‘Fils de pute, espèce de Z, lettre en trop de l’alphabet !’, éructait Shakespeare quand il était fâché, et s’il était encore vivant il écouterait My Morning Jacket pour calmer ses nerfs. Dès les premières notes de cet album faramineux, commence pour l’auditeur béat un voyage dantesque, aux confins de l’americana profonde, du reggae, de la pop, du soft rock, de l’ambient et du boogie hard rock à la Lynyrd Skynyrd. La basse ondulante et la batterie cotonneuse de « Wordless Chorus » ouvrent la voie : royale, jusqu’à l’extase finale, ce « Dondante » qui nous donne envie de mouiller notre slip. Que Jim James hulule comme un forcené qui aurait vu la lumière, c’est un petit détail : certains ne le supporteront pas, et pourront toujours réécouter U2 en moulinant des bras. Si Jim James et ses potes (Quaid et Danny Cash s’étant fait la malle, ils ont été remplacés par Carl Broemel et Bo Koster) n’ont pas peur de la mélodie qui tue, du riff qui touche en plein cœur à force de persuasion, c’est sans doute parce qu’ils incarnent à eux seuls les derniers grands chevaliers du rock épique et romantique… On parle bien ici d’expérience religieuse, voire sexuelle, ce qui revient quasi au même. Comment résister aux assauts pharaoniques de toutes ces guitares tournoyantes (« Lay Low »), aux glissandos acoustiques et aux flûtes vespérales d’« It Beats For You », qui porte bien son titre ? Notre cœur bat pour ce disque, qui ne connaît aucune descente d’adrénaline : qu’il s’agisse du rock christique de « Gideon » (amen) ou des plans sudistes d’« Off the Record », avant l’entourloupe à la Air, difficile de rester dans le doute : si « Z » est bien la dernière lettre de l’alphabet, cet album occupe la première place dans le hit-parade de nos rêves les plus fous. Il s’agit d’un chef-d’œuvre, pas moins, dont les derniers couplets résonnent comme l’absolue vérité : « Deep in my heart / I will remember you ». On ne pouvait trouver meilleure conclusion.
Les rednecks sont de sortie. On leur a même prêté des guitares, cette fois. Entre deux bibines, ils chantonnent des machins qui s’apparentent plus ou moins à de l’americana de bas étage. Le leader de la bande, Scott Miller, imite à la perfection les vocalises haut-perchées d’Ed Kowalcyk. Mais la propension à provoquer de l’urticaire est, ici, exponentiellement supérieure. De l’hymne white trash « Jody » à « The Only Road » et son refrain répété à l’infini, on patauge dans la boue texane. Entre deux frasques vocales ratées, le cul-terreux nous rappelle combien il est bon de vivre aux États-Unis en réinterprétant le classique patriotique de Neil Young, « Hawks & Doves ». Affichant un ridicule « Parental Advisory - Explicit Lyrics » sur la pochette comme argument de vente, « Citation » ne dure que 36 minutes. Et c’est déjà 36 minutes de trop…
Quand la mélodie rencontre une voix! Declan nous entraîne tranquillement au cœur d’une bal(l)ade propice aux refrains à reprendre en chœur. Quoique très bien maîtrisée, la voix enivre. En fait, Declan O'Rourke peut se targuer de disposer d’un organe proche d’un Ray Vaughan voire de feu Jeff Buckley! En outre, ses compos sont du même acabit. Cet Irlandais vient donc de commettre un tout premier album intitulé "Since Kyabram". Empreints de charme, les 11 titres du disque conjuguent tendresse et d'humilité, sur des textes limpides et des mélodies envoûtantes... Des mélodies notamment entretenues par des guitares subtiles et raffinées par des drums tout en retenue. Juste ce qu’il faut, quoi ! Un disque épatant, propre, soigné. Un regret ? L’absence de compos un peu plus énergiques. Histoire de mettre un peu de baume au cœur à ces épanchements d’émotions. Pourtant, malgré son apparence paisible, cet elpee ne sombre jamais dans le spleen. Ce qui n’empêche pas Declan de maîtriser à merveille l'art de la ballade romantique et émouvante. A l’instar de "Sarah", une chanson d'une rare beauté et de "Galileo ", un morceau au cours duquel la voix nous propulse sur le satellite du même nom. Maintenant, je ne conseillerai certainement pas ce disque aux couples qui viennent de rompre…
De bonne facture, cet album a de quoi laisser rêveur. On a la douce impression de se promener au milieu d'une forêt issue d'un conte fantastique. Son univers pop/rock est propice à la rencontre d’effets (NDR : d’elfes ?) folks et psychédéliques. Originaire du nord de la France, ce groupe parvient à se démarquer de tout ce qu'on trouve sur la planète rock en ce début de troisième millénaire. Bref, il est original ! Inondée de sonorités bigarrées, sa musique semble héritée en ligne droite de groupes comme Tortoise ou Use of Ashes. Les musiciens ont recours à une multitude d'instruments : des guitares électriques et acoustiques, des synthétiseurs, un saxo et bien d'autres encore... S’il est difficile de rester insensible à l’expression sonore de Pepe Wismeer, il faut reconnaître que son premier opus risque fort de ne pas plaire à Monsieur Tout le Monde. En d’autres termes il est assez complexe. Personnellement, j’apprécie tout particulièrement un morceau comme "The care sleeps" ; il me rappelle allègrement le style d'un certain David Gilmour...
A la vue de la pochette, on croit à un cd offert à l’achat d’un Flair dont la une s’adresserait aux pré-mamans. « Surprise », ce n’est pas spécialement pour elles. Ce disque-ci, c’est surtout aux fidèles fans qu’il plaira. 'Nothing is different but everything’s changed', chante-t-il (« Once upon a time there was an ocean »). Autrement dit, dans le cas de ce disque, le fond reste celui propre à Paul Simon : un type de songwriting à part et une voix qu’il n’est plus besoin de louer. Sans oublier ses textes beaux et intelligents sur les thèmes récurrents de la famille (la touchante déclaration de « Father and daughter », la question de l’adoption dans « Beautiful »), la foi (« Wartime prayers ») et l’Amour (« Everything about it is a love song »). Des textes pacifiques et (très) engagés aussi tels que sur « Outrageous » et « I don’t believe ». Les changements résident dans la forme. Paul Simon a fait appel à d’illustres invités : Herbie Hancock (piano), Bill Frisell (guitare électrique), Steve Gadd (batterie) et Tchad Blake au mix. On notera surtout la participation de Brian Eno, à la conception de l’habillage électronique. Cependant, il est loin d’être certain que cette présence, aussi bénéfique soit-elle, ne suffise à convaincre l’auditeur néophyte. Rien n’est différent, certes, car on retrouve bien le Paul Simon que l’on connaît; néanmoins tout a changé et, malgré les nombreuses écoutes nécessaires pour apprécier ce nouvel album, la surprise est plutôt décevante...
« Now Here is Nowhere » : tel est le titre du premier album de ces trois New-yorkais, sorti il y a deux ans. Un condensé plutôt fameux de prog/krautrock seventies, en version FM pour plaire aux fans des Strokes. Depuis lors, les Secret Machines ont joué en première partie de Muse. Et ça s’entend sur leur nouvel album. Si Josh Garza continue son irrémédiable saupoudrage tribal (la batterie minimale), les frères Curtis donnent quant à eux l’impression de beaucoup aimer The Edge. « Ten Silver Drops » sonne ainsi comme du proto-prog de stade pour fans de U2, et s’il y a des machines (un synthé ? des tubes ?) on se demande en quoi elles se révèlent secrètes. Au lieu d’affirmer leurs contradictions, nos trois gaillards ont donc préféré prendre la tangente commerciale : pas beau, et d’un ennui profond. Seul « Daddy’s in the Doldrums » ressemble un tant soit peu à de la Kosmische Muzik : le groove est sec, l’étirement salutaire, même si on reste fort loin d’un bon trip à la Neu ! Une amère déception, d’un groupe qu’on croyait plus subtil.
Etablis en Suisse, les Scrucialists servent de ‘backing band’ aux artistes jamaïcains (Lady Saw, Ward 21) qui transitent par la Confédération Helvétique. Ils ne se contentent pourtant pas uniquement de ce rôle et proposent sur cette plaque leur propre production musicale, enrichie des voix de quelques pointures jamaïcaines et locales. 17 morceaux qui épousent avec bonheur tous les styles du reggae, du dancehall au ragga en passant par le roots. Un effort sans prétention mais d’une qualité musicale exceptionnelle qui a bien inspiré les invités du projet. L’opus s’ouvre par Luciano, plus Dennis Brown que jamais. Il se fend d’une chouette ballade romantique intitulée « So Glad I Found ». Sur « Cross the Board », Burro Banton et Pinchers rappellent Chaka Demus & Pliers, un mélange de douceur et d’énergie sur un riddim qui s’inspire des rythmiques digitales de la seconde moitié des années 80. Le légendaire Dj Lone Ranger excelle sur le groovy « One Drop Come Back », une évocation nostalgique d’une époque bénie du reggae. Orienté dancefloor, le futuriste « My Love is No Secondhand » surfe sur des rythmes rapides traversés de sons électro. Musicalement magistral, il souffre cependant de la prestation vocale mielleuse de Nateesha Stream. « Compliments » est une martiale rythmique dancehall sur laquelle la talentueuse Lisa Dainjah alterne phases rappées et chantées du plus bel effet. Le Suisse Lion Face pose son efficace voix rauque sur l’aérien « Rise Up » qui rappelle les productions tardives de Lee Perry à l’époque du studio Black Ark, en moins psychédélique. Sur une rythmique plus expérimentale, le grave « Things Come To Pass » bénéficie de la voix habitée de Robert Levy. Plus tubesque et en allemand dans le texte, le « Radio » des Helvètes Phenomden contient un refrain imparable. On termine par Half Pint, une autre légende qui se fend d’une belle ballade romantique en guise de titre maître. Excellent et vivement conseillé à tous les amoureux de musique jamaïcaine sous toutes ses formes.
Effet de mode ou non, le Québec envahit souvent nos ondes à coups de Natasha St-Pier ou autres Isabelle Boulay. Cette 'nouvelle découverte' ne joue pas dans cette cour. Au contraire, le registre de Marie-Jo Thério serait plutôt intimiste et discret. Sur cet album éponyme, elle conte en douceur des histoires pas toujours heureuses et parfois enfantines (« Brille brille petite tortue »). Son interprétation, bourrée de retenue (elle chuchote parfois) n’est pas sans rappeler une certaine Carla Bruni, également chez Naïve. On pense aussi parfois à Lynda Lemay ou à Jane Birkin comme dans « Café Robinson », où elle susurre et, en bonne acadienne, maîtrise le franglais. Ses chansons, principalement accompagnées d'un piano, content sa ville natale, Moncton (son accent est plus prononcé sur ce morceau), les jardins de « Matavenaro » et l’affligeante histoire d’« Evangéline ». En dehors de ces instants mélancoliques, « Song for Lydia Lee » (qu’on imagine aisément chanté par des sirènes joyeuses, version Walt Disney) vient heureusement casser la tristesse ambiante. « Bodily deltas » offre un sympathique moment à voix multiples avant de replonger dans la langueur des « matins habitables ». Mais Marie-Jo Thério n’est pas seulement tendre : avec « J’vais m’en aller », elle dévoile la face plus tendue de sa personnalité, plus rock. De même pour la 'ghost track', « Come on Marty », sur laquelle elle se révèle en fin de compte plus groove, plus cool… Au final, il s’agit d’un disque timide qui s’adresse principalement à 'ceux qui croient en l’amour et qui espèrent', comme elle le chante.
Welcome 2 Miami nous vient de l’Hexagone. Une formation dont le rock très énergique, légèrement teinté de métal devrait plaire aux teenagers. Une influence majeure ? At the Drive-in ! La formation est née en 2002 de la rencontre entre Gui, Al, Arnaud (Munkyposse), Florent (Hawaii Samurai) et JP (Nothing To Prove). Le groupe s'est récemment fait remarquer aux Eurockéennes de Belfort. Et dans la foulée a rejoint le label marseillais Customcore (NDR : mieux connu pour avoir notamment signé Curtiss). Le quintet nous propose son premier EP "The (silent) cathodic chaos", un disque sur lequel figure "Robocop has an accident", une excellent compo au cours de laquelle le drummer se montre particulièrement efficace ainsi que "Golden goddess for lusty people", un fragment qui démarre en fanfare, mais surtout nous rend quelque peu nostalgique d’un certain rock des années 80. Un premier opus devrait suivre dans les prochains mois. En attendant, le combo figurera à l’affiche de plusieurs festivals français. Encore méconnus du grand public, il ne devrait pas tarder à se frayer un chemin au sein de l’univers pop/rock, outre-Quiévrain…
Deux années plus tôt, nous découvrions « Bamnan and Slivercork », premier album des Américains de Midlake. De leur petite bourgade texane de Denton, les cinq musiciens signaient un disque attachant, concentré de chansons bricolées la tête dans les étoiles. Là où « Bamman and Silvercock » appelait à rapprocher Midlake de Grandaddy ou des Flaming Lips, «The Trials Of Van Occupanther » façonne une identité unique. Par ce disque, Midlake passe de l’autre côté de la frontière. D’inspiré à inspirant, de référencé à référence. Les oreilles encore rougies par la claque ramassée à l’écoute de l’introductif « Roscoe », on poursuit notre odyssée musicale au son de « Bandits ». Le temps de cette chanson, les Texans se posent sur les rebords du littoral, les yeux perdus dans l’immensité de l’océan. « The Trials Of Van Occupanther » arbore une pochette ininterprétable. Que fait cet homme jaune dans les bois aux côtés de cette vieille tête de chat ? A l’image de sa pochette, la musique de Midlake se joue des définitions. Que fait ce disque dans la discographie de ce groupe insoupçonné ? L’éponyme « Van Occupanther » nous berce au gré d’harmonies délicates, promesses de lendemains sans chagrin. Le violon introduit ensuite « Young Bride », pur moment de génie. Brian Wilson est fou, vive Midlake ! Parfois, on note l’incursion scintillante de synthés désenchantés (« We Gathering in Spring », « It Covers The Hillsides »). On reconnaît alors un certain charme à cet instrument tant de fois critiqué. « The Trials Of Van Occupanther ». Même ce titre n’a pas de sens. Le temps s’est arrêté. On cherche à comprendre ce qui est arrivé. Mais il n’y a rien à comprendre. Tout à prendre.
Révélé par « Cosy In A Rocket », générique de l'excellente série médicale « Grey’s Anatomy », Psapp pratique de l'indie arty des plus atypiques. Engendrées à partir d’instruments peu conventionnels, les compositions de « The Only Thing I Ever Wanted » sont à la musique ce qu’Andy Warhol était à l’art : du pur génie créatif. Guitares et autres batteries au placard, c’est à l’aide de jouets pour mioches et autres machines aux sonorités bizarroïdes que le duo s’attache à bouleverser notre conception de la mélodie. En effet, vous pouvez oublier tout ce que vous avez toujours cru savoir sur la musique ! Psapp la réinvente et en repousse les limites. De « Hi » à « Upstairs » en passant par le premier single « Tricycle », on reste littéralement sur le cul. La platine sur repeat, plus moyen de faire quoi que ce soit hormis se concentrer sur cette petite merveille. C’est comme si les petits chats extraterrestres de la pochette avaient contribués à l’enregistrement du disque, y ajoutant une substance addictive inconnue des pauvres mortels que nous sommes. Ce second essai, entremêlant légèreté d’écriture et complexité symphonique, recèle tellement de subtilités et d’inventivité que chaque écoute devient une découverte. Peuplé d’une myriade de créatures à la fois étranges et accueillantes, l’univers parallèle de Galia Durant et Carim Clasmann est parcouru de paysages à la beauté ensorcelante dans lesquels on se perd sans même se soucier de retrouver son chemin. En quelques mots, « The Only Thing I Ever Wanted » doit, incontestablement, être le disque le plus créatif de ce début de siècle. Je ne sais pas ce que vous faites, mais moi j’y retourne.
Après avoir sorti un « best of » l’an passé, l’hyperactive Natacha Atlas revient avec une nouvelle plaque enregistrée sous la houlette de Count Dubulah, vieux complice de l’époque du Transglobal Underground. Il prend en charge une bonne partie de la musique contenue dans ce « Mish Maoul ». Comme d’habitude chez Natacha Atlas, la rencontre entre les Continents est la règle : des éléments nord-africains se mélangent à l’Orient, le tout passé par le filtre de l’électronique. La première bonne décision de l’album est d’avoir centré son propos sur ce qu’elle fait de mieux. Pas de reprises vaseuses ici (du style « Mon amie la rose » ou « I Put A Spell On You »), ni de grandes tentatives grand public, si on excepte les très radiophoniques mais respectables « Feen » ou « Bathaddak » qui font le grand écart (sans claquage) entre ragga, r’n’b, cordes égyptiennes et percus marocaines. Parmi les franches réussites du disque, on signalera l’excellent « Hayati Inta » mélopée hypnotique glissant sur un tapis de percus, des instruments à souffle stridulants, une contrebasse et un chouette solo de guitare digne de Brian Jones dans sa période psychédélique. Dans un autre genre, la bossa arabisante de « Ghanwa Bossanova », avec ses sons de synthés d’orchestre cocktail des années 70, recèle une atmosphère totalement désuète mais charmante. « Bab El Janna » profite des sons luxuriants de l’Orchestre du Golden Sounds Studio du Caire. Bref, si on excepte un « La Lil Khowf » qui lorgne plus du côté de la variété, ce « Mish Maoul » constitue un parcours quasi sans faute qui devrait réconcilier les fans de la première heure.
Du trip-hop de « Londonium » (1996) à la tentative plus pop de « Take my head » (1999), de l’exercice réussi de la BO de « Michel Vaillant » (2003) à la nervosité rock de « Noise » (2004), Archive expérimente, avec plus ou moins de brio, divers univers musicaux. La pochette du nouvel album, « Lights », annonce une certaine évolution, mais n’allons pas trop vite en besogne. Si le chanteur Craig Walker, l’irremplaçable remplacé, n’est plus de la partie, c’est désormais Pollard Berrier qui prête une voix plus maîtrisée aux compositions de Darius Keeler et Danny Griffiths. Le groupe originaire de South London semble avoir trouvé la formule : un accord répété poussant l’entêtement, dans les meilleurs cas, à un certain psychédélisme (« Sane », « System »). Plus souvent, dans le pire des cas, l’absence d’évolution provoque chez l’auditeur une certaine frustration, pour ne pas dire une lassitude. C’est d’autant plus regrettable que des morceaux tels que « Programmed » ou « Sit back down » pourraient décoller et atteindre des sommets que seul « Headlights » frôle ici. Il est fort à parier que le titre éponyme à l’album, du haut de ses dix-huit minutes bien tapées, sera vite comparé au coup de maître de « Again ». Mais malgré la voix envoûtante de Pollard, la magie n’opère pas. Restent alors quelques ballades agréables pour oublier la déception : « I will fade » interprété par une Maria Q empreinte de mélancolie et « Taste of blood » qui apparaît comme la lumière au bout d’un coma qui s’achèvera brutalement.
Corinne Bailey Rae est la nouvelle sensation promue outre-Manche. A 26 ans, notre Anglaise s’ouvre les portes d’un large auditoire, déjà bien acclimaté aux vocalises jazzy de Katie Melua et autres Norah Jones. Quelques relents gospel glanés le dimanche matin dans la maison de Dieu la rapprochent également du saint esprit de Macy Gray. Ces références sacrées devraient suffire à conduire la belle sur la première marche des chiffres de vente. Mais pour combien de temps ? La seule interrogation est ici. L’album éponyme de Corinne Bailey Rae demeure irréprochable. Dans le style, l’auditeur retrouve tout ce qu’il aime : la douceur, le romantisme, les hits (« Put your records on », « Like a star »), les parades (« Trouble Sleeping »), une tessiture aimable, l’emmerde profonde inhérente à ce genre de productions (oups !), un dramatisme à fleur de peau, etc. Toutes ces caractéristiques lui ont permis d’être élue « Sound of 2006 » par la BBC. Un titre honorifique fort prétentieux à l’écoute de toutes les bonnes choses qui balayent nos oreilles depuis plus de six mois. Chez Corinne Bailey, tout est beau et sympa (un peu comme « I’d like to », son nouveau tube). Mais si cette chanteuse est ‘le son de 2006’, alors aucun doute : « Da Vinci Code » est le film de l’année !
Nederlands 
Français 
