temps en temps (« Drive To You »). La femme parfaite, en gros. Toutefois, si je n’avais qu’un seul conseil à te donner, Jewel, je te proposerais de retourner t’enfermer dans ta cabane du fin fond de l’Alaska et de n’en ressortir que lorsque tu auras retrouvé toute l’essence de ton inspiration et l’authenticité émotionnelle qui avaient fait de « Pieces Of You » (1995) un véritable chef-d’œuvre. Tu es sur la bonne route, certes, mais tu as encore bien du chemin à faire, foi d’amoureux transi.
Se targuant d’être à l’origine de la « Revolution du Cool », Kyle Jason s’interroge : « Why Am I So Funky ? ». Du coup, nous aussi on se pose des questions. Pour qui se prend-il, ce petit gars ? En fait, la réponse est simple. Ce mec est un super héros. Sa mission : sauver le Funk et nos tympans par la même occasion. Son arme secrète : un groove naturel doublé d’une classe sans pareille. Ses pères spirituels, dont il n’a plus rien à apprendre, s’appellent Prince ou encore James Brown. Et enfin, son pouvoir, Kyle Jason l’a acquis en aspirant toute la sève de la black music issue ‘d’un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaître’ pour ensuite la resservir à sa sauce (« Hot Sauce » devrait-on dire). Tenue de soirée obligatoire dans l’antre de Mister Jason et de son acolyte, Chuck D, où cigares et whisky sont des accessoires indispensables pour une fête réussie. Ici, les demoiselles sont des Ladies et sont traitées en tant que telles. Ambiance zen et bon enfant sous les phonèmes jazzy de « Cat-O-Tonic » et « Round Peg In A Roomfullasquares » ou encore les vibrations soul de « People People » et « After midnight ». Occasionnellement, notre héros s’attelle à courtiser la donzelle à coups de mièvres crooneries pour lesquelles on ne lui tiendra point rigueur (« Paris Sky », « Simone By Moonlight » et « I’m Tired Of Being Your Friend »). S’il parvient à nettoyer les ondes des parasites qui les encrassent (prends ça dans ta gueule, 50 Cent !) et enseigner son savoir-vivre aux stars du rap en devenir, Kyle Jason aura vite fait de gagner la reconnaissance et le respect d’une très large partie de la population universelle. Par ailleurs, les premiers exploits de ce ‘Soul Man’ sont illustrés dans un DVD bonus bien fourni mais d’une durée assez limitée: interviews, extraits ‘live’ et clips vidéos (« Hot Sauce » et « Dopeman »). La révolution est bel et bien en marche.
Après un ep plutôt réussi mêlant punk-funk dansant et indie hystérique sexy, les Rogers Sisters nous reviennent plus pertinent(e)s que jamais. Ce qui n’est déjà pas un mince exploit. Sans blague, à croire que les mini-albums jouissent d’une plus grande liberté artistique. Juste avant que les maisons de disques ne récupèrent l’affaire et javellisent le tout d’un coup de Kärcher magique. Les Yeah Yeah Yeahs, les Raveonettes, après des ep’s secs et nerveux, furent aseptisés à grandes eaux. Les Rogers Sisters, eux, ont évité de justesse le balai et le savon et sentent encore un peu sous les aisselles. Riffs ciselés, chant tour à tour désabusé et contestataire : « Why Won’t You » en ouverture et « The Conversation », parfaites. L’alternance des voix féminines et masculines est un vrai régal, Thurston et Kim ne sont jamais très loin. S’écartant du schéma pop classique, ils osent deux chansons de 8 minutes mais en aucun cas pompeuses : « Your Littlest World », basse chaloupée visitant les méandres d’une psyché tourmentée et « Sooner Or Later » qui clôt le disque en montagnes russes. Profitez-en tant que Big Brother ne lorgne pas encore dans leur direction.
Les temps changent. Forcément. Quand on abandonne ses shorts à fleurs, qu’on retire son pif de la farine, qu’on extirpe l’aiguille qui chatouille ses moindres vaisseaux sanguins, on finit par se retrouver à poil, la queue emballée dans une chaussette. Le punk et le funk sont ainsi restés au placard d’un siècle passé. En franchissant le cap du nouveau millénaire, les Red Hot ont délaissé leur côté suicidaires-rebondissants-sur-les-plages-de-coke-californiennes pour ne conserver que le côté californien de la chose. Depuis « Californication », Flea, Kiedis, Frusciante et Smith s’affairent à produire une pop West Coast branchée radio bobo. En 2002, « By The Way » confirmait la tendance.
Cette année, les Peppers s’assument sans poppers et travaillent leur sex-appeal dans une salle de muscu de Malibu. Résultat : « Stadium Arcadium », un double album moins pénible que prévu. Pour se chauffer les biscoteaux, nos quatre musiciens se sont, une fois encore, entourés de Rick Rubin, coach attitré de l’équipée. Une fois l’hideuse pochette surmontée (la compile de l’été du pauvre ?), on se retrouve dans l’univers des Red Hot. A la base, le quatuor était désireux de sortir trois disques sur l’année. Les ardeurs calmées, le projet tiendra finalement sur ce double album (Mars et Jupiter). Soit vingt-huit chansons pour fumer et discuter. Et, bonne nouvelle, il y aura également à boire et à manger ! En bout de course, exténué par un marathon de deux heures d’arrogance boursouflée, on s’accorde un constat : « Stadium Arcadium » devrait se réduire à Mars (ou Jupiter). Certes, les Californiens n’ont plus rien à prouver. Entrés au Panthéon du rock avant même de clamser d’une overdose de coco, les Red Hot peuvent aujourd’hui tout se permettre. Mais sous certaines conditions. En effet, comment peut-on sortir un tube aussi mièvre que « Dani California » quand on signe des hits de la trempe de « C’mon Girl », « Snow (Hey Oh) », « Charlie » ou « We Believe » ? Comment peut-on admettre les soli pompiers de Frusciante (« Wet Sand », « Turn It Again ») quand on connaît la valeur de ses travaux solo ? On cesse de s’interroger. Car quand on est supporter, on gueule ou on se tait. Et en pénétrant dans le « Stadium Arcadium » des Red Hot, faut rester calme, attendre les meilleures actions pour, enfin, vibrer et se remémorer les victoires passées.
Que feriez-vous si votre maison et tous vos biens disparaissaient en fumée ? Sarah Slean, elle, s’isolerait dans une cabane, non loin d’Ottawa. Là, elle écouterait ses idoles : Björk, PJ Harvey ou encore Radiohead… A son tour, elle prendrait sa guitare ou s’installerait au piano et composerait des mélodies subtiles et pourtant limpides. Au rythme de ses humeurs imprévisibles naîtraient des perles pop telles que « Pilgrim » ou le faussement sombre « The Score » (très proche d’An Pierlé). Entre temps, elle dessinerait ses rêves, où les anges blessés en pleine nuit tentent de se relever au petit jour… ‘Terrible calm, terrible cold. This dream I have, it’s gold…’ (« Vertigo ») Enfin, tout cela mis bout à bout, elle signerait un disque fort et tendre, innocent et caractériel. Avec cet album, elle pourrait alors ajouter son nom à ceux de ses artistes préférés, juste entre Suzanne Vega et Fiona Apple. « Day one », ce serait plus qu’un nouveau jour : ce serait une saison nouvelle, où la chaleur vient titiller la fraîcheur. La Canadienne prendrait même la précaution de nous réveiller à la fin du disque (« Wake up »), avant le dernier titre (caché)… Puis elle s’en irait et nous laisserait sereins, presque amoureux… Mais ce n’était pas un rêve. Et sa maison a brûlé…
Austin, Texas. Quatre jeunes chevelus s’affairent sur leur Epiphone. Du bruit, du lourd, du bon. Bryan Richie, JD Cronise, Trivett Wingo et Kyle Shutt (le mal nommé) nous assènent une claque démentielle, un album Stoner pur jus. Les neuf titres bouillonnent d’une saturation bienfaisante. Et l’aiguille part à la recherche du rouge perpétuel. Bienvenue chez The Sword, le groupe de Heavy-Stoner le plus excitant depuis les Queens Of The Stone Age – carrément! Sur « Age Of Winters », tout est en germe. Nous sommes ici aux confins des univers de Black Sabbath et de Kyuss. La sympathique intro de « Iron Swan » se rappelle ainsi aux bons neurones d’Ozzy et quand le riff retentit, on craint de le voir surgir, une chauve-souris à la bouche. Au chant, JD Cronise s’inscrit indéniablement dans la continuité de l’ami Osbourne mais n’oublie pas de chiper quelques envolées chez Scott Hill (Fu Manchu). A l’arrivée, les riffs nous chatouillent le bulbe rachidien et nous retournent le cerveau. A la dure, à grands coups de guitare, on trépasse. Ecouter « March Of The Lor » et se perdre dans les aigus, se laisser engourdir par la saturation psychédélique de « Celestial Crown ». Ecouter The Sword, égarer son regard dans cette pochette médiévale, inspirée d’un jeu de rôle elfique : « Age Of Winters ». Assurément une de nos aventures préférées du moment.
Mine de rien le combo d’Andy Cairns vient d’asséner son onzième opus, « One Cure Fits All », sous la forme d’un coup de poing. Il faut dire que depuis le génial « Troublegum », le trio irlandais ne s’était plus distingué au travers de ses productions dénuées de toute originalité. Il se dégage de cette nouvelle plaque une volonté évidente de reconquérir le public de la grande époque où le combo pouvait s’offrir le luxe de s’accorder Werchter trois années consécutives. D’entrée de jeu, il est clair que le metal-punk-rock des années heureuses est toujours aussi réjouissant, à l’époque où Rammstein, Cradle of Filth, Danko Jones et Tool font la loi. Certains titres apparaissent même comme des singles potentiels, d’autres comme des skeuds taillés pour la scène. Même si l’artwork de la pochette n’est pas une œuvre d’art inoubliable, cela n’empêche pas « One Cure Fits All » de nous faire du bien là où ça fait mal.
Et c’est bien là l’essentiel…
Quand on connaît la discographie respective de Will Oldham et des têtes chercheuses de Tortoise, forcément l’on salivait à l’annonce d’un disque composé en commun, même s’il s’agit de reprises. D’un côté l’un des apôtres de la scène néo-country, ex-fomenteur des divins Palace, de l’autre les parrains du post-rock, réunis pour la première fois sur un disque qui se devait d’être explosif… Mais au final, « The Brave and The Bold » se révèle décevant : alors qu’on s’attendait à un clash de titans, le résultat pèche par auto-complaisance. Où se terre donc la folie créatrice qui suinte tant des albums de Tortoise et de Bonnie ‘Prince’ Billy, qu’en est-il de l’ingéniosité qui parcoure l’essentiel de leur œuvre ? Une telle collaboration aurait dû enfanter d’un grand disque : à la place on s’ennuie à l’écoute de ces gentilles covers, jouées sans vigueur et sans chambardement. Seul le « Daniel » d’Elton John connaît un traitement atypique, tout en boucles et guitares diffractées… Pour le reste, c’est un bide (Devo, Richard Thompson, Minutemen, Melanie, Bruce Springsteen, Lungfish, Don Williams, Milton Nascimento, Quix*o*tic) : un comble pour Tortoise et Will Oldham, d’habitude plus fureteurs que glandeurs. Le début de la fin ?
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